拍魔幻电影需要什么技术

⑴ 拍电影都需要什么工具

1、摄影机

拍电影不能没有摄影机。一开始都是从借或租摄影机起头。 只是为了满足基本需求，其实索尼a7S II和松下GH5这类较便宜的选择就足够了。如果还想高档一点，那么佳能C200和松下EVA - 1是相当吸引人的机器。

2、镜头

选择镜头可能比选择摄影机更加自由，不同的项目需要不同的焦段、景别。需要在套件中有几个备用的，比如一个50mm的镜头和一个85mm的镜头，但是也可以去探索更多的镜头世界。

可以从Canon（佳能）、Samyang（三阳）、Sigma（适马）和Tamron（腾龙）等品牌的一些基本概述开始，然后进行横向对比比较——比如摄影设备租赁等网站平台提供的变形镜头测试，或者在老式电影镜头库里感受一下不同的镜头带来的独特品质。

3、三脚架

一定要购买一套性能很好的三脚架和液压云台，因为它可以适配很多摄影机，并且还能用好几年。最终选择都要确保它有一个液压水平装置，不要买阻尼式的平衡装置。液压水平装置无论是倾斜、还是平衡状态，水平平衡仪中间的小液体珠都会让你更准确地识别摄影机水平平衡状态。

4、麦克风

如果说画面对影片的影响重要，那么音质则是第二个影响观众对影片评价的因素。 如果想搭配一支指向型枪式话筒（枪麦）（可能连接到一个吊杆或c-stand）和一个无线领夹麦（包括一个发射器和一个接收器）。

5、录音机/混音器

建议用户购买一个独立的录音机（不连接到你的相机上），来管理各种音频通道。不过这对于运动竞技和纪录片制作者来说是不太需要的。但无论哪种方式，都要确保有本地XLR输入和高质量的信号线来保证音频的正常收录。

⑵ 到底什么叫7d电影和3d、5d有何不同

一、7D电影

7D互动电影是一场动感之旅。声、光、影、水、雾、烟，地震来时的强烈晃动，山崩到时的灭顶之感，超凡脱俗的技术造就了7D互动电影过硬的体验，它把影音的艺术，通过传感，光感，震动摇晃的使用等等变得真真切切，再加上五维度场景的包揽，立刻将观看者引入了其中，看电影，变成了经历了一场电影般的生活体验。

二、7D电影与3D电影、5D电影的区别

1、看电影过程中座椅震动感觉的不同

（1）3D电影没有震动感觉

（2）5D电影、7D电影当电影里面出现震动时，座椅也会震动。

2、看电影过程中现实模拟电影环境的程度不同

（1）3D电影没有在现实环境众模拟电影环境。

（2）5D电影、7D电影通过环境模拟实现风、雨、电、烟、雪花、泡泡、火焰扫腿、捅背、震动、香烟等环境效果，顺着影视内容变化可实时感受到置身“闪电、烟雾、雪花”中，在“火焰”前有灼热感，海浪扑身时会“湿”了衣裳。体验下坠、震动、刮风、下雨、扫腿等全新的真切感觉。

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立体电影发展历程

1839年，英国科学家查理·惠斯顿爵士根据“人类两只眼睛成像不同”的现象发明了一种立体眼镜，让人们的左眼和右眼在看同样图像时产生不同效果，这就是今天3D眼镜的原理。

1922年，世界上第一部3D电影是《爱情的力量》，遗憾的是，影片很早之前就已经遗失了。早期的3D电影都是以展示立体效果为主，片中常以指向观众的枪、扔向观众的物体为噱头。

1936年利用双镜头摄影机和偏振片可以造出具有立体效果的影片，但此技术具有不少限制。之后从RealD三维等技术发展、阿凡达等电影流行之后，立体影片才进一步被广泛推广。

有一名澳大利亚导演宣称，1936年纳粹德国时期已经成功拍摄两部三维电影。

1952年，讲述非洲探险的《非洲历险记》被认定为是史上第一部真正的3D长片。该片的口号是“狮子在你腿上，爱人在你怀里”。尽管《生活》杂志在当时称该片“廉价、荒谬”，但观众们仍然热情地挤进电影院去体验片中的“自然视角”。

