電影拍攝過程中的片比多少

A. 影片製片預算的常規知識

電影預算是影片投資的基礎和重要參考依據，也是電影管理和市場化運作的前提，高質量的電影預算是電影拍攝、製作、發行順利進行的保障，也是對投資方利益的保證。

由於電影預算還設計很多財會知識的運用，在此，我們僅用兩周時間，為大家簡單介紹一下電影預算常規知識，並輔以好萊塢影片的預算細目作為範例。

一、什麼是電影製片預算

電影製片預算，亦可稱為電影成本預算（簡稱：電影預算），指的是電影拍攝的全部投資，包含影片劇本稿費、影片道具成本、影片拍攝成本、影片參與人員薪酬、影片後期製作成本、影片市場宣傳成本、和額外其他成本等。

二、電影製片預算的分類

總體來說，電影預算可以分為兩大類：線上費用（above-the-line）和線下費用（below-the-line）。之所以要將線上費用和線下費用劃分出來，是因為，線上費用的高低主要取決於主創團隊的薪資，這也致使線上費用可產生的金額區間跨度很大；而相反，同一製作水準下的線下費用，則相對穩定，可預測性也較高。

1、線上費用 | Above the Line

定義

線上費用視具體影片而定，指的是在創造過程中自然衍生出來的費用。線上費用主要包括獲取劇本或編寫劇本的支出（編劇的僱傭費）、製片部門和導演的薪水、以及演員的薪資和額外報酬等；這些支出項目，也統稱為「創造性元素（Creative Elements）」支出。

范疇說明

從某種程度來說，「創造性」這個詞用在這里，顯得略微不夠恰當；因為很多歸屬於線下費用的工種，也同樣做著「創造性」的工作。而之所以做這樣的劃分，是因為從職業角度來講，這兩類費用支出還是存在著細微的區別的。

對於歸屬在線上費用的工種來說，這些人通常是根據他們在電影產業的現有地位而收取薪酬的，同時，他們也可能會參與影片最終利潤的分成。因此，線上費用的估算，更多的要基於市場環境和主創團隊受關注的熱度。

主要支出項目

2、線下費用 | Below the Line

定義

線下費用主要指的是用在技術上的支出，這也是每部影片都會產生的費用。一般來說，線下費用包括付給工作人員的薪資、使用設備或購買錄像帶及膠片的費用、布景、道具、服裝、化妝、交通、食物、音效和剪輯的開銷等。

主要開支項目

3、經常性費用

經常性費用，指的是一些租金及水電瓦斯的開支費用，這些通常會被歸屬入線下費用。經常性費用通常會佔到約總預算的15%，並被視為重要開支。

除常規預算額度外，製片人最好再多撥出10%的金額作為經常性費用的備用金，這筆錢可以應付一些容易被忽略、但卻會嚴重影響到整體製作進度的事宜。

三、耗片比

耗片比（Shooting Ratio）是一個非常重要的概念，因為它會以指數級別影響全片的預算。一旦你知道為這部影片計劃的耗片比以後，便可以對整個項目將會要使用到的膠片或者數字媒體存儲及硬碟數量得出一個較為准確的估值。

耗片比，指所有拍攝素材與影片最終時長之間的比值。整個公式由兩個數字來表示，比如10:1或者15:1。這意味著，一般來說，為了得到影片中某一片段，你應該計劃拍攝10或者15倍的素材。如果影片的最終時長是100分鍾，那麼按照10:1的耗片比計算，你應該計劃拍攝1000分鍾的素材。如果耗片比是15:1的話，那你應該按照1500分鍾的素材來制訂預算。對於低成本影片來說，10:1或者15:1的拍攝耗片比其實已經是很正常的范疇了，更高成本的影片或好萊塢的一些大製作，通常則需要負擔起更高比例的耗片比。

四、緩沖和應急資金

盡管預算是基於你認為完成影片所需花銷的預期，在你完成整個項目之前，是絕對不可能准確地算出到底要花多少錢的。這也是為何要在預算中加入富裕或應急資金，以備拍攝製作期間的不時之需。

緩沖資金

緩沖資金（pad），是指預算項目明細中你知道自己過高估計的費用，必要的時候，你可以將這部分資金挪用到其他部分的額外支出上去。

應急資金

應急資金（contingency），也可稱為「不可預估費」，是在預算總結中應出現的一條項目明細，通常是預算總而基礎上的10%-15%，以備實際執行時的預算超支。

五、其他會影響預算的因素

天氣

如果影片需要再室外拍攝，那麼在制定預算時，就需要考慮到氣候和季節因素，一方面可能會涉及到取暖或避暑需求；另一方面，氣候突變或周期性的梅雨、沙城暴等氣候等，也會導致拍攝計劃的暫緩或取消，從而或多或少地影響到各個方面的支出細節。

小孩

由於小孩自身很難長時間保持注意力的集中，很可能在一段較短的時間內，就對拍攝失去了興趣或因失去耐心而產生煩躁感，從而拖緩整體製作進度，並導致成本的額外耗損及預算的增加。

以上基本包含一般電影預算製作的所有類目，具體預算的制定，還需根據不同量級或者不同需要的電影項目進行增加或刪改。兵馬未動糧草先行，排除不可預估的突發狀況，合理的預算必定是一部電影拍攝、製作、發行的重要保障。

B. 為什麼電影很少以60幀的形式拍攝播放

我們先來科普一下。對於觀眾而言，亮度、清晰度、流暢度是觀眾衡量一部電影在技術層面是否優秀的三個最直觀標准。業內，RealD公司推出的3D電影放映6FL認證，是針對亮度；而大家經常聽到的2K、4K標准，是針對清晰度；如今熱炒的24幀、60幀、120幀，則是針對流暢度。

亮度、清晰度都很直觀，那麼流暢度到底代表什麼，所謂的「幀」又是什麼鬼，「貞子」么？簡單來說，我們之所以會覺得電影是「運動的」，是因為人類有視覺暫留現象。在電影術語中，一幅靜止的圖像被稱作一「幀」或是一「格」，要讓人覺得一個圖像是連續流暢運動著的，那麼至少每一秒鍾要連續播放24張連拍畫面，所以也就有了目前國際通用的24幀標准。顯而易見，不管哪個標准，幀數越高，影片就越清晰，觀眾就能看到更多細節，觀影效果就越好。

通常情況下，我們所看的視頻都是普通的每秒24幀，高端一點的電影一般會採用48幀，60幀的就更少了。

上圖可以看出，24W虛還有卡頓，24幀已經很流暢但略抖動，60幀非常流暢且清晰。

只有一句話：那是一種「無與倫比的超真實體驗」。但由於支持這種牛叉技術的影院太過少數，一般沒有機會體驗到！如果說，24幀屬於「入門"級，那60幀也將是一場「質的飛躍」。

不少觀眾在對比了24幀和60幀兩種格式影片後，還是表示有不少區別，主要有這么幾個方面。60幀的電影由於每秒放映的圖片比24幀的多出了一倍，因此也更流暢，同時讓電影細節更充實，一切細小的平時不被關注的細節都將呈現得一清二楚。此外，60幀格式讓電影中的人更加立體，特別是特寫鏡頭。總體來說，60幀的影片有更多細節，更有立體感，運動中的物體也更加清晰。觀影後，大多數影迷對身臨其境的3D電影有了新的認同，高清及真實的3D立體畫面，會讓人有深深的代入感。更有影迷說：「這是我見過最好的3D，太棒了！我感覺自己就在影片現場。」還有人形象地比喻：「如果說24幀3D電影像是透過窗戶向外眺望的話，那麼60幀3D就像把玻璃拿掉，直接盯著外面看。

要說為什麼至今沒有普及，我相信只是時間問題，成本是一個很重要的原因，畢竟原來24幀拍的電影，用了60幀之後膠片都要用多一倍多，加上後期特效在製作渲染的時候，渲染時間增多一倍。放映的設備也要更新換代，普通的影院現在還沒有設備可以同時滿足3D、4K、60fps的播放規格。如果想面向普通大眾，就要對整個電影行業進行顛覆性改變。

