加拿大国家电影局的创作宗旨是什么

㈠ 应该如何认识动画的定义

动画是一种综合艺术门类，是工业社会人类寻求精神解脱的产物，它集合了绘画、漫画、电影、数字媒体、摄影、音乐、文学等众多艺术门类于一身的艺术表现形式。
动画的定义

许多人可能还是对「动画」（animation）这个字感到陌生，「动画」和我们以前惯称的
「卡通」（cartoon）有什么不同？为什么要另外用这个字眼？

让我们先来看看「动画」的定义，最简单的说，动画就是利用短时间内播放连续动作序列
的画面，藉由视觉残留造成画面中角色动作的视觉假象，这点原理其实跟电影一样，只不
过电影是由真人的连续动作演出，而一般动画片必须以手绘或手调整人偶动作来达到同样
的效果。一般而言，动画片每秒的平均格数是24张，换句话说，10秒的影片就必须画240张
或格拍240次，许多动画片为求画面流畅漂亮，一些动作场面往往每秒不只画24张，如名导
宫崎骏历年来的作品。

但是并不是任意把几张静止的图片连起来便可称之为动画，由于是逐格地创造，要将胶卷
不同格与格之间的动作连贯起来、并表现出独特的美感与意念，这才是此类艺术的要点所
在。Richard Taylor在《动画技巧网络》中开张明义便提及：「动画一般被定义为，藉由
组合一段连续的静态影像而创造出动作的幻觉。…动画并不是使图动起来而已。动画的精
髓在于画出动作。」他并引述创办加拿大国家动画局的动画大师诺曼‧麦克拉伦（N
orman McLaren）的话：「怎么动比什么动更为重要。…动画家在影片中每一格所做的不比
其在格与格之间所做的来得重要。」

其实「动画」这个翻译也并不比「卡通」好到哪里去，因为「animation」的媒材并不限于
「手绘图画」或「计算机绘图」而已，还有剪纸、人偶、黏土、甚至火柴、针幕等多采多
姿的创作类型。在《动画电影探索》的第一章，研究、教授动画艺术多年的李道明便言及
对其定义的困难，他也不约而同地引了麦克拉伦的话作结：「动画不是『会动的画』的艺
术，而是『画出来的运动』的艺术。」

再回谈到「卡通」这个词，它直译自英文「cartoon」，原文可以指称报纸上的单元格或连
环漫画，后引申成为将连续动作的画片组合起来的影片。不过，由于现下动画的素材远不
止于手绘画片，因此「animation」或「animated film」也逐渐取代「cartoon」成为这类
型影片艺术的通称。

事先声明，本文是转载自《Ray写的世界动画史》

1. 动画的起源

传统艺术伴随人类文明的诞生而产生，而电影、动画则是由人类发明出来的，动画的发明早电影几年。

工业文明的发展和人们对人类视知觉的研究，是电影和动画诞生的先决条件。19世纪摄影术和机械设计的进步，为动画的发明提供了物质上的基础。1824 年，英国生理学家彼德·马克·罗杰特（Peter Mark Roget）发表了论文《关于移动物体的视觉暂留现象》 （Persistence of Vision with Regard to Moving Objects），发现了人眼的视觉暂留现象。这一发现为动画和电影的发明提供了心理学上的依据。

1825年，英国人约翰•A•派里司(John A. Paris)发明了幻盘Thaumatrope)。 1832 年，比利时科学家约瑟夫·普拉托（Joseph Plateau）发明了诡盘（phenakistiscope）。这些动画的原始雏形，不断向更好地产生运动幻觉的方向前进。

1877年，法国人艾米·雷诺（Emile Reynaud）在前人发明的装置基础上进行改进，制造了一架用几面镜子拼成圆鼓形的活动视镜（praxinoscope）。雷诺不断改良活动视镜，在1888年创造了他的光学影戏机（Théatre optique）。1892年10月11日，雷诺和巴黎有名的蜡像馆Grevin Museum签订合同,在这里放映世界上最早的动画片。放映节目由每卷能继续放映约十到十五分钟的一些画片构成。在制作这些影片时，雷诺已利用了近代动画片的主要技术：活动形象与布景的分离、画在透明纸上的连环图画、特技摄影、循环运动等。因此雷诺一般被认为是动画的创始人。

在同一时期，美国和法国的发明家们致力于研究使用胶片的活动影像装置。经过十几年时间和各国发明家的努力，最终卢米埃尔兄弟发明了最接近于现代电影的装置活动电影机。在早期电影的实践中，电影家们发现了停格再拍的原理。至20世纪的第一个十年，现代动画的几个基本制作技术都已被人们发明出来，以詹姆士•斯图尔特•布莱克顿（James Stuart Blackton）为代表的各国早期动画电影人开始制作拍摄在胶片上的动画电影，现代动画电影由此大开滥觞。

2. 动画的黄金时代

在动画发明的最初几年，普遍被认为是杂耍一类的玩意，只在游乐场一类的地方作为娱乐节目的一种进行放映。但是，艺术家和商人们渐渐认识到动画所蕴含的艺术可能性和商业机会。动画作为新兴的电影产业的一部分，逐渐得到了发展。1914年，美国人爱尔•赫德（Earl Hurd）发明了在透明赛璐珞片上分层绘制动画的技术，这种技术降低了动画制作的工作量，使更长的动画片制作成为可能。渐渐在早期动画工作室中形成了较为固定的生产工艺，一直在商业动画领域沿用到1980年代早期。

在美国，动画制作产业也随此渐渐形成规模，温瑟•麦凯（Winsor McCay）、 约翰•布赖（John Bray）、马克思•弗莱舍（Max Fleischer）等人对美国动画工业的建立都发挥了巨大的作用。而在这期间，欧洲的埃米尔•考尔（Emile Cohl）等一批早期动画制作者致力于更个人化的探索，伴随美术界和电影届纷至沓来的印象主义、表现主义风潮，创作了一大批艺术动画。到了20年代初期，随着研究主流商业电影之外的艺术电影院、俱乐部、展览和书籍在欧洲的出现，所谓“艺术动画”的格局也渐渐形成了。

