初生电影讲的什么意思

A. 一部外国电影,讲的是天才发明家去拿诺贝尔奖的故事,这部电影叫什么名字

1、《柳暗花明》，原著作者：爱丽丝·门罗[加拿大]，2013年诺贝尔文学奖

柳暗花明
Away from Her
(2006)

门罗的中短篇小说读起来像长篇一样，不是说琐碎冗长，而是有丰沛绵长的感觉。改编她的小说，无需像李安操作张爱玲的《色戒》那样，在小说的基础上不断添加枝叶。《柳暗花明》讲的是老年人的情感，同为女性的导演萨拉·波莉不像《爱》的导演迈克尔·哈内克，冷冷地刻画了老之残酷的形态，一起慢慢变老，是最浪漫的事，也是最残酷的事，她的电影没有回避令人难堪的细节如老年人的性，但整体上一直散发着温暖的光晕。

2、《红高粱》，原著作者：莫言[中国]，2012年诺贝尔文学奖

红高粱
Red Sorghum
(1987)

即便不能说是华语之最，《红高粱》至少也是最有力量的华语电影之一。张艺谋擅长描述中国式欲望，原著小说本就洋溢着热烈的生命力，初次执导剧情长片，张艺谋以初生牛犊之势释放了一次他急待喷发的才华。“刚开始拍的电影总是有一些特别的品质，也许以后你还能拍出更好的、更成功的电影，可是这第一次的急切感和纯真却再也不会出现了”，张艺谋的职业轨迹印证了德国导演施隆多夫的这句话。回看才华如此横溢的作品，再看千禧年后老谋子的诡异表现，这种变节般的变化正如莫言所说：“我真切感到种的退化”。

3、《钢琴教师》，原著作者：艾尔芙丽德·耶利内克[奥地利]，2004年诺贝尔文学奖

电影讲了一个女教师与男学生的畸恋故事。导演迈克尔·哈内克像个冷酷的解剖手，干练、利落、充满才能，小说大篇幅的心理描写没构成他的障碍，镜头冰冷无情而无比丰富，完美地描述了过度扭曲以致变态的人物心理。商业电影中作为香艳卖点的性镜头，在该片中如同恐怖画面一样，令人坐立不安，情色不再意味着欲望的快感，而是赤裸裸的绝望与无助。在这部电影上映几年之后，耶利内克获得了诺贝尔奖，哈内克在戛纳两折金棕榈叶子。这些荣誉在他们刺探的人性面前，实在有点不足轻重，如果有什么能慰藉痛苦与黑暗，他们一定会扔掉那些至高无上的世俗荣耀。

4、《耻》，原著作者：库切[南非]，2003年诺贝尔文学奖

耻
Disgrace
(2008)

《耻》是一部非常入世的作品，准确地说，库切以艺术家的身份干了一件社会学家的事儿。同时，他又很悲观、很消极，不相信救赎和变好的可能，只和真实站在一起。诺贝尔颁奖词这样解释他的做法：消极状态不仅仅是一个人的性格造成，也是一个人对压迫的最后反抗，在不参与的消极状态中进行抵抗。导演史蒂夫改编的电影，在表层意义上保持了对原著的忠诚，暴力、强奸、种族歧视等一一被呈现到银幕上，主演约翰·马尔科维奇奉献了令人信服的表演，触目惊心的画面，将人的耻辱感一点一滴蔓延到观众身上。

5、《铁皮鼓》，原著作者：君特·格拉斯[德国]，1999年诺贝尔文学奖

铁皮鼓
The Tin Drum
(1979)

如果说长不大的奥斯卡是个傻子，那么这是一部关于傻子的作品。透过一双异于常人的眼睛，为我们展示了人类历史上那段最黑暗的历史。但战争并非电影的主角，而是一个巨大的背景板。看到母亲偷情和纳粹行径的奥斯卡，拒绝长大成人，他奇怪的身躯和叫喊震碎玻璃的超现实能力，就是荒诞世界的物化符号。导演施隆多夫对原著做了大胆而成功的改编，遗憾的是，电影只止于小说的第二篇，计划中的第三篇终未拍摄。

