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哪些电影电影仰拍俯拍变换

发布时间:2022-11-29 00:43:20

什么是影视仰拍

<@.@>: 影视摄影就是以客观实体为对象,运用光学、光线、色彩、运动、构图视觉造型形象画面,去表述一个连续的事件发生、发展、结束的过程。这种连续的、运动的视觉形象画面“是一门艺术,是一种语言,也是一种存在。”
要想成为一名合格的影视摄影师,那么他需具备两个方面的能力,一是必须对影视摄影技术熟练的掌握,包括机械、化学、光学、计算机等基础知识。二是必须具有形象思维及视觉心理知识乃至综合的文化素质和艺术修养。只有这样才能做到在“拍摄中”的艺术创作。

要清楚,在任何时代里,艺术的创造力都是最重要的。艺术作品总是与艺术家的个性和世界观有密切联系,它带着创作者独一无二的个性的印记。在影视摄影艺术领域里,如何确立自己的摄影风格,脱颖而出,在于摄影师运用摄影形态元素的独特方式,以及在简洁明快的视觉形态语言背后所蕴含的文化意义,真正起决定作用的还是创作者的创意理念和思维方式。

电影和电视是两种不同的艺术形式,它们既有不同处又有相同处,它们不同之处在于叙述事件的结构不同等;它们相同之处,都是用摄影创造视觉形象,所用的手段、技巧、光线、色彩、运动等等都是相同,它们在形式上可相互渗透,相互转换。了解这一点将有利于加深影视摄影的理解。

一 影视摄影造型表现方法

1 影视视觉形态构成的方法

影视造型形态的构成,就是按照人们的视觉审美规律,运用摄影技术、艺术造型的表现手段,将视觉造型形态的不同要素有机地组织起来,从而创造出符合一定目的的形与色的影像组织结构关系,用于更加准确地表达某种理念或传达某种讯息,通过这种影像被观众知觉系统直接转译为现实的视觉影像,他是被感知的,是客观存在的。如果影视造型形态的构成基础就是影像,那么每个影视画面都是由若干个影像元素组成,而传递所有的情感讯息也是由影像来完成的。

在影像的摄取中,首先是为围绕着特定的主题叙述展开的,不同的主题采取不同的艺术表现手段,运用不同的声、光、和感光媒介来摄取实际存在的对象(演员、其它等),并通过后期制作使影像更具内涵和完美。这样,使带有情感、情节的影像画面呈现给观众并作用于观众的感知心里,得到了认同。

在摄取影像的过程中,将如何运用摄影的方法来构筑画面里不同的影像元素,首先应了解影响构成摄影画面的基本元素。

a、基本镜头的元素构成

在任何摄影造型构成的画面中都是由基本镜头组成,基本镜头包含了全部的有效影像元素,而有目的的把这种影像元素有组织的构成,用于引导观众注意力。

那么什么是基本镜头?基本镜头就是在摄影画面中描述场景的基本画面:它包括各种全景(LS),中景(MS)近景(特写)(CU) 和 (图001说明了这些景别)。

全景强调的是环境和主体与环境所处的关系,就是展现景物全貌的。

中景是一种介于全景与近景之间的画面形式。中景既有全景的某些特点,又不失近景某些细节的妙处,适合表达情节、传递感情。通常中景则不仅有主体,而且也有部分环境。

近景是把主体元素,如演员,从陪体元素(环境)中分离出来。

近景的进一步近距刻画为特写,特写是指拍摄人的头部、面部、人体的局部、物景的某一部分的镜头,这是电影中强调局部细节的一种独特而有效的摄影手段.

在某种程度上,这些术语是彼此相关的。一个镜头在某系列镜头中可能称为全景,但在另一系列镜头中或许称之为中景。

也许描述不同景别的最简单的方法是用范围来表示。把大全景叫做最广的镜头,把大特写叫做最近镜头。所有其它镜别都分布在这两极端之间。

用来描述各种镜别的语言常基于人的身体。全景包含了全身,中景为臀部以上的躯体,近景为肩以上部分。

另一种描述景别的常用方法是根据镜头中人的数量。例如,有两个人的叫两人镜头,有三个人的叫三人镜头。影头部镜头,头一肩镜头再和全镜头,这些术语描述本身是相当好的(图002)。但是人们在不同的场合中所赋予景别范围的内涵有所不同。

全景(LS),中景(MS)和近景(特写)(CU),是构成影视画面语言的基础,是构成整个影视“事件”画面的基本元素。

在影视拍摄中镜头是不断改变的,不断的转换画面的基本元素,这种不断的改变和转换就决定了影视摄影的基本属性,就是连续性及运动性。

b、引入主观镜头元素

在影视摄影视觉造型的形态构成中,主观镜头的表现也是重要的一环,把主观镜头类型的主观元素引入到摄影画面中,即是在符合人的视觉规律条件下,引导、迫使观众去看你想让观众看的东西。此种造型元素的引入只能在影视摄影中运用,必须是连续与“运动”的。

在镜头里摄影机或摄影机的镜头事实上成了影视中角色眼神(看的方向)的镜头叫做主观镜头(POV)。由角色叙述的情节,在电影和电视里要从“事件”中角色的视线来叙述是比较困难的。镜头本身不会告诉你这是主角看到的东西。但是在主角眼睛的特写之后可接一个与主角目光的高度、角度、方向相近的POV镜头,如物件的指向。

对于整部片子都用这种表现的话,演绎故事的灵活性将减少,是不可取的,大多数影片制作POV镜头用得极少。如果想采用POV拍摄时,可以变化一些用稍稍移动摄影机来模拟演员的头或眼睛的做法,增强该镜头的现实感。另一个常用的主观提示是用框式结构来拍摄,如:模拟望远镜或钥匙孔,好象是演员通过它们在看。

过肩镜头(0S)(见图003)也是从特定位置拍摄的镜头。

这种镜头是越过演员的肩看另外一个演员或物体,OS镜头是经常用来拍摄两人谈话的典型方法。

c、选择摄影机镜头

视觉造型形态构成的另一方面元素是考虑选择摄影或摄像镜头及设置变焦镜头的焦距。这个选择是重要的,可以决定如何按物理和心理的距离去表现某事。什么被对焦,什么不被对焦也能引导注意力。

摄影师运用光学透镜的组合及其附加装置(滤光器、镜头纱等),可使影像获得不同的艺术效果。最初的电影摄影机只配有一个光学镜头。随着光学物理的发展,摄影镜头的性能日益完善,不同型号、不同规格的镜头也日益齐备,镜头不仅起成像、曝光的作用,而且越来越积极地参加造型形像的创造和艺术气氛的渲染。标准镜头的称呼是因为它表现的影像透视接近于人的眼睛。它也许是各种镜头中用手操作最少、最真实的镜头,它对场景产生的失真最小。

长焦距镜头和短焦距镜头(广角镜头)的出现,改变了电影画面的空间关系、透视关系和节奏感,通过假定性的银幕空间造成不同的艺术效果。远摄镜头(长焦镜头)导致镜头中前景与后景之间观察距离的压缩。一般说来在吸引对它本身注意力的感觉方面,长焦或远摄镜头也许是最出色的镜头。它能把观众引入场景中,产生亲切和投入感。超远摄镜头会产生如此大的透视关系变形,以至于造成几乎是超现实梦幻般的情景。这种镜头也给人以窥视的感觉,真好象观众在对场景进行偷看。有的大量用远摄镜头拍的镜头,使观众产生接近感,让观众感受到紧张关系。

广角镜头(或短焦镜头)是以使影变形而引起对它的注意。它给出广阔的水平视野,产生一种规模和范围的感觉。这个特性可用来描写影片中角色之间的关系。在影片摄制中用超广角镜头来强调角色之间物理距离和心理距离。宗旨应该是,选择适合于你要拍摄场景的镜头焦距,通过尺寸、距离和透视,强调要表现的主题。