第一次世界大战中美国远离战场，电影业得到发展，大战结束后取代法国成为世界上最大的电影生产国。美国动画在规模和水平上的优势至少延续到第二次世界大战结束。

1923年，年仅22岁的沃特•迪斯尼（Walt Disney）来到好莱坞，成立了自己的动画制片厂。年轻的迪斯尼虽然没有接受过正式的艺术教育，但他头脑灵活、精力充沛，在富于艺术创造力的同时也极有商业头脑。20年代后期，迪斯尼逐渐建立了自己在动画工业中的名声和地位。1928年，好莱坞的第一部有声电影《爵士歌王》（Jazz Singer）诞生一年后，迪斯尼公司制作出了第一部有声动画片《蒸汽船威利号》（Steamboat Willie）。这部短片让米老鼠（Mickey Mouse）成为最广为人知的动画角色，也成就了迪斯尼的动画帝国。从20年代末期至今到50年代初期，迪斯尼制作了大量高质量的动画短片和长片，而稍后华纳、米高梅等好莱坞大制片厂也创立了动画制作部门，这一时期在动画史上被称为“黄金时代”(Golden Age)。

30年代，迪斯尼、华纳等动画工作室不断改进动画制作的工艺，将彩色摄影也引入动画领域。30年代初美国经济大萧条时期，动画业却是欣欣向荣，并以低薪吸收了大批艺术家加入到动画制作中来。1937年，迪斯尼公司制作了第一部美国动画长片《白雪公主》（Snow White and The Seven Dwarfs），在动画制作水准上达到新的高峰，也在全世界产生了巨大影响。

20年代初，美国动画片就传入中国，中国动画的先驱万籁鸣、万古蟾、万超尘兄弟，开始自己研究制作动画片。1926年，万氏兄弟之作了中国第一部动画片《大闹画室》。1941年，受迪斯尼公司《白雪公主》的启发，万氏兄弟制作了中国第一部动画长片《铁扇公主》。中国动画的起步之早和水平之高，在世界范围内也属罕见，在亚洲地区更是拥有当之无愧的先驱地位。日本动画的先驱人物就受到中国早期动画的影响，早期日本动画家手冢治虫即坦言他是看到了《铁扇公主》才决定投身动画的。

1940年前后，迪斯尼公司制作了《小飞象》(Dumbo)、《皮诺曹》（Pinocchio）、《幻想曲》（Fantasia）等几部动画长片，成为这一时代制作水准最高的动画。与此同时，米高梅公司、华纳公司也制作了大量优秀的动画短片。与大制片厂时代好莱坞的明星制类似，一大批动画明星在20年代末到40年代初诞生。迪斯尼公司的米老鼠、唐老鸭、高飞狗，华纳公司的兔八哥、达菲鸭、米高梅公司的汤姆和杰瑞，至今仍在电影世界里焕发活力，并征服了一代又一代的观众。美国动画以明星动画角色为核心的营销模式也开始初见端倪。

40年代初美国参战后，迪斯尼等动画公司受政府资助投身于战争宣传片的制作。战争期间一部分动画师应征入伍，也有大制片厂的动画师开始自立门户或加盟较小的动画制作室。50年代初，随着标志性的“派拉蒙”法案的宣判，传统好莱坞制片厂制度的“制作-发行-放映”垂直体系被视为垄断，渐渐瓦解。而在国际市场上，欧洲电影的崛起和各国自觉抵制美国电影文化侵略的运动，也为美国电影业造成了冲击。美国的动画工业大制作逐渐减少，迪斯尼公司也将核心业务转向影片发行和娱乐工业。50年代末随着电视的普及，依赖电影票房的动画工业在转型之际进入前所未有的低谷，大型制作几乎绝迹，动画师们纷纷失业。各动画公司在战后也努力吸纳人才，但是由于动画公司一般拒绝给予动画师影片版税部分的分红，造成大批动画师转向电视和广告的制作。到90年代初以前，美国的动画工业都处在相对紧缩的状态。而在此期间，动画创作的创新转移到其他国家和地区。

3. 艺术动画的兴盛

50年代初期，电视的发明改变了西方的生活方式。电视动画和广告动画成为动画工业的重要部分，这也促使大批制片厂内的动画师自立门户进行独立制作。同时，一批优秀动画师投身独立动画创作和动画教育，新一代的动画师开始以与前辈不同的方式来认识动画。战后意大利新现实主义电影、法国电影新浪潮及各国现代主义电影的兴起，也促生了50年代以后艺术动画的兴盛。

1945年，几位年轻动画师成立了UPA动画制作公司，他们将自己的公司戏称为美国联合制片公司（United Proctions of America），以示对大制片厂动画制作的讽刺。他们致力于制作更低成本的动画，开创了“有限动画”的制作方式。随后美国动画的独立制作蔚然成风，厌恶迪斯尼风格成规的动画艺术家们以极低成本制作更加个人化的动画片。

1939年，在加拿大成立了一个政府资助的旨在鼓励电影创作的机构国家电影局（NFB, National Film Board）。1942年，诺曼·麦克拉伦(Norman McLaren)加入加拿大国家电影局并成为动画部门的领导。1952年，诺曼·麦克拉伦(Norman McLaren)在加拿大制作了动画短片《邻居》（Neighbors）。加拿大动画电影局（NFB）逐渐吸引了一批来自世界各国的艺术动画创作者。到了70年代，NFB更是取得了辉煌的成就，杰拉德·伯特顿（Gerald Potterton）、卡洛林·丽芙（Caroline Leaf）、依舒·巴特尔（Ishu Patel）、 弗里德里克·贝克（Frédéric Back）等数十位杰出的动画师，在60年代到80年代在NFB长期工作，创造或改进了剪纸动画（Cut-out animation）、真人动画（Pixilation animation）、沙动画（Sand animation）、玻璃绘制动画(Paint-on-Glass animation)、粘土动画（Clay animation）、玩偶动画（Puppet animation）、针幕动画（Pin-screen animation）等多种动画形式，创作了大批极富想象力的动画短片。NFB的动画部门对世界动画的发展起到了重要的作用，至今仍是鼓励艺术动画创作的重要机构。