6、《伊豆的舞女》，原著作者：川端康成[日本]，1968年诺贝尔文学奖

伊豆舞女
The Izu Dancer
(1974)

二十多岁的年纪，很适合书写纯爱物语；十几岁的年纪，有着天然的圣洁。写《伊豆的舞女》时川端康成20来岁，出演这部电影时山口百惠14岁，他们在生理上符合纯爱的最佳年华。川端康成的文字有着远超他当时年龄的敏锐，导演西河克己携初登银幕的山口百惠，对小说进行了一次道德的改编。内敛而丰盈的美，哀而不伤的情感，这是一切日本艺术的特质。川端康成的自杀似乎印证了艺术之美无法抵御存在的虚无，而美，终究永远地被这个世界需要着。

7、《愤怒的葡萄》，原著作者：斯坦贝克[美国]，1962年诺贝尔文学奖

愤怒的葡萄
The Grapes of Wrath
(1940)

这是西部片大师约翰·福特导演的一部现实主义佳作，讲一个农民家庭从俄克拉荷马州流落到加利福尼亚州的故事。斯坦贝克对底层人民的同情和关注，在电影中得到了完整体现，演惯好人的亨利·方达几乎等同于正义的代名词。原著曾在美国一些地区引起轩然大波，它的命运和电影中的农民一样，在暗如黑夜的苦难中守望着火光一样的尊严，最终，顽强地活了下来。

8、《日瓦戈医生》，原著作者：鲍里斯·帕斯捷尔纳克[前苏联]，1958年诺贝尔文学奖

日瓦戈医生
Doctor Zhivago
(1965)

导演大卫·里恩擅长执导史诗电影，除了《日瓦戈医生》，代表作还有《桂河大桥》、《阿拉伯的劳伦斯》。相比政治，杰出的作品更关心人性，导演和原作者很好地践行了这条准则。正如日瓦戈医生被时代裹挟，帕斯基尔纳克一生也被历史碾压着，获得诺贝尔奖成了他人生的一大麻烦。作为英国人，大卫·里恩让电影人物说的是英语，如果语言是不可替代的文化，这种做法意味着背叛原著。电影流畅的叙事使震撼和感动效应如流水汩汩而出，导演在事实上维护了原著的内核精神。

9、《老人与海》，原著作者：海明威[美国]，1954年诺贝尔文学奖

老人与海
The Old Man and the Sea
(1999)

在某种程度上，海明威的小说反对动画，他追求的是最大程度的真实：把你所知道的最真实的句子写下来。而多用来呈现虚构故事的动画，与通常所说的真实南辕北辙，甚至可以说，脱离现实是动画的基本责任。这是一部兼具水彩和油画质感的定格动画，不乏唯美的画面具有简单意义上的观赏性，但与海明威的真实十分遥远，导演在此追求的是感受上的真实，除却永不被打败的精神，在老人的叹气声中，可以清楚地体会到另一位巨匠福克纳的评价：这一次，他提到了怜悯。一部动画短片的容量，很难装下《老人与海》的全部意义，就像梗概与正文的区别，这部奥斯卡最佳短片尽管发出了不辱电影的光彩，却无法跨越电影与文学两种不同艺术介质的分歧。

10、《魂断威尼斯》，原著作者：托马斯·曼[德国]，1929年诺贝尔文学奖

魂断威尼斯
Morte a Venezia
(1971)

托马斯·曼的作品有着令人叹为观止的严整和完美，导演维斯康蒂以贵族般的挑剔细致地复制了小说关于美、生命和艺术的大量探讨。托马斯·曼的老派技法在批评者那里被攻击为缺乏创造力，而他以巨大的耐心捍卫了古典的力量。他是忠于现实的现实主义者，考虑到时代环境，《魂断威尼斯》的同性元素可以说是他忠于现实的例证之一。除了将小说家改成音乐家，电影没有辜负原著，用光和影成功地传达了托马斯笔下的纯美情感。

