电影拍摄过程中的片比多少

A. 影片制片预算的常规知识

电影预算是影片投资的基础和重要参考依据，也是电影管理和市场化运作的前提，高质量的电影预算是电影拍摄、制作、发行顺利进行的保障，也是对投资方利益的保证。

由于电影预算还设计很多财会知识的运用，在此，我们仅用两周时间，为大家简单介绍一下电影预算常规知识，并辅以好莱坞影片的预算细目作为范例。

一、什么是电影制片预算

电影制片预算，亦可称为电影成本预算（简称：电影预算），指的是电影拍摄的全部投资，包含影片剧本稿费、影片道具成本、影片拍摄成本、影片参与人员薪酬、影片后期制作成本、影片市场宣传成本、和额外其他成本等。

二、电影制片预算的分类

总体来说，电影预算可以分为两大类：线上费用（above-the-line）和线下费用（below-the-line）。之所以要将线上费用和线下费用划分出来，是因为，线上费用的高低主要取决于主创团队的薪资，这也致使线上费用可产生的金额区间跨度很大；而相反，同一制作水准下的线下费用，则相对稳定，可预测性也较高。

1、线上费用 | Above the Line

定义

线上费用视具体影片而定，指的是在创造过程中自然衍生出来的费用。线上费用主要包括获取剧本或编写剧本的支出（编剧的雇佣费）、制片部门和导演的薪水、以及演员的薪资和额外报酬等；这些支出项目，也统称为“创造性元素（Creative Elements）”支出。

范畴说明

从某种程度来说，“创造性”这个词用在这里，显得略微不够恰当；因为很多归属于线下费用的工种，也同样做着“创造性”的工作。而之所以做这样的划分，是因为从职业角度来讲，这两类费用支出还是存在着细微的区别的。

对于归属在线上费用的工种来说，这些人通常是根据他们在电影产业的现有地位而收取薪酬的，同时，他们也可能会参与影片最终利润的分成。因此，线上费用的估算，更多的要基于市场环境和主创团队受关注的热度。

主要支出项目

2、线下费用 | Below the Line

定义

线下费用主要指的是用在技术上的支出，这也是每部影片都会产生的费用。一般来说，线下费用包括付给工作人员的薪资、使用设备或购买录像带及胶片的费用、布景、道具、服装、化妆、交通、食物、音效和剪辑的开销等。

主要开支项目

3、经常性费用

经常性费用，指的是一些租金及水电瓦斯的开支费用，这些通常会被归属入线下费用。经常性费用通常会占到约总预算的15%，并被视为重要开支。

除常规预算额度外，制片人最好再多拨出10%的金额作为经常性费用的备用金，这笔钱可以应付一些容易被忽略、但却会严重影响到整体制作进度的事宜。

三、耗片比

耗片比（Shooting Ratio）是一个非常重要的概念，因为它会以指数级别影响全片的预算。一旦你知道为这部影片计划的耗片比以后，便可以对整个项目将会要使用到的胶片或者数字媒体存储及硬盘数量得出一个较为准确的估值。

耗片比，指所有拍摄素材与影片最终时长之间的比值。整个公式由两个数字来表示，比如10:1或者15:1。这意味着，一般来说，为了得到影片中某一片段，你应该计划拍摄10或者15倍的素材。如果影片的最终时长是100分钟，那么按照10:1的耗片比计算，你应该计划拍摄1000分钟的素材。如果耗片比是15:1的话，那你应该按照1500分钟的素材来制订预算。对于低成本影片来说，10:1或者15:1的拍摄耗片比其实已经是很正常的范畴了，更高成本的影片或好莱坞的一些大制作，通常则需要负担起更高比例的耗片比。

四、缓冲和应急资金

尽管预算是基于你认为完成影片所需花销的预期，在你完成整个项目之前，是绝对不可能准确地算出到底要花多少钱的。这也是为何要在预算中加入富裕或应急资金，以备拍摄制作期间的不时之需。

缓冲资金

缓冲资金（pad），是指预算项目明细中你知道自己过高估计的费用，必要的时候，你可以将这部分资金挪用到其他部分的额外支出上去。

应急资金

应急资金（contingency），也可称为“不可预估费”，是在预算总结中应出现的一条项目明细，通常是预算总而基础上的10%-15%，以备实际执行时的预算超支。

五、其他会影响预算的因素

天气

如果影片需要再室外拍摄，那么在制定预算时，就需要考虑到气候和季节因素，一方面可能会涉及到取暖或避暑需求；另一方面，气候突变或周期性的梅雨、沙城暴等气候等，也会导致拍摄计划的暂缓或取消，从而或多或少地影响到各个方面的支出细节。

小孩

由于小孩自身很难长时间保持注意力的集中，很可能在一段较短的时间内，就对拍摄失去了兴趣或因失去耐心而产生烦躁感，从而拖缓整体制作进度，并导致成本的额外耗损及预算的增加。

以上基本包含一般电影预算制作的所有类目，具体预算的制定，还需根据不同量级或者不同需要的电影项目进行增加或删改。兵马未动粮草先行，排除不可预估的突发状况，合理的预算必定是一部电影拍摄、制作、发行的重要保障。

B. 为什么电影很少以60帧的形式拍摄播放

我们先来科普一下。对于观众而言，亮度、清晰度、流畅度是观众衡量一部电影在技术层面是否优秀的三个最直观标准。业内，RealD公司推出的3D电影放映6FL认证，是针对亮度；而大家经常听到的2K、4K标准，是针对清晰度；如今热炒的24帧、60帧、120帧，则是针对流畅度。

亮度、清晰度都很直观，那么流畅度到底代表什么，所谓的“帧”又是什么鬼，“贞子”么？简单来说，我们之所以会觉得电影是“运动的”，是因为人类有视觉暂留现象。在电影术语中，一幅静止的图像被称作一“帧”或是一“格”，要让人觉得一个图像是连续流畅运动着的，那么至少每一秒钟要连续播放24张连拍画面，所以也就有了目前国际通用的24帧标准。显而易见，不管哪个标准，帧数越高，影片就越清晰，观众就能看到更多细节，观影效果就越好。

通常情况下，我们所看的视频都是普通的每秒24帧，高端一点的电影一般会采用48帧，60帧的就更少了。

上图可以看出，24W虚还有卡顿，24帧已经很流畅但略抖动，60帧非常流畅且清晰。

只有一句话：那是一种“无与伦比的超真实体验”。但由于支持这种牛叉技术的影院太过少数，一般没有机会体验到！如果说，24帧属于“入门"级，那60帧也将是一场“质的飞跃”。

不少观众在对比了24帧和60帧两种格式影片后，还是表示有不少区别，主要有这么几个方面。60帧的电影由于每秒放映的图片比24帧的多出了一倍，因此也更流畅，同时让电影细节更充实，一切细小的平时不被关注的细节都将呈现得一清二楚。此外，60帧格式让电影中的人更加立体，特别是特写镜头。总体来说，60帧的影片有更多细节，更有立体感，运动中的物体也更加清晰。观影后，大多数影迷对身临其境的3D电影有了新的认同，高清及真实的3D立体画面，会让人有深深的代入感。更有影迷说：“这是我见过最好的3D，太棒了！我感觉自己就在影片现场。”还有人形象地比喻：“如果说24帧3D电影像是透过窗户向外眺望的话，那么60帧3D就像把玻璃拿掉，直接盯着外面看。

要说为什么至今没有普及，我相信只是时间问题，成本是一个很重要的原因，毕竟原来24帧拍的电影，用了60帧之后胶片都要用多一倍多，加上后期特效在制作渲染的时候，渲染时间增多一倍。放映的设备也要更新换代，普通的影院现在还没有设备可以同时满足3D、4K、60fps的播放规格。如果想面向普通大众，就要对整个电影行业进行颠覆性改变。

