電影賓虛投資了多少錢

⑴ 關於史詩電影

史詩電影可說是隨著電影的興起而興起的，默片時代曾一度涌現了大量史詩片，眾多電影大師身體力行，其中格里菲斯拍攝的《一個國家的誕生》，就是史詩片中的不朽之作。愛森斯坦的《戰艦波將金號》、《十月》也都頗具史詩電影的格局。而到了上個世紀五十年代，史詩電影主要是為了抗衡電視的普及而復興的，當人們被電視所吸引，電影能將人們重新拉回到影院中的，唯有依仗豪華盛大的場面去打爭奪戰了。事實上，這一時期也正是史詩電影的黃金時代，自1953年首部寬銀幕影片《聖袍》誕生以來，地密爾的《十誡》、威廉·惠勒的《賓虛》、庫布里克的《斯巴達克斯》、大衛·里恩的《阿拉伯的勞倫斯》等一批「重磅炸彈」相繼問世，它們大都從聖經和古羅馬歷史中直接取材，以高成本大明星作號召力，一時來勢洶洶。這股史詩片熱的餘威一直延續到七十年代，其間人們耳熟能詳的佳作有科波拉的《教父》和《現代啟示錄》。

而進入八九十年代後，史詩電影漸趨式微，佳作更是寥若晨星，人們記得住的恐怕是貝爾托魯齊的《末代皇帝》，黑澤明的《亂》，此外還有《與狼共舞》和《勇敢的心》，有趣的是執導這兩部影片的特斯特納和梅爾·吉普森分別是演而優則導修成的正果。而到了近幾年，拜電腦特效和CG之賜，斯科特的《角鬥士》因逼真地再現古羅馬昔日的輝煌，使史詩片進入一個新的境界，至少人們知道，以後拍史詩片再不必勞師動眾就可再現千軍萬馬的壯觀了。隨後出現的吸引全球目光的奇幻史詩片《指環王》，已叫人難以分辨究竟是影片本身還是特效帶來了那份震撼。

3給史詩電影定義

史詩電影雖然人人都看過，但對於其認定歷來都是爭議巨大的，自電影誕生以來，誰也沒有為史詩電影的標准下過嚴格的定義，抑或一個硬指標。這也造成史詩電影認識的困難和概念上的混亂。人們對一部電影具有了宏大的氣勢和格局，都喜歡冠上史詩字樣，例如戰爭史詩、平民史詩。例如新近上映的《天地英雄》對於本片的屬性，就特別難以界定，有人說是武俠片，有人說是動作片，而該片的導演何平卻堅持認為這是一部不折不扣的史詩電影。

但是縱觀影壇上的經典影片，我們在認定一部史詩片時卻似乎沒有這樣的困難。例如《賓虛》、《阿拉伯的勞倫斯》、《斯巴達克斯》、《日瓦戈醫生》都毫無爭議地被一致公認為史詩電影中的佳作。即使一些有獨創性的影片，認定起來也無多少爭議，《2001：太空漫遊》是一部人類對於未來思考的史詩片，而非單純的科幻片；《巴頓將軍》是一部人和戰爭的史詩片，而非單純的人物傳記片。

這就可見史詩電影並非無章可循，它還是一把有形或無形的標尺。

首先它們必定有史的成份。但並不是說所有的歷史題材都能成為史詩電影，有人為此確立了一個時間概念，跨度一般不能少於10年，若能橫跨幾個時代就更好了。影片長度也不能太短，可以三五小時不等，但一般以二小時為宜。在這個長度里濃縮一個時代抑或幾個時代的歷史或事件，它可以「橫的移植」，也可「縱的移植」，可以展現人物群像，也可以在時代的大背景下凸現單個人的命運。

它必定是高投入的大製作。電影史上不少片廠往往將史詩電影作為「重磅炮彈」拋出，期望「一片救活一個片廠」，成功的例子便是《十誡》，當年投資1350萬美元，卻賺了近4300萬美元。但「成也蕭何，敗也蕭何」，「重磅炸彈」差點砸了自己飯碗的也大有人在，其中最著名的便是1963年拍攝的《埃及艷後》，投資為4400萬美元，票房僅得2600萬美元，使投資該片的福克斯公司賠了個稀里嘩啦，幾年都未緩過氣來。這就可見，史詩電影不是誰想拍就可拍的片種。

翻開奧斯卡的記錄，不難發現史詩電影也是小金人的寵兒，除了上面提及的大部分影片外，還有《亂世佳人》、《環游地球80天》、《桂河大橋》、《甘地》、《巴頓將軍》等影片均榮膺過最佳影片的桂冠。若論獲得提名的影片，則更是不可勝數。這是可以理解的，動作片難登大雅之堂，文藝片也是愈來愈「小眾」，而史詩片則兼具大眾性和傳奇性，再說製作者也是沒有功勞還有苦勞，評委怎麼也要投它一票了。

4著名的有:
<圓明園>
《勇敢的心》
《角鬥士》
《亞瑟王》
《華氏911》
《阿拉莫之戰》
《珍珠港》
《愛國者》
《拯救大兵瑞恩》
《最後的武士》
《邊城英烈傳》
《現代啟示錄》
《勇士傳奇》
《阿拉伯的勞倫斯》
《西部往事》
《亂》
《黑潮》
《賓虛》
《戰狼》
《美國往事》
《匈奴王》
《2001太空漫遊》
《英國病人》
《刺殺肯尼迪》
《十誡》
《埃及艷後》
《辛德勒的名單》
《墨西哥風暴》

⑵ 好萊塢電影發展史

好萊塢電影自誕生後不久就在國際上占據了重要的地位，時至今日已成為世界電影工業的霸主，活躍於世界的每一個角落。縱觀好萊塢發展史，好萊塢電影美學風格在上世紀的六、七十年代有一次較大的變化，在此之前可以稱為經典好萊塢時期，而之後則可成為新好萊塢時期。

第一次世界大戰結束以後十年中間，對於美國電影而言，乃是一個征服全世界的興盛時期。外國影片在美國兩萬家電影院的上映節目中已經完全消滅。在世界各國，美國影片占著上映節目60～90％的優勢，每年約有兩億美元被用來生產800多部影片。電影方面的投資超過15億美元，這樣大的資金使電影事業在美國成了一種大規模的工業，在資本上可以與製造汽車、罐頭、鋼鐵、石油、紙煙這些美國最大的工業相比擬。派拉蒙、勞烏、福斯、米高梅、環球這些大製片公司，支配著影片的生產以及全世界影片的上映和發行。它們和華爾街的金融巨頭如柯恩·洛埃伯銀行、通用汽車公司、杜邦·德·奈莫爾、摩根、洛克菲勒等密切地結合在一起。

自從格里菲斯失勢之後，金融資本家所重視的已不是導演，而是電影明星。後者成了製片公司的一種工具或者商標。從這時起，影片的真正主人是製片人，也就是那些被華爾街的銀行家所賞識與選定的企業家。電影導演和照明技師、攝影師、布景設計師一樣，只不過是每周領取一定報酬的受雇者而已。製片人利用解除合同這種暗中威脅的辦法，把導演過去所掌握的大部分實權，如對主題、明星和技師的選擇、劇本和蒙太奇的仔細推敲、布景和服裝的監督等等，全部奪取過去。

