如何拍出电影画质

A. 如何拍出如同电影效果的摄影照片

电影画面本身讲究层次丰富，尤其丰富的暗部细节。这个画面前景虽然黑，但控制在宽容度以内，层次丰富，画面信息量很大。甚至可以看到大衣背后的褶皱。当然这靠的是灯光，和摄影师对曝光的控制。

B. 电影的画面是怎么拍出来的

一部电影镜头的运用有多重要，如何跳出定势思维？

朝日传媒给出了更多关于电影镜头的思考。

《天使爱美丽》(2001) 剧照

朝日传媒

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C. 怎样布光才能将电影的画面拍出油画的质感

创造“油画感”不仅仅是布光就能够达到的，调色也同样重要，所以感觉也不算答非所问。《透纳先生》精致的影像是Dick和他的团队共同努力的结果。研究和制作调色板的方法，调色板最终会作为电影的重要视觉参考之一，并用来制作现场监看的LUT。讲解关于LUTs的制作步骤，希望这有助于大家更多的了解调色技术。已经有许多关于透纳用色习惯的学术研究，其中包括Tate美术馆所做，关于透纳在不同时期的用色倾向的一系列有趣的研究。影片中确有一组镜头再造了透纳先生的一副油画（《被拖去解体的战舰无畏号》，1838 ），但摄影师Dick Pope更倾向于通过电影影像传达出原作的气质，为此，他试图找到一种方法，在电影中使用和透纳画作中相同的色调和颜色进行调色，而非如实再造透纳的画作。准备开始之前，我，第一摄影助理Gordon Segrove(AC)和数字影像工程师Peter Marsden(DIT)（他们在自己的领域都是极富天赋的摄影师）剖析透纳的画作。我们参加展览，查阅书籍并多次访问英国Tate美术馆。Gordon特别仔细地研究了透纳对色彩的运用。Gordon写到：“透纳将黄和蓝作为他主要的两种互补色，在高光处使用暖黄，在阴影处使用蓝色或蓝绿色。事实上，据资料来看，这种色彩倾向似乎是因当时所能获得的颜料导致的。透纳对这两种互补的颜色的使用很好地坚持了调色理论（color grading theory），例如,如果你在高光处添加了黄色，在阴影处添加了蓝色，改变了亮部和暗部的色调，改变了人物周围的世界但是人物的肤色的色调还是一样的（这就是为什么调色70%的工作就是把人物的肤色还原）。

D. 如何拍出比电影画面更带感的风光大片

风光摄影的关键在于细节，你的照片中细节越丰富效果就越好。细节和景深都随曝光时间的延长而增加，因此要尽量用小的光圈值，这会减少进入相机的光线，在曝光中拥有更大的灵活性。

采用低感光度（ISO 100 左右）也能达到同样的效果，需要注意的是，并非所有光线条件都适合。

同时，降低快门速度将会增加细节和景深，延长曝光时间也有其自身的风险。哪怕是手法最稳的摄影师在快门速度为1/125秒时也会拍出模糊画面。

所以干脆跳过这件让人头疼的事，直接把相机放在三脚架、沙袋或者平整的石头上。如果你的快门速度较低或相机上装有闪光灯，也可以考虑用快门线，这样便可防止因按快门时手抖而破坏画面了。

拍一个空荡荡的房间却没有窗户是不是很乏味？风光照也是同理——它需要一个主题为画面增添趣味。无论你拍什么类型的风光照，画面中都要有一个焦点。

也许听起来有点儿怪，可单纯地将相机对准一座山，机械地按下快门并不能拍出好作品，想想每张照片中的故事，对着照片试着讲出来。
很遗憾，作为风光摄影师，你并不能随心所欲地去安排一个完美镜头或自行创造出完美灯光。你必须同很多不可控因素共处，趋利避害，为己所用。

清晨跟黄昏时刻拍出的照片必然大有不同，窗外美丽的雷雨并不会因你的犹豫而多停留片刻。要想拍出精彩的风光照，最好将你的装备放在门边，一旦美丽的景象出现了，你就可以第一时间拿起相机去拍摄。

拍风光照还需要抓取有趣的拍摄点，这听起来似乎很奇怪。事实上，风光摄影需要巨大的耐心，风光摄影师在某一时刻抓拍到的镜头往往不会再重演了，所以全副武装，等待完美时刻的到来吧！

E. 5d2怎么设置才能拍出电影质感

有插件必须安装才可以，也可以在PS自己制作。 （精选）75种佳能单反照片风格档+6种新增风格+萤石3种.