3D大家都比较了解，4K分辨率的播放设备也逐渐开始应用，iPhone 6s已经能拍摄4K视频，最后这个120fps才是李安这次冒险的重头戏，他这是把电影拍摄的帧率一下子提高了四倍，如果这部电影最终呈现的效果令人满意，李安带来的技术革新意义堪比当年的《阿凡达》在3D电影上的技术革新。

120帧/秒，或许将和VR一样成为电影的下一个关键词。从24到120，电影拍摄帧率是怎么一步步进化的？其实早期的电影拍摄并没有一个标准，因为那时候采用的是手摇式摄影装置，拍摄的时候难免会有拍摄速度不统一，而且帧率相差非常大，比如说爱迪生的电影是以40帧/秒拍摄的，而卢米埃尔兄弟的电影则是以16帧/秒拍摄的。

后来发展到有声电影，引入了同期录音技术，可将声画同时录制到胶片上，24帧/秒能保持最高的声音清晰度，如果再低的话，音轨上就会有太多的表面杂音，于是24帧/秒就成为了电影拍摄帧率的标准。

超过24帧/秒拍摄的电影就叫“超高帧”电影，有很多电影尝试以超高帧拍摄：1950年诞生了“全景电影”（也叫西尼拉玛），这种电影使用3台摄影机分别拍摄3条方形素材，然后由3台放映机无缝拼接，投影到银幕上，以产生3倍宽高比的影像，这种电影是以26帧/秒拍摄的，主要是拍摄风光电影，后来由于放映设备昂贵逐渐被市场淘汰。

在1992年的塞尔维亚世界博览会上，第一部使用IMAX HD技术拍摄的电影《Momentum》是以48帧/秒拍摄的。1999年诞生了Maxivision 48技术，是结合了48帧/秒和35mm胶片的底片格式，可以以48帧/秒的速度放映影片，受到了业内人士的推广，但是大多数影院依然采用24帧/秒的放映设备，所以Maxivision仍没有得到广泛的投入使用。

道格拉斯·特鲁姆布（《2001太空漫步》、《星球大战》、《银翼杀手》的特效导演）旗下的Showscan视效工作室，在着力推广高帧率（60帧/秒）结合70mm拍摄技术（能科学上网的可以看一下这个视频介绍Showscan Digital from Douglas Trumbull），但是到目前为止，Showscan也依然是纸上谈兵，除了几部试验性的短片，他们还没有尝试长片拍摄。

道格拉斯之所以推崇高帧率拍摄，是因为：“理论上，这样的极致帧率会使动态画面更流畅，解决摄影机摆动过程中产生的频闪或晃动问题，带来更舒适的3D和无可比拟的敏锐与真实感。但这仍然只是理论，因为还从没有人看过用这种技术拍摄的电影。即便这些都被完美地实现了，这个世界上也几乎没有地方能让观众欣赏到它。”

2011年，卡梅隆宣布他的《阿凡达2》将和Showscan合作，采用他们的60帧/秒技术拍摄。2012年，彼得·杰克逊的《霍比特人：意外之旅》先行一步，采用了48帧/秒的速度拍摄，后继两部霍比特人也是以48帧/秒拍摄。当时业内毁誉参半，批评者认为画面太过清晰反而像 游戏 或油画的质感，缺乏了传统电影的模糊和频闪效果，也就失去了电影的美感（并非所有影院都能以48fps放映，所以放映的时候有24fps和48fps两个版本，如果你觉得没有这种体验，很可能是因为当时的影院没有使用48fps规格放映）。

对此，彼得大帝回应说，“（你们这群没见识的凡人）等你们习惯了就好了”。李安所采用的影像格式被索尼官方称为“Immersive Digital”（还未有官方的名称，网友译版是“沉浸数字式”），是第一次将3D、4K、120帧/秒这几种规格结合到一起。

120帧/秒面对的最大问题就是观影习惯，比如说3D技术刚开始推广的时候，也有诸如画面太暗、会晕的抱怨，李安要解决的问题比彼得·杰克逊还要大，48帧/秒已经给人一种不适应感，120帧/秒带来的观影感受肯定是颠覆性的。

但是李安并不是受彼得·杰克逊的启发，而是受了卡梅隆的启发，他在拍《少年派》的时候在3D技术上就参考过卡梅隆等人的意见，所有人都告诉他，用24帧/秒拍3D会加大本来就有的频闪（就是看3D的时候会觉得晕的原因），但是当时没有更好的技术解决办法，只能妥协。

后来卡梅隆宣布使用高帧率拍摄《阿凡达2》，给了李安启发，但是他还是觉得不够，于是就想到用4K技术来解决清晰率的问题，最终选择120帧/秒，其实是为了省钱——120帧/秒正好同时是24帧/秒（电影通用）和30帧/秒（电视通用）的整倍数，就可以用同一种格式制作电视和电影。而李安认为《半场无战事》是一个最好的机会，因为——

“这部电影的重点就是“感受”，不仅仅是讲述故事，而是想办法让观众体验，给他们一种全新的经历。”李安接受3D技术的初衷并不是为了炫技，他和很多使用3D技术的导演和制作公司的意见可以说是完全相反的，就连我们普通观众也认为像《阿凡达》、漫威的大场面动作电影才应该用3D，而《建国大业》那种叙事性电影用3D简直是莫名其妙，而李安反而认为：

“2D和3D最大的区别在于面部拍摄，而不是在于动作或大场面，我觉得2D更适合动作片，而3D更适合拍剧情片，因为3D可以营造更亲密的感受。”

所以他对于伊拉克战场和中场表演两种不同的主要场景运用了不同的技术处理，战场场景会尽可能地呈现“真实”镜头，也就是用120帧/秒拍摄，预告片里可以看到，在演员跑动的过程中，镜头几乎没有一点摇晃的感觉。

而中场表演场景是在 体育 馆内，有大量的舞台灯光照明，为了避免大家都担心的背景过于虚化的效果，只有部分镜头（比如无光照的观众席）使用了120帧/秒拍摄。从预告片中可以看到，对于男主角比利的面部特写镜头非常多，着重刻画他的表情和情绪，因为背景虚化本来就很适合大头特写，而中场表演的镜头则大多是全景。

在看了11分钟的片段之后，（前文提到的Showscan）道格拉斯说：“有种身临其境的感觉，看起来他（李安）会给我们带来一次全所未有的观影体验，我简直激动地颤抖了。”

卡梅隆看过之后更是觉得3D、4K、120帧/秒将成为行业内的最高规格标准，有观众评论“这段11分钟的电影让我觉得镜头、幕布消失了，我看到了最真实的画面。”其实120帧/秒更大的问题是放映，就连李安自己在拍摄过程中都没法看到最终效果，因为技术负担太大了，他在片场拍摄的时候只能用3D、2K、60帧/秒的格式播放。

之前在LA的11分钟试映，是采用了科视的双4K激光投影机和赢康公司的7sense Delta Infinity III服务器，配备杜比3D眼镜，而且当时他们面向的是NAB的行业内技术人员，没有人比他们更懂行，所以获得的大多是惊叹和赞誉。

但是如果想面向普通大众，李安就要有准备面对整个电影行业的颠覆性改变。普通的影院现在还没有设备可以同时满足3D、4K、120fps的播放规格，普通观众的反应和接受程度也无法预料，至今为止索尼还没有宣布这部电影将如何大范围上映，为了陪李安冒险，索尼在尽可能地寻找方式，甚至考虑了先期放映，但是最终为了大范围上映，很有可能他们只能把标准起码降低到60帧/秒以及用2K代替4K。