這樣一來，製片人便成了決定藝術成敗的一切因素的主人。他最關切的乃是怎樣多賺錢，他的董事會也只根據影片的利潤率來估量他的價值。因此攝制影片完全以票房收入為指導原則。他們對獨立的影評家的評論，滿不放在眼中，而事實上，這種影評在美國當時可說幾乎全未存在。

但製片人自己只在幕後指揮一切。在好萊塢露面的乃是電影明星，而「明星制度」也成為好萊塢征服世界的基礎。觀眾對電影明星的崇拜是用幾百萬張簽名的照片來維持的，廣告和宣傳在這些偶像周圍創造一種傳奇的氣氛。明星的戀愛、離婚以及他們所使用的化妝品、住宅、他們喜愛的動物，在某些國家成了一般人關心和津津樂道的題材。「明星制度」甚至使魯道夫·范倫鐵諾、瑪麗·璧克馥、道格拉斯·范朋克、格洛麗亞·史璜遜、華萊士·雷德、約翰·基爾伯特、梅·茂萊、瑙爾瑪·塔爾麥琦等人變成了真正被崇拜的偶像。

一些有名的宗教團體對這種競爭深感不安。清教徒對好萊塢展開了一起起攻擊，這些攻擊又因一些明星醜事的傳播（如：華萊士·雷德因吸毒和酗酒而身死，某一舞女在有胖明星亞布克爾參加的一次宴會上遭到了謀殺，以及某些明星曾犯謀殺或因戀愛犯罪等等），而變得更加猛烈。

此時資本家成立了一個名叫「美國製片人與發行人協會」的機構，這個機構是由一個虔誠的清教徒、共和黨領袖威廉·海斯負責組織起來的。按照海斯的說法，電影變成了旅行商人，「商品跟在影片後面，凡是美國影片深入的地方，我們一定能夠銷售更多的美國貨物」。

當好萊塢了解到這種國際使命時，美國某些明星扮演的人物也發生了變化。道格拉斯·范朋克在「三角影片公司」時曾幽默地扮演一個強壯、天真、樂觀、為女人所喜愛的美國英雄，但到後來卻在墨西哥的《佐羅的標記》、法國的《三個火槍手》、英國的《羅賓漢》、東方的《巴格達竊賊》及《黑海盜》中變成一個不可戰勝的大力士，一個無所畏懼和無可指責的騎士和保衛正義而且總是獲得勝利的人。隨著年歲的增長，范朋克日益喜好巨大的布景、極端的豪華和神秘的力量。

拒絕把自己附屬於明星的導演為數可說極少。隨著好萊塢的建立，電影先驅人物不是日趨沒落就是銷聲匿跡。托馬斯·英斯已經故世；麥克·塞納特雖然還在繼續攝制一些優良的作品，但他的聲譽卻並未因此增長；至於格里菲斯此時則正在逐漸走下坡路。標志格里菲斯登峰造極的作品，在美國乃是他的《一個國家的誕生》，在歐洲乃是他的《被摧殘的花朵》，在電影藝術方面則是《黨同伐異》。但是，商業上的失敗終於註定了格里菲斯的悲慘命運。這位被列入製片廠黑名單的偉大藝術家，在他以後殘余的二十幾年生命中，再也沒有機會導演一部影片了。好萊塢的拜金主義把它的創始人都毀滅了。

格里菲斯的沒落，正好和西席·地密爾的興隆形成鮮明的對照。後者的庸俗的商人氣息和浮誇的作風，成了好萊塢影片四十年以來的特徵。他拍了各種樣式的影片，從浮華喜劇《男性和女性》和其他由格洛麗亞·史璜遜主演的影片，一直到場面豪華的反蘇宣傳片《伏爾加的船夫》和反對無神論的鬧劇片《不信上帝的少女》（片中有對兒童監獄的傑出描寫），凡是能夠賺錢的影片，他都加以攝制。地密爾最成功的作品是一些帶有濃厚游藝場氣氛的大型片，在這些大型片中，地密爾除了取材於聖經上的故事以外，還加進了一些色情的描寫。好萊塢給他一筆格里菲斯所得不到的資金來攝制場面浩大的影片《十誡》和《萬王之王》。地密爾由於承襲了義大利電影的老傳統，結果成了最能賣座的商業性影片的導演之一。弗萊德·尼勃羅模仿他的例子，替高德溫和梅育拍了一部叫做《賓虛傳》的巨片，這部影片花去了600萬美元的攝制費，雖然風行一時，可是收入卻不過400萬美元。

好萊塢這個驟然之間交了紅運的城市，具有暴發戶們的那種低級趣味，他們建造的豪華的別墅，硬把羅馬的露天劇場和洛可可式的堡壘，天主教的大教堂和摩天大樓結合在一起。這種建築上東拼西湊的誇張趣味連同那種說教式的象徵趣味，在根據勃拉斯哥·伊巴涅茲的原作改編的影片《啟示錄四騎士》里表現得最為突出。這部由雷克斯·英格蘭姆導演、使范倫鐵諾因此成為明星的超級影片在上映收入上打破了紀錄。英格蘭姆在其他影片中——例如在無聲電影末期他將結束電影生涯時在尼斯攝制的那些影片中——也顯示出這種講究形式的作法。

好萊塢在成為國際上的強大勢力以後，它攝制的題材也變成國際化了。在它最賣座的無聲片中，以美國為背景的為數很少。在這些影片中，只有詹姆斯·克魯茲導演的那部極著名的《篷車》直接取材於美國歷史，是一部歌頌開拓西部地區者的史詩。 西部片由於托馬斯·英斯和W．S．哈特的功勞，曾提高到藝術的水平，但此時的西部片，除了象約翰·福特的《鐵騎》這樣極例外的影片以外，又變成了一種廉價影片的同義語，由一些專門迎合平民觀眾的導演和無名的演員粗製濫造地攝制出來。美國電影這種「失去本國特性」的傾向成了極其普遍的趨勢。亨利·金雖然還能按照托馬斯·英斯和格里菲斯的傳統，導演了一部完美的、描寫美國地方生活的影片《孝子大衛》，可是人們不但不鼓勵他沿著這一方向前進，反而導使他去攝制一些流行的言情小說（如《史泰拉恨史》），或者象他以後在羅馬攝制的那些影片那樣，向著義大利那種場面巨大的影片方向去發展（如《羅莫拉》、《白修女》等）。

由於金融資本的國際聯合、審查制度的嚴格、流行小說被有系統地搬上銀幕、明星制度、專為賣座的打算和製片人的拜金主義這些原因，使得美國電影藝術日趨貧乏，這種貧乏和物質的豐富相形之下，顯得更為突出。但美國電影中至少還存在著一個作品豐富的喜劇學派和幾部例外的作品，這些影片幾乎都是由外國籍的導演攝制出來的。萊昂斯·彼雷給美國人培植了對浮華喜劇的愛好，加斯尼埃則是系列影片的創造者之一。除這兩人以外，還可以舉出肖塔爾、阿爾倍·卡普拉尼，以及協助卓別林導演《巴黎一婦人》的阿巴迪·達拉斯特。

