简述什么是电影表演的镜头感

Ⅰ 什么是电影感的画面，现在的摄像机拍摄追求电影感的画面，具体是追求什么谢谢

个人以为，电影感是浅景深、高宽容度、高对比度，以及些许的偏色的画面。

Ⅱ 影视艺术中电影镜头是指什么

电影镜头：电影摄影机从开机到停机的过程中，一次性连续拍摄的影像画面段落，是电影的基本单位。一个镜头一般包含若干不同的画面，从而形成电影视觉感受的丰富性、运动性。由于不同的叙事功能和表现特征，电影镜头分为不同性质的若干类别。

Ⅲ 什么是表演

表演，著作权法术语，指演奏乐曲、上演剧本、朗诵诗词等直接或者借助技术设备以声音、表情、动作公开再现作品。

电影表演是由演员扮演角色，在摄影机前表演情节的艺术。电影表演与戏剧表演同属表演艺术范畴，具有共同的基本规律。电影表演继承了戏剧表演中许多适合于电影表演的原则和方法，然而，又和戏剧表演不同。

戏剧演员在舞台上表演并直接与观众交流，演员的表演是观众接受的最后形象。而电影演员的表演是通过银幕间接地与观众交流，演员在摄影机前的表演并不是观众感受到的最后形象。

银幕上的最后形象须经摄影艺术处理和导演运用蒙太奇手段的艺术再创造才能完成。特别是电影艺术的纪实性、综合性、时空观、蒙太奇以及电影特有的生产过程，更为电影表演带来了种种特点，既要求电影表演真切、自然、生活化，同时还要求演员具有镜头感以及对于非连续创作的适应等。

(3)简述什么是电影表演的镜头感扩展阅读：

关于表演艺术起源问题的最古老的理论，始于古希腊哲学家。这种学说认为：模仿是人类固有的天性和本能，艺术起源于人类对自然的模仿。在古希腊哲学家看来，所有艺术都是模仿的产物。

亚里士多德认为：“艺术模仿的对象是实实在在的现实世界，艺术不仅反映事物的外观形态，而且反映事物的内在规律和本质，艺术创作靠模仿能力，而模仿能力是人从孩提时就有的天性和本能。”

继古希腊哲学家之后，文艺复兴时期的达·芬奇、法国启蒙思想家狄德罗、俄国作家车尔尼雪夫斯基等人都不同程度地继承和发展了这一学说。这种理论直到19世纪末仍然具有极大的影响。

参考资料：网络-表演

Ⅳ 什么是影片的节奏感

到底什么是节奏感哪？在钢琴弹奏中怎么表现出节奏感哪？现在总结了以下几点。
（1）、能在弹奏中体现出明确而又自然的节拍强弱感。
（2）、能在弹奏中依据风格、表情的需要，保持稳定、持续的均分律感，即速度、拍感的稳定、统一。
（3）、能够令人信服、合乎逻辑地弹好各种非均分律节奏，如渐快、渐慢、突快，突慢、散漫、延长音等等。
（4）、能够准确弹奏出非正常节拍的特殊强弱关系来。
也就是在弹奏时善于感受到、捕捉住、表现出乐曲节奏的韵律、韵味、趣味、情趣等等。 电影的节奏感类似吧，电影也有其格调，电影镜头的切换方式及其交替;有时指这些变化形成的韵律感，或紧张，或舒缓，或浪漫，而电影的音乐能很好的表现这些特点。而且电影要追求视觉与听觉上统一，表演真实，画面紧凑，逻辑清楚等，这些也应该在节奏感之列。 万方数据库上有关于电影节奏感方面的论文，可惜我们学校没买下这方面的资源，不然可以给你下。你可以看看，下载得花3元钱

Ⅳ 什么是镜头感

1、就是不同镜头之间的视觉差异。除去色彩、分辨率、色散、通光量、焦外二线性、口径蚀这些专业性的成像质量差异之外。

3、最重要的是透视感的差异。所以本文的重点在于为你分析何为透视感，不同焦段之间都有什么差异。这个特别重要，直接影响你的拍摄手法。

4、相机和眼睛不同，相机是单眼成像，而眼睛是双眼成像，外加人脑视觉纠正。所以眼睛看到处于一个平面方方正正的柜子，但是相机里看到的却是圆桶梯形。

(5)简述什么是电影表演的镜头感扩展阅读：

1、对于表演者，对第一类来说，镜头感是指：演员表演生动、自然，眼睛余光感受到镜头的位置，所作的表情、肢体语言能被镜头以最佳角度记录。

2、对于拍摄者，镜头感通常是指摄影或是摄像师对于画面构图和运动的宏观把握能力，对于机位的运动的掌控能力等。说某个人的作品镜头感好，就是说他的作品在构图、节奏、调度等的把握上，做的很好。要做到这些，必然是需要大量的练习和对艺术的感知达到一定境界的。

Ⅵ 简答题什么是电影的镜头艺术

太专业的东西，度娘比较懂

Ⅶ 电影创作中什么叫作“段落（幕）要有镜头感”

问的太专业了！不会！

Ⅷ 电影表演有什么特点

(1)反程序表演。演员不能像舞台剧的演员那样，从拉幕起，就从头到尾、程序井然地表演下来。拍摄电影往往在一日之内，先演一段老年的戏，再演一段人物的青年时代，接着又要拍一段这个人物在临终前的表演。对一个角色从生到死的全过程不但分割得很零碎，而且次序上亦安排得杂乱颠倒。这就要求演员能根据拍摄条件随时“进入情况”。

(2)间断表演。在电影摄制工作中，角色的生活被分割为很短很短的小动作，一般长度也就10~20秒左右。现代电影偏长了些，那也不过1分钟一个小段落的样子。演员不但要及时“进入情况”表演起来，而且要非常凝练。电影表演没有时间让你通过“感觉到，意识到，判断，行动”这些动作的四个环节的普遍规律，而是常常要演员将这四个“环节”在一瞬间同时喷射出来。这一点，对长期习惯在舞台上演出的演员说来，是要难以适应一些。当然也有例外，不少我国第一流的演员不但能迅速地适应这种创作的特点，而且能表演得光彩照人。

(3)要进行无对象交流。在戏剧中训练演员，最忌演员和空气交流。而在电影中，却常常要求演员和空气交流，其交流对象可能是远方的一株树，也可能是摄影机的某一个部件。人物的近景特写常常如此。还可能要你假定镜头作为你的交流对手，有时镜头就推在你的鼻子前面，只拍你的一对眼睛，而要求在这一对眼睛中看到你和对手交流的“电光”。

(4)要在纷乱的环境中表演。电影演员的表演场地和舞台演员是完全不同的，以环境来说，有时在重峦叠嶂的崇山峻岭之中，使你感到自己非常渺小与孤单；有时在很狭小的监狱与斗室之中，使你动弹不得。一般说，在表演时不像舞台或排练厅中有那种“神圣”的严肃气氛，而是乱糟糟、闹纷纷的。有时各个工作部门还同时发出不同的噪音，即使下达了开拍令之后，也还有摄影机马达的转动声。

（5)这是一个最难克服的困难，即电影中的人物形象的完整性是由数以百计的反程序、间断拍摄下来的镜头组接在一起才能体观出来。面对人物的完整形象和短小镜头之间的相互关系的确是很难掌握的，要看到人物形象的“完整性”意味着这个人物在影片中的发展变化都是合乎性格逻辑的。所有已拍摄下来组接好了的镜头是一个有机的整体。