变焦距镜头的适当运用,不仅省略了笨重的移动工具,而且造成了强烈的电影节奏。各种附加装置的使用,更能造成各种艺术气氛来烘托特定的剧情内容。而通过控制景深的方法来引导观众对画面里反映影像的注意力,是常用的手段。大景深允许观众的眼睛能清楚整个表演画面范围中每一个影像,它们都是被对焦的。在拍摄的影片中都应注意景深的范围。(图005)是大景深与小景深的例子)

小景深把主体限制在一个平面里,把所有其他平面都处于对焦之外。在拍摄影片中,小景深常常用来把主角与前景或后景中任何可见景物虚化分开。利用小对焦深度也使在拍摄中变换对焦点成为可能,这种技术被称为漂移对焦。就是在拍摄过程中拉动对焦面(即改变对焦面) 例如,一个镜头可能开始时位于前景中的明显是清晰对焦的,但当对焦面移动后,明星处于非对焦而变得模糊,而处于背景中的演员取而代之变成清晰的了。

d、摄影机角度的表现

拍摄角度也可以影响视觉形态构成,拍摄角度的不同元素对画面的影响是深远的。摄影或摄像机的位置可以置于场景的上方或下方,形成俯拍或仰拍。这些镜头的标准(或习惯)含义涉及到不同观察角度的相应优势。俯拍镜头通常减小或削弱主体(或角色);反之,仰拍镜头导致加强主体的力量或地位。在叙事体电影中通常摄影机角度是齐胸高,而不是眼睛的高度,这种做法与观众每天的观察经验是不匹配的。这种角度却与观众看电影的经验相匹配——齐胸高摄影机角度对拍摄“高于生活”的电影明星是规范的习惯角度。

侧面拍摄,从与对象视平线成直角的方向拍摄,叫侧面拍摄。侧拍分为左侧和右侧。侧拍的特点有利于勾勒对象的侧面轮廓。

斜面拍摄,介于正面、侧面之间的拍摄角度为斜面拍摄。斜拍能够在一个画面内同时表现对象的两个侧面,给人以鲜明的立体感。斜拍是影视摄影中最常见的拍摄角度。

摄影机拍摄方向与地面垂直。用顶角拍摄某些杂技节目或歌舞演出,有独到之处。它可以从通常人们根本无法达到的角度,把一些富有表现力的造型,拍成构图精巧的画面。顶摄的作用还在于它改变了被摄对象的正常状态,把人与环境的空间位置,变成线条清晰的平面图案,从而使画面具有某种情趣和美感。顶摄角度在电影电视中并不多见。

电影摄影机内胶片经过片门时,以反方向运转进行拍摄的方法。用这种方法摄取的物体运动过程,以正方向运转放映,可以获得与实际运动方向相反的效果。倒摄常用以拍摄惊险场面。在电视摄影中,也常用倒摄方法。

从被摄物的侧后方拍摄,叫侧反拍摄。这种摄法,人物几乎成为背影,面部呈现较少,可以产生奇妙的感觉。

抢拍采访摄影的方法之一:故事影视片在特殊情况下的一种拍摄方法。为了抢时间,以免季节、气候发生变化或为了及时摄下演员非常难得的某些感情真挚的表演或为了利用真实的现场,都要运用抢拍方法。抢拍要求摄影人员熟练运用摄影机和充分利用造型表现方法,并有快速反应与当机立断的能力。

摄影镜头的构成也可以用相对水平偏转程度来加以处理。倾斜镜头的拍摄是不常见的,它容易使人头晕,容易产生不稳定的感觉。插一个汽车碰撞的场面或喝醉了酒的人,常常被建议用这种构图的POV镜头拍摄,因为倾斜的图面总是意味着某些东西处于歪斜和不良状态。应当根据不同的故事情节来安排不同的拍摄角度。 (图006)中照片说明不同的摄影和角度,主要是根据情节的需要来安排镜头。

二 影视摄影连续与运动

连续性是影视摄影表现的一个重要方法,就连续性本身来说,其是否在最终拍摄成果出现连续性的纰漏,这是一个非常重要的问题,连续性其包含的元素,看是简单,实际上是复杂的,因为这存在着视觉规律的问题。单个镜头拍摄保持空间与时间连续性是没有问题的,但在多机的影视拍摄中,连续性最会成为场景中的问题,因为大多数场景由不同时间和不同角度拍摄;各种镜头所组成,在编辑时保持连续性常常是困难的。

对于一部典型的影片,连续性也总是让人困扰的事。摄制组人员,如分镜头剧本管理员,常常要检查连续性方面的错误。一些疏忽和最常见的差错包括服装或道具:前一镜头和后一镜头中领带的颜色变了,或者前一个镜头中香烟是剩下一截了而在后一个镜头里却是整支长,甚至照明光的改变,这样简单的一些事都会破坏连续性,严重影响效果。

为了保持连续性的拍摄,最普通的技术是运动轴线,或所谓的180°原则。(图007)在任何镜头中,不管是包含两个人对白的,还是一个人在人行道上走的,基本的运动轴线都是能识别的。它是由两个交谈人之间的一条想象线组成,或是由行走的角色或运动的物体所建立起来的屏幕方向。如果摄影机放在这条想象线的一例(这条线的同一侧180°内任何地方),空间的连续性将得到保持。跨轴拍摄的镜头在编辑时,角色A和角色B会突然反向,位于屏幕的相反一侧。 在180°之内,1号摄影机看到的两个演员的位置将保持同样的空间关系——A在左边,B在右边跳轴之后,从2号摄影机位置看,则空间位置相反或翻转,演员A与B都处于屏幕的相反一侧。

同样跨过行走着的角色或运动着的汽车的运动轴线拍摄,在剪辑时会造成人或汽车朝相反的屏幕方向运动。只要摄影机位于运动轴线的同一侧(即在180°之内),角色将看上去沿同一方向运动穿过屏幕。恰好在轴线上拍摄的镜头(相对于轴线是中性位置)可以用作二跨轴镜头之间或二相反屏幕方向镜头之间的过渡镜头。图007说明了运动物体的屏幕方向。

保持屏幕方向不变也延伸到由看着屏幕外的角色所建立的视线。再来设想一下两个角色交谈。我们看到正在和屏幕外的角色B交谈的角色A的近景。下一镜头我们看到角色B对角色A的反应镜头近景,此时A位于屏幕外。除非这两个镜头之间存在视线匹配,否则角色A与B将不象是在彼此进行交谈,而象是受了在屏幕外的某事所打扰,前后两镜头中角色或物体(如汽车)速度的根本改变也会破坏连续性。当人们行走时达到正常速度之前的几步(几乎总是在镜头的开头)明显比他们已经用全速行走时慢。如果你把两个人在街上行走的镜头剪辑在一起,当你从一个镜头编辑到另一个镜头时,你希望他们的相关速度(和步法)要匹配。匹配剪辑——从一个镜头到下一个镜头保持时间和空间的连续感的剪辑——做起来是极其困难的,除非是用编辑的眼光来拍摄素材。

经受时间考验的保证是影片长度(它可以是匹配剪辑)的方法,在摄制时用叠画手法。设想一下两个要进行匹配剪辑的镜头。角色A(从大厅一角)走到门边开门,下一个镜头为角色进门,从房间的一角走进房间。为了进行动作叠化,在拍摄时应该拍下整个动作(走向门,开门,进入房间),两个镜头都应如此拍摄。用这种动作叠化方法,为编辑提供了几乎是无数个使用这两个镜头匹配的编辑点。

当然连续性除考虑摄影机机位之外,还有其他多种因素的考虑。它也取决于如何在拍摄前为摄影机作连续性的策划,为以后编辑制作时做好基础。

运动表现手段,影视摄影与绘画、雕塑等其他造型艺术的主要区别,在于它的运动性。不仅动体在画面里以不同形式的运动使画面构图不断发生变化,而且电影摄影机或电视摄像机不同形式的运动也使多构图画面不断变化着,推、拉、摇、移和升降等不同的运动形式,扩展了影视画面的视野,造成了各种空间关系和透视关系,也产生了不同的节奏感而动向表现手段,有助于描绘事件发生、发展的真实过程,表现事物在时空转换中的因果关系和对比关系,展示场面的规模、环境和气氛,创造不同的节奏和情势;有利于表现人物在动态中的精神面貌,显示人物的主观视象和主观感受;也可为演员表演的连贯性提供有利的条件。