1920年以後，好萊塢為了打倒它的競爭者，大量吸收外國籍的優秀導演和演員前往美國。 莫里茨·斯蒂勒帶著葛麗泰·嘉寶來到美國。但他專門為從德國來的演員波拉·尼格麗和強寧斯導演影片。他導演的《帝國旅館》和《罪惡之街》這兩部影片，無論在藝術上或商業上來說，都不是很成功的作品。與斯蒂勒相反，嘉寶在美國卻大走紅運。這位著名的女悲劇演員，確實是好萊塢一棵搖錢樹，同時也給好萊塢的攝影棚帶來了藝術。廣告宣傳使嘉寶成了傳奇式的人物。她所主演的影片片名本身就具有一種宣傳性質，如：《誘惑的女人》、《肉與魔》、《仙女下凡》、《神秘夫人》、《野蘭花》、《接吻》等等。她在傳奇式的故事中表現了歷史上最著名的多情女子。

除了嘉寶以外，斯堪的納維亞半島的移民，對好萊塢幾乎沒有帶來什麼貢獻。但從德國來的移民，特別是斯特勞亨、劉別謙、馮·斯登堡，卻對美國電影有很大的貢獻。歐洲電影的示範作用，使幾個美國導演傾向於攝制一些藝術性超過商業性的影片。他們之中有幾個確實達到了藝術的水平。有聲電影興起的前夕，美國出現了一批有才能的新電影導演，這些導演在某種程度上開始接替了先驅者的地位。

好萊塢在它歷史上最繁榮時期，它的電影先驅者和歐洲最偉大的電影藝術家，與其說是加以利用，毋寧說是加以排斥。隨著好萊塢的世界霸權的建立，它大部分生產就陷於毫無意義和追求豪華場面的停滯局面。

1927年10月23日，阿蘭·克勞斯蘭德攝制的有聲響、對白和歌唱的《爵士歌王》的第一次上映，標志著電影已進入了它的歷史的一個新時代。有聲技術的運用使電影中復雜的敘事與流暢的對話成為可能，這一切促成了經典好萊塢電影濃重的戲劇化風格。同時這種風格也符合當時的製片廠制度。由好萊塢巨鱷麥克•塞納特創造的製片廠制度客觀上要求電影必須以迎合最廣大觀眾的審美需求為目標，而傳統的被大眾所熟悉的戲劇化美學觀顯然是最好的選擇。類型電影在這樣的背景下應運而生。這些被克拉考爾稱為迎合觀眾「深層集體心理」的影片，通過程式化的情節、類型化的人物，迅速占據了觀眾的視野，科幻、歌舞、犯罪等形式的類型片得以在世界影院中大行其道。

西部片作為最「美國化」的類型片在經典好萊塢時期佔有重要的地位。西部片頌揚、推崇那種粗獷的個人主義和適者生存的精神，體現著善必勝惡的道德理想，因而在美國影壇上長盛不衰。弗雷德•金尼曼拍攝於1952年的《正午》就在很多方面體現了西部片的特徵，或者說是體現了經典好萊塢時期影片的特徵。 然而，《正午》雖然在很多方面有著經典好萊塢的影子，但它決不算是一部地道的經典好萊塢電影。事實上這部拍攝於1952年的影片在好萊塢發展史中扮演著新舊兩時期轉折點的角色。《正午》中最明顯異於傳統好萊塢影片的莫過於對凱恩這個形象的塑造。傳統西部片中的英雄形象往往代表著絕對的正義與公理，而凱恩在影片中卻處在一個尷尬的境地。由於小鎮居民不肯幫助這個曾經保衛他們的警長，使得凱恩的對立方不僅是惡棍，甚至還包括了小鎮居民。影片對凱恩作了大量的心理描寫，他開始思考自己的立場與行為，思考自己的何去何從。《正午》中塑造人物避免了過於類型化，對以往的警長形象也有了一定地顛覆，影片還放棄了西部片一貫的大團圓結局，選擇了凱恩扔掉警徽離開小鎮作為結束，增強了故事的客觀性。

《正午》拍攝於1952年，而這恰是好萊塢黃金時期剛剛結束的時間，好萊塢隨之進入了一段困頓的低潮期。直至上世紀的六、七十年代，隨著西方社會後工業化、後社會化的愈演愈烈，新的社會藝術思潮泛濫。這些新思潮激盪著人們的思想，改變了人們對於藝術的欣賞取向和接受程度。電影的觀眾群體也發生了變化，經典好萊塢時期電影的風格已不能滿足他們的觀影需要了。四十年代的義大利新現實主義運動和五十年代的法國電影新浪潮沖擊和影響了當時的美國影壇，加速了好萊塢電影的變化。於是以亞瑟•佩恩的《邦尼與克萊德》為代表的一批「新式」的影片應運而生，也拉開了新好萊塢時期的序幕。

新好萊塢時期描寫人物的典型手法是，影片中的主人公不再是善惡分明的類型化人物，而是具有更加復雜的內心世界。新好萊塢注重人物的立體化與心理化，增加了影片的層次與深度。新好萊塢電影的敘事特點，即在繼承好萊塢善於講故事傳統的基礎上，將影片的故事納入到廣闊的社會背景中，為影片融入真實性與社會性，使好萊塢電影較之以前更加具有社會意義與深度。

新好萊塢電影還受到歐洲電影的深刻影響。商業電影藝術化、藝術電影商業化成為這一時期電影發展的一個趨勢，許多歐洲藝術電影的處理方法被用於好萊塢電影中。

從經典時期到新時期，電影在好萊塢這塊土地上經歷了半個世紀的演變，無論是故事結構還是人物形象或是觀念意識，都發生了巨大的變化。經典好萊塢時期的一套手法在當代已不能滿足觀眾的需要，而更善於適應社會時代需要的新好萊塢電影卻悄然占據了觀眾的視線。

從70年代到80年代的過渡時期，新好萊塢完成了自己的使命。近10年的時間，美國每年生產200部左右的影片，電影與電視爭奪觀眾的競爭已達到平衡。電影保持著10到12億的觀眾，並且有了自己的越來越廣闊的海外市場。據1993年的統計證實，美國電影國內票房收入達52億，發行收入26億。視聽產品的貿易順差僅次於飛機製造出口業，為美國第二大行業。在全年世界銀幕上上座率最高的10O部影片中美國影片佔88部。

好萊塢電影通過自身的調整完成了向後工業時代的過渡，至今仍雄踞世界電影工業金字塔的頂端，顯示出其強大的生命力。通過對好萊塢的全面考察，有助於我們對日常生活中電影的思考，有助於我們對自己的民族電影的判斷。對一般觀眾來說，可以作為娛樂方式看待好萊塢電影；對電影創作者來說，可以學習好萊塢式商業電影獨特的藝術形式的規則；對於製片人來說，可以從好萊塢式的商業規則中，學習好萊塢的電影理念和運作方式；而對理論家來說，可以通過對好萊塢特性的認識反思的歷史和問題。考察好萊塢的電影史對於中國電影產業的發展，不可不說是有所裨益。