与此同时，欧洲各国的动画制作业也渐渐建立起来，英国、法国等国家都制作了一批高质量的动画片。随着昂西动画节等一批国际动画节的创立，动画艺术的国际交流在西方世界逐渐得到发展。早期的动画大师如诺曼·麦克拉伦、亚历山大·阿里谢夫（Alexandre Alexeïeff）、奥斯卡·费辛格（Oskar Fischinger）等人不但开创了跨国的艺术动画制作，此时也在国际上产生了极大的影响，超越了民族动画的范围。

在苏联和东欧各国，由于社会主义国家对电影、动画事业的一贯重视，动画事业得到国家的资助，当然部分作品也不可避免地打上了意识形态主导的烙印。1936年，苏联美术电影联合制片厂在莫斯科成立，制作了大批优秀的动画片。在这一时期的社会主义国家中，在动画方面取得较高成就的除了苏联，还有南斯拉夫、捷克斯洛伐克和中国。南斯拉夫的赛格勒布学派和捷克斯洛伐克的木偶动画，都在国际上赢得了很高的声誉。

1949年以前，中国动画受迪斯尼公司的影响最甚。50年代以后，中国动画受到苏联和东欧各国的影响，这一代中国动画人还积极探索如何建立中国动画的民族风格，取得了很高的成就。1957年成立的上海美术电影制片厂，以独特的民族动画风格在国际上产生了深远的影响。

上海美术电影制片厂的前身是东北电影制片厂卡通股。在1950年迁移到上海并成为上海电影制片厂的美术片组后，汇集了特伟、万氏兄弟、钱家骏、虞哲光、章超群等一批优秀的动画工作者。1957年上海美术电影制片厂成立时，已发展到200多人的规模。从50年代初期开始到文革前，中国动画事业迅速发展，出现了一大批优秀的动画作品。

50年代末，中国动画工作者尝试开创民族风格的动画，运用中国的形式来表达中国社会的现实。1956年特伟导演的《骄傲的将军》和1958年王树忱导演的《过猴山》，使这一时期开创中国动画的优秀作品。《骄傲的将军》的角色设计借鉴京剧脸谱，背景设计借鉴国画的工笔重彩技法，充分吸收的传统艺术的装饰性，这也开创了中国动画受民族戏曲影响的传统。《过猴山》则取材传统木版年画中的故事和形象，取得很好的效果。此外，1958年钱家骏导演的《一幅僮锦》长达60分钟，足以说明当时的上海美影厂已经具备了制作高质量动画长片的能力。

60年代初，中国动画精品迭出，进入一个辉煌时期。其中动画长片《大闹天宫》、水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》和《牧笛》，堪称世界动画史上的经典作品。

由万籁鸣、唐澄导演的《大闹天宫》（1964年）延续《骄傲的将军》开创的风格，借鉴戏曲的形象和动作，采用戏曲化的音乐和对话。《大闹天宫》由漫画家、装饰画家张光宇进行了角色设计的工作。张光宇吸收传统版画、戏剧脸谱的要素，创作的孙悟空，至今仍是中国动画史上最受喜爱的动画形象。张光宇的角色设计和装饰画家张正宇（张光宇之第）的背景设计，在艺术上达到高度的统一。统一的传统装饰性风格，和高超的技术水准，让这部杰作成了中国动画史上难以逾越的高峰，40年来，仍然没有一部中国动画片能够达到《大闹天宫》的艺术水准。《大闹天宫》不但体现出中国动画当时在世界上堪称一流的制作水准，也让全世界动画人看到了开创民族风格动画的可能。70年代末，《大闹天宫》通过电影节等渠道在欧洲各国放映，引起了巨大的反响。

这一时期中国动画取得的另一重大突破，是创造了水墨动画这种特有的动画形式，为世界动画做出了杰出贡献。特伟、钱家骏在1961年导演的《小蝌蚪找妈妈》和1963导演的《牧笛》，取得了高度的艺术成就。《小蝌蚪找妈妈》取材齐白石的写意花鸟，准确再现了齐白石的绘画风格。《牧笛》取材自李可染的牧牛图，影片风格细腻抒情。这两部早期水墨动画不但在技术上突破了水墨形式难以做成动画的难关，在艺术上也达到了内容和形式的统一。60年代初，钱运达导演的《草原英雄小姐妹》、张松林导演的《没头脑和不高兴》、漫画家华君武编剧、王树忱导演的《黄金梦》等动画片，也都取得了很高的成就。

60年代后期到70年代末，随着“四清”、“文革”等政治运动的开展，短暂的中国动画辉煌时期匆匆结束。一批优秀的动画片被称为“毒草”，予以批判。这十多年间，中国动画几本处在停滞不前的状态。而与此同时，美国的动画工业渐渐恢复了规模，而日本也在60年代后建立和发展起来一个庞大的动画产业。80年代初打开国门后，中国动画不但要面临美国、日本动画的冲击，也要面对自身存在的问题。

1977年到1983年间，上海美影厂承继60年代的优秀传统，创作了《哪吒闹海》、《天书奇谭》等动画长片和《九色鹿》、《雪孩子》、《三个和尚》等短片。在这一时期的中国动画中，70分钟的《哪吒闹海》直追《大闹天宫》的水平。这部由美术家张仃担任角色设计，王树忱、严定宪、徐景达（阿达）导演的动画电影，继续探索民族风格之路，使这一时期中国动画的代表作品。