三 光线造型的方法

光线是影视摄影造型表现的重要方法之一,影视摄影和其它摄影一样都必须遵循它们本质的固有的特性,就是光与影的造型,是表现客观事物自然的影像、色彩、影调的存在,就像绘画本质一样必须用颜料来描述画家对客观世界的认识。

光是电磁波辐射(能量从一个物体传播到另一个物体,在传播过程无需任何媒介。这种能量传播方式被称为辐射)到人的眼睛,经视觉神经转换为光线,即能被肉眼看见的那部份光谱。这类射线的波长范围在400到700nm之间,它是用肉眼看到物体的媒介。光产生于核反应中的电子和离子运动(如太阳能),燃烧(火光),通过灯丝的电流(钨丝灯),气体放电(闪光管、闪电),激发(荧光)和化学反应(磷光)。图008

摄影师运用光线再现被摄对象的立体形态、轮廓形式、明暗层次和色彩对比,并通过对这些造型因素的处理,可以深刻刻划人物性格,创造环境气氛,渲染特定的情绪。在所有的摄影造型手段中,光线是最基本的手段,摄影师运用的光线大体有三种方式,一是自然光。即在自然光线条件下,对自然光源的角度、方位、色温、强弱等进行选择;利用自然光的拍摄,将涉及几个方面,其一:受光面,受光面也称阳光面,阳光直接照射部分它的色彩和阶调也是最鲜艳、最明亮的,它反映的是光源的色度。其二:被光面也是暗面,阳光照射不到的地方,它和受光面形成了强烈的明暗反差,这种明暗反差也取决于周围环境的反光强度。其三:侧面光,它是阳光照射的一个面,即有照射面和照射不到的面形成了过渡,也称明暗交界,在明暗交界的对比显得特别明显,交界线是对象上最暗的部分。其四:投影,凡是被强烈的阳光及集射光所照射的物体都会产生投影,它的方向是相反的,投影的长短取决于光线来源位置的高低。其五:反射,被光源照射的物体向周围环境反射光,反射光的强度根据物体材质不同和反射光源的强度也不同,在自然光的影视摄影中利用反射可以增加暗部的亮度层次和勾划轮廓等,在自然光的拍摄中应注意天气的变化,如,多云天气、阴天都会对拍摄的影像产生影响,早晨和晚上光线的不同的情况下的拍摄要采取不同的方法,并要考虑到色温的变化。另外在自然光拍摄中各种角度、方位的细微变化都会出现不同的效果,这有待在实践中摸索和积累经验;二是人工光辅助下的自然光。在自然光线条件下,用人工光(反光板、照明灯)来控制景物明暗的比例或修饰某些细部;三是人工光,在没有自然光源的条件下全部用人工光布光。无论何种方式,摄影师一般都应力求真实地再现剧情规定的光线形态。根据内容要求,光线也可创造虚幻、梦境等特殊气氛。有时,光线还可以作为戏剧因素在影视中出现。

利用人工光摄影,最重要的一环涉及到照明问题,每一种成影系统(不管是电子的,还是光化学的)都需要足够的光照度,叫做最低光照度。这是为了保证合适的曝光。标准的基本照明是用散射光,整个照明分辨不出来自何方。最低光照度对于大多数摄影机来说,在100英尺,烛光范围内,但这个照度对于强调主体或确定一个空间是小的。它只意味着摄影机有足够的光才能正常工作。更多的细节我们将在第三章中讨论。

四 影视摄影艺术造型方法

造型是影视摄影的重要属性。影视所表现的是可视的、具体的、实际存在的视觉影像,这种存在的可视影像就是影视造型。造型对于影视是十分重要的,就象其它艺术类别一样,如绘画、雕塑、建筑、等都属可视的艺术造型范畴。

艺术造型的源泉都是来源于自然,来源于生活。其创造的过程也是对自然、对生活进行一种概括、浓缩、提炼、加工的过程。艺术造型就是将生活、自然中客观存在的形象与形态的基本元素,融入了设计者对生活的感受、理解、愿望与追求中,重新组合构成一个更加理想化的艺术作品。

“形”是客观存在的实体,“形”是形状、色彩和质感的概念。人们有意识地创造“形”,例如:画家、雕塑、建筑设计师都按着各自的目的运用不同的手段创作作品的行为称为造型活动,而影视摄影的拍摄过程也属创作造型活动,这种造型创作是源于“第一自然”,并吸收了“第一自然”的精华,扬长避短的创造出更具理想化的“第二自然”来。将客观存在的、自然的生活原型,化为基本形态,去重新组合构成一个更典型、更明确、更富有内涵的、运动的、不受时空限制的、新的形态影像。如,斯皮尔伯格创作的《辛德勒名单》《侏罗纪公园》见图009,是把技术的探索与艺术的追求熔为一炉。

影视摄影的表现是以视觉造型体系形式呈现,这种体系建立在视觉感受和物资世界结构一致的基础上。同时按照美的规律把视觉造型元素有效的组织起来,构成视觉曲线式,才能起到感染人的作用。

影视摄影造型的最终目的是呈现给观众观赏的,其作品能否具有吸引力,能否引导观众 不受约束的“意识倾向”,这就要求要从审美的角度去深入探讨视觉造型艺术的本质和规律,实际上也是“美”的本质和规律;那么什么是美的本质?美的本质就是某种形式的组合关系所形成的一种和谐的效果。美的规律就是“差异的合理安排”。差异是指事物与事物、形态与形态、色彩与色彩之间的差别,是存在的事物个性的具体表现,也是构成事物之间的矛盾关系、对比关系的最直接原因。自然世界客观事物的差异,是构成世界多样性、丰富性与美的重要因素。因此平淡、单调、没有生命的律动,就没有美可言,如果过分的强调差异也会变得毫无秩序,杂乱无章,也无从谈美,所以只有在一定的秩序中的差异与丰富性才是美的。

从视觉差异和秩序两个方面来研究影视摄影造型,可创造美感的关系元素,才能更加准确的利用视觉元素去调配画面的视觉影像,并通过合理安排各种视觉差异,创造出能使人寻奇探胜的心里期待得到满足的审美兴趣不衰的艺术作品。 如查尔斯.卓别林1914年创造的头戴圆顶礼帽,足登豁口皮鞋、手持竹杖、迈着鸭步的流浪汉查里的形象 (见图010),经久不衰,获得了巨大的艺术成功,据统计全世界有3亿5千万人观看了卓别林的每部影片,不仅受到了观众的喜爱、倾慕,而且受到了文艺巨擘们的高度评价,萧伯纳就赞誉卓别林是“电影业造就的唯一天才。”

Ⅱ 请列举讲电影镜头语言的专业书籍.(讲解例如,俯拍和仰拍表现的情感不一样之类的)

电影分镜头剧本

电影剧本为拍摄电影奠定了基础,但它还不能直接用来进行拍摄,导演还要根据剧本内容和自己的总体构思,写成分镜头剧本。

编写电影分镜头剧本,是将文学形象变为银幕形象的重要环节。分镜头剧本主要包括:镜号、场景、景别、特技、镜头内容、音乐、音响等。这样不仅把文学形象变为银幕形象,而且赋予影片独特的艺术风格。
另外,还有—种镜头纪录本,又叫做“完成台本”。,它与分镜头剧本很相似,但性质却不同,它主要是供给进行电影宣传、评沦和研究工作人员参考,以及放映单位查对、修剪影片时使用。