B. 谁知道有一部电影讲的是一个人一出生就是个老头，然后他不断成长越来越年轻，最后成为小孩

这部电影名称叫做《本杰明·巴顿奇事》，又译《奇幻逆缘》、《返老还童》、《班杰明的奇幻旅程》。

拓展资料：

《本杰明·巴顿奇事》是由美国华纳兄弟、派拉蒙影业联合出品的159分钟奇幻爱情影片。该片由大卫·芬奇执导，布拉德·皮特、凯特·布兰切特、塔拉吉·P·汉森等主演，于2008年12月25日在美国上映。

该片改编自弗朗西斯·斯科特·基·菲茨杰拉德所著同名小说，讲述了一出生便拥有80岁老人形象的本杰明·巴顿，随着岁月的推移逐渐变得年轻，最终回到婴儿形态，并在苍老的恋人黛茜怀中离世的奇异故事 。

【剧情简介】

美国南部，新奥尔良，卡特里娜飓风肆虐。某间医院里，奄奄一息的黛西（凯特·布兰切特）将一本回忆录交给了女儿卡萝琳（朱莉娅·奥蒙德）。回忆录的主人，是一位叫本杰明·巴顿（布拉德·彼得）的男子。1919年，全世界的人民刚刚从第一次世界大战的阴霾中走出之时，却在美国的巴尔的摩发生了一件怪事。一个叫本杰明·巴顿的奇异婴儿在降生之后被亲生父亲狠心丢弃到了老人院门口。因为，这个前所未有的怪胎竟然一出生就是一个古昔老人的模样。幸运的是，一位好心的黑人妇女收养了巴顿这个怪异的婴儿。并在随后的岁月里，带他一起生活教育他成长。

尽管本杰明·巴顿老弱的身体和看似即将先于继母辞世的长相常常让他在“同龄”的同学们当中成为被嘲笑的话柄。但老继母的不离不弃，时刻给予着他继续生存下去的理由。终于，本杰明迎来了自己在人世上生存的第11个年头，此时的他看起来也似乎健康年轻一些。但依旧老态龙钟。但巴顿在学校里遇到了彻底改变他一生的第二个女人——当时还仅仅6岁的小姑娘黛茜，她的可爱和纯真彻底征服了“老男人”巴顿的心。而巴顿同样真诚、清澈的心也感动了小黛茜，两人之间的爱慕之心开始萌芽。

十几年后，第二次世界大战的战火更加猛烈地燃烧着整个世界。动乱局势中，本杰明·巴顿和许多美国人一样，乘坐船从美国来到英国为反法西斯战争做出贡献。这期间，他遇见了各种各样的人物，目睹到了真正人生的悲剧，也体验到人性最伟大的光辉。

二战结束后，本杰明重返美国。此时的他已然摆脱了儿时老态的模样，渐渐成长为帅气且魅力十足的中年人。并且，命中注定般地在纽约与儿时的梦中情人黛茜重逢。而此时黛茜也出落成一位风姿可人、事业成功的漂亮舞者了。两人经过成熟的交往之后，终于在年龄和外表都完全匹配的情况下一同度过了幸福美好的几年时光。但是，随着时间的继续，本杰明继续年轻，英俊阳光的他也吸引来另一位迷人姑娘伊丽莎白·阿伯特的闯入。

就在所有人都苦于岁月带给他们的衰老之时，本杰明·巴顿却犹如返老还童一般逆行而上。就像这个经历了两次世界大战洗礼过的世界一样，愈发地显现出青春活力。与此同时，巴顿与爱人们的关系也遭遇了种种难以逾越的障碍。