同时中国动画创作不再是上海美影厂一枝独秀，全国有数家电影制片厂都成立了动画部门。动画短片的创作也进入有一个高峰期。《雪孩子》、《九色鹿》、《鹿铃》、《鹬蚌相争》以及稍后的《山水情》等短片，都取得了极高的艺术成就。其中，徐景达（阿达）导演的《三个和尚》不但继续发扬民族动画风格，而且就动画本体进行了探索，成为又一部中国动画的代表作品。

虽然中国动画得到了恢复和发展，但是很快就面临着又一个低谷时期。80年代初，美国和日本的电视动画开始进入中国。它们极富娱乐性的大众文化取向，是在计划经济体制下靠政府资助多年的中国动画所不具备的。美国和日本的动画工业已经形成庞大的高质量动画生产流程，而且有丰富的国际发行经验。由于在本国和其他地区的发行已经能够盈利，他们用极低的的费用（甚至免费）在中国推广电视动画。中国动画长期与市场脱节，不能适应高效率的商业动画生产。这样涌入的国外动画抢占了大量的市场份额。同时，由于中国动画业薪资水平较低，美国和日本动画工业也在中国进行动画的代加工，年轻一代的动画工作者流向动画加工。老一辈的动画工作者年事已高，而新一代的动画工作者长期从事动画加工，缺乏原创能力。另一方面，中国动画在60年代初、80年代初虽然取得成就，但没有建立那怕是基本的市场机制。进入80年代后期，动画业又普遍急功近利，求数量不重质量。这些因素，都造成中国动画的全面滑坡。

进入90年代，中国动画继续举步维坚，产量有所增加，但是质量还是无法与国外动画竞争。而在国际范围内，动画业正在进行一场数字革命，数字技术让动画业以更低廉的成本生产更加高质量的动画，新的数字技术也为独立制作所应用，个人化的动画创作更加普遍。

面临中国动画业的不景气，政府开始关注和扶持动画产业。民营资本的进入、动画频道的成立、动画教育的兴起，都为中国动画的发展带来了新的希望。在新世纪之初，全世界的动画工业都处在一个前所未有的快速发展时期，中国动画在继续面临国外动画挑战之际，也酝酿着新的起飞。

4. 数字技术带来动画的复兴

在传统动画几经浮沉之际，一股新的动画革命在悄悄酝酿。1950年，麻省理工大学的计算机专家制作了第一部计算机动画。到了70年代，一大批科学家和艺术家开始投身计算机图像（CG）领域。70年代后期，杰姆斯·布林（James Blinn）领导的实验室Jet Propulsion Laboratory(JPL)制作了早期的三维动画短片Voyage2。传统动画的实践者也投入这一领域，加拿大动画电影局（NFB）于1974年出品了彼得福德斯（Peter Foldes）导演的动画片Hunger，应用了最新的计算机技术。

80年代初，计算机动画技术步入实用阶段。1982年迪斯尼公司制作的电影Tron中有超过20分钟的数字动画。同一时期美国的工业光魔公司（Instrial Light and Magic）开始在电脑特效领域应用数字动画技术。1984年，他们在《印第安那·琼斯和魔殿》一片中首次制作了一个全数字的合成镜头。1989年的电影《深渊》（Abyss）里，更是出现了第一个全电脑制作的三维动画角色。在数字动画方面，日本也是起步较早的国家。1984年日本大阪大学（Osaka University）就制作了数字动画短片Bio-Sensor。传统动画的工艺也因数字技术发生了彻底的变革，提高了效率和质量。1989年，迪斯尼公司的动画长片《小美人鱼》（The Little Mermaid）成为他们最后一部用传统工艺制作的动画。

80年代，一大批数字动画制作公司也相继成立。1980年成立的Pacific Data Images（PDI）、1985年成立的Pixar、1987年成立的Blue Sky Studios，如今都已成为生产电影动画的大型工作室。

90年代数字技术在欧美和日本的动画工作室开始得到普及。数字图像技术成为电影和动画工业复兴的催化剂。迪斯尼公司自1990年的《救难小英雄》（The Rescuers Down Under）以来就利用数字技术降低成本和营造更加美轮美奂的画面，《美女与野兽》（1991）、《阿拉丁》（1993）等动画电影取得巨大成功。1994年的《狮子王》更成为迪斯尼公司有史以来最卖座的一部动画长片。

三维动画片成为动画产业的新主流。1995年，Pixar工作室之作了第一部三维动画长片《玩具总动员》（Toy Story），开三维动画之滥觞。十多年来，美国生产的《虫虫特工队》（A Bug’s Life）、《小蚁雄兵》（ANTZ）、《冰河世纪》（Ice Age）、《怪物史莱克1、2》（Shrek 1 & 2）、《海底总动员》（Finding Nemo）、《超人特攻队》（The Incredibles）、《机器人历险记》（Robots）等片，都取得了空前的商业成功。

数字动画的浪潮，也在美国之外的区域蔓延。日本动画也大量采用了数字技术，近年来的《幽灵公主》、《千与千寻》、《攻克机动队2》、《蒸汽男孩》等动画片，都采用了数字动画技术。韩国、法国等国也借助这一浪潮大力发展动画产业，成为新的动画生产大国。

动画产业的空前活跃，使得动画成为新媒体的核心之一。中国动画产业也有新的一批数字动画制作者加入，动画从业人员和动画专业学生迅速增加。中国动画，既面临着积重难返的各种体制弊端，也面临着新的发展契机。

㈡ 请问加拿大电影产业怎样,和中国相比

加拿大

文化部门定义和行业界定 加拿大统计局把文化部门定义为以艺术表现形式、遗产古迹为基础引起的各种活动和产出。以此为标准，文化统计框架包括传统艺术和文化行业、现代艺术活动和遗产古迹及其相关支持设施等部分的创作、生产、保存、组织支持和服务、制造、销售等整个经济活动链的供需情况。具体在北美产业分类中，加拿大文化部门主要是指信息和文化产业以及艺术、娱乐和消遣行业两大类。