⑶ 個個票房慘敗，個個都是經典，有的因巨虧1.5億，導演鬱郁而終

很長一段時間，衡量一部電影的品質，常常以票房的高低為標准。

「票房決定論」導致了不少電影只顧跟風和營銷，反而拍出一大批爛片。

像《西遊記之大鬧天宮》、《捉妖記2》、《澳門風雲》、《小時代》，上映時賺得盆滿缽滿，但最終失了人心。

在皮哥看來，一部電影好不好，不在於票房有多高，而是能不能經得起時間的考驗。

在影史就有這么10部電影，上映時票房慘敗，如今卻被觀眾視為經典。

這十部電影的票房失利，也是影史上十個刻骨銘心的「悲劇」，十位導演中，有人甚至因此鬱郁而終。

—10—

《投名狀》

2007丨豆瓣7.5

《投名狀》是陳可辛「北上」後執導的第二部電影，也是陳可辛第一次導演古裝戲。

影片改編自清末四大奇案之一的「刺馬案」，講述了三個結拜兄弟從生死同心到後來自相殘殺的恩怨糾葛。

2007年，古裝大片的熱潮還沒有散去，陳可辛也瞅准這一時機，希望藉助這樣一部大製作樹立起自己的金字招牌。

在演員上，陳可辛找來李連傑、劉德華、金城武三位實力派「頂流」飾演三兄弟，僅李連傑的片酬就高達1億，還是友情價，更別說所有主演加在一起。

此外，影片從場景布置到服裝配飾都是重金打造，戰爭戲都是強調實景拍攝和「人海戰術」的運用，拍出了波瀾壯闊的史詩感。

尤其是片中的「舒城之戰」，為了拍出短短的十幾分鍾整個劇組花了二十多天時間，連每個群演的位置都經過了精心安排，最終呈現出一個足以載入戰爭片史冊的經典段落。

導演拍得用心，演員演得也很賣力，主演之一的李連傑更是憑借本片第一次拿到了金像獎的影帝。

但影片上映後不僅評價不高，票房表現也不給力，2.02億的票房與3億的投資相比無疑是巨大的虧損。

如今再看，《投名狀》絕對是一部佳作，《投名狀》的故事也不再是簡單的黑白分明，不僅講兄弟情，更是講人性復雜和政治陰謀。

尤其在當下古裝片「泛濫」的背景下，能做到故事性和深刻性的兼顧，實在難得。

—9—

《風語者》

2002丨豆瓣7.6

1993年，吳宇森到好萊塢發展，接連導演的《斷箭》、《變臉》等片連創佳績，也讓他在好萊塢逐漸站穩了腳跟。

尤其是2000年執導的《碟中諜2》以5.46億奪得當年的全球票房冠軍，讓吳宇森躋身好萊塢一線導演的行列。

可處於事業巔峰期的吳宇森，卻因為這部《風語者》扭轉了他在好萊塢的大好前途。

影片是一部以二戰為背景的戰爭片，尼古拉斯·凱奇飾演的軍官安德斯奉命保護印第安族譯電員亞茲，同時他也肩負另一個使命：一旦譯電員被俘虜，必須要殺掉他以防密碼被泄露······

第一次拍戰爭片，吳宇森大膽地把警匪片的手法運用到其中，用擅長的暴力美學風格將戰爭的慘烈展現得淋漓盡致，安德斯和亞茲的兄弟情也非常動人。

從陣容來看，有奧斯卡影帝尼古拉斯·凱奇坐鎮，再加上吳宇森之前幾部作品都得到了口碑和票房的雙贏，因此出品方米高梅公司底氣很足，給足了影片預算。

《風語者》製作費用超過1.2億美元，製片方不僅借用了大量二戰期間美軍的坦克裝備，還專門租下了一個面積4000多平米的私人牧場拍攝戰爭戲。

但影片上映後的結果卻讓人大跌眼鏡：加上北美地區，影片全球票房僅有7000多萬美元，賠得米高梅公司血本無歸，股價一度大跌，公司高層也因此引咎辭職。

吳宇森也自此走向下坡，之後導演的科幻片《記憶裂痕》票房表現也只是中規中矩，徹底宣告了吳宇森在好萊塢發展的結束。

但多年過去後，這部影片還是憑借品質重新贏得了大眾的認同，也在世界戰爭片序列中占據了難以撼動的地位。

—8—

《埃及艷後》

1963丨豆瓣7.8

上世紀60年代的好萊塢，正面臨著一場前所未有的危機。

當時的電影業正受到電視產業的猛烈沖擊，相比於到電影院看電影，很多人更喜歡躺在沙發上舒舒服服地看電視，電影不再是人們 娛樂 休閑的必需品。

為了挽回觀眾的大量流失，好萊塢的大佬們想出各種招數，比如斥巨資拍攝各種史詩巨制，用大場面、大明星吸引觀眾回到電影院。

1963年由福克斯公司出品， 約瑟夫·L·曼凱維奇導演的 《埃及艷後》，正是誕生在這樣的背景下，影片因為投資巨大也被稱為福克斯公司的「傾家盪產之作」。

當時好萊塢的頂級製作基本都是1000多萬美元的投資，但《埃及艷後》花了整整4400萬，換算到今天差不多就是4億美元。

天文數字般的費用換來了視覺上的極致震撼：影片的場景華麗奢靡，比如恢弘大氣的羅馬城和埃及宮殿，都是斥巨資實景搭建。

其中飾演埃及艷後的好萊塢女明星伊麗莎白·泰勒，在片中一共換了65套服飾裝扮，其中有一套衣服是用24克拉的黃金布料製作而成，光是這些服裝費就接近20萬美元。

原本指望影片能創造當年史詩片《賓虛》的輝煌，卻不想影片上映後只收獲2000多萬美元，一度讓福克斯公司徘徊在破產邊緣。

《埃及艷後》是一部恢弘的史詩之作，它帶來的不僅是視覺上的沉浸，更讓人對埃及艷後這一傳奇女性有了更深的了解。

從這一角度看，如今的《羋月傳》、《甄嬛傳》等宮廷「大女主戲」，其實就是《埃及艷後》的翻版。

—7—

《黑金》

1997丨豆瓣7.8

投資高達6000萬港元的《黑金》，算得上香港警匪片的一部大製作。

影片的導演和編劇，是被稱為香港影視圈「一代梟雄」的麥當雄、麥當傑兄弟倆，他們說服了永盛 娛樂 公司給他們投資，又找來劉德華、梁家輝主演，看得出兄弟倆對本片很有信心。