F. 用DV拍摄的画面，如何用后期非编软件制作出电影画质 比如这个视频，具体如何设置

用DV拍摄的画面，在阳光充足的情况下和DVCAM摄制的画质差别不是太大（尤其是在电视里观看）。
颜色不行这是单CCD和3CCD重要区别，它们之间没有可比性，也没法比……。
拍摄之前一定要根据拍摄的题材、内容、现场光的照度（光线不好还需要打灯光），准确调整摄像机的各项参数，达到准确无误。
后期采集所用的采集卡也非常重要。好多学生出于经济原因，花几百块钱随便买一款凑合能用，这是导致画面质量不高的直接原因，做一部小片，需要N倍时间。但他们并没有认识到这是卡造成的。
在采集设置中,最好是AVI格式保存。
在视频滤镜中也真能调整一些参数，但“为时已晚”，不能解决根本问题。
由于我是用字幕机上网，对你推荐的“作品”无法观看（太慢），只能把自己在工作中所遇到的，和学生遇到的问题主观的给与解答，仅供参考。

G. 用照相机如何拍摄电影画面

如果想用照相机拍摄下电影某一个画面，关键是如何选择照相机的快门速度。

电影胶片并不是连续的，一般每秒钟放映24张画面，由于人的视觉暂留，才不会感觉有中断。因此，在用照相机拍摄电影画面时，必须选择合适的快门速度。不能太短，也不能太长。一般选择1／50秒(或1／60秒)。在这一瞬间，电影只放1～2个画面，能够被比较清晰地拍摄下来。

若选择1／1200秒，1／500秒，就有可能正好摄取了画面经过半格的位置，得不到完整的画面。如果选择1秒、2秒，必然把许多画面的内容重叠起来，造成画面模糊不清。

在可能的情况下，可以实践一下。

H. 微电影中小清新画质是怎么拍出来的，就是画面很美，要怎么后期编辑处理，还是就用机子拍出来的

由于你的机子抵不上专业的摄像机，所以还是有一定的差距的。
要想有好的画质，首先要拍摄技巧好。这里首先讲拍摄的。
1.灯光：要使你的DV作品具有电影效果灯光是最重要的一环，很多作者不重视灯光就以现场的光效为主或是完全应用现场场景光效。这样做虽然省事但不会得到好的效果。拍摄前，应该有足够的灯光设计，在现场需要制造更分明的光效层次。但我想你也没有条件。
2，你机子的设置：因为24格拍摄和快门速度的问题，电影看起来相对比较“模糊”，要仿效胶片的效果就将你机器快门速度调整为1/30秒。这样也带来显而易见的缺点，你的画面运动可能会产生明显的拖边。
3‘你的构图：可以网络一下。
4，拍摄技巧：
常见的摄像技巧有推、拉、摇、移、跟、转、虚、晃和甩。

推 推镜头是画面的构图由大范围景别向小范围景别连续过渡的拍摄方法。推镜头具有一定的强制性。它引导观众去看什么，以引下文。推镜头的结束的画面应该是观众感兴趣的景物。

拉 拉镜头与推镜头相反，是画面的构图由小范围景别向大范围景别连续过渡的拍摄方法。拉的技巧可用于从局部引出全局，由个别到整体，有总结收场，概括归纳的表达功能，并有一种稳定的趋向性。

摇 摇镜头是保持摄像机位固定不变，摄像机景别不变的情况下，改变摄像机拍摄的轴线方向的一种拍摄技巧。分上下摇、左右摇，以及上下左右相结合的复合摇摄。摇摄方向要依画面内容、物体运动和相关镜头剪辑规律确定。运动速度要考虑观众是否可以看清画面内容和内容节奏确定。

移 移就是边移动边拍摄的技巧。它又分横移、纵移、垂直移和同步移。比较推、拉、摇镜头，移更能有效地表现空间和灵活地进行场面调度。

跟 跟是以摄像机镜头紧随运动着的人或物进行拍摄，移动方向、幅度与被摄体始终保持一致，景别和角度都不作大的变化。

转 转的技巧形式有两种，一种是拍摄时摄像机以镜头光轴为中心倾斜，得到画面中地平线倾斜以至转动的效果。另一种是利用广角镜头夸张透视感的特性，摇摄时产生的“转”动感。

虚 虚就是利用镜头焦距的变化，使画面中原来清楚的物体变虚，原来虚的物体变实。

晃 晃通常是为了适应特定环境，而故意晃动摄像机摄取画面的一种技巧（颠簸的汽车上，追捕逃犯等）。

甩 甩是用摄像机拍摄一段飞速掠过的幻影，什么也看不清。它实际上是用于处理具有内在关联或因果关系的镜头组接技巧

当然，这些都是前期拍摄的。如果拍的不好就会差一点。但你也可以对它进行调色。
你可以用会声会影调。很简单的。
里面有色彩平衡和各种色彩调节。
以下调色技巧工参考：
你也可以去仿效电影的色彩效果，应用其它的颜色来调整白平衡。这些常识大家也基本都知道，用蓝色来调整白平衡画面会产生橙或红色的色调，用粉色调整，画面会产生蓝色的色调。多试，找到你最需要的。

用白平衡调整色调的方法并不是绝对的，你可以创造一个暖调的金色画面去接近吴宇森的电影效果，也可以创造一个冷调类似冷漠世界的画面找到盖.里奇的感觉。加蓝使画面更冷调，加红会得到暖调效果。

色彩饱和度也是重要的一项，你可以不断调整饱和度去试出一个最好的结果。
应该就这些了。
希望能帮到你，高兴的话，给我多追加点，毕竟我码字很累啊，来点辛苦钱嘛！

I. 怎么把拍出来的视频看起来想电影效果一样

电影效果是很难做出来的，最多只能做成 近似的效果，电影都是花上百万的制作成本请专业团队制作。
建议lz去学学premier或者会声会影，后者更容易，可以到www.verycd.com上搜索相关，下载教程学习。关键是要多练，多琢磨才能出更好的效果