文化部门的相关统计数据 1997年加拿大文化部门增加值为224.82亿加元，占GDP比重为3.1%；文化部门就业64.07万人，占总就业人数的4.8%。

在加拿大看的电影，大部分都是美国拍的。加拿大几乎没有自己的电影产业。可是加拿大人和美国人一样都超爱看电影，单从成千上亿的票房就可以看出来了。各大影院都是和美国同步上映新片，电影广告从2、3个月前甚至半年前就开始播出，比如现在影院就在放正片前播放12月份圣诞节档期的预告了。电视里也在新片上映前大做广告。在暑假期间，更是一个好戏连台的档期，电影院吸引的大多数还是青少年的人群。
过去，提到加拿大电影，人们大都只想起它的动画片和纪录片。11月中旬，在北京电影资料馆举办的加拿大电影展放映了近年出品的五部加拿大故事片。许多中国观众惊讶地发现，原来加拿大故事片也如此精彩！

这五部故事片包括《给我自由》、《立方体》、《照亮你的道路》、《凯拉》和《神圣的瑞恩家族》。这五部影片主题各异，但都制作精良，艺术风格自然、大气，体现着导演对生活和艺术的严肃探索。比如，在影片《给我自由》中，13岁的少女昂纳在成长过程中不断寻找自己的定位，探究人生痛苦的原因。女导演莱亚-普尔以其细腻而色彩丰富的电影语言，让观众为之动情。莱亚-普尔是近年来一位有成就的女导演，她的每一部影片几乎都引起关注：第一部影片《酒店女人》(1986年)赢得了七个奖项，《安妮-特雷斯特》(1986年)、《埋伏的士兵》(1988年)、《狂野女郎》(1991年)、《欲望行动》(1993年)也都获得多个奖项，并在许多电影节上放映。《给我自由》是她的第六部故事片。

的确，近20年来加拿大的故事片已逐渐成为国际影坛不容忽视的力量。80年代，加拿大一些具有较高水平的艺术片已引起影坛关注，其中以德尼-阿冈执导的《美洲帝国的衰落》(1986)和《蒙特利尔的耶稣》(1989)最为著名。《美洲帝国的衰落》通过四男四女的自白，勾画了西方世界个人享乐的图景。这部影片使德尼-阿冈成为加拿大国际声誉最高的电影导演。影片自1986年5月在法国嘎纳电影节放映后，连续获得20多个国内、国际奖项。《蒙特利尔的耶稣》则从宗教的角度来观察魁北克社会，这部看起来荒诞、残酷的影片，是《美洲帝国的衰落》有关信念问题探索的延续。值得一提的还有大卫-克劳恩伯格1988年根据真人真事改编的《苍蝇》、恐怖片《死亡怪圈》等等。

进入90年代，加拿大制作出一批具有相当深度的影片，其艺术表达的普遍性和准确性，更引起评论家们的注意，一些年轻的导演和他们的影片在国际电影节上频频获奖。阿托姆-伊戈扬就是其中一位。这位在加拿大家喻户哓的年轻导演1995年执导的《脱衣舞场》在法国嘎纳电影节上获得大奖，1997年执导的《幸福的亡灵》再次获国际大奖。大卫-克劳恩伯格在这一时期执导的影片《碰撞》、《裸体午餐》像他八十年代的影片一样受到好评。
对人的生存状态和命运的关注成为近年加拿大电影的聚焦点。除此次参展影片外，由于张艾嘉的出演而为中国观众关注的《红色小提琴》也体现了这一特点。故事叙述一把独特的小提琴，历经三百年，走过五大洲，每个接触过这把小提琴的生命都被激起灿烂耀眼的火花。去年出品的《感观五重奏》描述一幢住宅楼中五个不同职业、性格、年龄及性别的人，各自沉迷于某一感觉中，自我封闭，而一个小女孩的失踪将他们连接起来。

早在1939年，为了扶持和发展本国电影业，加拿大成立了国家电影局，从事影片的制作和发行。现在加拿大国家电影局每年的总预算为6500万加元，可以完成大约100部作品。据统计，加拿大电影局至今已累计完成9000部电影作品，发行到全球85个国家。政府每年还通过加拿大影视公司投资3000万加元用于支持各公司拍摄本国影片，另外再投资1000万加元用于影片发行。该公司对于本国影片的投资额最高可达制片成本的49%。

㈢ 闭幕式将再续"一朵雪花"的故事，闭幕式的创作宗旨是什么呢

冬奥会闭幕式再续了一朵雪花的故事，而且此次冬奥会闭幕式的创作宗旨就是快乐奥运。很多网友看闭幕式的时候都觉得自己看了一场盛大的party，因为运动员们在此次的闭幕式上真的特别的开心，很多代表团甚至在现场直接舞了起来。网友们表示自己看的开心，运动员们玩的也开心，同时他们也真正的在向此次的冬奥会告别，不得不说此次的冬奥会闭幕式举办的真的非常成功。

闭幕式上主要挑选的都是一些青年人，这些青年人在奥会的舞台上努力的绽放自己的青春，这也让大家都觉得这些青年是未来可期的。冬奥会向大家展示的体育精神本身就非常的有意义，而参与其中的各行各业的工作人员同样也能够感受到这样的精神，这就是我们国家面向世界的体育精神。

㈣ 加拿大动画的特点是什么

六十多年前，诺曼·麦克雷伦在加拿大国家电影局(简称NFB)开启了动画活动的进行。麦克雷伦是个活跃的艺术家，同时也是杰出的影片实验者，他使那些风格各异、具艺术性且热情充沛的动画能占有一席之地，以致数十年后这便成为NFB的使命基石。从那时起，NFB的动画发展总是包含着实验的空间，包括尝试运用不同的艺术媒材，例如颜料、沙子或计算机等，或是挑战着动画形式的结构与界限，无论有无旁白的动画皆然。不论是新兴潜能的培养、不同的文化反映、动听的故事或艺术性的景象，这里总能为它们提供空间。这样的传统拥抱着那些挑战社会议题的动画，以及那些愉悦的、使我们开怀一笑的影片。这在本质上是种对创作者/导演(auteur)这个中心角色的尊敬。这些动画片反映着加拿大土地上兼容并蓄的国族认同，它们就像小小的文化大使，轻易跨越了世界各地的边境。