C. 电影为什么被称为"第七艺术"

电影从产生至今，逐步发展成为一门独立的艺术形式，有人称之为“第七艺术” ，即文学、戏剧、音乐、雕塑、绘画、建筑之后的第七艺术
《第七艺术的诞生》（Manifeste des 7 arts）是意大利影评人、电影理论先驱卡努杜于1911年10月25日发表的一篇著名理论文章，原题为“La Naissance d'un sixième art - Essai sur le cinématographe”（第六艺术的诞生），后卡努杜将其更改为第七艺术。这篇文章是电影理论史的开篇之作，从此“第七艺术”这个概念被广泛应用，泛指电影艺术。
卡努杜在文章中首次提出“电影是一门艺术”的理论主张，他用“第七艺术”命名初生的电影，与建筑、音乐、绘画、雕塑、诗歌和舞蹈相提并论，同时论述了各门艺术的地位：建筑和音乐是主要的艺术，绘画和雕塑是对建筑的补充，诗歌和舞蹈融于音乐，电影则是这些艺术的综合。作为艺术形态，电影也是静态艺术和动态艺术、时间艺术和空间艺术、造型艺术和节奏艺术的综合。这一“宣言”是把初生的电影引入艺术殿堂的最早的理论论述。

D. 电影再生讲的什么，能给大概介绍一下么，包括结局

泽尻饰演的莉莉子在老板娘(老板娘叫什么不记得了= =)的收养下作了全身性的整容 之后演艺事业上升到了巅峰 无论是杂志报刊电影还是广告无处不再 对 - - 就是那种巅峰状态 但是那种整容的后遗症十分恐怖 就是皮肤会逐渐衰老然后出现黑斑 而此时新晋的年轻模特开始抢占各种头版 而本来的结婚对象由于家庭原因和另外一个女人走入了结婚殿堂 由于各方面的压力 莉莉子的心里在那个时候已经开始趋于扭曲 于此同时给她做的那家也被盯上 找到莉莉子 探员交给莉莉子了一个信封里面是莉莉子想要掩盖的自己的过去 被自己的助手发现之后助手把资料泄漏了出去 想要被掩饰的过去轻易的就被知道了 于是在召开发布会的时候莉莉子用刀子戳向了自己的一只眼睛 后来那个探员说 那家已经有156人投诉 9人死亡1人下落不明 莉莉子就是那个下落不明的人 阿锦成了小梢的化妆师再一次拍摄结束之后 阿锦对小梢说发现了一家有趣的店 在那家店里 小梢看见了莉莉子以前的助理 于是跟到了地下室 发现莉莉子就在那里

至于到底是什么意思 应该是留下的开放式结局 毕竟这样的结局对日后如果有下一步拍摄的计划会是很有帮助的 但是怎么说觉得莉莉子最后那样的笑 应该很有可能会有下一步吧 = = 毕竟这部电影上映之后在日本引起了不小的关注

E. 摄影师必看的十部电影

欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是惊心动魄的视觉效果。那么，摄影师选择电影的基本条件和原因究竟是什么呢？首先，最重要的是用光的角度和环境。其次是场景的选择。为此，我们选择了以下的十部电影，它们的场景令人过目难忘，恨不得身临其境。

这些电影大多可以买到正版的DVD，但也有些有些极其罕见，这也显示出它们的珍贵。

1. Baraka（天地玄黄）

像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样

Baraka是一个古代伊斯兰苏非派单词，含义是“祝福”。

这部影片在刚推出时评价极高，被一些疯狂的影评家称为“二十世纪最伟大的纪录片”。几年前甚至有人声称如果被流放到荒岛上，唯一愿意携带的电影就是它。这部电影以地球与人类的进化，及人类与环境的关系为题材，自始至终没有一句对白。面前的景色究竟来自何方，完全靠观众自己揣摩。

据称，导演Ron Fricke为了拍摄这部电影，带着三人拍摄小组，花费14个月，走遍了六大洲的24个国家。共耗费四百万美元。对于这部无需支付演员的高额出场费的电影来说，投资是相当可观的。如此高投入的另一个原因是拍摄器材：它使用昂贵的TODD-AQ 70毫米格式。同时，本片的音乐效果极为优秀，为你带来不可多得的视觉和听觉双重震撼。

欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄

Baraka中的场景，是任何一个摄影师都梦寐以求的。前一分钟你还在为短尾猿那极似人类的脸而浮想联翩，后一分钟就来到了日本积雪的富士山；来不及细味印度恒河边的火葬仪式，又在叙利亚寺庙前徘徊驻足。这是一部值得一看再看的电影，因为其中的内容如此丰富，浮光掠影的浏览根本无法完全吸收。

除了风景之外，导演还利用电脑程控技术，拍摄了大量延时镜头，以反映曼哈顿和东京街头的繁忙场景。这固然是动态影片的特点，但是静态照片摄影师能不能考虑使用延时曝光效果来表达一些忙碌的景象呢？

随这部电影上市的还有一本精美的画册，详细的记录了电影拍摄的种种有趣的经历。同时附有大量的彩色和黑白照片。

电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是

如果非要说这部电影有什么不足的话，它的创意和拍摄手法似乎和1983年的一部名为《Koyaanisqatsi》的电影颇为雷同。有意思的是，《Koyaanisqatsi》的导演和摄像也是这位Ron Fricke。

正如这部电影颇为怪诞的片名一样，这是一部献给所有懂得，并愿意欣赏视觉艺术的人士的杰作。

2. Barry Lyndon（乱世儿女）

电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是

在看这部电影之前，先请教各位一个问题：那就是：谁有f0.7的镜头？即使是在工业发达的21世纪，这样的东西恐怕也无处寻觅吧。或许，全世界只有一块f0.7镜头——就是导演库布里克拍摄这部《乱世儿女》所用的那一块。

这块珍贵的镜头，据说是蔡司为美国航空航天局定制的产品，不知为什么流落到了库布里克手中。他将这块镜头稍加改装后，安装到了摄象机上。f0.7的巨大透光量，使得他在拍摄室内景物时可以完全使用烛光照明，而没有任何其它的人造光源。

有了这样的拍摄利器，这部电影无论是野外风景还是室内空间，构图用光都极其用心，就像是一幅幅流动的精美油画，随便拉出一幅，都能挂到墙上。但是值得注意的是，影片有意识的采用大量的“中心构图”，尤其在室内场景中，总是用柱子、门窗、桌椅等物品标明画面的中心点，而那里也正是即将展开的场景的中心，是摄影机想要引导观众关注的中心。从视觉心理上来说，只有在对称发生偏转或变动时，才会有活跃动态的感觉，这种静止镜头中的标准对称，只能产生沉闷的心理的感受。而这也正是库布里克想要传达的：一个死气沉沉的社会，等级森严，无所事事。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

这部电影讲述的是18世纪的欧洲，当时英普同盟和法奥俄同盟正打得不可开交。一文不名的爱尔兰无赖、穷小子Barry，由于机缘巧合，结识了一个富有的寡妇，并藉此挤入了上流社会。但他为了追求贵族爵位而和勋爵决斗，最后被驱逐出英国。或许这部电影该译作《欧洲版鹿鼎记》更合适。

在这部电影中，主角Barry Lyndon的扮演者Ryan O'Neal很好的把握了小无赖自由自在，毫无道德压力的心情。他本人和这部电影也获得了最佳电影艺术学员奖，最佳艺术导演奖，不列颠最佳电影奖等一系列奖项。在这部超过3个小时的电影中，至少有二三十处值得记录为静态画面的场景。当然，如果你没有以上所说的f0.7镜头，还是试着打几快反光板吧。毕竟，f0.7听上去比神话还遥远。

3. The Conformist（顺从者）

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

这部电影可说是大导演Bernardo Bertolucci的扬名立万之作。虽然情节编排没有选用传统的“开始——经过——结尾”模式，但是，摄影师Vittorio Storaro充满灵性的拍摄，使得这部片子成为电影史上的经典。极为讲究的用光，罕见的拍摄角度，以及各种色彩滤镜的使用，都使这部电影增色不少。虽然拍摄于35年以前，但是，今天的摄影师们仍旧可以从中学到许多，那就是：跳出陈旧的框框，创造自己的风格。