3D片在上世纪五十年代进入了黄金时期。

1954年，当时世界上最伟大的导演们，绝大多数都对3D电影低眼相看，认为那只不过是在玩魔术而已，根本不是艺术。然而，希区柯克不这么想，他在1954年拍摄了3D版的《电话谋杀案》，成为了当时3D片中为数不多的精品。

1954年03月05日 ，环球公司推出最有名的3D恐怖片《黑湖妖谭》，该片也是至今为止惟一一部有续集的3D电影。新版《黑湖妖谭》计划在2011年上映。

1962年，我国的天马电影制片厂拍摄了国内第一部3D立体电影《魔术师的奇遇》，桑弧导演，陈强主演。后来又陆续出现了《欢欢笑笑》《快乐的动物园》《靓女阿萍》《侠女十三妹》等。

1982年，迪士尼拍摄了短片《魔法之旅》，虽然这部短片只有16分钟，但通过CGI与真人表演的混合，打造出了在当时令人惊讶的3D效果。

1982年，《13号星期五》第三部上映，本片令80年代的3D电影慢慢复苏。

1983年，3D版的《大白鲨第三集》轰动一时，放映首周就赚得1300万美元的票房。但因为电影本身水准低下，3D效果也无过人之处，很快就让观众失去了兴趣。

1985年，《魔晶战士》成为世界首部3D动画长片。

2004年，第一部IMAX 3D长片《极地特快》诞生。该片在2000块普通2D银幕上放映，3D IMAX银幕只有75块。然而就是这75块3D IMAX银幕，获得的票房占全片总票房的百分之三十。3D+IMAX的“超强组合”，让发行方看到了巨大的商业潜力。

2005年，迪士尼的动画片《鸡仔总动员》采用了新型投影技术放映，消除了以往看3D电影时容易产生的眼睛疲劳。

2008年，《U2 3D演唱会》是第一部完全用3D摄影机拍摄的真人影片，这个音乐纪录片堪称先锋。

2009年，环球的动画片《鬼妈妈》是第一部采用停格动画形式的3D电影。2009年，《阿凡达》成为有史以来制作规模最大、技术最先进的3D电影。阿凡达（Avatar）是一部科幻电影，由著名导演詹姆斯·卡梅隆执导，二十世纪福克斯出品。该影片预算超过5亿美元，成为电影史上预算最高的电影。

大卫·斯莱德（David Slade）执导的《暮光之城3：月食》已于2010年6月30日上映。影片采用3D IMAX技术 。

《暮光之城3：月食》的故事继续围绕女主角与吸血鬼爱人以及狼人之间展开，在狼人角色淡出之后，她还将面临新的吸血鬼军团的挑衅。据悉，随着《暮光之城》的人气爆炸，系列电影的投资规模亦越来越大，特效水准也将大幅度提高。

3D电影在国内大范围上映实际始于2008年的《地心历险记》。近在咫尺的细微生物、呼啸而过的珍奇异兽、过山车般身临其境的美妙感觉……100元的高昂票价和前所未有的视觉冲击力，让该片在有限的80块3D银幕放映27周，票房达6700万元，平均每块银幕票房80万元。

以票房3.2亿元的《赤壁》(上)为例，它在3600块银幕放映合每块银幕票房8万多元。比较两部影片，3D电影平均银幕票房数是普通影片的10倍！“卖一部电影的票房就收回了放映设备的投入”，堪称奇迹。