李安和卡梅隆、道格拉斯等人一样，都站在了先驱者的行列，希望能通过这种革命让电影院看电影重新变成一种朝圣般的体验，一种在电脑手机上无法比拟的体验，如果可以让人们重新走入电影院，那么即使是要让全世界所有的电影院都更换新的放映设备也是值得的。

“改变人们的习惯和颠覆一种文化是非常难的，我的好奇心的确是有点旺盛，但是我已经不年轻了，我不愿再等。”当他拍《断背山》的时候，很多人劝他的演员，拍这部戏就是葬送自己的演员生涯，结果他的四位演员获得了三个奥斯卡演技提名，当他拍《少年派的奇幻漂流》的时候，所有人都说这部小说太难银幕化了，这是自讨苦吃，然后他拿到了第二座小金人。

现在，几乎没有人对李安说“不可能”三个字。对于《半场无战事》，想借用一部电影的名字《好戏还在后面》：“Vous n‘avez encore rien vu（你们见到的还不算什么）”，我们拭目以待。

我是晓飞，我来回答这个问题，的确很少60帧

的电影在影院播放，回答问题前先举个例子。

据说大导演卡梅隆也大力推进电影的60帧拍摄规格，按他自己的话说就是，更高的帧数能带来更好的3D效果。观众更喜欢看。

为什么至今没有普及，我相信只是时间问题，其实成本是一个很重要的原因，毕竟原来24帧拍的电影，用了60帧之后胶片都要用多一倍多，加上后期特效在制作渲染的时候，渲染时间增多一倍。放映的设备也要更新换代，也是阻碍新制式的原因。

另外一个原因，可能是很多导演不愿意冒险用60帧是因为据说帧率太高会太有现场感，反而失去了在影院看大片的感觉。

高帧画面之下观众很容易就能看出来布景有多假，因为高帧数能避免运动所造成的画面模糊，尤其是在3D之下会大幅减少频闪，就是说能让观众看清楚快速运动物体的细节。同时也能清晰的看到演员化妆的细节。那体验感就不用说了

拍摄一部高帧率电影，并不是换一套摄像机的事，因为高帧率带来丰富的细节，拍摄、打光、化妆、表演等环节都要重新开始摸索，后期还有处理 几乎3倍于 24 帧电影的素材，剧组人员要更加努力工作，制作成本当然也随之增加。

拍摄的帧数提升之后，那么新的问题就来了。光有高速拍摄的设备还不够，还需要有高速播放的设备。高帧数的影片，影院也需要更新器材，每秒60格的拍摄，需要有每秒60格的播放，否则在24帧的器材上无法正常播放，这个器材费用也是相当高。

总结下，所有成本的增加都会体现在票价上，你会为这些电影的流畅感多花钱买票莫

也有一种阴谋论者认为高帧率电影，实际上是某个投机取巧的道德水准极低的导演及其一群帮凶炒作出来的损人利己的。大家认为呢

因为目前全球绝大部分影院都是30帧的播放器，60帧的很少，150帧播放的更是只有美国那几家大影院，帧又叫刷新率，为什么60帧和120帧播放电影的电影院这么少呢？

其一:因为30帧拍摄播放电影已经在全球很普遍的了，就像Windows电脑一样，你出一个更好的电脑操作系统，但是市场已经被Windows占据了，想要取代需要很久的时间，拍摄60帧电影成本也相对昂贵，你拍摄的60帧电影在全球大部分影院还达不到60帧的效果，这是一个很尴尬的问题

其二:60帧电影的优点是画面更佳的流畅，但是大部分人并没有接触过60帧的电影，或者说，压根就分辨不出来它二者的区别，人们眼睛可以分辨的刷新率在200-300之间，30-60-120帧越高，人们的眼睛的工作量也越大，看的越久，带来的疲惫感也就越大，这也导致了，本来接触了120帧的电影的人，却被眼睛疲劳劝退

其三:网络普及率，如果说电影院里60帧电影很少，网上的电影资源相对也更少，是大众了解的比较少，电视机厂家出一款刷新率高的电视机，大众也不会去买单

总结，30帧电影和60帧电影就好像 汽车 的乞丐版和高配版一样，一个是够用，一个是体验

我是影视大公社，很高兴回答你的问题，下面就你的问题我发表一些我的看法。从业内人士的一些说法来说，首先是技术问题，电影界并不存在全片补帧的操作，那我们假设有，要怎么补帧呢？你觉得能像普通人在电脑上开个AE装个Twixtor随便调调参数就能做到的吗？肯定不是啊，电影工业的每一个环节几乎都和普通的视频工作者日常接触到的完全不一样，剧本不是随便写写就能开拍的，摄影不是按下开始按钮就能拍的，剪辑不是把素材导入软件就可以开始拼素材的，调色和特效也不是拿过xml就可以直接往上加效果的，如果电影工业中有补帧这个环节，那一定是非常复杂的流程和技术。而且补帧技术依赖的是计算机软件（不同方法的补帧依赖的具体原理不同），目前的补帧软件水平还远远达不到电影工业水平（这里说的是“工业水平”而不是普通人所认为的“专业水平”），

就算是业余工作者，也会选择适合补帧和不适合补帧的镜头，有些镜头就是不适合补帧，或者说补出来就是一坨花屏果冻，在软件基础达不到的情况下，再厉害的“补帧师”也没法做到全片完美补帧，而电影工业是不可能允许“补帧”果冻这种低级问题出现的，即使剧组自己不重视，不在乎，也绝对过不了电影审查（是的，电影审查不止是政治审查，还有技术审查，不过普通观众并不关心技术审查）

其次是成本问题，前面说了补帧如果要加入电影工业环节，也肯定是非常复杂的流程，要有专业的“补帧师”来操作，即使技术达标，补完一部电影上千个镜头上百分钟要花多少钱？多少人力？多少时间？而且不光是补帧这个操作要钱，后期渲染也是要钱的，不仅渲染要钱，调色和特效的工作量也是要增加的，24帧补成60帧，成本翻了好几倍，这些钱加起来绝对不比调色和特效的钱少，所以说题主说的“这个操作成本极低”就是个臆想的结论，根本不成立。有这闲钱我干嘛不直接拍摄的时候拍60帧？太贵了，所以导演们遵循着能看就看的原则

。

你的问题回答完毕。谢谢！

很少以60帧拍摄的原因大概有以下几个原因。

60帧的影片画面流畅，更加清晰。但是有一部分人生理上无法适应，看的时间稍长会头晕。

最主要的原因则是成本高，普通的24帧影片每秒的画面只有24张，60帧的则有每秒60张，对制作人的设备要求更高，制作时间也大大延长。若是科幻电影，特效是很烧钱的，而60帧的特效要比24帧多一倍还要多，成本爬坡式的增长，这也是阻碍60帧影片普及的最大原因。

谢谢 希望能帮到你~

你好，我是老徐。60帧的电影很少，因为从拍摄到后期，成本都相对很大

视频比特率在一定条件下提高图像质量视觉效果可以提高名线，增加帧数可以提高到60帧以上，尤其是25/30帧的图像质量比特率至少需要提高2倍，YouTube的60帧比特率是否高了2倍？4k25帧和1080p60帧会选择其中一个吗？目前，60多个屏幕144，240多种屏幕颜色δ e是性价比，考虑到图像质量上升到一定水平后帧数的提高。