但影片上映後卻只拿到了1000多萬港元的票房，因為其對於中國台灣當地政治事件的影射，還被台灣方面列為「禁片」，也損失了不少票房。

平心而論本片的票房和質量並不成正比，它大膽揭露了台灣的不少政治丑聞，片中的黑幫仇殺、的士暴動、權色交易等在台灣當地都有跡可循。

此外，梁家輝在本片中的表演也是一大亮點，他飾演的周朝先將黑幫大佬的霸氣與狠辣，以及那份老練和沉穩都塑造得入木三分，鑄就了黑幫片的一個經典角色。

尤其是那句「誰贊成，誰反對」，隔著屏幕都讓人感受到強烈的震懾。

當然，影片票房慘敗還與檔期選擇有關，正好還碰上了火遍全世界的《泰坦尼克號》，無異於飛蛾撲火。

《黑金》票房慘敗後，導演麥當雄一時間心灰意冷，退出影壇來到內地經商，取得了不小輝煌。

—6—

《荊軻刺秦王》

1998丨豆瓣8.1

很多人都知道張藝謀的《英雄》開啟了中國電影的「大片時代」，其實早在1998年，陳凱歌已經在古裝大片上做出了嘗試。

對陳凱歌來說，《荊軻刺秦王》是他最有野心的作品，拍完《霸王別姬》後他就在籌備，一直到1998年才正式上映。

影片算得上是國內第一部真正的商業大片：陳凱歌不僅重建了秦王宮，還找來鞏俐、張豐毅、李雪健、王志文等一眾明星出演。

但影片在上映後觀眾卻根本不買賬，1000多萬的票房虧得一塌糊塗，影片一度也被雪藏。

當時人們對影片最大的爭議，是認為陳凱歌「胡編亂造」，隨意篡改 歷史 。

但如今來看，陳凱歌並不是毫無根據地改編，而是基於「人性」的角度，去呈現這場 歷史 上最著名的「刺殺案」。

比如李雪健飾演的秦王，人們知道他的偉大，他的殘暴，但對於他作為「人」的一面卻無法得知。

而《荊軻刺秦王》其實就是在挖掘這些 歷史 人物真實的人性，讓觀眾看的 歷史 背後的諸多可能性。

時至今日，影片得到了人們公正的評價，日漸高漲的評分就是最好的證明。

—5—

《銀翼殺手》

1982丨豆瓣8.5

《銀翼殺手》的導演雷德利·斯科特，是和斯皮爾伯格、馬丁·斯科塞斯等齊名的好萊塢大導演。

1979年，他導演的科幻片《異形》大獲成功，因此得到機會導演了這部根據菲利普·狄克的科幻小說改編的商業巨制。

影片的背景被設置在幾十年後的「近未來」，講述了銀翼殺手瑞克奉命追殺和人類幾乎一模一樣的「復制人」，在這一過程中和復制人瑞秋相識並產生情愫的故事。

特效上，影片延續了《異形》的精良質感，無論是泰勒公司金字塔式的玻璃大樓還是飛行器經過的巨大廣告牌，都是滿滿的 科技 感。

影片最終花費了接近3000萬美元完成製作，但上映後的票房也只有3000萬出頭，不少人更是視其為爛片。

但隨著 科技 的進步和發展，尤其是人工智慧、賽博朋克等名詞的火熱，《銀翼殺手》重新得到了人們的評估。

片中對於人類 社會 未來的暢想，對仿生人追求生命的思考，都讓整部影片不再是一部平庸的商業片，而是一個反烏托邦式的科幻寓言。

這其實正是以《銀翼殺手》為代表的一些商業片的無奈：想讓故事變得深刻，意味著要付出票房的代價。

—4—

《比利·林恩的中場戰事》

2016丨豆瓣8.3

2016年，李安用120幀+4K+3D的技術拍攝了一部反戰題材的故事，卻成為李安最慘的一次票房「滑鐵盧」。

其實在此之前，李安用《少年派的奇幻漂流》證明了3D技術的視覺魅力，技術與故事的完美結合也為李安帶來極高的聲譽。

但當李安把更先進的技術用於拍攝一個情節平淡的現實故事時，技術的噱頭顯然就大過了故事。

尤其是影片受制於120幀的技術要求，導致影片不僅票價昂貴，而且能夠滿足這一要求的影院也不多，所以很大程度限制了影片的票房。

影片在北美上映後票房只有慘不忍睹的100多萬美元，還是中國的觀眾更給李安面子，1.5億元的票房佔了全球票房的95%，但4000多萬美元的虧損也著實觸目驚心。

雖然票房如此之差，但影片仍有著8.3的高分。

其實拋開技術，片中對戰爭的反思，對於人性異化的思考，以及李安一貫對人細膩的心理描寫，也證明這其實還是一部水準之上的好電影。

—3—

《黨同伐異》

1916丨豆瓣8.7

上映於1916年的《黨同伐異》，是好萊塢最早的史詩大片。

如今影片早已被列入影史經典的行列，只要談到電影的 歷史 ，就繞不開《黨同伐異》。

影片投資250多萬美元，今天看來這個數字不多，但放在100多年前，這無疑是堪比《泰坦尼克號》的頂級大製作了。

影片的導演格里菲斯作為好萊塢大片的開創者，他的前作《一個國家的誕生》被視為好萊塢大片的起點。

因此拍《黨同伐異》，格里菲斯信心十足，他先是花巨款搭建了古巴比倫城，然後又開創性地把四個不同時空的故事交叉剪輯在一起，最後影片上映時片長足有200多分鍾。

但影片上映後，很多觀眾對影片的表現手法都看不明白，再加上影片時間實在太長，《黨同伐異》最終以20萬美元的票房成績慘淡收場。

《黨同伐異》的失敗不僅賠光了格里菲斯所有的家底，還額外欠下100多萬美元的債務，導致格里菲斯後半輩子都在還債。

晚年的格里菲斯生活十分凄涼，最後幾年都在病床上度過，最終在1948年因為腦溢血去世。

《黨同伐異》毀了格里菲斯的導演生涯，但卻為電影史留下一部偉大的作品，其超前的表現手法也啟迪了無數後來的電影。

—2—

《美國往事》

1984丨豆瓣9.2

和格里菲斯一樣，來自義大利的導演賽爾喬·萊昂內也是被票房毀了職業生涯。

到好萊塢拍《美國往事》之前，萊昂內早已憑借西部片「鏢客三部曲」震驚國際影壇，好萊塢因此力邀萊昂內到美國發展。

其實早在60年代，萊昂內就想拍這部黑幫題材的《美國往事》，這次有了好萊塢充足的資金支持，萊昂內終於可以實現心願。

不誇張地說，從籌備到影片上映，萊昂內醞釀了十幾年。

但影片在製作完成後，製作公司卻因為影片「時間太長」對其進行蠻橫的刪減。

原本229分鍾，完全可以分成上下部上映的影片，硬生生被砍成139分鍾，整個故事都支離破碎。

這版殘缺的《美國往事》上映後，不出意外招來一片惡評，最終票房也只有532萬美元，對照3000萬成本，虧損了近2500萬，按照當時匯率，摺合人民幣高達1.5億。

要知道那時候已經是1984年，那一年全球票房最高的影片是《捉鬼敢死隊》，狂收4.34億美金，相比之下，《美國往事》的票房幾乎拿不出手。

萊昂內因此大受打擊，此後再也沒有拍片，幾年後鬱郁而終，只留給了世界7部長片作品。

但好在多年後，《美國往事》的完整版在戛納電影節公映，贏得清一色的好評，也算是撫慰了一代電影大師的在天之靈。

—1—

《大話西遊》