⑶ 怎么样才能拥有魔法 探秘成为魔法师的奥秘

1.学习：魔法师需要学习魔法的知识和技能，可以通过阅读书籍、参加课程等方式进行学习。

魔法师不是普通人，他们拥有一些特殊的特质，这些特质是成为魔法师的必要条件。以下是一些典型的魔法师特质：

3.冥想：魔法师需要进行冥想，通过深入的思考和放松身心，感知自然界中的能量和变化。

2.直觉：魔法师需要有敏锐的直觉，能够感知到自然界中的变化和能量搜吵空的流动。

5.师徒传承：魔法师可以通过寻找合适的师傅，进行传统的碰闭师徒传承，学习更深层次的魔法知识和技能。

4.信仰：魔法师需要有坚定的信仰，相信自己可以掌握魔法的力量。世瞎

⑷ 拍电影有哪些技术手法

手法：景物描写、细节描写、白描手法 、象征手法、电影写实手法 专业手段：哥特，蒙太奇，罗曼史 一、关于主题和题材的选择 剧本的主题思想，即所谓的 “ 灵魂 ” 和 “ 主脑 ” 。是作者在作品中体现出的中心思想。是剧作者对生活、社会、历史和现实的理解、认识、评价和理想的表现。也是剧作者用电影思维对所写的素材进行选择、剪裁、提炼后得以体现的。另外，剧作者在确立主题思想时，要考虑主题的个性、即它的独特性。剧本的题材，即是所描写的事件和内容，是经作者加工的服从主题思想所需要的素材。 二、关于素材的搜集和提炼 搜集素材的中心和目的是为了刻划剧本中的中心——人物。因此，搜集的素材应该是最能集中、有力地揭示人物心理、刻划人物性格、表达人的思想。对生活中的事件经过选择、加工和改造，使它变为从艺术要求的典型化，变为符合美学欣赏的要求。这就是提炼的作用。 三、人物性格的塑造 人在电影剧本中是最重要的主要描写对象，是构成电影艺术形象的主体。而人物形象塑造的关键是人物性格描写，其主要大核心问题是人物性格的典型性问题。 四、情节构思和矛盾冲突 电影中的情节是由一系列体现人物之间相互关系的具体事件构成，并显示这种关系的变化和发展。在情节构思中，对情节线的铺设，主要情节线和副情节线之间的配合、陪衬关系都得有一个得体合理的安排。在电影剧作中，矛盾冲突是构成情节的基础，也是推动情节发展的动力。正是通过矛盾冲突，才能更深刻地揭示生活本质。同时，通过矛盾冲突刻划了人物性格、品质，塑造起人物形象。 五、语言的运用和特征 电影剧本的语言分成两类：一类是叙述性语言，具体表现在剧本里以文字为媒介、描述声画结合的银幕形象。另一类是有声语言，指独白、旁白、对话、解说等。 六、剧本的基本叙述形式和艺术手法 1 、各种叙述形式：电影剧作的叙述形式一般分顺叙、倒叙、中间插叙等。不同的叙述形式形成了不同的剧作结构。 2 、各种剧作艺术手法：剧作者在作品中常常采取各种艺术手法。比较常用的有对比、夸张、比喻（明喻和隐喻）、重复、铺陈、排比等。剧作者是通过以上这些艺术手法，使影片变得更生动、艺术、感人。

⑸ 我想拍摄一部电影，需要的流程有哪些

1、选择剧本

这是最重要的,一般是由制片人来选择剧本，但是也不缺乏导演来选择剧本的，但是导演在选择了一部好的剧本之后就要说服公司以及制片人来为他投资，但是在21世纪的电影中导演是没有剧本改编权利的，如果他在开拍前希望改变剧本就必须经过公司上层董事会的批准。

2、资金

电影的成本不仅包括导演，编剧，摄像，演员，场景，拍摄，后期，食宿行等的费用，而且包括市场营销及宣传的费用，通常市场营销及宣传费用等于拍摄费用或1/2的拍摄费用。每部电影根据概念和要求的不同，可以分为小成本电影，中型制作电影，和大制作电影。

小成本电影基本在1000万人民币以下，中型制作电影成本基本在1000-8000万人民币左右，大制作电影成本在8000万元以上 。

国产小成本电影代表作《失恋33天》（约900万人民币，不含宣传费用），国产中型制作电影代表作《人在囧途之泰囧》（约3000-4000万人民币，不含宣传费用），好莱坞大制作电影代表作《阿凡达》（约6亿美元，不含宣传费用） 。

3、选择导演演员

中国电影不会有选择导演这种说法的，在一部电影里导演说的算，这就意味着他们不仅要对电影的质量负责还要对片场的其他方面负责，而国际电影制作中导演只需要负责好电影拍摄的任务。