参考艺术速度限制

4k 5966 kbps 3840 x 2160 25 fps

1080p 2327 kbps 1920 x 1080 25 fps

720p 1247 kbps 1280 x 72025 fps

高清 590 kbps 896 x 504 25 fps

流畅 330kbps 640x6025fps

这是2018年12月的数据。要升级到60帧，需要将图像质量速度提高近一倍的压力在一定程度上。5g还可以将互联网视频帧速率提高到60。您正在查看的数据72帧再次是分数，帧速率使视觉感觉慢得多。VR视频保留在VR中，具有更高的帧数、更高的 游戏 和对帧速率的追求。满足最低帧速率要求，追求下一个图像质量，追求帧速率，现在平面视频、 游戏 已经开始满足最低帧速率要求并要求图像质量，VR尚未满足最低帧速率要求。

一、每秒拍摄图片张数不同；

60帧/秒每秒钟拍摄60张图片，30帧/秒每秒钟拍摄30张图片。

二、画面流畅度同；

60帧/秒画面细节更丰富。帧数越高画面越流畅。 每一帧都是静止的图像,快速连续地显示帧便形成了运动的假象，因此高的帧率可以得到更流畅、更逼真的动画。

三、同一时间下的视频内存大小不同。

帧数 (fps) 越高，所显示的动作就会越流畅，文件大小越大。拍摄视频时60帧/秒视频内存大于30帧/秒视频内存

因为人眼一般用24帧或者25帧就可以感觉到很流畅的效果，60帧虽然更加流畅，但是人眼时间看久之后会觉得很累，因为60帧超过了人眼处理的速度，这也就是为什么在看60帧视频时虽然很流畅，但是又觉得很假的原因。回答满意希望可以给个赞和关注哦，个人日常分享数码评测，欢迎来主页看一看。

C. 高清影片中常说到的1080p、720p、480p是什么意思

1080p、720p、480p都是一种视频显示格式，字母P意为逐行扫描（Progressive scanning）；它是美国电影电视工程师协会制定的最高等级高清数字电视的格式标准，有效显示格式为：1920×1080.SMPTE.。它是将数字高清信号数字电视扫描线的不同分为1080P、1080I、720P，是一种在逐行扫描下达到1920×1080的分辨率的显示格式，是数字电视和计算机技术的完美融合。

(3)电影拍摄过程中的片比多少扩展阅读：

视频清晰度，即常说的高清度，指电影不同格式和版本在清晰度方面的不同高清程度。

数字高清电视720P、1080i和1080P是由美国电影电视工程师协会确定的高清标准格式，其中1080p被称为数字电视的顶级显示格式。

1080P带来的高画质给消费者带来的是真正的家庭影院的视听享受，由于它向下全面兼容其它高清格式，通用性非常强，保证了在未来十几年的时间里产品不会过时，具有很好的超前性。随着1080P片源的不断涌现，1080P产品的优势已经显现出来。

D. 怎样拍一部电影

首先非常感谢在这里能为你解答这个问题，让我带领你们一起走进这个问题，现在让我们一起探讨一下。

1． 前期准备

剧本写作 组织摄制组成员 准备工作

电影开拍前应有一个计划并仔细筹备，剧本出来以后便有一个依据，制片主任要分门别类把剧中每一人物、道具、特技效果和拍片所需要的项目挑选出来，再将剧本印成若干份分发到包括布景设计师、置景人员、摄影、道具、服装、运输等各部门手中，请他们分析详细计划，然后制定拍摄计划和预算。一部电影的赚与赔，在筹备期已经决定了八成以上，所以准备工作至关重要。

2． 影片拍摄 拍摄画面并录音

拍摄的成败很大程度上取决于预先制定计划时的认真程度与每一个人和每一件设备是否按时到达现场。制片组要确保通知各部门开工时间地点，并预先联络好拍摄场景和电源，为工作人员提供运输工具以及饮食。总之，剧组的吃喝拉撒睡都要负责。为剧组提供群众演员也是制片部门的职责范围。

3．后期制作

后期制作包括停机后完成该片所必须的一切工作。停机后，工作只完成了20%，工作样片还需要剪辑，音响效果需要录制成声带，所有声带，包括对白、音响效果、音乐、解说等要混录合成，字幕需要设计并拍摄，光学效果需要制作，底片要按照样片搭配好，最后要送审，并合成拷贝洗印，然后发行。

4． 制片还担任一项重要工作：拉赞助，此活动可贯穿整个制作过程。

————————烟火枪械————————

合法的非执法持枪者，可放炸弹打机关枪，炸什么都可以，只要电影里需要。香港已经开始发放枪械师执照，大陆则由电影厂垄断，你可到电影厂拜师。

————————电影特技————————

在影片摄制生产过程中，常会遇到一些难度大成本高或危险性大及难以在生活中拍摄的一些镜头和景象。由于常规摄制技术难以完成，这就必须用特技方法来完成。早期的电影特技使用一些常规的特技摄影的手法，除了快速摄影、慢速摄影、倒拍、停机再拍（画面多次暴光）。

如今数字技术的发展，使电影特技的制作有了极大的飞跃。电子影像的形成、数字技术、计算机图形学的发展为数字特技奠定了基础，数字特技即利用计算机处理数字化后的音视频信号的方法，来实现视觉和听觉上的特殊效果。

在以上的分享关于这个问题的解答都是个人的意见与建议，我希望我分享的这个问题的解答能够帮助到大家。

在这里同时也希望大家能够喜欢我的分享，大家如果有更好的关于这个问题的解答，还望分享评论出来共同讨论这话题。

我最后在这里，祝大家每天开开心心工作快快乐乐生活， 健康 生活每一天，家和万事兴，年年发大财，生意兴隆，谢谢！

1． 前期准备

剧本写作 组织摄制组成员 准备工作

电影开拍前应有一个计划并仔细筹备，剧本出来以后便有一个依据，制片主任要分门别类把剧中每一人物、道具、特技效果和拍片所需要的项目挑选出来，再将剧本印成若干份分发到包括布景设计师、置景人员、摄影、道具、服装、运输等各部门手中，请他们分析详细计划，然后制定拍摄计划和预算。一部电影的赚与赔，在筹备期已经决定了八成以上，所以准备工作至关重要。

2． 影片拍摄 拍摄画面并录音

拍摄的成败很大程度上取决于预先制定计划时的认真程度与每一个人和每一件设备是否按时到达现场。制片组要确保通知各部门开工时间地点，并预先联络好拍摄场景和电源，为工作人员提供运输工具以及饮食。总之，剧组的吃喝拉撒睡都要负责。为剧组提供群众演员也是制片部门的职责范围。

3．后期制作

后期制作包括停机后完成该片所必须的一切工作。停机后，工作只完成了20%，工作样片还需要剪辑，音响效果需要录制成声带，所有声带，包括对白、音响效果、音乐、解说等要混录合成，字幕需要设计并拍摄，光学效果需要制作，底片要按照样片搭配好，最后要送审，并合成拷贝洗印，然后发行。

4． 制片还担任一项重要工作：拉赞助，此活动可贯穿整个制作过程。

————————烟火枪械————————

合法的非执法持枪者，可放炸弹打机关枪，炸什么都可以，只要电影里需要。香港已经开始发放枪械师执照，大陆则由电影厂垄断，你可到电影厂拜师。

————————电影特技————————

在影片摄制生产过程中，常会遇到一些难度大成本高或危险性大及难以在生活中拍摄的一些镜头和景象。由于常规摄制技术难以完成，这就必须用特技方法来完成。早期的电影特技使用一些常规的特技摄影的手法，除了快速摄影、慢速摄影、倒拍、停机再拍（画面多次暴光）。

如今数字技术的发展，使电影特技的制作有了极大的飞跃。电子影像的形成、数字技术、计算机图形学的发展为数字特技奠定了基础，数字特技即利用计算机处理数字化后的音视频信号的方法，来实现视觉和听觉上的特殊效果。