美国的卡通共话获得世界声誉后，欧洲的动画家无法也不愿去复制他们的风格。他们极少批判人类的失败、社会状况，或是心理的纠葛，有关世界大势留给政治家和作家去处理。这些电影只要跟着大众流行走，形势和内容无需太复杂，电影中的道德观很单纯，善良必战胜邪恶。在二次世界大战之前，美国的卡通片厂也把这套价值标准推广到世界各地。
许多才华洋溢的卡通画家界突入战争宣传影片，如鲍伯·克雷皮特、泰克斯·艾佛利和年轻的弗列兹·弗列朗。而迪斯尼片厂经过人员的裁减，倾全力为政府制作宣传片和海军的简介片，在有限的经费条件下，要完成简短兼具战争讯息、意识形态的影片，并不是一件容易的事。但是即使在这种情况之下，迪斯尼片厂还是推出了长片卡通动画《空军的胜利》，成功地宣传了美国的道德意识。
二次大战摧毁了动画卡通的商业发行和制作渠道，但是世界市场的分列确有另外一番意义，既不同的国家地区开始有机会发展自己的动画形式。
战争创造了大量的国家宣传的市场需求，特别是美国、加拿大和英国、苏联、日本。许多国家成立了动画制作中心，这个情况一直维持到20世纪50年代。战争结束，东华成为世界性的表现媒介。
在欧洲，董华在英国迈开大步。1930年成立的大众邮局培养出一群年轻优秀的动画家。新动画公司"哈拉斯和巴契啦"被"情报局"征召，拍摄了一系列支援战争的卡通短片，如为制造枪支节省金属铁片的《仓库游行》（1941年），种植蔬菜的《为胜利而耕作》（1941年），和检举间谍的《阿布的收获》（1943年）等。他们在战时拍摄了70多部卡通短片，并在全国的戏院放映。战争结束时，为了对群众说名社会结构的变迁和改革，仍然的通过动画媒介来进行宣传，这些影片是根据大众常识设计的，采取的是成人的观点，以理性的辩论代替感性的幽默来去的认同和了解。后来这种形式被电影工业广为采用，因此动画的内涵和诉求也得以扩展并达到新的目标。动画媒介进而被运用在公众关系、企业广告和教育方面，而不仅限于趣味、动感十足的故事了。在西欧的其他国家，后来也发展出另一种新样式的动画设计风格。
1941年，迪斯尼的卡通工业受到很大的打击。隶属于迪斯尼的动画家想组织工会，反抗迪斯尼的长期剥削，而迪斯尼强力雅致。因此双方长期激烈论战，导致两败俱伤，结果包括约翰·胡布利在内的一批动画离开了迪斯尼，于1943年成立"美国联合制片公司"（简称UPA），他们的理想是改革动画既定的风貌。UPA一极少的资金创业，大部分的艺术价值那极少的报酬或甚至不拿报酬替他公所。UPA最初采用合伙制，由原隶属迪斯尼的詹却利·史奈子、大卫·希伯曼和史蒂夫·鲍沙斯特组成。他们合作的第一部影片《连战热潮》，市委弗兰克林·罗斯福拍的竞选影片，由美国工会出钱，恰克·琼斯导演。
第十的作品比较注重三度空间表现和写实路线，而UPA则偏爱平实、风格化的、当下流行的线条设计，以对社会政治的批判代替迪斯尼片好的浪漫童话故事，《兄弟情》和《悬吊者》就是最好的例子。由于资金来源很少，他们无法负担迪斯尼的华丽成本，只能以"有限动画"的方式创作，用较少的张书来华，并加强关键动作，以强烈的故事性和有力的声部设计来带动剧情的发展。
UPA改变了以往人们对动画的看法。在不断获奖之后，很快地UPA有了自己的代言人物。如《马古先生》（1949年）和《波音波音》（1951年）。约翰·胡布理明快干净的画风抓住了人心，其画风也影响到了迪斯尼的作品。20世纪50年代，好莱坞卡通短片逐渐走向衰落，因为卡通制作费的高昂，很少短篇能靠戏院放映回收成本。大大片厂虽然因时制宜推出"买花片"，即买一部强片给戏院时，同时要求对方买些另一部剧情片和一部卡通片或新闻片，暂时保住了卡通短片的出路，但后来此种推销手法被高等法院禁止。大公司的动画部门因此纷纷解散。
此时，另一个新型的媒体----电视，缓解了卡通制作的困境。各大片厂把球卡通的播映权卖给电视台，积累了不少财源，30多年来这些不断重播的卡通收视率相当可观，也促使电视卡通成为新的制片形态。
但因为电视有时间压力，制作上常是供不应求，因此必须采取有限动画的方式制作，而剧本要能灵活应变。开始让电视卡通不上轨道的是威廉·汉纳河约瑟夫·巴贝拉，他俩曾以《汤姆和杰瑞》得到奥斯卡短片奖。1957年，他俩成立的新公司推出《罗夫和瑞弟》，是关于一只狗和猫的冒险故事，作法比UPA的有限动画更有限，但是其彩色和伶俐的画风，却非常受观众欢迎。接着瑜伽熊、莫等原始人等陆续跟进，电视卡通成了新的娱乐工具。
20世纪60年代是美国动画的黑暗时期，因为动画的表现形式已被定型为"周末早晨电视秀"和"儿童欣赏的节目"。随着制作成本的提高，数量越来越少，质量越来越差，电视台逐渐以影片填补空档----这种趋势一直延续到今天。
二次大战后，日本动画正是如火如荼地展开了，从手冢治虫的漫画发展出来的日本风格的卡通动画，到宫崎骏的崛起；从个人独立制作路线的确立，到动画工业的建立，日本动画不仅在本国市场受欢迎，而且在全世界都形成了一股旋风。
在好莱坞片厂的卡通走向式微之际，美国和欧洲的独立制片、广告动画家、小型的片厂却逐渐兴起，并发展出特别的美学风格，特别是南斯拉夫的萨格勒布片厂和加拿大的国家电影局。
在二次大战之后，东欧有许多动画片厂成立，动画家拥有较自由的表现空间，常被提到的是南斯拉夫的萨格勒布学派。
萨格勒布片厂20世纪50年代中期成立，有一群受到UPA影片鼓舞的艺术家和动画家组成。他们全力试验有限动画，发展有趣的故事和别具一格的线条。如1961年在奥斯卡评奖中脱颖而出的动画短片，就是以康丁斯基的线条为原型，自由挥洒。萨格勒布学派动画的特点是米人和震撼，在20世纪60年代对世界动画的发展和艺术化发挥产生了深刻的影响。
加拿大国家电影局的动画部门在1942年成立，在具有创意的动画家诺曼·麦克拉伦德主持下展开。虽然NFBC成立的宗旨是："向加拿大及其他地区说明加拿大人。"但到了20世纪60年代末期，电影局已成为跨国性自由创作动画的前锋。他招揽了世界各地的知名动画家，在20世纪60年代末期，取代了萨格勒布，成为向往个人创意的动画者的家，其地位至今依旧。
20世纪70年代到80年代，加拿大国家电影局制作的动画成绩骄人，获得了7次奥斯卡奖，包括1977年的《沙堡》、1978年的《奇异的旅程》、1979年的《每个小孩》。
20世纪60年代末期，美国的冬花再度崛起。在怀旧的气氛下，人们重新审视30年代、40年代黄金时期的动画，发现那个时代全动画的美和美丽的确是后来以"有限动画"方式制作的电视卡通所不能比的。而使得老片心声，则要归功于这两部影片：1967年的《黄色潜水艇》和1972年的《怪猫菲力兹》。前者为加拿大动画片家乔治·当宁执导，用了当时所有的动画技巧，集结了当时正红的设计师，美籍的彼得·马克斯、德藉的汉斯·艾杜曼受邀共同参与。影片的大胆色彩风格的披头士的音乐，已构成先声夺人的气势。
综观20世纪60年代至80年代优良大发展：一是"作者"的兴起，二是国际化。
"作者"是动画媒体的重要人物，这一时期出现了许多有才气的动画家。大家公认波洛齐克（《从前》、《泰迪先生》、《DOM》）和尚·连尼卡（《亚当二世》、《A》）是灯塔级的两大人物，他们创立了所谓的"荒谬动画"的类型。
国际化最明显的是艺术家资源移民到国外，如原居住在布拉格的Gene Deitch、尚·连尼卡和瓦勒林·波洛齐克，移至西欧获法国工作。另外，跨国联合动画公司如雨后春笋越冒越多，而人工成本高的国家（如美国）的公司又和较便宜的国外公司订约的趋势。
20世纪60年代至80年代的另一项惊人的现象是长片增加了，每一个国家似乎都像推出长片，最有名的是手冢治虫任总指挥，山本瑛夫监督的《一千零一夜》、《埃及艳后》，还有没X级动画片《怪猫菲力兹》。
20世纪70年代初期，美国动画界面临人才青黄不接的危机，他们开始在各地的制片厂开设人才培训班，并在大专院校开设动画课程，让年轻人有机会创作动画影片。
除了经常性的电视，周末早上的卡通节目外，在这转折的时刻，动画也朝科幻片的特技迈进，如《2001年太空漫游》、《星球大战》和《帝国大反击》等。科幻电影中对未来世界的刻画，更促成了剧情片、广告片、电讯网络中电脑动画的开发与运用。
由于真人演出的电影制作费越来越高，动画在制作成本上也渐显优势，特别是电视广告以及特别节目。因此，世界各地新建的制片厂，从广告片到剧情片的制作均结合电脑和传统动画设备，使影片更趋精彩。（有点多哈 ..... 抄过来的 ... 别介意 。。。）