在国际化的电影制作中是剧本选择导演，而不是导演选择剧本。 制片人在电影筹备时还要担当起选择演员的任务，在中国大陆这些都是由副导演来完成的。

4、明星阵容

在一部成功的电影中，不仅要有很棒的剧本,很好的故事情节，好的导演，最重要的是有大牌明星的参与，明星是电影中闪亮的焦点,也是电影票房的保障。

5、组建摄制组

摄影组包括：场记、化妆、道具、灯光、美术、后期指导、跟组剪接。

6、电影剪接

在美国的商业电影中,导演是没有剪接权利的，都是由制片公司进行剪接，但是如果是一线导演的话,那就不同了。

7、发行商

商业电影中发行商和制片商不是一家，发行商是通过竞争来取得发行权，一部电影的好坏也可以通过看发行商来表现。

8、宣传方式

就拿《强战世界》来说，早在电影放影4个月前电影的广告和宣传海报就已经出炉。

9、电影国际发行

发放电影配音权,剪编权

10、参加电影节

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前期制作

在前期制作（又称“前制”）时，必须将电影设计并规划完成，成立制片公司和制片办公室。整个制作计划要由插画家和创作艺术家进行视觉化，并制成分镜表。也会事先估计制片预算以控制拍摄电影所需要的花费。

制作人（Procer）将会雇用以下工作团队进行前制：

导演 Director - 主要负责电影中的演出部份，以及管理电影中的创意部份。

助理导演（或称“副导演”） Assistant Director (AD) - 管理拍摄计划表，负责电影拍摄的其他工作后勤协调部份。

演员导演 Casting Director - 负责寻找适合剧本的演员。通常都需要进行演员的试镜。主要角色必须很慎重的选择，通常都依据演员的知名度和受欢迎的程度来决定。

场地管理 Location Manager - 必须寻找和管理电影的拍摄地点。大部分的电影都是在可以控制的环境下拍摄，例如制片厂的摄影棚（Sound Stage）；偶尔有必须在室外拍摄的部份，就必须出外景。

制片经理 Proction Manager - 管理制作预算和制作计划。他/她也必须代表制片办公室，向制片厂的行政部门或财务部门报告电影拍摄的状况。

摄影指导 Director of Photography (DOP) / Cinematographer - 负责电影的摄影部份。他/她必须和导演、声音导演（DOA）和助理导演（AD）合作。

艺术指导 Art Director - 负责管理艺术部门，要进行拍摄场景的搭设、服装设计，以及提供化妆和发型的服务。

制作设计 Proction Designer - 建立拍摄场景、服装、化妆和发型的的视觉外观和整体气氛、感觉。和艺术指导一起进行这些东西的制作。

分镜插画家 Storyboard Artist - 负责绘制图片，来协助导演和制作设计指导与制作小组沟通彼此的构想。

音效指导 Director of Audiography (DOA) / Sound Director (SD) - 负责整部电影音效的部份。他/她必须和导演、DOP和AD合作。

音效设计 Sound Designer - 创作电影所需的新音效。

作曲家 Composer - 创作新音乐。

舞蹈指导 Choreographer - 创作并编出舞蹈和动作，通常是在音乐剧中使用。有些电影也会有“武术指导（Fight Choreographer）”。

二、拍摄制作

在拍摄时电影已经被计划好了. 制片公司和制片办公室已经设立，制片人将雇佣以下一些人员:

导演、助理、制片经理、摄影导演、艺术导演、剧本作者、混音制作、音效制作、作曲人、动作编导

三、后期制作

影片编辑负责剪切影片. 运用现代视频技术,电影录像过程导致两个分类: 一个贯穿于整个电影, 另一种则混合着视频和电影片段.

在电影工作流程中, 原始胶片 (negative) 被冲印和复制到 a one-light workprint (positive) for 用于编辑和剪接.