很高兴回答你的问题，怎样拍一部电影？

一个人拍电影是做不到的，如果当你心里非常渴望拍一电影，你要找一个合适的伙伴，你两个人开始探讨，最好是对拍摄剪辑能力比较优秀的，那么就容易多了，

当你们要有坚决的想要拍的电影，那么就是想剧情和剧本，要知道很多传媒公司有着雄厚的资金和优良的设备，因为缺乏足够好的剧本，拍出的电影也无人问津，对于很多普通的草根而言，不在于设备和资金上的较量，只要剧本好用现有的东西也能拍出获得称赞的电影作品，

演员，对于拍电影来讲，初期的合伙人有了，剧本也定下来，可总不能自导自演吧，很多导演指导演员行，但是自己上了演就总是演的变扭，所以找一个富有感染力的演员是决定一部电影好坏的关键。

君不见黄渤一个人演了一部电影，拉着一头奶牛，所以很多时候并不是说我们电影拍的设备怎么样，剧本的角色多少，都不是主要的衡量标准，对于现在想拍电影的年轻人来说，你要把一种很微妙的 情感 是发挥的机制，拍摄角度和拍摄手法，需要跟随自己的感觉，

对于电影来说，不完全是导演来安排场景，开始大家都没什么名气，就是拍着电影玩一玩，大家可以很随意的选择表演的风格，往往这种风格是一些专业的剧组很难达到的，有时候摄影师是一部电影的第一位观众，从他的角度去为观众呈现的画面，需要一种艺术气息，这里面需要找到性格比较有个性的人来做。

拍摄的资金问题，对于文艺青年来说，还没有稳定的工作和经济收入，即使有，相比这笔资金也不充足，尤其是拍电影这一块，耗费的时间和精力，以及人员这些都需要支付成本的，所以有能力的话，能拉就尽量拉赞助。

首先，拍电影是一件非常复杂的事情。总的来说，我们写的文章或绘图可能很随意，我们想写一点。但是电影并不适合于与网络无关的电影或大型电影。这基本上是许多员工共同努力的结果。这也意味着拍摄是应该计划的任务。奇迹只能出现在先前的概念中，一旦进入拍摄，它们就必须“适合”，并且必须按照计划执行所有步骤。不是退缩，而是射击，简单的心血来潮可能不足以完成任务。

2.您必须先拥有一个剧本。剧本和小说不一样。小说是文本艺术，它多次关注文本的艺术概念，使听众感到“大脑”。但是这部电影最终在观众面前发行，这具有很高的象征意义，因此与电影的最客观，最具体的描述相同，包括场景，道具，人物，线条等。创建脚本后，下一个考虑因素是“拆分脚本”。根据场景（特写，特写，中或远），镜头移动，演员的位置，图片构图，场景布局等，分屏脚本的相似性更高。基本上，它可以用决定未来摄影作品的文字来描绘或绘制。 3.各种设计工作。

这就像重新创建场景设计，服装设计，角色设计，道具设计等以前的想法一样。在正式开始拍摄之前，许多电影将通过发布许多概念图来朝这个方向努力工作。

4.选择一个演员。不用说，除了动画和非常具有开创性的艺术电影外，电影基本上不需要演员。 5.正式开始拍摄。已经确定了先前的脚本，子镜像和各种设计工作，因此在拍摄时，演员的表演，场景布局和场景时间表方面必须清楚地遵循镜子。每个场景都有很多真正需要开始的工作，例如规划演员的位置，演员的表演，灯光，现场录音等等。从准备到实际拍摄，最后拍摄只有几十秒，但是实际拍摄可能需要一天。

6.完成后期制作后，您将需要向编辑器提供大量用于编辑的拍摄材料。当然，编辑也是明确计划的。当编辑者选择使用哪个镜头时，故事是一致的，故事是吸引人的，编辑可以确定电影的伟大和逻辑关系。编辑完成后，视频材料将移交给另一个人进行进一步的后处理，例如为视频着色。后效果，例如简介，字幕或3D cgi效果。

7.使电影更好。以上是制作电影的实际工作，但是如果您想制作电影，那么技能就不够，毕竟电影也是艺术。

例如，镜片和组合物可以表达主观意识。相同的场景，相同的演员，不同的场景和构图会给人相反的感觉。如果没有特殊研究，还有更多而且很难理解这些电影语言。因此，仅了解工作流程还不够。否则，我只能说所拍摄的内容与各种视频应用程序的拍摄内容相同，并且是带有情节的视频。现在说电影是电影还为时过早。

8.没有人可以拍电影。近年来，也许有太多人担任过董事职务，以至于他们被误认为“每个人都可以成为董事”，但许多人只是一个董事帽。例如，郭德纲实际上在进行卡通对话，我也想听，但是我如何突然理解这部电影并成为导演？我们的老师一直提倡“尊重”工作尊重，不应被认为太有价值。因此，如果您对该主题感兴趣，则可以慢慢学习并考虑对电影的了解。

电影这个东西，最首要的环节一个是制片，一个是主创。制片即是制片方，谁来安排剧组，联络场所和资助，这决议你的开支，非常首要；主创是中心，严厉来讲包含导演、编剧和编排师三个。但编排本来还好，只需找有根本编排理论基础和经历的人来剪，都没啥疑问，要害首先是剧本要好，其次是导演的才能，至于艺人，说白了即是出现故事的东西罢了，只需有扮演经历和根本的才能的，都差不多。

1、剧本，自个编写或找别人代编。主线一定要准备好，有哪些首要场景，怎么确保联接、照应。台词设计好。假如有时间最佳有分镜头剧本，提前想好每个场景有哪些镜头，机位怎么摆放、人物的根本动作。

2、视频设备：尼康D7000，镜头是18-105的套头，以及50 1.8G的标定。外接麦克是飞利浦的SHM1000，随便接一个作用都会好很多。看你拍哪种微电影而定，一般的最少需求摄像机一台，想制造更精致点的能够加上灯火、收音器、轻型滑轨等。

3、做好剧员，安排好拍照次序。尽管视频能够补拍，可是气候、光线、衣服、艺人心情等的改换，让后期补拍难度较大，根本补即是补一个场景。所以尽量多拍几遍，争夺削减补拍也许。

4、拍照期间：尽量运用三脚架，确保视频安稳。假如是需求加强紧凑感，能够手持，让镜头有呼吸感，对比简单营建紧张气氛。

运用手动对焦，或许爽性防止二次对焦。D7000尽管是有自动对焦功用，但根本是废柴功用，会不断发生拉风箱状况，对焦缓慢。所以尽量少拍照物距的变化，用分镜头来替代。 留意景深。拍对话的时分，假如运用正反打，定焦头的浅景深是必须的，留意不要跳轴。单机位拍正反打，只能是拍两遍再做后期，有条件的话尽量双机位吧。

留意麦克风离艺人的间隔。同期声是对比省劲的做法，后期配音真实费事，所以尽量挑选指向性较好的麦克风，一起确保麦克风离艺人的间隔相差不大，并且关于说话声音小的艺人，要恰当将麦克风放的近一些，或让艺人恰当进步音量。

预演也记得要拍下来，很也许第一遍反而是最佳的。NG也不用早早停掉录像，后期拿来做花絮也是很有意思的。

5．对台词，磨练演技：在家可对镜操练表情，若有煽情戏，多回忆往事酝酿心情。

后期制造：此环节直接影响影片的终究作用，建议找专业人士或专业设备解决。

目前微电影还不能独立上院线，所以也就不存在审批的疑问，传达方式只要网络。拍的话找电影公司当然更专业，不过微电影这个玩意儿，学生拍的不比入行N年的专业人士差——重点是理念和创造力