㈤ 加拿大国家电影局的发展模式

National Film Board of Canada 简称NFB
成立当年1939 是为了二战宣传时组建的。
下设动画片部、纪录片与剧情片部，现在主要是纪录片教育电视，人民家庭道德的文化@宣传。
由于加拿大是双语国家，所以NFB分为英语、法语两个系统
各自拥有独立的预算与制作体系。英语系统总部设在蒙特利尔，下设动画片部、纪录片与剧情片部、女性电影部（注：这是世界上第一个由女性自制并且拍摄女性题材的电影机构）和多媒体互动节目四个部门。
每个部门又分为东方区和西方区两大分支，在世界各地设有分部。其中，动画片、儿童片和多媒体互动节目3个部门相对于纪录片部来说关系更为紧密，因此这3个部门的办公机构被安排在一起，其动画部门以制作15秒至15分钟的短片为主要发展方向。
加拿大国家电影局1993年的预算是9000万加币（约合4.5亿人民币），而它在全球的收益却只有1000万加币。1年亏损8000万看似惊人，但是对于一个国家的文化宣传来说，这种投资是非常值得的。

㈥ 加拿大电影局的创作宗旨是

加拿大国家电影局 （National Film Board of Canada 简称NFB）是加拿大官方组织，创建于1939年，由国家电影局长同九位信托局官员组成的委员会管理电影发展事宜。NFB有一套极为完善的制作管理体系。英语系统总部设在蒙特利尔，下设动画片部、纪录片与剧情片部、女性电影部和多媒体互动节目四个部门。截止到1996年，加拿大国家电影局已经获得了3000多个国际奖项和10座奥斯卡奖。