3D大家都比較了解，4K解析度的播放設備也逐漸開始應用，iPhone 6s已經能拍攝4K視頻，最後這個120fps才是李安這次冒險的重頭戲，他這是把電影拍攝的幀率一下子提高了四倍，如果這部電影最終呈現的效果令人滿意，李安帶來的技術革新意義堪比當年的《阿凡達》在3D電影上的技術革新。

120幀/秒，或許將和VR一樣成為電影的下一個關鍵詞。從24到120，電影拍攝幀率是怎麼一步步進化的？其實早期的電影拍攝並沒有一個標准，因為那時候採用的是手搖式攝影裝置，拍攝的時候難免會有拍攝速度不統一，而且幀率相差非常大，比如說愛迪生的電影是以40幀/秒拍攝的，而盧米埃爾兄弟的電影則是以16幀/秒拍攝的。

後來發展到有聲電影，引入了同期錄音技術，可將聲畫同時錄制到膠片上，24幀/秒能保持最高的聲音清晰度，如果再低的話，音軌上就會有太多的表面雜音，於是24幀/秒就成為了電影拍攝幀率的標准。

超過24幀/秒拍攝的電影就叫「超高幀」電影，有很多電影嘗試以超高幀拍攝：1950年誕生了「全景電影」（也叫西尼拉瑪），這種電影使用3台攝影機分別拍攝3條方形素材，然後由3台放映機無縫拼接，投影到銀幕上，以產生3倍寬高比的影像，這種電影是以26幀/秒拍攝的，主要是拍攝風光電影，後來由於放映設備昂貴逐漸被市場淘汰。

在1992年的塞爾維亞世界博覽會上，第一部使用IMAX HD技術拍攝的電影《Momentum》是以48幀/秒拍攝的。1999年誕生了Maxivision 48技術，是結合了48幀/秒和35mm膠片的底片格式，可以以48幀/秒的速度放映影片，受到了業內人士的推廣，但是大多數影院依然採用24幀/秒的放映設備，所以Maxivision仍沒有得到廣泛的投入使用。

道格拉斯·特魯姆布（《2001太空漫步》、《星球大戰》、《銀翼殺手》的特效導演）旗下的Showscan視效工作室，在著力推廣高幀率（60幀/秒）結合70mm拍攝技術（能科學上網的可以看一下這個視頻介紹Showscan Digital from Douglas Trumbull），但是到目前為止，Showscan也依然是紙上談兵，除了幾部試驗性的短片，他們還沒有嘗試長片拍攝。

道格拉斯之所以推崇高幀率拍攝，是因為：「理論上，這樣的極致幀率會使動態畫面更流暢，解決攝影機擺動過程中產生的頻閃或晃動問題，帶來更舒適的3D和無可比擬的敏銳與真實感。但這仍然只是理論，因為還從沒有人看過用這種技術拍攝的電影。即便這些都被完美地實現了，這個世界上也幾乎沒有地方能讓觀眾欣賞到它。」

2011年，卡梅隆宣布他的《阿凡達2》將和Showscan合作，採用他們的60幀/秒技術拍攝。2012年，彼得·傑克遜的《霍比特人：意外之旅》先行一步，採用了48幀/秒的速度拍攝，後繼兩部霍比特人也是以48幀/秒拍攝。當時業內毀譽參半，批評者認為畫面太過清晰反而像 游戲 或油畫的質感，缺乏了傳統電影的模糊和頻閃效果，也就失去了電影的美感（並非所有影院都能以48fps放映，所以放映的時候有24fps和48fps兩個版本，如果你覺得沒有這種體驗，很可能是因為當時的影院沒有使用48fps規格放映）。

對此，彼得大帝回應說，「（你們這群沒見識的凡人）等你們習慣了就好了」。李安所採用的影像格式被索尼官方稱為「Immersive Digital」（還未有官方的名稱，網友譯版是「沉浸數字式」），是第一次將3D、4K、120幀/秒這幾種規格結合到一起。

120幀/秒面對的最大問題就是觀影習慣，比如說3D技術剛開始推廣的時候，也有諸如畫面太暗、會暈的抱怨，李安要解決的問題比彼得·傑克遜還要大，48幀/秒已經給人一種不適應感，120幀/秒帶來的觀影感受肯定是顛覆性的。

但是李安並不是受彼得·傑克遜的啟發，而是受了卡梅隆的啟發，他在拍《少年派》的時候在3D技術上就參考過卡梅隆等人的意見，所有人都告訴他，用24幀/秒拍3D會加大本來就有的頻閃（就是看3D的時候會覺得暈的原因），但是當時沒有更好的技術解決辦法，只能妥協。

後來卡梅隆宣布使用高幀率拍攝《阿凡達2》，給了李安啟發，但是他還是覺得不夠，於是就想到用4K技術來解決清晰率的問題，最終選擇120幀/秒，其實是為了省錢——120幀/秒正好同時是24幀/秒（電影通用）和30幀/秒（電視通用）的整倍數，就可以用同一種格式製作電視和電影。而李安認為《半場無戰事》是一個最好的機會，因為——

「這部電影的重點就是「感受」，不僅僅是講述故事，而是想辦法讓觀眾體驗，給他們一種全新的經歷。」李安接受3D技術的初衷並不是為了炫技，他和很多使用3D技術的導演和製作公司的意見可以說是完全相反的，就連我們普通觀眾也認為像《阿凡達》、漫威的大場面動作電影才應該用3D，而《建國大業》那種敘事性電影用3D簡直是莫名其妙，而李安反而認為：

「2D和3D最大的區別在於面部拍攝，而不是在於動作或大場面，我覺得2D更適合動作片，而3D更適合拍劇情片，因為3D可以營造更親密的感受。」

所以他對於伊拉克戰場和中場表演兩種不同的主要場景運用了不同的技術處理，戰場場景會盡可能地呈現「真實」鏡頭，也就是用120幀/秒拍攝，預告片里可以看到，在演員跑動的過程中，鏡頭幾乎沒有一點搖晃的感覺。

而中場表演場景是在 體育 館內，有大量的舞台燈光照明，為了避免大家都擔心的背景過於虛化的效果，只有部分鏡頭（比如無光照的觀眾席）使用了120幀/秒拍攝。從預告片中可以看到，對於男主角比利的面部特寫鏡頭非常多，著重刻畫他的表情和情緒，因為背景虛化本來就很適合大頭特寫，而中場表演的鏡頭則大多是全景。

在看了11分鍾的片段之後，（前文提到的Showscan）道格拉斯說：「有種身臨其境的感覺，看起來他（李安）會給我們帶來一次全所未有的觀影體驗，我簡直激動地顫抖了。」

卡梅隆看過之後更是覺得3D、4K、120幀/秒將成為行業內的最高規格標准，有觀眾評論「這段11分鍾的電影讓我覺得鏡頭、幕布消失了，我看到了最真實的畫面。」其實120幀/秒更大的問題是放映，就連李安自己在拍攝過程中都沒法看到最終效果，因為技術負擔太大了，他在片場拍攝的時候只能用3D、2K、60幀/秒的格式播放。

之前在LA的11分鍾試映，是採用了科視的雙4K激光投影機和贏康公司的7sense Delta Infinity III伺服器，配備杜比3D眼鏡，而且當時他們面向的是NAB的行業內技術人員，沒有人比他們更懂行，所以獲得的大多是驚嘆和贊譽。

但是如果想面向普通大眾，李安就要有準備面對整個電影行業的顛覆性改變。普通的影院現在還沒有設備可以同時滿足3D、4K、120fps的播放規格，普通觀眾的反應和接受程度也無法預料，至今為止索尼還沒有宣布這部電影將如何大范圍上映，為了陪李安冒險，索尼在盡可能地尋找方式，甚至考慮了先期放映，但是最終為了大范圍上映，很有可能他們只能把標准起碼降低到60幀/秒以及用2K代替4K。