1995丨豆瓣均分9.1

《大話西遊》的經典程度，想必已經不需要皮哥多言。

但影片在當年上映時，幾乎是清一色的惡評，被認為是「惡搞」經典的爛片，尤其在內地，上映後票房僅收獲40萬，成為周星馳票房最慘的作品。

《大話西遊》的失利著實讓星爺郁悶不已，他的彩星公司因此倒閉，導演劉鎮偉也暫時退出影壇前往加拿大。

但隨著互聯網的普及，以及後現代主義思潮的影響，《大話西遊》在網路上廣泛流傳，一時間成為大學生們熱議的焦點。

很多人開始用後現代主義解讀《大話西遊》，曾經的惡搞低俗成為無厘頭的典型標志，周星馳也就此封神。

而至尊寶和紫霞仙子無疾而終的愛情，成了讓無數人哭的稀里嘩啦的經典愛情文本。

這10部電影在上映時都遭受了惡評，因為票房不佳而被埋沒，但好在時間為它們「翻案」，讓它們重新得到觀眾的賞識。

讓皮哥欣慰的是，如今的觀眾不再盲目追隨票房，一部電影的口碑成了觀眾評判優劣的重要指標。

當衡量一部好電影不再單純以票房定論，中國電影才會有更美好的未來。

文/皮皮電影編輯部：阿志

未經授權請勿進行任何形式的轉載

⑷ 世界最燒錢的十部電影，哪部電影可以入選

拍電影毫無疑問是要燒錢的，不管是請演員，做特效，做道具還是什麼都要燒錢，而且數目不小，那麼現在來盤點一下世界十大燒錢電影！

1.加勒比海盜3-世界的盡頭

其實很多人都不會想到最燒錢的竟然是這一部電影，所以加勒比海盜很好看，但是也沒有想到，第三部這么燒錢，其實這部電影成本為3.42億美元，目前來說的世界之最，全球票房為9.6億美元。

2.埃及艷後

20世紀福克斯公司在上世紀六十年代投資的電影，幾乎把20世紀福克斯拖垮，投資了3.4億美元（1963年），全球票房僅2600萬美元，配得當了內褲都還不完錢。

3.泰坦尼克號

同為20世紀福克斯公司的電影，投資2.94億美元，全球票房18.3億美元，成為了票房冠軍，值了。

10.霍比特人：意外之旅

成本2.57億美元（2012年），票房10億美元。

⑸ 億萬片酬演員已降至四五千萬，影片製作大部分投入都花在演員上是真的嗎

我覺得在原來是真的。因為當時演員片酬太高，所以沒有辦法花更多的投資到影片上了。

電影中的特效也是一大亮點，好的特效相對來說，一定較貴。所以需要拍出來好電影，最重要的是把錢用對位置。而原來中國的電影，一直得不到發展，就是因為給演員片酬太多了，甚至有了千億片酬的說法，所以呢，在原來電影上的消費都不是特別多，人們也沒有特別支持電影。但是最近幾年控制了片酬之後，陸續續都有很多好電影出來了，所以人們都願意去電影院看電影。

最後在表明一下我的觀點。確實我認為原來演員花費太多了，以至於資金沒有辦法正確合理的使用到影片上。影片基本上沒有得到很好的製作。

⑹ 開一個電影院需要投資多少錢呢

設備（如放映機、音響等）的話前期投入差不多在八萬以上。
場地租金（小型400到800平方，一般要選擇在鬧區）一月的話差不多在兩以上。一年就是24W，一般都要付半年的租金也就是12W
人員工資：月800到1000，一般你要請三到四個人，也就是48000，這個可以先不算。
還有一些打關系，找資源等，也要花個四五萬。
工商管理，稅務登記、衛生費等，年估計在三十到四十萬。
也就是說你開小型的影院，前期硬體投入要在25W
然後：你一天24小時全天放映：每場放映時間2。5個小時。也就是說，一天可以放映八場。小型放映廳里有200個座位。
如果你每張票收費在五塊錢，而且每場至少有百份之五十以上的人觀看的話，你每天的可收4000RMB。一個月就是120000RMB，一年就是144W。
當然，你不要被這數字給迷惑了，以為很高。我們再算一比帳：你每天絕對會有大小場之分吧，而且不可能每場都有那麼多人，更不可能每個月里的每一天都是那樣子。另外你還要交稅，交管理費，等等四十萬，扣除人員工資5W，硬體維護：5W，扣除其他額外開支：10W，扣除你的前期投入：25W，樂觀的話，你一年的支出也就85W。

⑺ 好萊塢有這么多大片，但至今還沒有任何一部超過它

最近有一部電影叫做《賓虛》上映，也許你認為它只是一部普通的好萊塢大片，當然這樣理解也沒錯。

但我們換個角度來看吧，不要把目光局限在單獨這一部電影上，而是把所有版本的《賓虛》合到一起，那麼很容易得到一個結論：這是好萊塢歷史上最偉大的大片，它就是大片的定義，它是「the 大片」。

好萊塢有一個傳統做法，每逢技術革新、電影表現力大幅提升的時代，就要重新回去拍一遍聖經題材，以及古希臘古羅馬的故事。二十年代、五十年代都集中了這么一批電影，比如《十誡》。

《十誡》（1956）

最近五年同樣如此，大量的史詩題材故事被再次搬上銀幕，新版《賓虛》就是在這樣的背景下誕生的。

但《賓虛》仍然和其他那些宗教史詩故事不一樣，它擁有獨一無二的超然地位，這就要從頭說起了，因為它從小說，到舞台，到數個版本的電影，都寫下了各自的輝煌。

盧·華萊士

《賓虛》小說出版於1880年，當時默默無聞，過了幾年，突然爆發般流行，成為美國百年來第一暢銷書，用今天的話說，它就是一個大IP了，很多人想將這個故事改編成各種藝術形式。

最開始是舞台劇，不過要把如此宏大的故事題材搬上舞台並不容易，尤其是最後面的賽車高潮戲，令當時的舞台技術捉襟見肘，他們可不會像中國戲曲那樣以寫意的方式來表現千軍萬馬。

舞台劇版《賓虛》

再就是如何讓耶穌這個角色走向觀眾呢？那個年代的人們觀念中恐怕不能接受一個具體的人來扮演耶穌。聰明的工作人員想到辦法來解決這個困難，他們首先用一束光來代表耶穌，然後在舞台中央裝上一個大圓盤讓幾匹久經訓練的馬拉著車奔跑，也就略具意思了，只是馬畢竟不似人般聽話，也出現過米撒拉最後贏了賓虛的笑話。

盡管有這樣那樣的問題，《賓虛》的舞台劇在美國還是長演不衰，十多年間賺進幾千萬美元。

而《賓虛》第一次搬上銀幕徹底搞砸了，那是1907年，電影誕生不過12個年頭，各方面條件都還很不成熟，有人在沒有得到授權的情況下，拍了15分鍾的賽車場面，以當時的製作水平，自然不值一提。

下圖便是1907年版的《賓虛》。

是不是完全很糊看不清？看不清就對了，因為保存不佳，這部電影的原貌已經很難得知。

擁有版權的華萊士的兒子最初十分鄙夷電影這門市井雜耍，宣稱決不允許任何將之搬上銀幕的舉動，電影不配改編《賓虛》。事實證明了他的短見，當他在1915年親眼目睹《一個國家的誕生》中三K黨縱馬馳騁的場景後大為心動，改口同意出售《賓虛》的電影版權，後來幾個投資人合作購下《賓虛》，輾轉賣入剛剛合並的米高梅公司手中。