蒙太奇

“蒙太奇”,是电影工作者从法国建筑学上借用来的名词,它的原意是:将建筑上各种各样的材料,根据一个总的计划,分别加以处理,而把它们安装在一起的意思。在电影中,将摄影机拍摄下来的镜头,按照生活、姜学的原则和剧本结构,原定的创作构思,把这许多外表不相连贯的、缺乏完整概念的各个镜头,创造性地组织起来,使它产生连贯、对比、联想,衬托等作用,这就叫做“蒙太奇”,它能使观众得到一个明确,生动的印象和富有节奏感。

电影镜头

这里所讲的电影镜头,主要是指镜头运动的方式,拍摄的不同角度和不同内容而言。
电影镜头是多种多样的,根据电影内容和表现人物性格的需要而使用不同的镜头。电影摄影机从开拍起到停止拍摄,这—段电影胶片叫做一个镜头。从第二次开拍到再停止就算第二个镜头。一般地来说,电影镜头有下列几种:
(一)拉镜头:它的作用是为了让观众在看清楚某一重点的基础上,由点到面,认识人物和环境,局部和整体的关系。拉镜头使人产生宽广舒展的感觉。例如,故事片《苦菜花》中的第一个镜头,首先出现的是一朵盛开的苦菜花的特写镜头,然后又出现一只小手伸入画面采摘,但观众却看不到人物,也不知道是准的手,这是镜头拉开了,观众才看到是曼子在欣喜地挖出苦菜花。这种拍摄方法,就叫做拉镜头。

(二)眼镜头:顾名思义,就是镜头始终是跟随一个在行动中的表现对象进行拍摄,以便连续而详细地表现他的活动情形,或在进行中的动作和衷情。

(三)摇镜头:这是指摄影机放在固定位置,向左右环顾,摇摄全景,或者跟着拍摄对象的移动进行摇摄。它常用于介绍环境或突出人物行动的意义和目的。

(四)推镜头:是指被摄人位置不动,只移动摄影机推成近景或特写镜头。同一个镜头内容,缓慢地推近,给人以从容,舒展和细微的感受。快推则产生紧张,急促、慌乱的效果。推拍,可以引导观众更深刻地感受人物的内心活动,加强气氛的烘托。

(五)主观镜头:是将电影的镜头当做剧中人物的眼睛来观察和表达客观事物的,它可以模拟感觉、渲染气氛。主观镜头比较普遍的是用来表现人物在特殊情况下的精神状态,也常用来反映人物的幻觉,想象,这在电影中是经常出现的。同时,对于刻划人物性格也有突出的作用。例如,故事片〈〈小花》的开头,有一段小花寻找哥哥的回忆镜头,它先用奔跑的镜头,引出当年的小花,又用喊哥哥的声音回到了现实,处理得自然流畅,产生较强的艺术效果。

(六)空镜头:这种镜头,以具体的视觉形象(即画面)表明一定的时间、地点、没有人物,没有语言,只丧现具有一定寓意的自然景物和气氛的场面。如山、水、海、青松、花草、白云、月亮、飞鸟等。它是使电影富有诗情画意的重要手段,从而造成宽广,深邃的意境。

(七)俯仰镜头:俯仰镜头可分为俯镜头和仰镜头。俯镜头除鸟瞰全景之外,还可以表现阴郁、压抑的感情,一般起贬意的作用。仰镜头为瞻仰景,在感情上起着褒意的作用。

(八)升降镜头:升降镜头一般用于大场面的拍摄,它能够改变镜头视角和画面空间,有助于戏剧气氛和效果的渲染。例如,故事片《天山的红花》中,当奥依古丽下了吉普车,走进群众欢迎她的场面,就是摄影师在直升飞机上高俯拍摄的。这种拍摄方法渲染了气氛,展示了广阔的空间。

(九)综合性镜头:综合性镜头,指镜头的运动方式是多种多样的。有时为了使电影更充分、更突出地表现某一情节,往往在一个电影镜头里,将推、拉、升、降、摇、移等镜头结合在一起使用。它为画面造成正、侧、仰、俯、平等各种不同的镜头角度,既能表现环境的全貌,又能表现某个特定人物的近景,以及人物与人物之间的关系,使电影更加富有表现力。所以,电影镜头既可以单独使用,又可以结合、交织在一起使用。这种镜头也称为长镜头。

(十)变焦距镜头:它是指摄影机的位置不变,通过安装在影机内的变焦距镜头的焦距变化,使拍摄对象在不改变与摄影机的距离的条例下,加速或匀速的拉远或推近,造成一定的节奏。

Ⅲ 请大家帮忙说说俯拍和仰拍的表现技巧和表达出什么感情

抛开人物主观视角的拍摄,仰拍多用与突出人物正面形象。表达欣赏,崇拜等感情。如《阳光灿烂的日子》里姜文给马小军的就差不多都是仰拍。俯拍反之。不过现在一般不是为了这个效果了,目的很杂,比如为了美学价值,更好的利用光。(《关于莉莉周》) 还有制造人物反差,提高节奏感。(《十二怒汉》) 总之没有什么所谓的乱拍,都是有讲究的

Ⅳ 电影的画面切换都有哪些手法

何为"蒙太奇",蒙太奇(montage)在法语是"剪接"的意思,但到了俄国它被发展成一种电影中镜头组合的理论。蒙太奇基本上是俄国导演发展出来的理论,是由普多夫金根据美国电影之父格里菲斯的剪辑手法延伸出来,然后艾森斯坦也提出了相关性的看法。普氏认为两个镜头的并列意义大于单个镜头的的意义,甚至将电影认为镜头与镜头构筑并列的艺术。至少用远景而用大量特写的连接造成心理, 情绪, 与抽象意念的结果。艾森斯坦则受俄国辩证性哲学思维的影响,认为镜头间的并列甚至激烈冲突将造成第三种新的意义。当我们在描述一个主题时,我们可以将一连串相关或不相关的镜头放在一起,以产生暗喻的作用,这就是蒙太奇。例如:我们将母亲在煮菜、洗衣、带小孩、甚至父亲在看报等镜放在一起,就会产生母亲"忙碌"的感觉。

蒙太奇广义的来说是指剪接,以前的电影是没有剪接的 一卷十分钟拍到完才换另一卷,第一个把剪接用在电影上的是《波坦金战舰》,其中婴儿车由楼梯摔下、四周人在开枪、母亲紧张失措、这些画面交互剪接
产生紧张紧凑、隐喻的效果,成为电影史上空前的发明造就的经典。如果不甚了解,可参考普多夫金的"母亲"或艾森思坦"波坦金战舰"中的"奥德赛台阶",不过基本上蒙太奇是一种导演操纵镜头的手法,也就是控制了绝对的知性思维与表现意义,观众只等著被灌输,与具有诗的表现形式的电影所呈现出来的暧昧性与开放性完全不同,后者如塔可夫斯基,、温德斯、费里尼。
事实上不应只说是剪辑的手法,因还有其他形式可造成蒙太奇的效果,简而言之即是中国文字中的"会意" 字,可以靠著剪辑将不同地方的人景物事前后排序,让你以为彼此有关联,例如:先拍一人在敲门,随后人进屋内,事时上屋内屋外可能在不同地方拍的。

何为"蒙太奇"段落,如先有一个镜头出现两个人面对面的画面,紧接一个镜头是其中一个人的表情特写,观众藉由这个人的表情,可以知道另一个人的动作,虽然那个人未出现于画面。蒙太奇(剪辑)是显示时空的跳接,时间是点和点的衔接,相异于镜头从A到B一条线的移动。蒙太奇所呈现的时间是导演严格摘取的一个点。此外蒙太奇强调的是一件事发展后的结果,如同一个女人在酒廊争吵,紧接一个镜头是她已死在卧室,镜头强调的是争吵后的下场,结局的考虑超过她被谋杀的过程。蒙太奇凸显事件结果所带来的惊觉,先使观众瞬间知道死的结局,再让观众看到客厅内凌乱的场面,由知倒溯缘由和场景。

蒙太奇具有叙事和表意两大功能,据此,我们可以把蒙太奇划分为三种最基本的类型:叙事蒙太奇,表现蒙太奇,理性蒙太奇。前一种是叙事手段,后两类主要用以表意。在此基础上还可以进行第二级划分,具体如下:

叙事蒙太奇 这种蒙太奇由美国电影大师格里菲斯等人首创,是影视片中最常用的一种叙事方法,它的特征是以交代情节、展示事件为主旨,按照情节发展的时间流程、因果关系来分切组合镜头、场面和段落,从而引导观众理解剧情。这种蒙太奇组接脉络清楚,逻辑连贯,明白易懂。 叙事蒙太奇又包含下述几种具体技巧:

1.平行蒙太奇 这种蒙太奇常以不同时空(或同时异地)发生的两条或两条以上的情节线并列表现,分头叙述而统一在一个完整的结构之中。 格里菲斯、希区柯克都是极善于运用这种蒙太奇的大师。平行蒙太奇应用广泛,首先因为用它处理剧情,可以删节过程以利于概括集中,节省篇幅,扩大影片的信息量,并加强影片的节奏;其次,由 于这种手法是几条线索平列表现,相互烘托,形成对比,易于产生强烈的艺术感染效果。如影片《南征北战》中,导演用平行蒙太奇表现敌我双方抢占摩天岭的场面,造成了紧张的节奏扣人心弦。

2.交叉蒙太奇 又称交替蒙太奇,它将同一时间不同地域发生的两条或数条情节线迅速而频繁地交替剪接在一起,其中一条线索的发展往往影响另外线索,各条线索相互依存,最后汇合在一起。这种剪辑技巧极易引起悬念,造成紧张激烈的气氛,加强矛盾冲突的尖锐性, 是掌握观众情绪的有力手法,惊险片、恐怖片和战争片常用此法造 成追逐和惊险的场面。如《南征北战》中抢渡大沙河一段,将我军和敌军急行军奔赴大沙河以及游击队炸水坝三条线索交替剪接在一起,表现了那场惊心动魄的战斗。

3.重复蒙太奇 它相当于文学中的复叙方式或重复手法,在这种蒙太奇结构中,具有一定寓意的镜头在关键时刻反复出现,以达到刻划人物, 深化主题的目的。如《战舰波将金号》中的夹鼻眼镜和那面像征革命的红旗,都曾在影片中重复出现,使影片结构更为完整。

4.连续蒙太奇 这种蒙太奇不象平行蒙太奇或交叉蒙太奇那样多线索地发展,而是沿着一条单一的情节线索,按照事件的逻辑顺序,有节奏地连续叙事。这种叙事自然流畅,朴实平顺,但由于缺乏时空与场面的变换,无法直接展示同时发生的情节,难于突出各条情节线之间的对列关系,不利于概括,易有拖沓冗长,平铺直叙之感。因此, 在一部影片中绝少单独使用,多与平行、交叉蒙太奇手交混使用,相辅相成。

表现蒙太奇 表现蒙太奇是以镜头对列为基础,通过相连镜头在形式或内容上相互对照、冲击,从而产生单个镜头本身所不具有的丰富涵义,以表达某种情绪或思想。其目的在于激发现众的联想,启迪观众的思考。

1、抒情蒙太奇 是一种在保证叙事和描写的连贯性的同时,表现超越剧情之上的思想和情感。让·米特里指出:它的本意既是叙述故事,亦是绘声绘色的渲染,并且更偏重于后者。意义重大的事件被分解成一系列近景或特写,从不同的侧面和角度捕捉事物的本质含义,渲染事物的特征。 最常见,最易被观众感受到的抒情蒙太奇,往往在一段叙事场面之后,恰当地切入象征情绪情感的空镜头。如苏联影片《乡村女教师》中,瓦尔瓦拉和马尔蒂诺夫相爱了,马尔蒂诺夫试探地问她是否永远等待他。她一往深情地答道:"永远!"紧接着画面中切入两个盛开的花枝的镜头。它本与剧情并无直接关系,但却恰当地抒发了作者与人物的情感。

2.心理蒙太奇 是人物心理描写的重要手段,它通过画面镜头组接或声画有机结合,形象生动地展示出人物的内心世界,常用于表现人物的梦境、回忆、闪念,幻觉、遐想、思索等精神活动。这种蒙太奇在剪接技巧上多用交叉穿插等手怯,其特点是画面和声音形象的片断性、 叙述的不连贯性和节奏的跳跃性,声画形象带有剧中人强烈的主观性。

3.隐喻蒙太奇 通过镜头或场面的对列进行类比,含蓄而形象地表达创作者的某种寓意。这种手法往往将不同事物之间某种相似的特征突现出来,以引起观众的联想,领会导演的寓意和领略事件的情绪色彩。如普多夫金在《母亲》一片中将工人示威游行的镜头与春天冰河水解冻的镜头组接在一起,用以比喻革命运动势不可挡。 隐喻蒙太奇将巨大的概括力和极度简洁的表现手法相结合, 往往具有强烈的情绪感染力。不过,运用这种手怯应当谨慎,隐喻与叙述应有机结合,避免生硬牵强。

4.对比蒙太奇 类似文学中的对比描写,即通过镜头或场面之间在内容(如贫与富、苦与乐、生与死,高尚与卑下,胜利与失败等)或形式(如景别大小、色彩冷暖,声音强弱、动静等)的强烈对比,产生相互冲突的作用,以表达创作者的某种寓意或强化所表现的内容和思想。

理性蒙太奇 让·米特里给理性蒙太奇下的定义是:它是通过画面之间的关系,而不是通过单纯的一环接一坏的连贯性叙事表情达意。理性蒙太奇与连贯性叙事的区别在于,即使它的画面属于实际经历过的事实,按这种蒙太奇组合在一起的事实总是主观视像。这类蒙本奇是苏联学派主要代表人物爱森斯坦创立,主要包含:

1、杂耍蒙太奇 爱森斯坦给杂耍蒙太奇的定义是:杂耍是一个特殊的时刻,其间一切元素都是为了促使把导演打算传达给观众的思想灌输到他们的意识中,使观众进入引起这一思想的精神状况或心理状态中, 以造成情感的冲击。这种手榕在内容上可以随意选择,不受原剧情约束,促使造成最终能说明主题的效果。 与表现蒙太奇相比,这是一种更注重理性、更抽象的蒙太奇形式。为了表达某种抽象的理性观念,往往硬摇进某些与剧情完全不相干的镜头,譬如,影片《十月》中表现孟什维克代表居心叵测的发言时,插入了弹竖琴的手的镜头,以说明其"老调重弹,迷惑听众"。 对于爱森斯坦来说,蒙太奇的重耍性无论如何不限于造成艺术效果的特殊方式,而是表达意图的风格,传输思想的方式:通过两个镜头的撞击确立一个思想,一系列思想造成一种情感状态,尔后,借助这种被激发起来的情感,使观众对导演打算传输给他们的思想产生共鸣。这样,观众不由自主地卷入这个过程中,甘心情愿 地去附和这一过程的总的倾向、总的含义。这就是这位伟大导演的原则。 1928年以后,爱森斯坦进一步把杂耍蒙太奇推进为"电影辩证形式",以视觉形象的象征性和内在含义的逻辑性为根本,而忽略了被表现的内容,以至陷入纯理论的迷津,同时也带来创作的失误。后人吸取了他的教训,现代电影中杂耍蒙太奇使用较为慎重。

2.反射蒙太奇 它不象杂耍蒙太奇那样为表达抽象概念随意生硬地插入与剧情内容毫无相关的象征画面,而是所描述的事物和用来做比喻的事物同处一个空间,它们互为依存:或是为了与该事件形成对照, 或是为了确定组接在一起的事物之间的反应,或是为了通过反射联想揭示剧情中包含的类似事件,以此作用于观众的感宫和意识。譬如《十月》中,克伦斯基在部长们簇拥下来到冬宫,一个仰拍 镜头表现他头顶上方的一根画柱,柱头上有一个雕饰,它仿佛是罩在克伦斯基头上的光坏,使独裁者显得无上尊荣。这个镜头之所以不显生硬,是因为爱森斯坦利用的是实实在在的布景中的一个雕饰,存在于真实的戏剧空间中的一件实物,他进行了加工处理, 但没有把与剧情不相干的物像吸引人。