㈦ 世界上有哪些举足轻重的电影节

有：德国柏林国际电影节，法国戛纳国际电影节，意大利威尼斯国际电影节，美国奥斯卡金像奖，

1、德国柏林国际电影节

原名西柏林国际电影节，20世纪50年代初由阿尔弗莱德·鲍尔发起筹划，得到当时的联邦德国政府和电影界的支持和帮助，1951年6月在西柏林举行第一届。柏林电影节把自己定位为国际电影生产的一面镜子，在东西方之间的汇合与调停中扮演了重要的文化和政治角色，最高奖为“金熊奖”。

2、法国戛纳国际电影节

创办于1939年，最初是为对抗当时受意大利法西斯政权控制的威尼斯国际电影节，如今已成为世界最具影响力、最顶尖的国际电影节之一，又因大海（Sea）、美女（Sex）和阳光(Sun)而被称为3S电影节。最高奖为“金棕榈奖”。

3、意大利威尼斯国际电影节

创办于1932年，是世界上第一个国际电影节，故被称为“国际电影节之父”，最高奖为“金狮奖”。宗旨是“电影为严肃的艺术服务”，聚焦于各国的电影实验者，鼓励他们拍摄形式新颖、手法独特的影片。在30年代至60年代之间，威尼斯电影节是诸多世界电影大师的摇篮。

威尼斯国际电影节于每年8月至9月（8月30日-9月9日前后）于意大利威尼斯丽都岛举行举办。

(7)加拿大国家电影局的创作宗旨是什么扩展阅读：

1、电影节其实就是一扇窗户，打开这扇窗户，世界就在眼前。每年的电影节是整个娱乐圈的盛事，电影节随着时代的发展早已跨越了单一的电影元素，参加电影节的意义也非同凡响，电影界杂糅了工业、艺术、文化和商业等领域，构成一个以新理念为主导的多元化电影盛宴。

2、电影节是电影人参与的流动的盛宴，名与利的舞会，参加电影节的意义在于你可以开拓眼界，见识到不一样的世界，参加电影节的意义在于美好的交流。

3、电影节的开放会使整个娱乐圈大放异彩，把握住电影节这个商机，为商家创造更大的经济效益，在电视上的呈现出更好的效果。

㈧ 加拿大国家电影局对于世界动画的发展有什么贡献试举例说明。

加拿大的动画业在全世界都是很有名的。著名的动画和游戏，如《变形金刚》、《骇客帝国》等都主要由加拿大制作完成，《家园》、《无冬之夜》亦是开创了3d动画的新时代。加拿大的游戏公司和电影公司更多的是做其它世界级大公司的外包工作，关键环境是研发环节，这是加拿大公司的优势；同时由于受到其它诸如EA，UBISOFT等大公司的上游控制，其知识产权基本上是归跨国公司所有，这是加拿大发展的瓶颈。
在加拿大3维动画已经发展的十分成熟，加上2维动画的市场也有局限，所以这一方面发展的很快，是加拿大在世界上的强势所在。如果你愿意，可以去看看Bioware,EA Canada, Ubisoft Canada,Radical Entertainment的网站,上面会有新的工作机会。
另外选择地址也很重要，加拿大主要的动画公司分布在温哥华、多伦多和蒙特利尔，但是在部分地区零星的也有分布。各个地方的生活水平不一，水平不同，看你个人的喜好。在这里就不多说了。

㈨ 什么是奥斯卡奖

亦称“金像奖”、“学院奖”。1928年起由美国电影艺术与科学学院颁发。奖品为一尊双手紧握长剑，站在电影胶片盘上的男性人体青铜塑像。设最佳影片、导演、男女主角等二十余个奖项。是世界上最有影响的电影奖。

奥斯卡奖由电影艺术与科学学院 （Academy of MotionPicture Arts and Sciences）颁发，一般认为在美国影视界有三个重要的奖项：

第一是电影界的奥斯卡金像奖（美国电影界的最高奖项，包含普通奖项和技术奖项）；第二是电视界的艾美奖（美国电视界的最高奖项，包含普通奖项和技术奖项）；第三是金球奖（电影和电视奖）（1956年之前,金球奖只颁发电影奖项,后来才加入了电视奖项）。

(9)加拿大国家电影局的创作宗旨是什么扩展阅读：

奥斯卡奖的由来

1886年，当房地产商H.J. Whitley在洛杉矶市郊买下那一块土地的时候，他不会知道这片计划中的洛杉矶新城会成为未来的世界电影中心。他的妻子在山上种下了成片的冬青树林，并以此为新城命名——Hollywood。

1906年，爱迪生名下的比沃格拉夫电影公司（Biograph）在这里拍摄了好莱坞历史上的第一部短片。第二年，失意的格里菲斯在比沃格拉夫谋到了糊口的差事，成为好莱坞创业的先驱。洛杉矶充足的光照和宜人的风景，对仍处于襁褓中的电影业来说无疑具有强烈的吸引。

伴随着一战的炮火，派拉蒙、二十世纪福克斯、环球、米高梅、哥伦比亚、华纳兄弟、雷电华和联美这八大影业开始在好莱坞扎根。
一战后的十年，满目疮痍的欧洲百废待兴，电影业进入低谷。美国电影以此为契机，开启了好莱坞第一个黄金时代。

1927年，“好莱坞之王”米高梅公司总经理梅耶（LouisBB.Mayer）在一次晚宴上，向在座的同行提出了一个设想：“应该把好莱坞的精英分子们都集中起来，组成一个团体。它包括演员、导演、编剧、摄影师，当然还有制片人。使他们成为好莱坞的支柱，让他们调解纠纷，或者在制片厂里起疏导作用。”

一周之后，梅耶草拟了一份关于成立“美国电影艺术与科学学院”（American Academy of Motion Picture Arts and Sciences，简称AMPAS）的提案，学院的首任主席是米高梅旗下的当红影星道格拉斯·范朋克（Douglas Fairbanks）。