《一個國家的誕生》（1915）

為了開個好頭，米高梅自然不惜血本遠赴羅馬開工，恰逢義大利政局巨變，整個拍攝超時超支，不得已劇組回到洛杉磯重拍，前期大多數膠片報廢。

《賓虛》拍得好不好，很大程度取決於高潮部分的賽車場景，不得不說這個默片版在這方面非常成功，甚至可以說比三十多年後的新《賓虛》更強，原因只在於拍攝時為了提高真實性，所有駕車的特技演員都是在進行真正的競賽，勝者有獎，難怪分外刺激了。

《賓虛》（1925）

後來的1959版《賓虛》導演威廉·惠勒當時才23歲，他擔任了老版《賓虛》追車場景的助理導演——像他這樣的助理導演有60個之多！此版《賓虛》在各個方面都可以說開創了當時的紀錄，比如一場海戰，竟同時調用了48台攝影機，而最後的耗片比高達267:1！直到今天還保持著吉尼斯世界紀錄，真是無人能敵。

這部二十年代的影片一共耗資近400萬美元，創下默片時代的最高紀錄，影片1925年上映的票房成績雖不算特別高，但米高梅仍憑藉此史上第一無聲巨片步入了頂級製片廠的行列。

三十年後，好萊塢製片廠在新興電視業的競爭下普遍不景氣，影院紛紛倒閉，米高梅面臨新的危機，再次祭起《賓虛》這個法寶，企圖以無與倫比的巨片將觀眾拉回影院。

新版《賓虛》處處追求豪華壯觀，以1:2.76的縱橫比營造出空前的寬銀幕奇觀。威廉·惠勒選擇英國演員出演羅馬人，美國演員則飾演猶太人，臨時演員的人數也創史上最高紀錄。

《賓虛》（1959）

同1925年版同樣，拍攝在羅馬和加州兩地進行。這無疑為一次豪賭，所幸結果是贏，《賓虛》的成功無論在米高梅還是好萊塢此前的有聲片史上都是僅次於《亂世佳人》的成功，雪花花的銀子落入袋中自然不在話下，更在當年奧斯卡獎上攬獲12項提名，僅改編劇本一項旁落。

落空的原因並非實力不濟，而是劇本前後的版本太多，參與的人功勞大小、是否署名爭議太大，最後落款的編劇於是被認為無法代表這個劇本，方才落選。

《賓虛》（1959）

賓虛的藝術形象在美國深入人心，每年的復活節周末，很多家庭將觀看1959版電影作為保留節目。

2016年最新版的《賓虛》由俄羅斯著名導演提莫·貝克曼貝托夫執導，他的作品包括《守夜人》《守日人》《通緝令》《吸血鬼獵人林肯》等等，還監制了前不久在國內公映的《他是龍》。

提莫·貝克曼貝托夫

新版《賓虛》與時俱進地體現了新世紀的時代精神，為什麼這么說呢？它的主旋律不是斗爭而是和解，猶太人和羅馬人的和解，主人和奴隸的和解。這在當下族群分裂極其嚴重的西方世界，有對現實的考量。

《賓虛》（2016）

當然多數觀眾最關注的一定是最高潮的賽馬戲份。從場面上來說，賽馬其實比角鬥士斗獅斗虎更加刺激，幾十匹奔馬呼嘯而過，殺傷力更超過獅虎的尖爪和利齒。

《賓虛》（2016）

一定會有人認為影片的奔馬場面是在什麼製片廠的攝影棚里用電腦特效製作出來的，因為有些鏡頭實在太危險，怎麼能拍到呢？

但各種資料顯示，影片真沒有採用太多CGI鏡頭去塗抹那些賽馬場面。導演貝克曼貝托夫說，高潮戲的絕大部分鏡頭都是實拍的，他將之比作Nascar賽車中的亡命追逐。

這段賽馬戲在片中只有10分鍾長，不過實際上在義大利拍了45天之久，而在此之前演員已經訓練了三個月。

最刺激的是幾個翻車的鏡頭，騎手墜地後馬車從人身上碾過，還有相對而行的馬隊正面對撞，像一顆炸彈爆炸，以及主角被馬車拽著身體和地面平行地飛起來，如果不用數字特效的話，這肯定是最高難度級別的實拍特技了，因為你不僅要控制人，還要控制馬，這更難。

《賓虛》（2016）

看到影片結束時突然產生一個聯想，片中賓虛和米撒拉這對生死兄弟和仇敵，終於擁抱言和了，竟然讓我想到昨天剛看的希拉里和特朗普的第二次總統選舉辯論，彷彿看到了希拉里和特朗普擁抱在一起的場面，真是有一種很奇妙的感覺。

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讓我們重新從常識進入電影

⑻ 好萊塢電影的發展歷史

1853年，好萊塢只有一棟房子。

1870年，這里已成為一片興旺的農田。

1886年，從房地產生意發財的富商哈維·亨德申·韋爾考克斯在這里買下了0.6平方公里的土地。好萊塢這個名字來自英語的「holly」（冬青）。韋爾考克斯的夫人一次旅行時，聽到她旁邊的一個人說她來自俄亥俄州的一個叫做好萊塢的地方。她很喜歡這個名字，回到加州後就將她丈夫的農庄改稱為好萊塢了。韋爾考克斯計劃在這里建造一座小城。

1887年2月1日他在地區政府正式注冊此名。在他夫人的幫助下他鋪設了今天的好萊塢大街做為城市的主街，在這條大街和其它大街的兩旁種了胡椒樹並開始出售產權。他的夫人募資建了兩座教堂、一座學校和一座圖書館。為了使好萊塢名符其實，他們還進口了一些英國冬青，但這些植物在加州的氣候下沒有存活很久。

1900年，好萊塢已經有一間郵局、一家報社、一座旅館和兩個市場，其居民數為500人。10萬人口的洛杉磯位於市東11公里處。在好萊塢和洛杉磯間有一條單軌的有軌電車，但這輛電車的運行不準時，每程時間為兩小時。

1902年，今日著名的好萊塢酒店的第一部分開業。

1903年，好萊塢成為一個鎮。當年下的兩個命令是：除葯店外其他商店禁酒，以及不準在街上驅趕數量多於200的牛群。

1904年，一條新的被稱為好萊塢大街的有軌電車開業，使好萊塢與洛杉磯間的往返時間大大縮短。

1910年，好萊塢的居民投票決定加入洛杉磯。原因是這樣他們可以通過洛杉磯取得足夠的飲水和獲得排水設施。

1960年，女演員喬安娜·伍德沃德得到了第一顆星的殊榮。

1985年，好萊塢的商業和娛樂區被正式列入美國受保護的歷史性建築名單。

1999年，洛杉磯的地鐵開通到了好萊塢。

2001年，柯達劇院(Kodak Theatre)在Highland大道開業，成為奧斯卡獎頒獎禮新的舉辦場所。

2002年，一些好萊塢居民發動了一個讓好萊塢自主獨立，不再是洛杉磯一部分的運動。好萊塢市政府決定讓所有洛杉磯居民投票表決。獨立運動被以絕大多數否決。

(8)電影賓虛投資了多少錢擴展閱讀：

電影工業——

20世紀初，紐約和新澤西的電影公司開始遷向加州，原因是這里的天氣好，日照時間長。雖然當時已經有電燈了，但當時的電燈還不夠亮，當時最好的光源是陽光。除此之外，加州視野寬廣，有各種不同的自然風景。此外當時托馬斯·愛迪生持有電影的專利，而加州離新澤西非常遠，因此愛迪生很難在這里控制他的專利權。