李安和卡梅隆、道格拉斯等人一樣，都站在了先驅者的行列，希望能通過這種革命讓電影院看電影重新變成一種朝聖般的體驗，一種在電腦手機上無法比擬的體驗，如果可以讓人們重新走入電影院，那麼即使是要讓全世界所有的電影院都更換新的放映設備也是值得的。

「改變人們的習慣和顛覆一種文化是非常難的，我的好奇心的確是有點旺盛，但是我已經不年輕了，我不願再等。」當他拍《斷背山》的時候，很多人勸他的演員，拍這部戲就是葬送自己的演員生涯，結果他的四位演員獲得了三個奧斯卡演技提名，當他拍《少年派的奇幻漂流》的時候，所有人都說這部小說太難銀幕化了，這是自討苦吃，然後他拿到了第二座小金人。

現在，幾乎沒有人對李安說「不可能」三個字。對於《半場無戰事》，想借用一部電影的名字《好戲還在後面》：「Vous n『avez encore rien vu（你們見到的還不算什麼）」，我們拭目以待。

我是曉飛，我來回答這個問題，的確很少60幀

的電影在影院播放，回答問題前先舉個例子。

據說大導演卡梅隆也大力推進電影的60幀拍攝規格，按他自己的話說就是，更高的幀數能帶來更好的3D效果。觀眾更喜歡看。

為什麼至今沒有普及，我相信只是時間問題，其實成本是一個很重要的原因，畢竟原來24幀拍的電影，用了60幀之後膠片都要用多一倍多，加上後期特效在製作渲染的時候，渲染時間增多一倍。放映的設備也要更新換代，也是阻礙新制式的原因。

另外一個原因，可能是很多導演不願意冒險用60幀是因為據說幀率太高會太有現場感，反而失去了在影院看大片的感覺。

高幀畫面之下觀眾很容易就能看出來布景有多假，因為高幀數能避免運動所造成的畫面模糊，尤其是在3D之下會大幅減少頻閃，就是說能讓觀眾看清楚快速運動物體的細節。同時也能清晰的看到演員化妝的細節。那體驗感就不用說了

拍攝一部高幀率電影，並不是換一套攝像機的事，因為高幀率帶來豐富的細節，拍攝、打光、化妝、表演等環節都要重新開始摸索，後期還有處理 幾乎3倍於 24 幀電影的素材，劇組人員要更加努力工作，製作成本當然也隨之增加。

拍攝的幀數提升之後，那麼新的問題就來了。光有高速拍攝的設備還不夠，還需要有高速播放的設備。高幀數的影片，影院也需要更新器材，每秒60格的拍攝，需要有每秒60格的播放，否則在24幀的器材上無法正常播放，這個器材費用也是相當高。

總結下，所有成本的增加都會體現在票價上，你會為這些電影的流暢感多花錢買票莫

也有一種陰謀論者認為高幀率電影，實際上是某個投機取巧的道德水準極低的導演及其一群幫凶炒作出來的損人利己的。大家認為呢

因為目前全球絕大部分影院都是30幀的播放器，60幀的很少，150幀播放的更是只有美國那幾家大影院，幀又叫刷新率，為什麼60幀和120幀播放電影的電影院這么少呢？

其一:因為30幀拍攝播放電影已經在全球很普遍的了，就像Windows電腦一樣，你出一個更好的電腦操作系統，但是市場已經被Windows占據了，想要取代需要很久的時間，拍攝60幀電影成本也相對昂貴，你拍攝的60幀電影在全球大部分影院還達不到60幀的效果，這是一個很尷尬的問題

其二:60幀電影的優點是畫面更佳的流暢，但是大部分人並沒有接觸過60幀的電影，或者說，壓根就分辨不出來它二者的區別，人們眼睛可以分辨的刷新率在200-300之間，30-60-120幀越高，人們的眼睛的工作量也越大，看的越久，帶來的疲憊感也就越大，這也導致了，本來接觸了120幀的電影的人，卻被眼睛疲勞勸退

其三:網路普及率，如果說電影院里60幀電影很少，網上的電影資源相對也更少，是大眾了解的比較少，電視機廠家出一款刷新率高的電視機，大眾也不會去買單

總結，30幀電影和60幀電影就好像 汽車 的乞丐版和高配版一樣，一個是夠用，一個是體驗

我是影視大公社，很高興回答你的問題，下面就你的問題我發表一些我的看法。從業內人士的一些說法來說，首先是技術問題，電影界並不存在全片補幀的操作，那我們假設有，要怎麼補幀呢？你覺得能像普通人在電腦上開個AE裝個Twixtor隨便調調參數就能做到的嗎？肯定不是啊，電影工業的每一個環節幾乎都和普通的視頻工作者日常接觸到的完全不一樣，劇本不是隨便寫寫就能開拍的，攝影不是按下開始按鈕就能拍的，剪輯不是把素材導入軟體就可以開始拼素材的，調色和特效也不是拿過xml就可以直接往上加效果的，如果電影工業中有補幀這個環節，那一定是非常復雜的流程和技術。而且補幀技術依賴的是計算機軟體（不同方法的補幀依賴的具體原理不同），目前的補幀軟體水平還遠遠達不到電影工業水平（這里說的是「工業水平」而不是普通人所認為的「專業水平」），

就算是業余工作者，也會選擇適合補幀和不適合補幀的鏡頭，有些鏡頭就是不適合補幀，或者說補出來就是一坨花屏果凍，在軟體基礎達不到的情況下，再厲害的「補幀師」也沒法做到全片完美補幀，而電影工業是不可能允許「補幀」果凍這種低級問題出現的，即使劇組自己不重視，不在乎，也絕對過不了電影審查（是的，電影審查不止是政治審查，還有技術審查，不過普通觀眾並不關心技術審查）

其次是成本問題，前面說了補幀如果要加入電影工業環節，也肯定是非常復雜的流程，要有專業的「補幀師」來操作，即使技術達標，補完一部電影上千個鏡頭上百分鍾要花多少錢？多少人力？多少時間？而且不光是補幀這個操作要錢，後期渲染也是要錢的，不僅渲染要錢，調色和特效的工作量也是要增加的，24幀補成60幀，成本翻了好幾倍，這些錢加起來絕對不比調色和特效的錢少，所以說題主說的「這個操作成本極低」就是個臆想的結論，根本不成立。有這閑錢我幹嘛不直接拍攝的時候拍60幀？太貴了，所以導演們遵循著能看就看的原則

。

你的問題回答完畢。謝謝！

很少以60幀拍攝的原因大概有以下幾個原因。

60幀的影片畫面流暢，更加清晰。但是有一部分人生理上無法適應，看的時間稍長會頭暈。

最主要的原因則是成本高，普通的24幀影片每秒的畫面只有24張，60幀的則有每秒60張，對製作人的設備要求更高，製作時間也大大延長。若是科幻電影，特效是很燒錢的，而60幀的特效要比24幀多一倍還要多，成本爬坡式的增長，這也是阻礙60幀影片普及的最大原因。

謝謝 希望能幫到你~

你好，我是老徐。60幀的電影很少，因為從拍攝到後期，成本都相對很大

視頻比特率在一定條件下提高圖像質量視覺效果可以提高名線，增加幀數可以提高到60幀以上，尤其是25/30幀的圖像質量比特率至少需要提高2倍，YouTube的60幀比特率是否高了2倍？4k25幀和1080p60幀會選擇其中一個嗎？目前，60多個屏幕144，240多種屏幕顏色δ e是性價比，考慮到圖像質量上升到一定水平後幀數的提高。