拍一部电影不难，拍好难。什么电影才是一部好电影？在我看来，好电影要同时兼顾艺术性和商业性，即又卖座口碑又好，比如我喜欢的《让子弹飞》。

拍好一部电影，要从以下几个方面入手。

1,选择剧本。

要懂得挑选或改变一个好的剧本。如《肖申克的救赎》

2,资金。

要会拉投资或自己出钱，支付员工工资和拍摄、发行成本，口才要好。

3,人才。

1,组建战斗力强的剧组，挑选优秀的制片人、监制、导演、编剧、化妆、道具、美术、场务等

2,组建优秀的演员团队，挑选票房号召力强，演技高，职业态度良好的演员。

4，制作后期。

剪辑好电影，制造匹配度高的音乐、配乐。

5，发行。

选择有实力的发行商，加强广告宣传。

最后说一句，拍电影看起来很难，但只要把拍电影的流程了解剖析，每个环节逐一完成，统筹兼顾，一定能拍出一部好电影。

首先要有自己想表达的东西

最重要的前提是 RMB

最核心是 剧组 （没剧组你自拍啊）

剧组成员网络了解一下 还是我打这吧 省事

制片主任、现场制片、生活制片、外联制片

导演组：导演、副导演、执行导演、场记

剧务组：剧务主任、剧务、剧务助理

美工组：总美工师、美工设计及服装、道具、化妆等小组

录音组：设录音师和录音员

重点 ！！！ 《 演员 》

以上是一个相对专业剧组的标配（基本）.

E. 电影院的银幕长宽比是多少,为什么是这个比例

1.78:1 (16:9)。

IMAX原始胶片的画面比例是 1.43:1 ，数字IMAX的画面比例是 1.78:1 (16:9)。 一般电影是 2.35:1
标准的IMAX银幕为22米宽、16米高，但完全可以在更大的银幕播放，而且迄今为止不断有更大的IMAX银幕出现。IMAX的构造亦与普通电影院有很大分别。由于画面分辨率提高，观众可以更靠近银幕，一般所有座位均在一个银幕的高度内。

看电影注意事项

减少吐槽：需要注意有些电影可能不会符合每个人的口味，所以在电影院中会出现很多吐槽的人，这时不文明的现象。这样不仅会影响旁边观影人的心情，而且也会影响整个电影院的观影气氛。

降低语调：需要注意一般电影院中每个人都是很安静的，只有电影的声音。由于电影的情节很好，可能有很多人都会发出不一样的声音，尽管这样，我们在看电影的时候也要尽量降低语调，以免破坏观影效果。

F. 电影屏幕比例

按照你提供的情况来看

你看到的屏幕比例应该是4:3

4:3 显示器分辨率是多少

800*600；

1024*768 这个最常用

1152*864；

1280*960；

1280*1024；

都是4:3的，两数之比少以1.3的都是4:3分辨率的

拓展内容

我们一般把屏幕宽度和高度的比例称为长宽比（Aspect Ratio，也称为纵横比或者就叫做屏幕比例），宽屏的特点就是屏幕的宽度明显超过高度。标准的屏幕比例一般有4:3和16:9两种，不过16:9也有几个“变种”，比如15:9和16:10，由于其比例和16:9比较接近，因此这三种屏幕比例的液晶显示器都可以称为宽屏。此外，如果还有比较特殊的比例，例如24:9，当然也算宽屏。

G. 电影中的固定镜头和运动镜头的比例是多少啊

没有固定的比例，根据你的拍摄题材来确定拍摄的内容。

镜头语言，灯光，声音，等等所有的一切都是为了讲故事，只要故事能够讲清楚，其他的形式化的东西都是辅助的。

H. 拍摄素材与成片的比例 电影

电影画面比例的介绍：在电影院中放映的时用的是2.35:1比例，但这并不是全部的原始画面，而只是其中的一部分，等到制作DVD的时候使用的是原始胶片，这样我们就看到了比电影院中更多的东西。画面中的白框显示了2.35:1的画面所裁切的部分；目前来说采用4：3银幕比例的电影已经基本退出历史舞台，现在主流的电影以2.35：1居多。
一、早期电影的银幕比例为1.33：1（4：3）；
1、在电影刚刚出现的年代，所有电影的画面大小形状都是差不多的。我们一般把画面宽度和高度的比例称为长宽比（AspectRatio，也称为纵横比或者就叫做画面比例）。从19世纪末期一直到20世纪50年代，几乎所有电影的画面比例都是标准的1.33:1（准确地说是1.37:1，但作为标准来说统称为1.33:1）。也就是说，电影画面的宽度是高度的33倍，这种比例有时也表达为4:3，就是说宽度为4个单位，高度为3个单位；这种画面比例后来被美国电影艺术和科学学院所接受，称为学院标准（AcademyStandard）；
2、20世纪50年代，刚刚诞生的电视行业面临着采用何种屏幕比例作为电视标准的问题。为了方便把电影搬上电视屏幕，美国国家电视标准委员会（NTSC）最后决定采用学院标准作为电视的标准比例，这也就是4:3电视画面比例的由来。这个比例一直到今天仍是电视的主导标准；
二、变形宽银幕的出现
1、随着电影通过电视屏幕迅速进入家庭，好莱坞的电影公司发现电影院里的观众开始大量流失。为了让观众重新回到电影院，他们想出了新主意：立体电影和宽银幕电影。这两种电影的试验实际上从20年代就开始了，但直到50年代才受到真正的重视。当然立体电影并未真正的成为大众消费的主流，宽银幕却一直传承下来；
2、变形宽银幕电影是指用变形球面镜头拍摄，把图象在水平方向挤压，使得画面能适合于1.37：1的胶片，如果对着光源直接看电影胶片的话，圆体看起来就会象又瘦又长的椭圆型。当播放影片时，就用带有变形镜头的电影播放设备，利用光学原理重新把图象拉宽放映，使图象回到原来的纵横比。其他画面比例还有1.66:1和2.20:1（70毫米胶片）等，但我们的介绍集中于1.85:1和2.35:1就行了；
3、实际上也有一些相反的情况：你在4:3的电视上能看到比宽银幕电影更多的内容。这是因为有些导演（包括詹姆斯·卡梅伦）会使用超级35毫米摄影机来拍电影，这样得到的原始胶片就是4:3的，在电影院里用宽银幕格式放映的时候实际上是裁取了4:3画面的中间一块
4、等到制作DVD的时候使用的是原始胶片，这样我们就看到了比电影院中更多的东西。画面中的白框显示了2.35:1的画面所裁切的部分；目前来说采用4：3银幕比例的电影已经基本退出历史舞台，现在主流的电影以2.35：1居多；

I. 电影画幅比例是多少

是4:3的比例，就是说画面的宽度为4个单位，高度为3个单位。

画幅比是代影像画面的长度与宽度的比例， 画幅比的选择最重要的就是考虑你的作品是在哪里播放，比如：最初电视机的荧幕就是4:3 的，那电视剧基本就是采用4:3的画幅来拍摄。电影画面是不间断的通过摄影机拍摄下来的静止或运动的对象。

电影画面能表达一定涵义，并能与上下镜头画面进行组接的有可视影象的一段胶片片段。远景具有广阔的视野，常用来展示事件发生的时间、环境 、规模和气氛。全景用来表现场景的全貌或人物的全身动作，在电视剧中用于表现人物之间、人与环境之间的关系。

中景画面画框下边卡在膝盖左右部位或场景局部的画面；近景画面拍到物体的局部成为近景。近景的屏幕形象是近距离观察人物的体现，所以近景能清楚地看清人物细微动作。也是人物之间进行感情交流的景别。近景着重表现人物的面部表情，传达人物的内心世界。

J. 《拉片放映室》第十三集--电影里常见的几种画幅

《拉片放映室》第十三集---电影里常见的几种画幅?