在美國東岸，獨立的電影公司經常被愛迪生和他的代理人訴訟。在遙遠的加州沒有那麼多愛迪生的部下。即使他派人來加州，他的人往往比其消息來的晚，這樣一來這里的電影製造商就可以及時躲到附近的墨西哥去了。

1911年第一個電影工作室在好萊塢開業，同年已有15個其它的工作室在這里定居，成千上萬的夢幻製造者緊隨而至。

1923年，今天成為好萊塢象徵之一的白色大字「HOLLYWOOD」被樹立在好萊塢後的山坡上，本來這個字後面還有「LAND」四個字母，是一家建築廠商為了推銷新建好的的住宅社區設置的廣告看板。但它們被樹立起來以後就沒有人去管它們，以致漸漸荒廢。

一直到1949年，好萊塢商會將後面的四個字母去掉，並將其它字母修復。這個招牌今天受到商標保護，沒有經過好萊塢商會的同意，無人有權使用它。

1929年5月16日，奧斯卡金像獎第一次頒發，當時的門票是十美元，共有兩百五十人參加。

⑼ 電影開場有個獅子在喉的標志，那是哪個公司啊

米高梅Metro-Goldwyn-Mayer

時代華納與索尼集團競逐收購好萊塢電影公司米高梅(MGM)已有突破性進展。米高梅周一證實已與日商索尼為首的集團就收購案達成原則性協議，同意索尼以每股12美元和承擔債務總計近50億美元的代價並購米高梅。

根據消息人士透露，這個以索尼為首的投資集團成員包括私人投資基金Texas Pacific 集團以及Providence Equity Partners，另外還會尋求其他投資夥伴。熟悉內情人士指出，全球最大有線電視系統Comcast公司在米高梅被收購後，可能投資3億美元。米高梅稍後也發布聲明指出，已就收購條件與包括索尼美國公司、Providence Equity Partners公司、Texas Pacific集團及DLJ Merchant Banking Partners公司等在內的集團達成原則性協議。繼美國媒體巨擘時代華納決定退出競標米高梅大戰之後，引發外界諸多揣測，促使米高梅打破緘默，終結謠言滿天飛的情形。熟悉此一收購案的消息人士稍早對法新社說：「這是一項原則性協議，雙方尚未敲定最後協議。」

米高梅表示，根據前述協議，索尼為首的投資人將以每股12美元現金收購米高梅股票，或總計29.3億美元，另外將承擔米高梅約20億美元的負債，米高梅是億萬富翁科克.科克里安所有。米高梅也宣布，已在9月13日收到1.5億美元保證金，為向董事會建議這項收購案清除障礙。管理高層預定在9月27日建議董事會接受這項收購案。根據《綜藝報》報道說，索尼為首的集團在上周末抬高收購價碼至每股12美元，及同意承接米高梅20億美元負債。索尼此舉導致時代華納公司在周一時決定打退堂鼓，拒絕以每股逾11美元的代價收購米高梅，索尼成為惟一競標者。

一旦買下米高梅，索尼片庫規模將倍增至大約8000部，其中包括米高梅影庫中擁有的《007》系列以及《粉紅豹》系列，有助索尼提高DVD銷售。洛杉磯媒體及娛樂事業分析師大衛.米勒指出，這種組合不錯，索尼要的是片庫，而且片子數量越多越能降低成本。索尼發言人安.摩弗根、米高梅發言人珍妮特.簡基吉安都不願對此新聞發表評論。

以索尼公司為首的國際財團出資48億美元收購美國好萊塢老牌電影公司米高梅2005年4月8日正式宣告完成。這次合並不僅僅只是改變了美國電影領域以往那群雄割據的格局，而且一個即將會壟斷全美音像傳播業30%左右進賬的「托拉斯」產業，也已經急匆匆地浮出水面。

索尼為什麼要向一個被稱為是爛攤子的電影機構里拚命砸錢呢？索尼自有如意算盤。米高梅公司曾是美國電影的象徵，旗下影星凱瑟琳·赫本、加里·格蘭特、克拉克·蓋博、葛麗泰·嘉寶、伊麗莎白·泰勒的名字至今仍然熠熠生輝。米高梅公司出品的影片至今共獲得170項奧斯卡獎，在好萊塢各大影片公司中獨占鰲頭，名片包括《綠野仙蹤》、《亂世佳人》、《賓虛》、《日瓦戈醫生》以及經久不衰的007系列影片等。收購米高梅後，索尼可以得到一個相當於全美電影資源一半數目的巨型電影資料庫。這些電影資源可以大量地生產DVD。通過去年索尼收購老牌唱片工業BMG可以看清，他們在入主到音像領域之後最顯著的目的並不是在包裝製作，而在生產發行環節。如今在得到一個龐大的電影資料儲備庫之後，他們仍然要故技重施，將注意力放在相關產品的生產與發行上。在掌握了新一代DVD格式「藍光」之後，索尼已經想花大力氣在行業標準的斗爭上取得領先地位。說得更遠一些，隨著寬頻網路的擴充，索尼還將向接入網路的家庭提供電影，獲取豐厚利潤。

米高梅公司(Metro-Goldwyn-Mayer)介紹

1924年5月17日，美國洛氏公司的老闆M.洛把該公司所屬的米特羅影片公司和高爾溫影片公司、L.B.梅耶製片公司合並，組成米高梅公司。 30年代好萊塢鼎盛時期，米高梅公司是最大的電影公司，每年要生產40—50部影片。米高梅在這一時期擁有美國最受觀眾歡迎的影星和導演，影星如G.嘉寶、C.蓋博、J.哈羅、S.屈賽、R.泰勒、J.克勞馥、N.希拉等等，導演如E.von斯特勞亨、K.維多、F.朗格、G.顧柯、V.弗萊明等等。從 30年代到第二次世界大戰結束，米高梅攝制了數以百計的影片，除了少數影片如《塊肉餘生》、《叛艦喋血記》(1935)、《茶花女》(1939)、《忠勇之家》(1942)、《雙城記》等之外，90%為平庸之作，內容淺薄、脫離現實，往往千篇一律地以虛構的故事、美滿的結尾，配上受觀眾歡迎的大明星和較高的攝制技巧去招徠觀眾。米高梅公司日復一日地象工廠生產工業品的流水裝配線那樣大量生產這種影片，為好萊塢贏得「夢幻工廠」的「美名」出了大力。40年代末到50年代初，米高梅曾一度以拍攝大場面歌舞片為重點，生產了幾部頗有特色的歌舞片，如《雨中曲》(1952)等。50年代美國電影業發生危機，到60 年代初該公司連年虧損，影片產量逐年下降，到70年代初至80年代每年只拍三、四部影片。70年代初，美國拉斯韋加斯的大資本家K.克科里安買下了米高梅公司。新的主管人員把米高梅公司的道具服裝等統統拍賣出去，並把資金投入拉斯韋加斯、里諾等賭城的房地產、旅館業和其他能獲利的方面。到70年代末米高梅公司又再度繁榮，但製片卻只是這個公司的廣泛業務范圍之一，1981年米高梅公司出資買下聯美公司，改名為米高梅—聯美娛樂公司。