3.思想蒙太奇 这是维尔托夫创造的,方法是利用新闻影片中的文献资料重加编排表达一个思想。这种蒙太奇形式是一种抽象的形式,因为它只表现一系列思想和被理智所激发的情感。观众冷眼旁观,在银幕和他们之间造成一定的"间离效果",其参与完全是理性的。 罗姆导演的《普通法西斯》是典型之作。
初识蒙太奇
蒙太奇是法文montage的译音,原本是建筑学上的用语, 意为装配、安装。影视理论家将其引伸到影视艺术领域,指影视作品创作过程中的剪辑组合。 "蒙太奇"的含义有广狭之分。狭义的蒙太奇专指对镜头画面、声音、色彩诸元素编排组合的手段,即在后期制作中,将摄录的素材根据文学剧本和导演的总体构思精心排列,构成一部完整的影视作品。其中最基本的意义是画面的组合。电影美学家贝拉·巴拉兹谈及:蒙太奇是电影艺术家按事先构想的一定的顺序,把许多镜头联接起来,结果就使 这些画格通过顺序本身而产生某种预期的效果。可见,蒙太奇不是与镜头画面同一的元素, 蒙太奇是将这些元素进行组装的规则,是一种影视语言符号系统中的修辞手法。 广义的蒙太奇不仅指镜头画面的组接,也指从影视剧作开始直到作品完成整个过程中艺术家的一种独特的艺术思维方式。 从这个意义上讲,普多夫金的著名论断"电影艺术的基础是蒙太奇"这句话今天仍然适用,并且极有可能永远适用。

蒙太奇作为技巧和思维之存在,有着根深蒂固的人类心理学基础。
蒙太奇的视觉心理学基础 人类生活在一个运动的世界里,物体通过我们的视野,视网膜上留下了一连串映像,而视网膜要求视野有变化才能正常活动。 当人的眼睛盯住某个固定的物像(如墙上的某个斑点)目不转睛约五分钟左右,这一图像便会变得模糊不清。如果看一眼另外的东西,再回到原先那个图像上它又清楚了。这个实验表明:人眼具有不断追寻新的图像的生理本能。
布鲁塞指出,人的初生阶段即有了这种本能,如婴儿在能凝聚目光之前,便已经以眼追寻活动的物体。美国心理学家霍伯尔和瑞士科学家威塞尔(为1981年诺贝尔医学和生理学获奖者)的最新研究表明,人脑与眼具有探测形象运动的特殊细胞。这些细胞 促使人在观察外界事物时具有一种生理需求:它不会老是停留在一处,而是不断地转移视线,不断地变幻角度去观察世界。影视是用声画记录形象和重现运动的,而蒙太奇的运用,正确地重现了我们通常观看事物时不断追寻新目标的方式,重现了我们在现实环 境里随注意力的转移而依次接触视像的内心过程。
这种心理过程不独存在于影视艺术之中,也体现于其它艺术 领域。当你在读一本小说时,眼睛总是不间断地从一个字挪到另 一个字,从一行挪到另一行。随着小说情节的推进及读者情绪的 激动,眼睛运动的速度也随之加快。当小说处于平缓抒情段落时, 读者的心情显得平静安谧,运动速度也将缓慢和悠闲。这与人亲 临某个事件的情形相吻合。当一个人在观察或亲历某桩非常激动 人心和变动极快的活动时,他的反应节奏就会大大加速,他会迅速 地变换视线的方向。相反,对于一件平常的事他会十分平静以至 冷漠,他对物像的观察也就变得缓慢。这种生理现象,便产生了蒙 太奇的节奏要求。
综上所述,一个沉静的观察者所获得的印象可以通过一种所谓"慢切"的电影手法来加以重现,即让每个镜头在被代替前在银幕上停留较长的时间。而一个极度兴奋的观察者所获得的印象, 可以通过"快切"来加以重现,即用一系列互相接续的短镜头。影视艺术家正是利用蒙太奇实现了人类的这一心理过程。
因此,从某种意义上说影视艺术家的才能表现在利用蒙太奇手段,使人类的视觉心理节奏在影片中得到恰如其分的再现。在一个安静、和平的场面内,用快切的手法会造成跳动和突兀的效果,使观众不舒服。另一方面,假如场面内容是激动人心的,观众会本能地要求快切,这时如果剪接得缓慢,就会损害影片令人振奋的内容。那么,画面切换的"快慢"如何才恰当呢?只有由场面的情绪内容来决定才是恰当的,而场面情绪却蕴藏于剧本之中。因此,在完成片中出现的剪接型式,是在剧本中已作了相当明确规定的同一型式。而剧本中的这一型式,在剧作家写作过程中已逐步形成,甚至在他未动手之前,还在他收集素材的过程中,就已经用蒙太奇眼光拾取材料,对时空进行分解与组合。正是在这个意义 上,蒙太奇是贯穿影视创作始终的独特的艺术思维方式,是影视艺术的基础。