拉片有技巧，观影有门道！哈喽，大家好，我是刘导！

学会拉片，让你技术性的去看电影！

前面讲了构图的时候有小伙伴在私下问电影里《我不是潘金莲》《布达佩斯大饭店》《山河故人》等电影里圆形、正方形，长方形构图属于哪种类型的构图，在电影里想要表现的又是一些什么？

那在这里我们就纠正一下很多小伙伴容易混淆或者模糊的概念

构图（COMPOSITION）和画面长宽比（ASPECT RATIO）以及正方形、圆形画幅并不是一回事。

前面我也讲过构图是为了方便传递导演的思想，让观众更好的去理解电影画面，但是电影画面的长宽比，也就是画幅，我们大家熟知的纵横比、宽高比，16:9，2.35：1等等是现在主流常见的电影画幅。

区分和学习电影构图可以回看前五、六、七、八集，在学习电影画幅之前，我们先了解一下电影里常见的几种画幅长宽比：

（1）4：3——二十世纪50年代以前，几乎所有的电影都使用的比例。又称1.33：1，接近（2）1.37：1。比如：《公民凯恩》、《科学怪人的新娘》

（3）1.66：1——许多迪士尼的卡通片和欧洲电影使用该尺寸。 例如：《从海底出击》、《小美人鱼》

（4）1.78：1即16：9——这是当今许多美国电影所采用的比例。

（5）1.85:1--例如：《蝙蝠侠》、《芝加哥》

（6）2.35:1——这个比例通常用于大片或史诗片。例如：《魔戒》、《星战前传》

（7）2.4:1

（8）2.75：1--特殊画幅

一个电影的长宽比的选择能反映很多事情，每一部电影都有导演这样选择的原因，长宽比最终呈现出来的画面效果又直接影响了电影画幅和观众的观影感受。

电影画幅对于影片叙事影响容易被忽视，实则与创作息息相关。

无论从早前的胶片电影到现在的数字电影甚至以后的VR电影，伴随着技术的变革与观影习惯的更新迭代，画幅作为技术的一种在电影中的使用也日趋成熟多变。  

越来越多的导演开始探索多样的电影放映尺寸，从标准放映尺寸到近年来用画幅变化展现人物内心，不仅代表了导演的创作思路和表达方式，更加体现了电影技术的多元化和融合力。电影创作者们也不断从原有的创作习惯中跳脱出来，在标准画幅的基础上，结合情感张力和叙事效果对画幅尺寸进行一定的修改，使得画面的重心放在不同的侧重点上，并以多种形式参与到电影叙事及艺术创作中去。

而其中比较特殊，属于实验玩票性质的有2014年的小众电影《lucifer》和2016年《我不是潘金莲》，《lucifer》全片采用了圆形画幅，导演专门跟布鲁塞尔大学研制了一种拍圆形的镜头，但并未像《我不是潘金莲》一样避免了特写镜头，这是画幅形状参与电影叙事。

除了圆形画幅，大多数画幅变化的电影还是只是调整了画幅的长宽比.比如在贾樟柯2015年的《山河故人》里，随着三个年代的不同也就是1999、2014、2025

画幅从较窄的4:3到比较流行的16:9，再到主流大片最常采用的2.35:1

清楚了之前的概念，我们再学习一下什么是电影画幅？

电影中的画幅指的是电影放映时所看到的画面的大小，常用画面宽高比来定义，也就是画面宽度与高度的比值。

1839年，达盖尔发明了银版照相术，但由于这种技术的感光速度过慢，只适合拍摄静物，直到伊斯曼·柯达的创始人乔治·伊斯曼发明出新的胶片，随后才经过研制成为我们常用的电影胶片。  而爱迪生研究的第一台电影活动放映机所使用的胶片尺寸为12.7mm，在之后改进的第二台机器上，伊斯曼配合他制作了更宽的胶片，即35mm胶片。卢米埃尔兄弟在爱迪生研究的基础上沿用了市面上的35mm胶片，随后便使得这一规格的胶片得到广泛应用和迅速普及。并在1925年法国巴黎国际电影会议上，正式确定了电影胶片的标准宽度为35mm，图像宽高比为1. 33：1，即4：3。

在电影发展的早期，胶片的标准尺寸就是4:3的，符合“黄金分割”比例，视觉效果比较好。许多绘画作品也采用了这个比例。  这个比例的诞生与爱迪生也有些关系。在胶片时代，爱迪生实验室的摄影师威廉·迪克森用 35mm 的胶片设定了 4 尺孔高的图像，图像宽高比即为 4:3。  

1909年，爱迪生所控制的电影专利公司宣布 4:3 的画幅比为今后所有美国拍摄和上映电影的标准。之后的电视节目和早期的计算机屏幕也沿用了 4:3 这一经典比例。  与 4:3 的比例类似的是 1.37:1 的画幅比，当时因有声电影的发明，需要在胶片的一侧记录音轨，这使得宽高比有了一定的改变，这个比例又被人称为学院画幅。

16:9是高清电视的国际标准，那时的高清电视或者网络视频也多为 1920×1080 的分辨率。  这个画幅比处于 4:3 和 2.35:1 之间，基本上所有画幅的电影都可以比较好地展现出来，所以也很快成为了影视作品发行 DVD 和蓝光光盘时的默认画幅比。  现在，16:9 也成为了流媒体视频的首选画幅，不管你是在电脑还是高清电视上观看视频，都能获得比较舒适的观看体验。

2.35:1实际上是把 4:3 的比例进行了 3 次方，这个画幅比能获得更宽的横向视野。  

宽银幕画幅诞生于20世纪 40 年代，当时的院线为了与电视机竞争，纷纷推出了宽画幅的电影，这种画幅比能获得更大的视野，与人眼平时的视野更接近，在电影院观看的时候也很容易获得沉浸感。  

除了2.35:1这个变形宽银幕标准画幅比之外，有的导演还会选择 2:1， 2.75:1 等特殊画幅比来拍摄。  

确定电影的拍摄画幅一般来说是电影前期筹备阶段时摄影指导与导演讨论的首要问题，直接影响电影的整体风格与摄影美学。目前常见的电影画幅长宽比有两种2.35:1和1.85:1。除此之外，还有其他很多略微有些出入的长宽比如2.76:1, 2.55:1等。

大部分老电影的长宽比都是1.37:1的画幅，俗称“学院派比例”，类似4:3的一个方块，如1953年的《罗马假日》。     

近年采用这种老式画幅的有2013年的电影《修女艾达》，担当摄影的是大名鼎鼎的卢卡斯·扎尔（Lukasz Zal）。

20世纪初创作的电影大多使用1.33的画幅比，如1915年格里菲斯拍摄的经典电影《一个国家的诞生》。直到1927年有声电影出现后，电影画面宽高比才逐渐调整为1. 37，因与1. 33相近故也称为4：3比例。     

“学院比例”作为标准被美国电影艺术与科学学院定义为标准画幅，成为好莱坞以及全世界最常用的画幅比。 由于好莱坞电影在全球的影响力，学院比例很长时间内都是国际上认可的画面标准，并一直延续至50年代。  

在1950年之后，因为电视的大量普及，观众在家也可自行收看电影和影像，不再愿意花钱去电影院看电影，此后才有了更多中形式画幅比的探索和创造。  

我们现在常见的画幅比主要分为“普通银幕电影”和“宽银幕电影”，普通银幕电影主要指的是放映时银幕上投射的画面宽高比为1.33:1或1. 37:1，宽银幕电影又分为宽胶片宽银幕电影、变形画面宽银幕电影、遮幅电影。     