參考藝術速度限制

4k 5966 kbps 3840 x 2160 25 fps

1080p 2327 kbps 1920 x 1080 25 fps

720p 1247 kbps 1280 x 72025 fps

高清 590 kbps 896 x 504 25 fps

流暢 330kbps 640x6025fps

這是2018年12月的數據。要升級到60幀，需要將圖像質量速度提高近一倍的壓力在一定程度上。5g還可以將互聯網視頻幀速率提高到60。您正在查看的數據72幀再次是分數，幀速率使視覺感覺慢得多。VR視頻保留在VR中，具有更高的幀數、更高的 游戲 和對幀速率的追求。滿足最低幀速率要求，追求下一個圖像質量，追求幀速率，現在平面視頻、 游戲 已經開始滿足最低幀速率要求並要求圖像質量，VR尚未滿足最低幀速率要求。

一、每秒拍攝圖片張數不同；

60幀/秒每秒鍾拍攝60張圖片，30幀/秒每秒鍾拍攝30張圖片。

二、畫面流暢度同；

60幀/秒畫面細節更豐富。幀數越高畫面越流暢。 每一幀都是靜止的圖像,快速連續地顯示幀便形成了運動的假象，因此高的幀率可以得到更流暢、更逼真的動畫。

三、同一時間下的視頻內存大小不同。

幀數 (fps) 越高，所顯示的動作就會越流暢，文件大小越大。拍攝視頻時60幀/秒視頻內存大於30幀/秒視頻內存

因為人眼一般用24幀或者25幀就可以感覺到很流暢的效果，60幀雖然更加流暢，但是人眼時間看久之後會覺得很累，因為60幀超過了人眼處理的速度，這也就是為什麼在看60幀視頻時雖然很流暢，但是又覺得很假的原因。回答滿意希望可以給個贊和關注哦，個人日常分享數碼評測，歡迎來主頁看一看。

C. 高清影片中常說到的1080p、720p、480p是什麼意思

1080p、720p、480p都是一種視頻顯示格式，字母P意為逐行掃描（Progressive scanning）；它是美國電影電視工程師協會制定的最高等級高清數字電視的格式標准，有效顯示格式為：1920×1080.SMPTE.。它是將數字高清信號數字電視掃描線的不同分為1080P、1080I、720P，是一種在逐行掃描下達到1920×1080的解析度的顯示格式，是數字電視和計算機技術的完美融合。

(3)電影拍攝過程中的片比多少擴展閱讀：

視頻清晰度，即常說的高清度，指電影不同格式和版本在清晰度方面的不同高清程度。

數字高清電視720P、1080i和1080P是由美國電影電視工程師協會確定的高清標准格式，其中1080p被稱為數字電視的頂級顯示格式。

1080P帶來的高畫質給消費者帶來的是真正的家庭影院的視聽享受，由於它向下全面兼容其它高清格式，通用性非常強，保證了在未來十幾年的時間里產品不會過時，具有很好的超前性。隨著1080P片源的不斷涌現，1080P產品的優勢已經顯現出來。

D. 怎樣拍一部電影

首先非常感謝在這里能為你解答這個問題，讓我帶領你們一起走進這個問題，現在讓我們一起探討一下。

1． 前期准備

劇本寫作 組織攝制組成員 准備工作

電影開拍前應有一個計劃並仔細籌備，劇本出來以後便有一個依據，製片主任要分門別類把劇中每一人物、道具、特技效果和拍片所需要的項目挑選出來，再將劇本印成若干份分發到包括布景設計師、置景人員、攝影、道具、服裝、運輸等各部門手中，請他們分析詳細計劃，然後制定拍攝計劃和預算。一部電影的賺與賠，在籌備期已經決定了八成以上，所以准備工作至關重要。

2． 影片拍攝 拍攝畫面並錄音

拍攝的成敗很大程度上取決於預先制定計劃時的認真程度與每一個人和每一件設備是否按時到達現場。製片組要確保通知各部門開工時間地點，並預先聯絡好拍攝場景和電源，為工作人員提供運輸工具以及飲食。總之，劇組的吃喝拉撒睡都要負責。為劇組提供群眾演員也是製片部門的職責范圍。

3．後期製作

後期製作包括停機後完成該片所必須的一切工作。停機後，工作只完成了20%，工作樣片還需要剪輯，音響效果需要錄製成聲帶，所有聲帶，包括對白、音響效果、音樂、解說等要混錄合成，字幕需要設計並拍攝，光學效果需要製作，底片要按照樣片搭配好，最後要送審，並合成拷貝洗印，然後發行。

4． 製片還擔任一項重要工作：拉贊助，此活動可貫穿整個製作過程。

————————煙火槍械————————

合法的非執法持槍者，可放炸彈打機關槍，炸什麼都可以，只要電影里需要。香港已經開始發放槍械師執照，大陸則由電影廠壟斷，你可到電影廠拜師。

————————電影特技————————

在影片攝制生產過程中，常會遇到一些難度大成本高或危險性大及難以在生活中拍攝的一些鏡頭和景象。由於常規攝制技術難以完成，這就必須用特技方法來完成。早期的電影特技使用一些常規的特技攝影的手法，除了快速攝影、慢速攝影、倒拍、停機再拍（畫面多次暴光）。

如今數字技術的發展，使電影特技的製作有了極大的飛躍。電子影像的形成、數字技術、計算機圖形學的發展為數字特技奠定了基礎，數字特技即利用計算機處理數字化後的音視頻信號的方法，來實現視覺和聽覺上的特殊效果。

在以上的分享關於這個問題的解答都是個人的意見與建議，我希望我分享的這個問題的解答能夠幫助到大家。

在這里同時也希望大家能夠喜歡我的分享，大家如果有更好的關於這個問題的解答，還望分享評論出來共同討論這話題。

我最後在這里，祝大家每天開開心心工作快快樂樂生活， 健康 生活每一天，家和萬事興，年年發大財，生意興隆，謝謝！

1． 前期准備

劇本寫作 組織攝制組成員 准備工作

電影開拍前應有一個計劃並仔細籌備，劇本出來以後便有一個依據，製片主任要分門別類把劇中每一人物、道具、特技效果和拍片所需要的項目挑選出來，再將劇本印成若干份分發到包括布景設計師、置景人員、攝影、道具、服裝、運輸等各部門手中，請他們分析詳細計劃，然後制定拍攝計劃和預算。一部電影的賺與賠，在籌備期已經決定了八成以上，所以准備工作至關重要。

2． 影片拍攝 拍攝畫面並錄音

拍攝的成敗很大程度上取決於預先制定計劃時的認真程度與每一個人和每一件設備是否按時到達現場。製片組要確保通知各部門開工時間地點，並預先聯絡好拍攝場景和電源，為工作人員提供運輸工具以及飲食。總之，劇組的吃喝拉撒睡都要負責。為劇組提供群眾演員也是製片部門的職責范圍。

3．後期製作

後期製作包括停機後完成該片所必須的一切工作。停機後，工作只完成了20%，工作樣片還需要剪輯，音響效果需要錄製成聲帶，所有聲帶，包括對白、音響效果、音樂、解說等要混錄合成，字幕需要設計並拍攝，光學效果需要製作，底片要按照樣片搭配好，最後要送審，並合成拷貝洗印，然後發行。

4． 製片還擔任一項重要工作：拉贊助，此活動可貫穿整個製作過程。

————————煙火槍械————————

合法的非執法持槍者，可放炸彈打機關槍，炸什麼都可以，只要電影里需要。香港已經開始發放槍械師執照，大陸則由電影廠壟斷，你可到電影廠拜師。

————————電影特技————————

在影片攝制生產過程中，常會遇到一些難度大成本高或危險性大及難以在生活中拍攝的一些鏡頭和景象。由於常規攝制技術難以完成，這就必須用特技方法來完成。早期的電影特技使用一些常規的特技攝影的手法，除了快速攝影、慢速攝影、倒拍、停機再拍（畫面多次暴光）。

如今數字技術的發展，使電影特技的製作有了極大的飛躍。電子影像的形成、數字技術、計算機圖形學的發展為數字特技奠定了基礎，數字特技即利用計算機處理數字化後的音視頻信號的方法，來實現視覺和聽覺上的特殊效果。