这位来自帕尔马的Bertolucci导演，后来拍摄了家喻户晓的《末代皇帝》，自己也拿到了当年的奥斯卡最佳导演奖。他的其他作品还有《遮蔽天空》，《巴黎的最后探戈》等等。

4. Day of Heaven（梦断情天）

欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄

静态摄影家经常会谈到所谓的“魔幻时刻”，也就是每天的黎明和黄昏。在这些时间，微弱，温暖的日光使物体显得分外美丽。但是对于电影摄像师来说，常常由于剧情和资金预算的限制，而无法选择“魔幻时刻”。很显然，没有任何一个剧组愿意花大钱请演员和工作人员呆坐一天，就为了黄昏那片刻时分的拍摄。

唯一的特例是这部拍摄于1978年的《梦断情天》。这部电影讲述的是二十世纪初的一段三角爱情故事。导演马利克难得的聘请到了当时的两大著名摄像师：Nestor Almendros和Haskell Wexler。它的绝大多数镜头都是在黄昏拍摄的，并因此获得了1978年的最佳摄影金像奖。

总之，这部电影的情节甚为离奇，也多少经不起推敲。但是，无法掩饰的是它杰出的视觉效果。以下是Nestor Almendros在电影杀青后的感想：

像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样

“马利克告诉我，他要拍摄一部注重视觉效果的电影，通过视觉效果讲述故事。很多人并没有意识到视觉效果的重要性，许多导演也把更多的精力放在演员上。但是，这是一部用视觉效果说话的电影。这部电影讲述的是电发明之前的事，没有电灯，因此光线常常很弱，完全依赖由窗外透进来的光线，这就是当时人们的生存状态。”

“所谓的魔幻时刻，其实是一种委婉的说法，每天最多不过25分钟。在这段时刻里，太阳刚刚落山，天空还没有黑下来，却已看不到太阳了。这段时间的光线最为柔和，常常有一种魔幻的效果。有时，我们每天只能拍摄20分钟。但是这确实物有所值，影片效果非常美丽，浪漫。”

5. Dreams（梦）

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

这是日本电影天皇黑泽明对梦的勾画。全剧由八个梦组成，分别是太阳雨、桃园、风雪、隧道、乌鸦、红色富士山、垂泪的魔鬼和水车之村。这八个梦几乎贯穿了人类生活的所有主题，战争与和平、社会与人生。在不同的梦境里有着不同的场景，配合不同的色彩，把人类所面对的所有主题一一呈现。超现实的视觉效果在当年颇为引人注目。

抛开小日本的民族性不谈，这部电影给静态摄影家们的最大启示就是：要尽最大可能挖掘内心深处的想象力。很多摄影家受困于应接不暇的商业工作或“上层意见”，而无法充分发挥自己的灵感。但是我认为，作为艺术工作者，摄影家总要尽可能的追逐自己的灵感吧。从摄影家的相机中出来的，不应仅是现实的反映，还应该努力反映心中的构思。本片中，黑泽明大胆的使用了极为鲜艳的色彩范围，从明媚的春光，到阴冷的隧道，或许每个人，都有个彩色的梦吧。

总之，《梦》已经不仅仅是黑泽明个人的一种感情宣泄，在我们的感觉和感情被烂片弄得越来越迟钝和粗糙的今天，我们其实需要的是这样一种真实的童话，而不是那些让人越看越蠢的傻瓜教科书。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

6. 末代皇帝（The Last Emperor）

这又是一部贝特鲁齐的电影。对于全世界任何一个导演来说，拍摄末代帝王溥仪的故事，都是巨大的挑战。贝特鲁齐成功的完成了这部跨度长达59年（从1908年到1967年）的电影，并使其成为电影史上的经典。故事的气势宏大，色彩浓郁，场面壮观。