宽胶片宽银幕电影就是用70mm电影胶片直接摄制而成的宽银幕电影，画幅宽高比为2:1。而变形画面宽银幕电影的原理是先用变形镜头进行拍摄并在胶片上留下变形的影像，在后期放映时需用“反变形镜头”将其恢复成拍摄时原本的样子，这种宽画幅电影的画幅比为2. 35:1，如1962年的《安托万与科莱特》。     

而遮幅电影又被电影业内人士称为“伪宽电影”，这种画幅的电影并不是用变形宽幅电影系统的方式拍摄而成，而是用35mm摄影机和与之相对应的电影镜头进行拍摄，之后人为的在摄影机镜头前加上遮挡框格，就能使画面宽高比被遮挡成1.66:1至1.85:1的宽高比。

下面，我们以鬼才导演韦斯·安德森、贾樟柯和泽维尔·多兰为例，探讨画幅对电影创作的影响及其摄影美学。

韦斯·安德森

韦斯·安德森喜欢在自己的作品中用电影画幅大小的变换来表达影片中人物的情绪，在《布达佩斯大饭店》中，韦斯·安德森用画幅的不同来表现影片中穿插的不同时间线。不同尺寸的画幅以交替方式叙述时空，电影由四层结构的套层故事组成，导演用不同的画面比例代表不同的时代，使电影的时间线索清晰明了，时空设计上别有一番新意。

第一层时空即为影片开头，女性捧着一本名为《布达佩斯大饭店》的书，前往公墓看望这本书的作者，当时的时间点直指八十年代，画幅比为1.85:1。     

第二层故事发生在1968年，描述作者与Zero相遇的故事，使用16:9画幅比表现。     

第三层故事是1932年，Zero讲述自己年轻时与布达佩斯大饭店的故事，使用1.37:1的经典画幅比例。由于近似正方形的画幅能够为角色的头部以上预留更多的空间，也能让两个以上人物出现时画面显得更为紧凑，更好的展现导演需要的多种可能性。     

影片层层递进，不同时空不同画幅的变换，带给观众的不仅是一种身临其境之感，更能通过镜头画幅的变化给观众以不同的观影感受，导演的创作意图和对情节递进的把控十分精确。

贾樟柯导演的《山河故人》，透过不同比例的画幅影响电影本身的含义和内容表达。

《山河故人》是用画幅宽高比辅助电影叙事的一个很好的例子，贾樟柯导演利用画幅比例的变化区别出了影片中故事发生的年份，即1999年、2014年和2025年三个年份。根据时间线引导的过去、现在和将来，画幅尺寸也由4:3到16:9再到21:9。根据上文所阐释的不同时代的经典画幅比，这三种画幅同样代表了当时年代里重要的画幅应用的尺寸。为了增加影片对过去的怀旧之感，导演甚至运用了当年的影像，并且使用一些老式的DV机进行拍摄，借此形式最大程度恢复当时那个年代的气质和风貌。             

在第二个时间线即2014年，由于故事发生的时间与我们的生活十分贴近，所以在画幅的运用方面也使用了我们最熟悉的16:9的宽高比，这种画幅尺寸恰好符合我们现在的视觉观影习惯，在时代感与距离感方面与观众更为接近。从九十年代4:3的画幅到如今16:9的画幅，画面比例越来越疏离，也预示着情感的波动和走向。             

到了第三个时间线即2025年的未来世界，导演用宽画幅表现了未来的时空以及未来主角们的命运。那时移居澳洲的父子远离故乡，故乡的语言已经成为一种无法找回的记忆，Dollor与自己的故乡——那个汾阳小城失去了根基和联系。Dollor与自己的家乡隔着一片太平洋，也是新时代的海外国人与家乡深深的眷恋与分离的矛盾之感的写照。                 

在泽维尔·多兰的作品《妈咪》中，则更加直观的运用了电影画幅的变化来表现主人公内心丰富多变的情感。一组在银幕上将画幅拉开的场景带给观众不小的震动，原来画幅比例可以如此简单明了的展现情感，而并非以隐喻的方式让观众捉摸不透。

第一次变化是真的惊到了每一个观众，就像是电影语言一种新的修辞手法，当年戛纳放的时候，这个镜头一出来全场起立鼓掌5分钟，可想而知其情绪上的感染力是多么强大（大概在一分五十秒的时候展开）

第二次展开是妈咪陷入幻想的一段

虽远不及第一次惊艳，但当画幅收回，幻想之外的儿子的声音传来，猛然拉回如正方形画幅一般的逼仄现实中，雨声、红灯，我看到这里的时候心情顿时低落到了谷底，不得不说泽维尔·多兰真的很厉害

在影片中，中年单亲妈妈与儿子之间的关系一直存在隔阂，情绪表现十分压抑，为了表现人物的焦躁感和憋闷感导演此时用了宽高比为1:1的正方形，使得人物与人物之间的情绪更加紧凑，带给观众对压抑氛围喘不过气的直观感受。而随着故事发展，母子关系趋于稳定和融洽时，主角则亲手将逼仄的画幅拉到1.85:1的宽幅画面，使观众能够身临其境的感受到主角此时豁然开朗的心境，也是妈咪对于儿子未来生活的美好想象。

这一举动并非多兰为了标新立异或者博得观众眼球，而是立足于剧本故事情节以及主角的情绪爆发点做出的具有表现力的客观决定。这种改变画幅用以渲染感情的手法，不仅将叙事效果提上了一个台阶，更将情感融合的更为直观更容易被观众接纳。

侯孝贤导演的《刺客聂隐娘》同样使用了不同画幅比的变化来为情节和人物服务，画幅宽高比为1.41:1。这种镜头虽然并非当下常见的电影输出格式，但对于侯孝贤来说，这种画幅“拍人的时候很漂亮，七分身或全身，也不会太宽”，符合影片电影美学的设定，所以画幅多采用这一尺寸。只在部分情节需要时，如公主抚琴的片段考虑到琴身的长度与画面的美观将画幅比变为了宽幅的1.85:1，同样是为角色和叙事情节服务。  

不仅是画幅比例的应用，画幅的形状也将在未来发挥更具创意的表现。比如冯小刚导演的《我不是潘金莲》就以圆形构图形成了对于“无规矩不成方圆”的探讨，圆形头图也包含一种窥探的意味，不仅使画幅参与到叙事和情感的表达之中，更体现了导演的哲学理念和表象隐喻。     随着李雪莲去了北京，画幅变成了正方形，以此表现权力中心地的“规矩”。电影中除了圆形画幅和方形画幅的切换，另有宽银幕画幅的尝试，对于这样一个荒诞不经的寓言故事，不同画幅的使用为隐喻式的表达提供了更多的可能。

圆形画幅本身带有一种不符合现实之感，当圆形画幅中所有带有隐喻和执念的故事散去，最终才变成了更贴近我们观看习惯的方形构图，导演用画幅讲述当雪莲最终放下执念，生活继续回到正轨。

关于画幅在电影中的运用不胜枚举，不论是展现人物特性或是描绘宏大场面亦或是为了情节发展服务，很多大导演如昆汀·塔伦蒂诺在《八恶人》中的画幅应用同样也表现了导演的个人风格和表现方法，采用的宽高比为2.76:1。    

随着时代的审美和技术的进步，每个时代都有其代表并适应的画幅比例，而对于导演和我们观众来说，学会了解画幅才能更好的去明白导演的创作意图，更全面的学会拉片，技术性的去看电影……