很高興回答你的問題，怎樣拍一部電影？

一個人拍電影是做不到的，如果當你心裡非常渴望拍一電影，你要找一個合適的夥伴，你兩個人開始探討，最好是對拍攝剪輯能力比較優秀的，那麼就容易多了，

當你們要有堅決的想要拍的電影，那麼就是想劇情和劇本，要知道很多傳媒公司有著雄厚的資金和優良的設備，因為缺乏足夠好的劇本，拍出的電影也無人問津，對於很多普通的草根而言，不在於設備和資金上的較量，只要劇本好用現有的東西也能拍出獲得稱贊的電影作品，

演員，對於拍電影來講，初期的合夥人有了，劇本也定下來，可總不能自導自演吧，很多導演指導演員行，但是自己上了演就總是演的變扭，所以找一個富有感染力的演員是決定一部電影好壞的關鍵。

君不見黃渤一個人演了一部電影，拉著一頭奶牛，所以很多時候並不是說我們電影拍的設備怎麼樣，劇本的角色多少，都不是主要的衡量標准，對於現在想拍電影的年輕人來說，你要把一種很微妙的 情感 是發揮的機制，拍攝角度和拍攝手法，需要跟隨自己的感覺，

對於電影來說，不完全是導演來安排場景，開始大家都沒什麼名氣，就是拍著電影玩一玩，大家可以很隨意的選擇表演的風格，往往這種風格是一些專業的劇組很難達到的，有時候攝影師是一部電影的第一位觀眾，從他的角度去為觀眾呈現的畫面，需要一種藝術氣息，這裡面需要找到性格比較有個性的人來做。

拍攝的資金問題，對於文藝青年來說，還沒有穩定的工作和經濟收入，即使有，相比這筆資金也不充足，尤其是拍電影這一塊，耗費的時間和精力，以及人員這些都需要支付成本的，所以有能力的話，能拉就盡量拉贊助。

首先，拍電影是一件非常復雜的事情。總的來說，我們寫的文章或繪圖可能很隨意，我們想寫一點。但是電影並不適合於與網路無關的電影或大型電影。這基本上是許多員工共同努力的結果。這也意味著拍攝是應該計劃的任務。奇跡只能出現在先前的概念中，一旦進入拍攝，它們就必須「適合」，並且必須按照計劃執行所有步驟。不是退縮，而是射擊，簡單的心血來潮可能不足以完成任務。

2.您必須先擁有一個劇本。劇本和小說不一樣。小說是文本藝術，它多次關注文本的藝術概念，使聽眾感到「大腦」。但是這部電影最終在觀眾面前發行，這具有很高的象徵意義，因此與電影的最客觀，最具體的描述相同，包括場景，道具，人物，線條等。創建腳本後，下一個考慮因素是「拆分腳本」。根據場景（特寫，特寫，中或遠），鏡頭移動，演員的位置，圖片構圖，場景布局等，分屏腳本的相似性更高。基本上，它可以用決定未來攝影作品的文字來描繪或繪制。 3.各種設計工作。

這就像重新創建場景設計，服裝設計，角色設計，道具設計等以前的想法一樣。在正式開始拍攝之前，許多電影將通過發布許多概念圖來朝這個方向努力工作。

4.選擇一個演員。不用說，除了動畫和非常具有開創性的藝術電影外，電影基本上不需要演員。 5.正式開始拍攝。已經確定了先前的腳本，子鏡像和各種設計工作，因此在拍攝時，演員的表演，場景布局和場景時間表方面必須清楚地遵循鏡子。每個場景都有很多真正需要開始的工作，例如規劃演員的位置，演員的表演，燈光，現場錄音等等。從准備到實際拍攝，最後拍攝只有幾十秒，但是實際拍攝可能需要一天。

6.完成後期製作後，您將需要向編輯器提供大量用於編輯的拍攝材料。當然，編輯也是明確計劃的。當編輯者選擇使用哪個鏡頭時，故事是一致的，故事是吸引人的，編輯可以確定電影的偉大和邏輯關系。編輯完成後，視頻材料將移交給另一個人進行進一步的後處理，例如為視頻著色。後效果，例如簡介，字幕或3D cgi效果。

7.使電影更好。以上是製作電影的實際工作，但是如果您想製作電影，那麼技能就不夠，畢竟電影也是藝術。

例如，鏡片和組合物可以表達主觀意識。相同的場景，相同的演員，不同的場景和構圖會給人相反的感覺。如果沒有特殊研究，還有更多而且很難理解這些電影語言。因此，僅了解工作流程還不夠。否則，我只能說所拍攝的內容與各種視頻應用程序的拍攝內容相同，並且是帶有情節的視頻。現在說電影是電影還為時過早。

8.沒有人可以拍電影。近年來，也許有太多人擔任過董事職務，以至於他們被誤認為「每個人都可以成為董事」，但許多人只是一個董事帽。例如，郭德綱實際上在進行卡通對話，我也想聽，但是我如何突然理解這部電影並成為導演？我們的老師一直提倡「尊重」工作尊重，不應被認為太有價值。因此，如果您對該主題感興趣，則可以慢慢學習並考慮對電影的了解。

電影這個東西，最首要的環節一個是製片，一個是主創。製片即是製片方，誰來安排劇組，聯絡場所和資助，這決議你的開支，非常首要；主創是中心，嚴厲來講包含導演、編劇和編排師三個。但編排本來還好，只需找有根本編排理論基礎和經歷的人來剪，都沒啥疑問，要害首先是劇本要好，其次是導演的才能，至於藝人，說白了即是出現故事的東西罷了，只需有扮演經歷和根本的才能的，都差不多。

1、劇本，自個編寫或找別人代編。主線一定要准備好，有哪些首要場景，怎麼確保聯接、照應。台詞設計好。假如有時間最佳有分鏡頭劇本，提前想好每個場景有哪些鏡頭，機位怎麼擺放、人物的根本動作。

2、視頻設備：尼康D7000，鏡頭是18-105的套頭，以及50 1.8G的標定。外接麥克是飛利浦的SHM1000，隨便接一個作用都會好很多。看你拍哪種微電影而定，一般的最少需求攝像機一台，想製造更精緻點的能夠加上燈火、收音器、輕型滑軌等。

3、做好劇員，安排好拍照次序。盡管視頻能夠補拍，可是氣候、光線、衣服、藝人心情等的改換，讓後期補拍難度較大，根本補即是補一個場景。所以盡量多拍幾遍，爭奪削減補拍也許。

4、拍照期間：盡量運用三腳架，確保視頻安穩。假如是需求加強緊湊感，能夠手持，讓鏡頭有呼吸感，對比簡單營建緊張氣氛。

運用手動對焦，或許爽性防止二次對焦。D7000盡管是有自動對焦功用，但根本是廢柴功用，會不斷發生拉風箱狀況，對焦緩慢。所以盡量少拍照物距的變化，用分鏡頭來替代。 留意景深。拍對話的時分，假如運用正反打，定焦頭的淺景深是必須的，留意不要跳軸。單機位拍正反打，只能是拍兩遍再做後期，有條件的話盡量雙機位吧。

留意麥克風離藝人的間隔。同期聲是對比省勁的做法，後期配音真實費事，所以盡量挑選指向性較好的麥克風，一起確保麥克風離藝人的間隔相差不大，並且關於說話聲音小的藝人，要恰當將麥克風放的近一些，或讓藝人恰當進步音量。

預演也記得要拍下來，很也許第一遍反而是最佳的。NG也不用早早停掉錄像，後期拿來做花絮也是很有意思的。

5．對台詞，磨練演技：在家可對鏡操練表情，若有煽情戲，多回憶往事醞釀心情。

後期製造：此環節直接影響影片的終究作用，建議找專業人士或專業設備解決。

目前微電影還不能獨立上院線，所以也就不存在審批的疑問，傳達方式只要網路。拍的話找電影公司當然更專業，不過微電影這個玩意兒，學生拍的不比入行N年的專業人士差——重點是理念和創造力