从组合技巧到思维方式 蒙太奇经历了从发生发展到成熟的历史过程。
严格地说,早期的电影没有蒙太奇剪辑,没有对时空的分解与 重新组合。
卢米埃尔的电影实际上只是作为一种新技术的显示和简单的游戏而已。它用一种非常简单的方法制片,即把摄影机对准一个场景,直到把胶片拍完。这是一种缺乏蒙太奇构思的自然主义式的纪录。
梅里爱开始把不同场景下拍摄的镜头连接在一起来进行叙 事,使电影开始具有"分解与组合"的特征。显然,他比卢米埃尔前 进了一步。但整场整场的戏都是从一个机位拍摄下来的,镜头的连接也是一种最简单的连接。他并没有理解到这种连接组合的巨大意义。
与此同时,美国导演鲍特和格里菲斯也在寻找电影独特的结 构方式。1902年鲍特利用旧片库里的一些反映消防队员生活的影片素材,又用演员扮演的方法在摄影棚里补拍了抢救母亲和孩子的画面,然后把素材片和补拍片恰当地剪接起来,构成《一个美国消防队员的生活》。鲍特的这一尝试比卢米埃尔和梅里爱都前进了一大步,它探索了电影获得时空自由的可能性。
在鲍特的基础上,格里菲斯成为电影史上第一个自觉地使用 "蒙太奇"的人。在《道利冒险记》(1908年)中,格里菲斯创造了 "闪回"的手法;在《凄凉的别墅》(1909年)中,他首次应用平行蒙太奇,创造了著名的"最后一分钟营救"手法;在《雷梦娜》(1910 年)中,他创造了大远景;在《龙尔达牧师》(1911年)中,他用了极近的近景,并且发展了交替切人的技巧;在《屠杀》(1912年)中,他首次应用了移动摄影。
尽管格里菲斯有着上述一系列创造,并在《一个国家的诞生》 (1915年)和《党同伐异》(1916年)这两部杰作中,把他所创造的新技巧应用得非常纯熟,但却从来没有把他的蒙太奇方法条理化。 他似乎主要是凭直觉和一种不能言传的对电影手段的热爱来从事 创作,他从未表示过他意识到这些原则的存在。他认为蒙太奇只 是生动地表现戏剧故事的最有力的助手,把蒙太奇仅仅作为一种 技巧手段加以运用,从本质上说,他还没有理解蒙太奇的基本性质 和它的全部潜力。
第一次世界大战后,苏联电影工作者在分析了格里菲斯等人 的创作经验之后,根据新生苏维埃政权对电影艺术的要求,并在一 系列实验的基础上把蒙太奇发展成为一套完整的电影理论体系, 从而形成了苏联蒙太奇学派,代表人物是库里肖夫、普多夫金和爱森斯坦。格里菲斯主要集中于如何处理两个戏剧场面之间的关系,而苏联导演却更多地想到单镜头和片断之间的关系,以及这种 关系所表达的含义和言外之意。
库里肖夫和普多夫金认为,电影的实质在于影片的构成,在于为组织一系列印象所拍摄的片断的相互关系——怎样由一个镜头 转换到另一个镜头,它们在时间顺序上是怎样构成的。他们确信通过蒙太奇剪辑可以创造非凡的效果,达到电影的叙事和表意。 为此,他们做了大量的实验来实践他们的理论,据普多夫金记载, 1920年,库里肖夫曾把下面一些场面连接起来:
(一)一个青年男子从左向右走来。
(二)一个青年女子从右向左走来。
(三)他们相遇了,握手。青年男子用手指点着。
(四)一幢有宽阔台阶的白色大建筑物。
(五)两个人走向台阶。
这样连接起来的片断在观众眼中变成了一个不间断的行动: 两个青年在路上碰见了,男子请女子到附近一幢房子去。实际上, 每一个片断都是在不同地点拍摄的。表现青年男子的那个片断是在国营百货大楼附近拍的,女人那个片断则是在果戈里纪念碑附 近拍的,而握手那个片断是在大剧院附近拍的,那幢白色建筑物却是从美国影片上剪下来的(它就是白宫),走上台阶那个片断则是在救世主教堂拍的。结果,虽然这些片断是在不同的地方拍摄的, 可是在观众看来却是一个整体,在银幕上造成了库里肖夫所谓的 "创造性地理学"。 这里利用人们的错觉把不同时空的片断构成一个整体,蒙太 奇的分解组合功能充分地体现了出来。但是苏联学派不仅仅停留 在蒙太奇的叙事性方面,他们还进一步研究蒙太奇的表意功能。
普多夫金认为从某一个拍摄点拍摄下来的,然后放映在银幕上给观众看的每一个物像,即使它在摄影机前曾经是活动的,但它仍然只是一个"死的"对象。只有把这个物像和其它物像放在一起 的时候,只有当它作为各个视觉形象组合的一部分而被表现出来的时候,这个物像才被赋予了生命。爱森斯坦高度概括了蒙太奇的这种表意功能。他说:两个镜头并列不是简单的一加一,而是一个新的创造。他认为,摄影机拍下的未经剪辑的片断既无意义,也无美学价值,只有按照蒙太奇原则组合起来之后,才能将富有社会意义和艺术价值的视觉形象传达给观众。
著名的"库里肖夫效应",是爱森斯坦这一蒙太奇理论的有力证据。普多夫金曾对这个试验作了如下描述: "我们从某一部影片中选了苏联著名演员莫兹尤辛的几个特 写镜头,我们选的都是静止的没有任何表惰的特写。我们把这些 完全相同的特写与其它影片的小片断连接三个组合。在第一个组 合中,莫兹尤辛的特写后面紧接着一张桌上摆了一盘汤的镜头,这 个镜头显然表现出莫兹尤辛是在看着这盘汤。第二个组合是,使 莫兹尤辛的镜头与一个棺材里面躺着一个女尸的镜头紧紧相连。 第三个组合是这个特写后面紧接着一个小女孩在玩着一个滑稽的 玩具狗熊。当我们把这三种不同的组合放映给一些不知道此中秘 密的观众看的时候,效果是非常惊人的。观众对艺术家的表演大为赞赏。他们指出,他看着那盘忘在桌上没喝的汤时,表现出沉思的心情;他们因为他看着女尸那幅沉重悲伤的面孔而异常激动;他们还赞赏他在观察女孩玩耍时的那种轻松愉快的微笑。但我们知道,在所有这三个组合中,特写镜头中的脸都是完全一样的"。
爱森斯坦曾强调指出:把无论两个什么镜头对列在一起,就必 然产生新的表象、新的概念、新的形象。通过镜头的对列冲突,产 生新的意义,以引导观众的理性思考。这是爱森斯坦"杂耍蒙太奇"和"理性蒙太奇"要旨所在。蒙太奇既诉诸于叙事情感,也诉诸于理性。因此在《战舰波将金号》一片中,爱森斯坦切入与剧情毫无关系的"石狮扑卧,抬头,跃起"三个镜头,从而表现人民的觉醒 与反抗。在《十月》中这种表达抽象观念的倾向更为明显,以沙皇铁像各部位的崩落来象征沙皇政权的崩溃,以插入拿破仑的雕像 隐喻克伦斯基的独裁。
爱森斯坦试图通过蒙太奇把形象思维同逻辑思维沟通起来, 把科学和艺术结合起来,力图以电影体现人的理性活动,加强电影的哲理化倾向。这本是十分可贵的。但爱森斯坦把蒙太奇的作用 强调过了头,认为电影应当象历史科学那样,用蒙太奇手段来解释 现实,可以避开人物塑造直接表达思想,甚至打算将《资本论》搬上银幕。结果他的某些影片形象破碎,晦涩费解。尽管如此,爱森斯 坦等苏联学派代表人物对电影蒙太奇理论的贡献是不可磨灭的。 在五六十年代,长镜头得到了普遍的运用,特别是电视的报道手法更助长了这一倾向。复杂的纵深场面调度在故事片中日益得到发展,这种场面调度不需要更换动作地点,这就改变了传统蒙太奇的性质。电影理论界认为,这种蒙太奇的演变标志着电影史上的一个新时代。虽然五六十年代,西方一些电影报刊上不时出现 "蒙太奇消亡"、"蒙太奇的末日"等预言,但实践证明,没有蒙太奇就不成为电影,即使在长镜头中也存在着一种镜头内部蒙太奇(场面调度)。蒙太奇也存在于电视中,即使是向电视观众直播当场发生的事件,比如轮船下水、体育比赛或代表团到来等等,也是要经过现场剪辑的。这种现场剪辑要求电视摄影师和导演具有特殊的素养,能立即发现并准确地表达事件实质,需要更敏锐的蒙太奇思维和蒙太奇眼光。

Ⅳ 求电影拍摄手法

1. 蒙太奇

蒙太奇一般包括画面剪辑和画面合成两方面。画面合成:由许多画面或图样并列或叠化而成的一个统一图画作品。画面剪辑:制作这种艺术组合的方式或过程是将电影一系列在不同地点,从不同距离和角度,以不同方法拍摄的镜头排列组合起来,叙述情节,刻画人物。

2.景深镜头

在光学中,尤其是录影或是摄影,景深(depth of field,DOF) 是一个描述在空间中,可以清楚成像的距离范围。景深就是对好焦的范围。它能通过把背景模糊化来突出拍摄对象,也可以拍出清晰的背景。

3.低角度摄影

低角度摄影,一种拍摄手法,可以让我们从不同的角度观察世界。我们大部分人在生活中,都从差不多的角度看待周围环境,很少会放下身姿。但那里有着另一个世界。更换一下角度,就能让乏味少变的景色变得新鲜而生动,只是要注意正确的方法。

4.显微摄影

显微摄影是通过显微镜来拍摄的方法。要取得良好的显微摄影效果,最重要的是要有良好的显微镜设备和良好的显微镜操作技术。

5.逐格摄影

逐格摄影是电影镜头特殊的拍摄方法之一。使用逐格马达,驱动摄影机一格一格的进行拍摄。最后完成一个完整的镜头。银幕效果是极大地加快了动作的速度。如荷花盏开、乌云滚动、日出日落、幼芽出土……把几天才能完成的动作,用几秒钟的时间展现在银幕上。

Ⅵ 电影镜头有哪儿种拍摄角度,给观众分别会产生什么不同的观影效果

电影镜头分为仰拍、平视、俯拍三种拍摄角度。平视给观众的感觉是一种现实生活中的正常视觉效果;仰拍会使被拍摄的对象在观众面前营造一种高大伟岸的视觉效果;俯拍让观众产生降落感并且会觉得被拍摄的对象渺小或者矮小、地位低下。