拍摄技术：菲林拍摄、高清拍摄

⑹ 为何拍特效电影、拍摄时背景要放绿色的布

背景放绿色的布因为：荧光绿色在电脑系统中更容易与前景分离，同时这种颜色较为明亮，不易产生黑边。除了绿色也有用蓝色背景的。

近年来特技拍摄更多采用绿幕，是因为绿幕使用的荧光绿色在电脑系统中更容易与前景分离，同时这种颜色较为明亮，不易产生黑边。另外多数摄像机CMOS的拜尔像阵中绿色像素是红蓝的两倍，其信号最强，噪波最少，包含了大部分的亮度信息。蓝色噪波最多、最暗，所以一般不推荐采用蓝幕。

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在亚洲，一般使用蓝幕，而在欧洲，一般使用绿幕。主要是因为欧洲人蓝眼睛的居多，使用蓝幕的话，后期抠像容易把演员的眼珠抠掉。

抠像意思是吸取画面中的某一种颜色作为透明色，将它从画面中抠去，从而使背景透出来，形成二层画面的叠加合成。这样在室内拍摄的人物经抠像后与各种景物叠加在一起，形成神奇的艺术效果。

⑺ 特摄片是什么意思

关于特摄引用以下资料谈谈日本特摄片的发展: 特摄是特摄电影的简称，本意是运用了特殊摄影技术而拍成的影片。从这点来看，以《指环王》为代表的魔幻影片，以及我国独有的武侠片，都可算作是“特摄片”，甚至从某种意义上说，所有的动画片都是不折不扣的“特摄片”…………但是现在，由于日本人的原因，现在的特摄片是特指由日本拍摄的以ULTRAMAN，战队，蒙面超人等为代表的一系列影片。其实，特摄片可以说是只有在日本这样一个特殊的国家，特殊的民族，特殊的时期才会发展壮大一类特殊影片。特摄片有着这样那样的缺点，比如高额的成本使制作商的盈利减少，架空的背景使观众很难有共鸣。但其实这都是有其不可避免的必然性的。二战以后，作为战败国的日本，承受了政治，经济等各方面的制裁，当然，其中也包括文化娱乐。日本宪法第九条规定，不能制作表现激烈战争场面的娱乐影视作品，这就使得日本不可能推出类似《珍珠港》或《大决战》之类的影片来满足观众这方面的需求。因此，日本人只能通过一些架空的背景和人物，来使观众得到对看到“战争题材”影片的需要。美国可以选择二战，越战来作为战争的背景，而日本只有“来自宇宙的侵略者”，“想要统治世界的XX组织”，因为他们选择了二战，邪恶一方就变成了他们自己;美国有自己的王牌飞行员可以赞颂，可以丛灶为他们的英雄拍一部片子;但日本总不能拿一个南京大屠杀中的战争犯作为主人公的原形吧。所以，特摄片中完全虚构了“正义战士”，成为当时日本人(至少是儿童)心中“民族英雄”的替代物。同时，由于大和民族是一个好斗的民族，这还使得日本特摄片比起美国的SUPERMAN，BATMAN来，战斗场面更为激烈，而当时由于动画片的制作水平还比较低，不足以表现激烈的战斗场面，特摄片就成为了唯一的选择。火暴的战斗场面吸引了大批日本青少年甚至是成年人，成为了一种“群众喜闻乐见”娱乐方式。美国人通过战争片来告诉人们战争的可怕，残酷，战争场面是作为反面教材的;但日本的特摄片中，热血的战斗场面是第一位正孙的，什么教育意义都只是“顺便”而已。这也是日本的特摄片区别于美国的SUPERMAN等英雄题材的影片，可以独树一帜，有着独自的一片生存空间。这样特摄在日本诞生了，并逐渐壮大起来…………在日本60年代初期开始流行拍特摄片，在日本特摄的三大系列是 战队系列;假面骑士系列;奥特曼超人系列渗清扮。恐龙特急克塞号(恐竜戦队コセイドン )是当时日本恐龙三步曲中的之一，中国当时只引进了克塞。 1974-1975年，圆古公司制作的雷欧奥特曼在收视率方面遭到了未曾有过的失败，加上由于石油危机而引发的日本经济危机造成了公司效益大幅下滑，使得雷欧奥特曼结束播放后，圆古已经无力再承担一部像奥特曼那样的、需要用到大量模型和特技的特摄片制作。但是在70年代的那时，特摄片正处于激烈的竞争中，不同类型不同题材纷纷涌现，尤其是竞争对手--东映公司的假面超人系列和超级战队系列获得的好评程度如日中天，更不用说动画界的超级机器人系列作品也在和特摄争夺市场。如果圆古公司不有所作为的话，那么等待他的结果无疑是被挤出这利润丰厚的市场。