拍一部電影不難，拍好難。什麼電影才是一部好電影？在我看來，好電影要同時兼顧藝術性和商業性，即又賣座口碑又好，比如我喜歡的《讓子彈飛》。

拍好一部電影，要從以下幾個方面入手。

1,選擇劇本。

要懂得挑選或改變一個好的劇本。如《肖申克的救贖》

2,資金。

要會拉投資或自己出錢，支付員工工資和拍攝、發行成本，口才要好。

3,人才。

1,組建戰鬥力強的劇組，挑選優秀的製片人、監制、導演、編劇、化妝、道具、美術、場務等

2,組建優秀的演員團隊，挑選票房號召力強，演技高，職業態度良好的演員。

4，製作後期。

剪輯好電影，製造匹配度高的音樂、配樂。

5，發行。

選擇有實力的發行商，加強廣告宣傳。

最後說一句，拍電影看起來很難，但只要把拍電影的流程了解剖析，每個環節逐一完成，統籌兼顧，一定能拍出一部好電影。

首先要有自己想表達的東西

最重要的前提是 RMB

最核心是 劇組 （沒劇組你自拍啊）

劇組成員網路了解一下 還是我打這吧 省事

製片主任、現場製片、生活製片、外聯製片

導演組：導演、副導演、執行導演、場記

劇務組：劇務主任、劇務、劇務助理

美工組：總美工師、美工設計及服裝、道具、化妝等小組

錄音組：設錄音師和錄音員

重點 ！！！ 《 演員 》

以上是一個相對專業劇組的標配（基本）.

E. 電影院的銀幕長寬比是多少,為什麼是這個比例

1.78:1 (16:9)。

IMAX原始膠片的畫面比例是 1.43:1 ，數字IMAX的畫面比例是 1.78:1 (16:9)。 一般電影是 2.35:1
標準的IMAX銀幕為22米寬、16米高，但完全可以在更大的銀幕播放，而且迄今為止不斷有更大的IMAX銀幕出現。IMAX的構造亦與普通電影院有很大分別。由於畫面解析度提高，觀眾可以更靠近銀幕，一般所有座位均在一個銀幕的高度內。

看電影注意事項

減少吐槽：需要注意有些電影可能不會符合每個人的口味，所以在電影院中會出現很多吐槽的人，這時不文明的現象。這樣不僅會影響旁邊觀影人的心情，而且也會影響整個電影院的觀影氣氛。

降低語調：需要注意一般電影院中每個人都是很安靜的，只有電影的聲音。由於電影的情節很好，可能有很多人都會發出不一樣的聲音，盡管這樣，我們在看電影的時候也要盡量降低語調，以免破壞觀影效果。

F. 電影屏幕比例

按照你提供的情況來看

你看到的屏幕比例應該是4:3

4:3 顯示器解析度是多少

800*600；

1024*768 這個最常用

1152*864；

1280*960；

1280*1024；

都是4:3的，兩數之比少以1.3的都是4:3解析度的

拓展內容

我們一般把屏幕寬度和高度的比例稱為長寬比（Aspect Ratio，也稱為縱橫比或者就叫做屏幕比例），寬屏的特點就是屏幕的寬度明顯超過高度。標準的屏幕比例一般有4:3和16:9兩種，不過16:9也有幾個「變種」，比如15:9和16:10，由於其比例和16:9比較接近，因此這三種屏幕比例的液晶顯示器都可以稱為寬屏。此外，如果還有比較特殊的比例，例如24:9，當然也算寬屏。

G. 電影中的固定鏡頭和運動鏡頭的比例是多少啊

沒有固定的比例，根據你的拍攝題材來確定拍攝的內容。

鏡頭語言，燈光，聲音，等等所有的一切都是為了講故事，只要故事能夠講清楚，其他的形式化的東西都是輔助的。

H. 拍攝素材與成片的比例 電影

電影畫面比例的介紹：在電影院中放映的時用的是2.35:1比例，但這並不是全部的原始畫面，而只是其中的一部分，等到製作DVD的時候使用的是原始膠片，這樣我們就看到了比電影院中更多的東西。畫面中的白框顯示了2.35:1的畫面所裁切的部分；目前來說採用4：3銀幕比例的電影已經基本退出歷史舞台，現在主流的電影以2.35：1居多。
一、早期電影的銀幕比例為1.33：1（4：3）；
1、在電影剛剛出現的年代，所有電影的畫面大小形狀都是差不多的。我們一般把畫面寬度和高度的比例稱為長寬比（AspectRatio，也稱為縱橫比或者就叫做畫面比例）。從19世紀末期一直到20世紀50年代，幾乎所有電影的畫面比例都是標準的1.33:1（准確地說是1.37:1，但作為標准來說統稱為1.33:1）。也就是說，電影畫面的寬度是高度的33倍，這種比例有時也表達為4:3，就是說寬度為4個單位，高度為3個單位；這種畫面比例後來被美國電影藝術和科學學院所接受，稱為學院標准（AcademyStandard）；
2、20世紀50年代，剛剛誕生的電視行業面臨著採用何種屏幕比例作為電視標準的問題。為了方便把電影搬上電視屏幕，美國國家電視標准委員會（NTSC）最後決定採用學院標准作為電視的標准比例，這也就是4:3電視畫面比例的由來。這個比例一直到今天仍是電視的主導標准；
二、變形寬銀幕的出現
1、隨著電影通過電視屏幕迅速進入家庭，好萊塢的電影公司發現電影院里的觀眾開始大量流失。為了讓觀眾重新回到電影院，他們想出了新主意：立體電影和寬銀幕電影。這兩種電影的試驗實際上從20年代就開始了，但直到50年代才受到真正的重視。當然立體電影並未真正的成為大眾消費的主流，寬銀幕卻一直傳承下來；
2、變形寬銀幕電影是指用變形球面鏡頭拍攝，把圖象在水平方向擠壓，使得畫面能適合於1.37：1的膠片，如果對著光源直接看電影膠片的話，圓體看起來就會象又瘦又長的橢圓型。當播放影片時，就用帶有變形鏡頭的電影播放設備，利用光學原理重新把圖象拉寬放映，使圖象回到原來的縱橫比。其他畫面比例還有1.66:1和2.20:1（70毫米膠片）等，但我們的介紹集中於1.85:1和2.35:1就行了；
3、實際上也有一些相反的情況：你在4:3的電視上能看到比寬銀幕電影更多的內容。這是因為有些導演（包括詹姆斯·卡梅倫）會使用超級35毫米攝影機來拍電影，這樣得到的原始膠片就是4:3的，在電影院里用寬銀幕格式放映的時候實際上是裁取了4:3畫面的中間一塊
4、等到製作DVD的時候使用的是原始膠片，這樣我們就看到了比電影院中更多的東西。畫面中的白框顯示了2.35:1的畫面所裁切的部分；目前來說採用4：3銀幕比例的電影已經基本退出歷史舞台，現在主流的電影以2.35：1居多；

I. 電影畫幅比例是多少

是4:3的比例，就是說畫面的寬度為4個單位，高度為3個單位。

畫幅比是代影像畫面的長度與寬度的比例， 畫幅比的選擇最重要的就是考慮你的作品是在哪裡播放，比如：最初電視機的熒幕就是4:3 的，那電視劇基本就是採用4:3的畫幅來拍攝。電影畫面是不間斷的通過攝影機拍攝下來的靜止或運動的對象。

電影畫面能表達一定涵義，並能與上下鏡頭畫面進行組接的有可視影象的一段膠片片段。遠景具有廣闊的視野，常用來展示事件發生的時間、環境 、規模和氣氛。全景用來表現場景的全貌或人物的全身動作，在電視劇中用於表現人物之間、人與環境之間的關系。

中景畫面畫框下邊卡在膝蓋左右部位或場景局部的畫面；近景畫面拍到物體的局部成為近景。近景的屏幕形象是近距離觀察人物的體現，所以近景能清楚地看清人物細微動作。也是人物之間進行感情交流的景別。近景著重表現人物的面部表情，傳達人物的內心世界。

J. 《拉片放映室》第十三集--電影里常見的幾種畫幅

《拉片放映室》第十三集---電影里常見的幾種畫幅?