Ⅶ 电影中的拍摄手法有哪些

1. 推镜头

推镜头是视频拍摄中常用的手法之一,摄像机镜头与画面逐渐靠近,画面外框逐渐缩小,画面内的景物逐渐放大,使观众的视线从整体看到某一布局,这种推镜头可以引导观众更深刻地感受角色的内心活动,加强情绪气氛的烘托。

2.拉镜头

拉镜头是将摄影机放在移动车上,对着人物或景物向后拉远所摄取的画面。摄影机逐渐远离被摄主体,画面就从一个局部逐渐扩展,使观众视点后移,看到局部和整体之间的联系。

3.摇镜头

摇镜头是拍摄视频中的一种拍摄手法,指的是当摄像机机位不动,借助于三角架上的活动底盘或拍摄者自身做支点,变动摄像机光学镜头轴线的拍摄方法。

4.特写

特写是指在电影中拍摄人像的面部,人体的某一局部,一件物品的某一细部的镜头。最早由美国早期电影导演格里菲斯等人创造、使用。它的出现和运用,丰富和增强了电影艺术独特的表现力,历来是电影美学。

5.移轴

移轴所拍摄的照片效果就像是缩微模型一样,非常特别。移轴镜头的作用,本来主要是用来修正以普通广角镜拍照时所产生出的透视问题,但后来却被广泛利用来创作变化景深聚焦点位置的摄影作品。

Ⅷ 仰拍和俯拍技巧 怎样掌握俯拍和仰拍摄影技巧

1、俯拍:

(1)适当题材:山水风光、城市全貌、表现景观布局。

(2)相机高于被摄主题,镜头向下倾斜为俯拍。有经验的摄影师在拍摄山水风光和城市风光时,总是想方设法寻找制高点,从而找到一览众山小的效果。

(3)只有爬到了山顶才能有一览众山小的感觉,更能体现无险风光在限峰的境界,所以,有经验的摄影师在拍摄山水全景照片时总喜欢选择山的顶峰俯拍。拍摄城市全貌最常用的方法就是找到城市的高楼楼顶俯拍,其角度是平时看不到的,当然也就更吸引眼球了,并且俯拍还能很好的交待城市布局,尤其是在拍摄古建筑群时,俯拍更是拍摄全景最常用的方法。现在有了无人机拍摄全景照片相对简单了许多。

2、仰拍:

(1)适合题材:森林树木、高楼建筑、全身人像

(2)相机低于拍摄主体、镜头向上倾斜为仰拍。相机拍摄近大远小的特性决定的了这种拍摄技巧更适合表现景物的高大、直入云霄的感觉。尤其是使用广角镜头拍摄时,可以使建筑及树木向中间倾斜,拍摄人物全身照时可以拉伸腿部长度,使男人看起来更高大、女人看起来更修长。

(3)仰拍可以使高层建筑有向中间汇聚的作用,给人的感觉是建筑特直入云霄的感觉。这张照片是仰拍中的极限,镜头几乎朝向蓝天拍摄,镜头越广,拍摄这种汇聚的效果越明显,拍摄树木也有类似的效果。

(4)拍摄全身人像时适当仰拍可以使美女身材更修长,近大远小的关系使腿部变长了,上身变小了,九头身就是这样诞生了,使用广角镜头这种效果更明显。

Ⅸ 电影的拍摄手法有哪些

摄影、摄像机的运动(拍摄方式)
推:即推拍、推镜头,指被摄体不动,由拍摄机器作向前的运动拍摄,取景范围由大变小,分快推、慢推、猛推,与变焦距推拍存在本质的区别。
拉:被摄体不动,由拍摄机器作向后的拉摄运动,取景范围由小变大,也可分为慢拉、快拉、猛拉。
摇:指摄影、摄像机位置不动,机身依托于三角架上的底盘作上下、左右、旋转等运动,使观众如同站在原地环顾、打量周围的人或事物。
移:又称移动拍摄。从广义说,运动拍摄的各种方式都为移动拍摄。但在通常的意义上,移动拍摄专指把摄影、摄像机安放在运载工具上,沿水平面在移动中拍摄对象。移拍与摇拍结合可以形成摇移拍摄方式。
跟:指跟踪拍摄。跟移是一种,还有跟摇、跟推、跟拉、跟升、跟降等,即将跟摄与拉、摇、移、升、降等20多种拍摄方法结合在一起,同时进行。总之,跟拍的手法灵活多样,它使观众的眼睛始终盯牢在被跟摄人体、物体上。
升:上升摄影、摄像。
降:下降摄影、摄像。
俯:俯拍,常用于宏观地展现环境、场合的整体面貌。
仰:仰拍,常带有高大、庄严的意味。
甩:甩镜头,也即扫摇镜头,指从一个被摄体甩向另一个被摄体,表现急剧的变化,作为场景变换的手段时不露剪辑的痕迹。
悬:悬空拍摄,有时还包括空中拍摄。它有广阔的表现力。
空:亦称空镜头、景物镜头,指没有剧中角色(不管是人还是相关动物)的纯景物镜头。
切:转换镜头的统称。任何一个镜头的剪接,都是一次“切”。
综:指综合拍摄,又称综合镜头。它是将推、拉、摇、移、跟、升、降、俯、仰、旋、甩、悬、空等拍摄方法中的几种结合在一个镜头里进行拍摄。
短:指短镜头。电影一般指30秒(每秒24格)、约合胶片15米以下的镜头;电视30秒(每秒25帧)、约合750帧以下的连续画面。
长:指长镜头。影视都可以界定在30秒以上的连续画面。
对于长、短镜头的区分,世界上尚无公认的“尺度”,上述标准系一般而言。世界上有希区柯克《绳索》中耗时10分钟、长到一本(指一个铁盒装的拷贝)的长镜头,也有短到只有两格、描绘火光炮影的战争片短镜头。
反打:指摄影机、摄像机在拍摄二人场景时的异向拍摄。例如拍摄男女二人对坐交谈,先从一边拍男,再从另一边拍女(近景、特写、半身均可),最后交叉剪辑构成一个完整的片段。
变焦拍摄:摄影、摄像机不动,通过镜头焦距的变化,使远方的人或物清晰可见,或使近景从清晰到虚化。
主观拍摄:又称主观镜头,即表现剧中人的主观视线、视觉的镜头,常有可视化的心理描写的作用。

Ⅹ 拍摄角度有哪些类型

在大多数情况下,摄像要以平摄为主。但是所有片子一律使用平摄,就会使观看的人感到平淡乏味。偶尔变换一下拍摄的角度,就会使影片增色不少。拍摄角度大致分为三种:平摄、低角度拍摄、高角度拍摄。 一、水平拍摄 平角拍摄时由于镜头与被摄对象在同一水平线上,其视觉效果与日常生活中人们观察事物的正常情况相似,被摄对象不易变形,使人感到平等、客观、公正、冷静、亲切,是拍摄人物近景和一般场景的最佳选择。 将摄像机与被摄物体保持在相同的水平线上进行拍摄,这是最标准的拍摄方式,也是最稳定构图。大多数画面应该在摄像机保持水平方向时拍摄,这样比较符合人们的视觉习惯,画面效果显得比较平和稳定。平摄自然景物时,地平线一般应避免平均分割画面的情况,因为那样做远近景将压缩在中间一条线上,画面显得平淡、呆板。 在大多数情况下,摄像要以平摄为主。但是所有片子一律使用平摄,就会使观看的人感到平淡乏味。偶尔变换一下拍摄的角度,就会使影片增色不少。拍摄角度大致分为三种:平摄、低角度拍摄、高角度拍摄。 一、水平拍摄 平角拍摄时由于镜头与被摄对象在同一水平线上,其视觉效果与日常生活中人们观察事物的正常情况相似,被摄对象不易变形,使人感到平等、客观、公正、冷静、亲切,是拍摄人物近景和一般场景的最佳选择。 将摄像机与被摄物体保持在相同的水平线上进行拍摄,这是最标准的拍摄方式,也是最稳定构图。大多数画面应该在摄像机保持水平方向时拍摄,这样比较符合人们的视觉习惯,画面效果显得比较平和稳定。

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