⑻ 影视特效师需要具备哪些技能

影视特效基础：Nuke的基础与提高：Nuke的通道概念与基本操作、Nuke校色工具、抠图工具、常用特效节点、Nuke进行影片合成、三维制作节点与合成的2.5D概念 提高入学学员的艺术修养水平和作品鉴赏能力，为后期做出高质量的作品打下基础。

Houdini高级特效：Houdini界面了解与基本操作，动力学系统、表达式、离子技术、sop编辑技术。动力学技术、Houdini流体技术、渲染技术、制作云、消融效果、制作拖尾、制作粒子翻滚与分裂特效、瀑布制作、破碎效果。

FumeFX流体学模拟：3ds Max基础操作、FumeFX基础工作流程与视图显示控制、gen、sim、wtp、rend、illum与obj/src标签属性、燃烧、爆炸、水墨效果制作、KK插件基础。

影视特效进阶：Maya布料：实拍镜头匹配、布料系统的基础、布料约束、气球破碎特效、布料与刚体作用、布料与N粒子的作用。

Rayfire破碎模拟：实拍加特效合成、基础属性、材质调节、约束技术。

Maya流体:Maya流体动力学技术、流体的材质与渲染、表达式高级应用、流体碰撞、流体与粒子综合运动、流体海洋ocean技术、流体大气、流体水池pond。

Realflow流体模拟：Realflow粒子流体运算、网格生成与渲染、Maya软件的协同工作流程、Realflow内置刚体运算、动力场与特殊的流体材质贴图生成技术。

Vue超自然景观制作：Vue软件界面与基础操作、大气、山体、植被创建、Vue的材质与Maya软件的协同工作。

关于影视特效需要注意哪些要点，环球青藤小编暂时和您分享到这里了。如果您对影视后期有浓厚的兴趣，希望这篇文章可以为您提供帮助。如果您还想了解更多关于摄像技巧、后期剪辑的方法及素材等内容，可以点击本站的其他文章进行学习。

⑼ 拍电影都需要什么灯光设备

1、电影灯具通常分为常用灯具和效果灯具。常用灯具主要包括散光灯、聚光灯和背景幻灯等；效果灯具主要包括追光灯、水浪效果灯，雨雪效果器和闪电效果器等。此外，还有电瓶灯及其它灯具。

2、如果拍摄夜晚外景，在没有电源的情况下，通常使用发电车，如不同期录音，需要的功率小的话，可以用便携式发电机。

3、录制声音是和短片同期录入通常都是独立录音，后期合成。现场录音只录对白（人声），其他声效一律后期采样或者使用音效库。但如果预算有限，可以现场录音。后期配音（ADR）只有在现场环境太糟无法录制的情况下使用。

4、辅助设备很多，如：黑旗，各种遮光道具，6*6 或者 12*12的金属架配遮光布，c-stand，combo-stand，苹果箱，high-hat等等。

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电影的表现手段

电影是一种以现代科技成果为工具与材料，运用创造视觉形象和镜头组接的表现手段，在银幕的空间和时间里，塑造运动的、音画结合的、逼真的具体形象，以反映社会生活的现代艺术。

电影能准确地“还原”现实世界，“展现”虚拟世界，给人以逼真感，亲近感，宛如身临其境。电影的这种特性，可以满足人们更广阔、更真实地感受生活的愿望。电影的帧速率一般是24帧每秒，随着技术的提升，即将出现48帧甚至60帧每秒的电影。

⑽ 什么是魔幻电影/魔幻电影的定义

就是人物带有魔力等不可思滑虚议判悔的能力，，，

比如人物与正常人不同，有不同掘让正能力的...与事实不同的神话之类的