拉片有技巧，觀影有門道！哈嘍，大家好，我是劉導！

學會拉片，讓你技術性的去看電影！

前面講了構圖的時候有小夥伴在私下問電影里《我不是潘金蓮》《布達佩斯大飯店》《山河故人》等電影里圓形、正方形，長方形構圖屬於哪種類型的構圖，在電影里想要表現的又是一些什麼？

那在這里我們就糾正一下很多小夥伴容易混淆或者模糊的概念

構圖（COMPOSITION）和畫面長寬比（ASPECT RATIO）以及正方形、圓形畫幅並不是一回事。

前面我也講過構圖是為了方便傳遞導演的思想，讓觀眾更好的去理解電影畫面，但是電影畫面的長寬比，也就是畫幅，我們大家熟知的縱橫比、寬高比，16:9，2.35：1等等是現在主流常見的電影畫幅。

區分和學習電影構圖可以回看前五、六、七、八集，在學習電影畫幅之前，我們先了解一下電影里常見的幾種畫幅長寬比：

（1）4：3——二十世紀50年代以前，幾乎所有的電影都使用的比例。又稱1.33：1，接近（2）1.37：1。比如：《公民凱恩》、《科學怪人的新娘》

（3）1.66：1——許多迪士尼的卡通片和歐洲電影使用該尺寸。 例如：《從海底出擊》、《小美人魚》

（4）1.78：1即16：9——這是當今許多美國電影所採用的比例。

（5）1.85:1--例如：《蝙蝠俠》、《芝加哥》

（6）2.35:1——這個比例通常用於大片或史詩片。例如：《魔戒》、《星戰前傳》

（7）2.4:1

（8）2.75：1--特殊畫幅

一個電影的長寬比的選擇能反映很多事情，每一部電影都有導演這樣選擇的原因，長寬比最終呈現出來的畫面效果又直接影響了電影畫幅和觀眾的觀影感受。

電影畫幅對於影片敘事影響容易被忽視，實則與創作息息相關。

無論從早前的膠片電影到現在的數字電影甚至以後的VR電影，伴隨著技術的變革與觀影習慣的更新迭代，畫幅作為技術的一種在電影中的使用也日趨成熟多變。  

越來越多的導演開始探索多樣的電影放映尺寸，從標准放映尺寸到近年來用畫幅變化展現人物內心，不僅代表了導演的創作思路和表達方式，更加體現了電影技術的多元化和融合力。電影創作者們也不斷從原有的創作習慣中跳脫出來，在標准畫幅的基礎上，結合情感張力和敘事效果對畫幅尺寸進行一定的修改，使得畫面的重心放在不同的側重點上，並以多種形式參與到電影敘事及藝術創作中去。

而其中比較特殊，屬於實驗玩票性質的有2014年的小眾電影《lucifer》和2016年《我不是潘金蓮》，《lucifer》全片採用了圓形畫幅，導演專門跟布魯塞爾大學研製了一種拍圓形的鏡頭，但並未像《我不是潘金蓮》一樣避免了特寫鏡頭，這是畫幅形狀參與電影敘事。

除了圓形畫幅，大多數畫幅變化的電影還是只是調整了畫幅的長寬比.比如在賈樟柯2015年的《山河故人》里，隨著三個年代的不同也就是1999、2014、2025

畫幅從較窄的4:3到比較流行的16:9，再到主流大片最常採用的2.35:1

清楚了之前的概念，我們再學習一下什麼是電影畫幅？

電影中的畫幅指的是電影放映時所看到的畫面的大小，常用畫面寬高比來定義，也就是畫面寬度與高度的比值。

1839年，達蓋爾發明了銀版照相術，但由於這種技術的感光速度過慢，只適合拍攝靜物，直到伊斯曼·柯達的創始人喬治·伊斯曼發明出新的膠片，隨後才經過研製成為我們常用的電影膠片。  而愛迪生研究的第一台電影活動放映機所使用的膠片尺寸為12.7mm，在之後改進的第二台機器上，伊斯曼配合他製作了更寬的膠片，即35mm膠片。盧米埃爾兄弟在愛迪生研究的基礎上沿用了市面上的35mm膠片，隨後便使得這一規格的膠片得到廣泛應用和迅速普及。並在1925年法國巴黎國際電影會議上，正式確定了電影膠片的標准寬度為35mm，圖像寬高比為1. 33：1，即4：3。

在電影發展的早期，膠片的標准尺寸就是4:3的，符合「黃金分割」比例，視覺效果比較好。許多繪畫作品也採用了這個比例。  這個比例的誕生與愛迪生也有些關系。在膠片時代，愛迪生實驗室的攝影師威廉·迪克森用 35mm 的膠片設定了 4 尺孔高的圖像，圖像寬高比即為 4:3。  

1909年，愛迪生所控制的電影專利公司宣布 4:3 的畫幅比為今後所有美國拍攝和上映電影的標准。之後的電視節目和早期的計算機屏幕也沿用了 4:3 這一經典比例。  與 4:3 的比例類似的是 1.37:1 的畫幅比，當時因有聲電影的發明，需要在膠片的一側記錄音軌，這使得寬高比有了一定的改變，這個比例又被人稱為學院畫幅。

16:9是高清電視的國際標准，那時的高清電視或者網路視頻也多為 1920×1080 的解析度。  這個畫幅比處於 4:3 和 2.35:1 之間，基本上所有畫幅的電影都可以比較好地展現出來，所以也很快成為了影視作品發行 DVD 和藍光光碟時的默認畫幅比。  現在，16:9 也成為了流媒體視頻的首選畫幅，不管你是在電腦還是高清電視上觀看視頻，都能獲得比較舒適的觀看體驗。

2.35:1實際上是把 4:3 的比例進行了 3 次方，這個畫幅比能獲得更寬的橫向視野。  

寬銀幕畫幅誕生於20世紀 40 年代，當時的院線為了與電視機競爭，紛紛推出了寬畫幅的電影，這種畫幅比能獲得更大的視野，與人眼平時的視野更接近，在電影院觀看的時候也很容易獲得沉浸感。  

除了2.35:1這個變形寬銀幕標准畫幅比之外，有的導演還會選擇 2:1， 2.75:1 等特殊畫幅比來拍攝。  

確定電影的拍攝畫幅一般來說是電影前期籌備階段時攝影指導與導演討論的首要問題，直接影響電影的整體風格與攝影美學。目前常見的電影畫幅長寬比有兩種2.35:1和1.85:1。除此之外，還有其他很多略微有些出入的長寬比如2.76:1, 2.55:1等。

大部分老電影的長寬比都是1.37:1的畫幅，俗稱「學院派比例」，類似4:3的一個方塊，如1953年的《羅馬假日》。     

近年採用這種老式畫幅的有2013年的電影《修女艾達》，擔當攝影的是大名鼎鼎的盧卡斯·扎爾（Lukasz Zal）。

20世紀初創作的電影大多使用1.33的畫幅比，如1915年格里菲斯拍攝的經典電影《一個國家的誕生》。直到1927年有聲電影出現後，電影畫面寬高比才逐漸調整為1. 37，因與1. 33相近故也稱為4：3比例。     

「學院比例」作為標准被美國電影藝術與科學學院定義為標准畫幅，成為好萊塢以及全世界最常用的畫幅比。 由於好萊塢電影在全球的影響力，學院比例很長時間內都是國際上認可的畫面標准，並一直延續至50年代。  

在1950年之後，因為電視的大量普及，觀眾在家也可自行收看電影和影像，不再願意花錢去電影院看電影，此後才有了更多中形式畫幅比的探索和創造。  

我們現在常見的畫幅比主要分為「普通銀幕電影」和「寬銀幕電影」，普通銀幕電影主要指的是放映時銀幕上投射的畫面寬高比為1.33:1或1. 37:1，寬銀幕電影又分為寬膠片寬銀幕電影、變形畫面寬銀幕電影、遮幅電影。     