故事从1950年冬天开始讲述起：清王朝废帝溥仪，作为战犯从苏联被押回中国。火车抵达中苏边境的满洲里火车站后，溥仪认为此去性命难保，便溜进卫生间企图割腕自杀。中国战犯管理所所长发现情况有异，急敲卫生间的门。敲门声使溥仪陷入了回忆……

   

色彩的运用绝对是这部史诗的亮点。贝特鲁奇和摄影师Vittorio Storaro使用了相当罕见的色调渲染气氛。有人说，这部电影的真正主角不是尊龙，而是摄影师Storaro。例如，在溥仪的童年时代中，他的生活还算丰富多彩，这时的色调以桔红色和明黄色为主。（溥仪在回忆录中也说过，小时候，由于他身边的绝大多数物品都是代表帝王的黄色，因此他认为所有东西本来都是黄色的。）而在“伪满洲国”时期，电影的色调变为压抑的靛青色。而当他受到毛主席的关怀，接受再教育的时候，色彩变为朴素的灰色。在溥仪生命的最后阶段，颜色慢慢趋向柔和，暗示着这个历经大起大落的人最后的觉悟……

1998年，贝特鲁奇出版了一本书，《The Last Emperor: Multiple Takes》。在这本书中，他详细的阐述了在《末代皇帝》中的色彩运用心得。作为一个静态摄影师，应该知道：照片的色调至关重要，它极微妙又难以把握，甚至能在不经意间引导观看者的心情。

另外值得一提的是，虽然在故宫取景的电影和电视剧有很多，但是能真正拍摄出故宫的宏伟庄严的却没几个。虽然是意大利导演的作品，但是，《末代皇帝》足以给我国的众多“清宫戏”做典范。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

该片在西方上映后。立即掀起了“中国热”。1988年，第60届奥斯卡奖颁奖揭晓，《末代皇帝》一举夺得最佳影片。最佳导演、最佳改编剧本、最佳服装、最佳作曲、最佳剪辑、最佳音响效果、最佳摄影和最佳美工9项奖。

7. 大红灯笼高高挂（Raise the Red Lantern）

作为一部心理片，《大红灯笼高高挂》对色彩的运用极为讲究。张艺谋不愧是摄影师出身，不同色彩基调的反复出现，使观众的情绪也随着剧情忽高忽低。乔老爷想在哪位太太的房中过夜，那位太太的门前就挂起大红的灯笼。经典三原色冲印法的使用，使这部电影的红色和黄色十分鲜艳，而这在西方国家的电影中是不多见的。同时，各式各样色彩鲜艳的服装，也使这部电影显得更为精致。

欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄

这部电影获得了数不清的荣誉：十届香港电影"金像奖"十大华语片之一；意大利第四十四届威尼斯国际电影节"银狮奖"、国际影评人学会大奖、天主教影评人协会大奖、金格利造型特别奖、艾维拉诺塔特别奖；获美国第六十四届奥斯卡"金像奖"最佳外语片提名；意大利全国奥斯卡"大卫奖"最佳外语片大奖、最佳外语片女主角提名（巩俐）；意大利米兰电影协会颁发观众评议本年度最佳外语电影第一名大奖。

8. The Third Man（第三个人）

感谢数码技术的应用，使这部电影有机会制作成DVD，成为黑白年代不朽的回忆。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

在拍摄手法上，这恐怕是电影史上第一次将摄像机安在角落拍摄，以表达不安和焦虑的心情。同时，有意识的广角畸变和浅景深镜头，也加重了影片冷酷的基调。大量光影的使用，有效地调动了观众的注意力。整个影片像梦魇一样震撼，且过目难忘。

与前几部彩色电影相比，这部黑白电影是不是显得有些过时？但是如果你仔细看完这部影片的话，你会重新体会到黑白光影的魅力——单色的魔术。这部电影曾荣获嘎纳电影节金棕榈奖，第23届奥斯卡最佳摄影金像奖，英国电影学院最佳影片金奖，并被评选为英国电影史上最佳影片第一名。

9. Visions of Light（光的影像）

像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样

严格来说，这并不是一部电影，应该说是“关于电影的纪录片”更合适。在这部电影中，我们也能发现以上介绍过的多部影片。例如《梦断情天》的摄影师Nestor Almendros，他在临死之前接受了这部电影的短暂采访。还有《末代皇帝》的摄影师Storaro等人。

从某种意义上说，是导演控制摄影师的拍摄手法。例如，《Rosemary's Baby》的导演Roman Polanski，在接受采访时多次提到，有时仅仅需要将摄像机多移动几个厘米，就能使影片的效果得到巨大提升。《In Cold Blood》的导演Conrad Hall，在1967年接受采访时，提到当年是如何选择并搭建了一个牢房，里面囚禁的是Robert Blake扮演的杀人犯，他即将走上绞刑架。雨水不停地打在铁窗上。Hall发现，如果摄像机放在某个特定的角度，雨滴的阴影看上去像Blake脸上的泪水。这个镜头后来成了影院中的催泪弹。

这部电影由数百个电影片段组成。影片结束后，你一定会深深地被摄像机背后的灵感和魔法打动。而静态摄影师也将从中获益匪浅。这是一部摄影科教片，数百个片段将指导你如何用光，如何选择合适的色调，如何使你的片子成为经典。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

这部电影按年代划分为三个部分，第一部分是无声电影年代。第二部分是带旁白的黑白电影时期。第三部分是彩色电影时期。影片最后讨论了如何利用不同的色彩调动观众的情绪。

10. Winged Migration（鸟与梦飞翔）

这是一部关于野生动物的纪录片。相信很多摄影家都有过拍摄飞鸟的经历吧。长焦加连拍？那只是小儿科。让你看看这个疯狂的法国导演是如何拍摄飞鸟的。

   

凭借上百万美元的经济支持，导演Cluzaud雇用了四百五十人的拍摄队伍。拍摄工具包括热气球，小型滑翔机，甚至伪装成飞鸟形状，内藏摄像机的小型飞机。在第一年内，他们基本不拍摄，只是跟着鸟到处迁徙，和这些鸟混得很熟，使得这些鸟对他们不再警觉。之后的两年，他们的拍摄团队（其中包括五十人的鸟类专家）跟踪这群飞鸟，穿越四十个国家，并将所有结果浓缩在98分钟的电影中，平均每225分钟素材只取一分钟。效果自然极为真实感人。

DVD版本附送50分钟的幕后花絮。从中看到，摄制组不惜时间，驯化了一批小鸟，使它们习惯飞机的轰鸣声，用于拍摄在航空母舰和工厂那几场戏。摄影师需要和初生的小雁培养感觉，模仿它们的鸣叫，跟它们一起游泳，让它们认为摄影师它们的一员。正是这种不可思议的耐心的感情培养，才有了那些如此近距离而又真实的镜头展现给我们。作为一部纪录片，《鸟与梦飞行》在法国能达到250万人次的票房，并不是偶然的。绝美的画面，得体的配乐。震撼人心的镜头，就是一部完整又完美的交响乐。

F. 电影 到底讲什么意思

电影是继文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、建筑之后出现的一种新的艺术形式。它发明于19世纪末期，由最初被认为是“小学生的玩意”、“奴隶们的娱乐游戏”逐步发展成为20世纪最广泛和最具影响力的艺术。它通过摄影机以每秒拍摄若干格画幅的运转速度，将被摄物体运动的时空转换过程记录在条状胶片上，然后将不同的胶片衔接起来，经过显影、定影。干燥加工成电影拷贝的过程，制成可以放映供许多人同时观看的影片。影片从最初拍摄一些活动的日常生活景象片断，发展到现在已能够拍摄丰富多彩、复杂变化的现实世界，具体形象地反映社会生活的能力和生动的艺术感染力。希望能采纳，谢谢~