寬膠片寬銀幕電影就是用70mm電影膠片直接攝制而成的寬銀幕電影，畫幅寬高比為2:1。而變形畫面寬銀幕電影的原理是先用變形鏡頭進行拍攝並在膠片上留下變形的影像，在後期放映時需用「反變形鏡頭」將其恢復成拍攝時原本的樣子，這種寬畫幅電影的畫幅比為2. 35:1，如1962年的《安托萬與科萊特》。     

而遮幅電影又被電影業內人士稱為「偽寬電影」，這種畫幅的電影並不是用變形寬幅電影系統的方式拍攝而成，而是用35mm攝影機和與之相對應的電影鏡頭進行拍攝，之後人為的在攝影機鏡頭前加上遮擋框格，就能使畫面寬高比被遮擋成1.66:1至1.85:1的寬高比。

下面，我們以鬼才導演韋斯·安德森、賈樟柯和澤維爾·多蘭為例，探討畫幅對電影創作的影響及其攝影美學。

韋斯·安德森

韋斯·安德森喜歡在自己的作品中用電影畫幅大小的變換來表達影片中人物的情緒，在《布達佩斯大飯店》中，韋斯·安德森用畫幅的不同來表現影片中穿插的不同時間線。不同尺寸的畫幅以交替方式敘述時空，電影由四層結構的套層故事組成，導演用不同的畫面比例代表不同的時代，使電影的時間線索清晰明了，時空設計上別有一番新意。

第一層時空即為影片開頭，女性捧著一本名為《布達佩斯大飯店》的書，前往公墓看望這本書的作者，當時的時間點直指八十年代，畫幅比為1.85:1。     

第二層故事發生在1968年，描述作者與Zero相遇的故事，使用16:9畫幅比表現。     

第三層故事是1932年，Zero講述自己年輕時與布達佩斯大飯店的故事，使用1.37:1的經典畫幅比例。由於近似正方形的畫幅能夠為角色的頭部以上預留更多的空間，也能讓兩個以上人物出現時畫面顯得更為緊湊，更好的展現導演需要的多種可能性。     

影片層層遞進，不同時空不同畫幅的變換，帶給觀眾的不僅是一種身臨其境之感，更能通過鏡頭畫幅的變化給觀眾以不同的觀影感受，導演的創作意圖和對情節遞進的把控十分精確。

賈樟柯導演的《山河故人》，透過不同比例的畫幅影響電影本身的含義和內容表達。

《山河故人》是用畫幅寬高比輔助電影敘事的一個很好的例子，賈樟柯導演利用畫幅比例的變化區別出了影片中故事發生的年份，即1999年、2014年和2025年三個年份。根據時間線引導的過去、現在和將來，畫幅尺寸也由4:3到16:9再到21:9。根據上文所闡釋的不同時代的經典畫幅比，這三種畫幅同樣代表了當時年代裡重要的畫幅應用的尺寸。為了增加影片對過去的懷舊之感，導演甚至運用了當年的影像，並且使用一些老式的DV機進行拍攝，藉此形式最大程度恢復當時那個年代的氣質和風貌。             

在第二個時間線即2014年，由於故事發生的時間與我們的生活十分貼近，所以在畫幅的運用方面也使用了我們最熟悉的16:9的寬高比，這種畫幅尺寸恰好符合我們現在的視覺觀影習慣，在時代感與距離感方面與觀眾更為接近。從九十年代4:3的畫幅到如今16:9的畫幅，畫面比例越來越疏離，也預示著情感的波動和走向。             

到了第三個時間線即2025年的未來世界，導演用寬畫幅表現了未來的時空以及未來主角們的命運。那時移居澳洲的父子遠離故鄉，故鄉的語言已經成為一種無法找回的記憶，Dollor與自己的故鄉——那個汾陽小城失去了根基和聯系。Dollor與自己的家鄉隔著一片太平洋，也是新時代的海外國人與家鄉深深的眷戀與分離的矛盾之感的寫照。                 

在澤維爾·多蘭的作品《媽咪》中，則更加直觀的運用了電影畫幅的變化來表現主人公內心豐富多變的情感。一組在銀幕上將畫幅拉開的場景帶給觀眾不小的震動，原來畫幅比例可以如此簡單明了的展現情感，而並非以隱喻的方式讓觀眾捉摸不透。

第一次變化是真的驚到了每一個觀眾，就像是電影語言一種新的修辭手法，當年戛納放的時候，這個鏡頭一出來全場起立鼓掌5分鍾，可想而知其情緒上的感染力是多麼強大（大概在一分五十秒的時候展開）

第二次展開是媽咪陷入幻想的一段

雖遠不及第一次驚艷，但當畫幅收回，幻想之外的兒子的聲音傳來，猛然拉回如正方形畫幅一般的逼仄現實中，雨聲、紅燈，我看到這里的時候心情頓時低落到了谷底，不得不說澤維爾·多蘭真的很厲害

在影片中，中年單親媽媽與兒子之間的關系一直存在隔閡，情緒表現十分壓抑，為了表現人物的焦躁感和憋悶感導演此時用了寬高比為1:1的正方形，使得人物與人物之間的情緒更加緊湊，帶給觀眾對壓抑氛圍喘不過氣的直觀感受。而隨著故事發展，母子關系趨於穩定和融洽時，主角則親手將逼仄的畫幅拉到1.85:1的寬幅畫面，使觀眾能夠身臨其境的感受到主角此時豁然開朗的心境，也是媽咪對於兒子未來生活的美好想像。

這一舉動並非多蘭為了標新立異或者博得觀眾眼球，而是立足於劇本故事情節以及主角的情緒爆發點做出的具有表現力的客觀決定。這種改變畫幅用以渲染感情的手法，不僅將敘事效果提上了一個台階，更將情感融合的更為直觀更容易被觀眾接納。

侯孝賢導演的《刺客聶隱娘》同樣使用了不同畫幅比的變化來為情節和人物服務，畫幅寬高比為1.41:1。這種鏡頭雖然並非當下常見的電影輸出格式，但對於侯孝賢來說，這種畫幅「拍人的時候很漂亮，七分身或全身，也不會太寬」，符合影片電影美學的設定，所以畫幅多採用這一尺寸。只在部分情節需要時，如公主撫琴的片段考慮到琴身的長度與畫面的美觀將畫幅比變為了寬幅的1.85:1，同樣是為角色和敘事情節服務。  

不僅是畫幅比例的應用，畫幅的形狀也將在未來發揮更具創意的表現。比如馮小剛導演的《我不是潘金蓮》就以圓形構圖形成了對於「無規矩不成方圓」的探討，圓形頭圖也包含一種窺探的意味，不僅使畫幅參與到敘事和情感的表達之中，更體現了導演的哲學理念和表象隱喻。     隨著李雪蓮去了北京，畫幅變成了正方形，以此表現權力中心地的「規矩」。電影中除了圓形畫幅和方形畫幅的切換，另有寬銀幕畫幅的嘗試，對於這樣一個荒誕不經的寓言故事，不同畫幅的使用為隱喻式的表達提供了更多的可能。

圓形畫幅本身帶有一種不符合現實之感，當圓形畫幅中所有帶有隱喻和執念的故事散去，最終才變成了更貼近我們觀看習慣的方形構圖，導演用畫幅講述當雪蓮最終放下執念，生活繼續回到正軌。

關於畫幅在電影中的運用不勝枚舉，不論是展現人物特性或是描繪宏大場面亦或是為了情節發展服務，很多大導演如昆汀·塔倫蒂諾在《八惡人》中的畫幅應用同樣也表現了導演的個人風格和表現方法，採用的寬高比為2.76:1。    

隨著時代的審美和技術的進步，每個時代都有其代表並適應的畫幅比例，而對於導演和我們觀眾來說，學會了解畫幅才能更好的去明白導演的創作意圖，更全面的學會拉片，技術性的去看電影……