1960年好萊塢電影衰落後如何

⑴ 為什麼上世紀二三十年代好萊塢的類型電影能夠成功二戰後又為什麼開始沒落

好萊塢模式是對好萊塢電影產業的一種概括性的統稱，它涵蓋了電影的投資、生產、發行、放映及其後產品開發的各個相關環節和領域，是一種高度集成的電影產業運作模式。 就是籌錢、開始拍、賣出去然後再在電影院里呈獻給影迷，以及賣給受勾引的影迷一些電影相關產品這一系列好萊塢都有一個既定的模式，簡而言之就是人家早就計劃好怎麼讓你把錢從口袋裡拿出來了，並且一逮一個准！

⑵ 世界電影的發展經歷了哪幾個階段

世界電影的產生和發展
（一）十九世紀30年代，電影開始了它的誕生前的技術准備期，也叫做發明期。
早在1829年，比利時著名物理學家約瑟夫普拉多發現：當一個物體在人的眼前消失後，該物體的形象還會在人的視網膜上滯留一段時間，這一發現，被稱之為「視象暫留原理」。普拉多根據此原理於1832年發明了「詭盤」。「詭盤」能使被描畫在鋸齒形的硬紙盤上的畫片因運動而活動起來，而且能使視覺上產生的活動畫面分解為各種不同的形象。「詭盤」的出現，標志著電影的發明進入到了科學實驗階段。1834年，美國人霍爾納的「活動視盤」試驗成功；1853年，奧地利的馮烏卻梯奧斯將軍在上述的發明基礎上，運用幻燈，放映了原始的動畫片。
攝影技術的改進，是電影得以誕生的重要前提，也可以認為攝影技術的發展為電影的發明提供了必備條件。早在1826年，法國的W尼埃普斯成功地拍攝了世界上第一張照片「窗外的景」，曝光時間8小時。而在初期的銀板照相出現以後，一張照片縮短至30分鍾左右，由於感光材料的不斷更新使用，攝影的時間也在不斷縮短。1840年拍攝一張照片僅需20分鍾，1851年，濕性珂珞酊底版製成後，攝影速度就縮短到了1秒，這時候 「運動照片」的拍攝已經在克勞黛特、杜波斯克等人的實驗拍攝中獲得成功。1872年至1878年，美國舊金山的攝影師愛德華慕布里奇用24架照相機拍攝飛騰的奔馬的分解動作組照，經過長達六年多的無數次拍攝實驗終於成功，接著他又在幻燈上放映成功。即在銀幕上看到了駿馬的奔跑，受此啟發，1882年，法國生理學家馬萊改進了連續攝影方法，試製成功了「攝影槍」，並在另一位發明家強森製造的 「轉動攝影器」的基礎上，又創造了「活動底片連續攝影機」，1888年9月，他把利用軟盤膠片拍下的活動照片獻給了法國科學院。
在1888-1895年期間，法、美、英、德、比利時、瑞典等國都有拍攝影像和放映的試驗。1888年，法國人雷諾試制了 「光學影戲機」，用此機拍攝了世界上第一部動畫片《一杯可口的啤酒》。1889年，美國發明大王愛迪生在發明了電影留影機後，又經過5年的實驗後，發明了電影視鏡。他將攝制的膠片影像在紐約公映，轟動了美國。但他的電影視鏡每次僅能供一人觀賞，一次放幾十英尺的膠片，內容是跑馬、舞蹈表演等。他的電影視鏡是利用膠片的連續轉動，造成活動的幻覺，可以說最原始的電影發明應該是屬愛迪生的。他的電影視鏡傳到我國後被稱之為 「西洋鏡」。
1895年，法國的奧古斯特盧米埃爾和路易盧米埃爾兄弟，在愛迪生的 「電影視鏡」和他們自己研製的 「連續攝影機」的基礎上，研製成功了「活動電影機」。「活動電影機」有攝影、放映和洗印等三種主要功能。它以每秒16畫格的速度拍攝和放映影片，圖像清晰穩定。1895年3月22日，他們在巴黎法國科技大會上首放影片《盧米埃爾工廠的大門》獲得成功。同年12月28日，他們在巴黎的卡普辛路14號大咖啡館里，正式向社會公映了他們自己攝制的一批紀實短片，有《火車到站》、《水澆園丁》、《嬰兒的午餐》、《工廠的大門》等12部影片。盧米埃爾兄弟是第一個利用銀幕進行投射式放映電影的人。史學家們認為，盧米埃爾兄弟所拍攝和放映已經脫離了實驗階段，因此，他們把1895年12月28日世界電影首次公映之日即定為電影誕生之時，盧米埃爾兄弟自然當之無愧地成為 「電影之父」。
（二）1896-1912年，電影從幼年期迅速成為一種藝術
早期的電影，還沒有脫離剛剛誕生的痕跡，它以雜耍和魔幻術的姿態，使人們感到新奇。從《火車到站》、《膝行的人》到《水龍出動》、《水龍救火》、《撲滅大火》、《拯救遭難者》等影片，盧米埃爾創造了最早的新聞片、旅遊片、紀錄片、喜劇片等影片樣式。盧米埃爾電影最突出的特點是紀實性，它直接拍攝真實的生活，給人以身臨其境之感，成為寫實自然主義電影風格的開路先鋒，形成了電影的紀實性傳統。盧米埃爾的生活紀實短片在持續放映了一年半時間以後，人們的興趣就在明顯的減弱，以至最後再也無人問津了，這不能不說是時代的局限和自然主義的局限造成的。但剛起步的困境，並沒有影響電影的大勢所趨，另一位法國電影先驅喬治梅里愛應時而出，他使電影從一種紀實性的「活動照相」(亦稱運動畫面)導向了藝術電影，為電影的發展作出了許多創造性的貢獻。
作為機械師，梅里愛製造了一整套機關、機器和舞台道具；作為畫家，他製造了無數個布景和服裝；作為魔術師，梅里愛運用了豐富的想像力，創造了許多新的特技；作為作家，他不斷創造出新的劇本；作為演員，他是他節目中的重要角色；作為導演，他懂得怎樣設計和調動一個小劇團。喬治薩杜爾在《世界電影史》中說：「梅里愛天才的特徵，在於有系統地將絕大多數戲劇上的方法如劇本、演員、服裝、化妝、布景、機關裝置以場景的化分等等，應用電影上來。」他在這方面所取得的經驗，直到今天還以各種形式保留在電影中。
梅里愛以照相的特技代替了舞台上的機械裝置，同樣，由於無聲電影的需要，梅里愛也特為演員們發明了一種新的演技。這種演技雖和啞劇的演技有所不同，但著重誇張，突出手勢，因為它非常注意動作，而對面部表情極不重視。影片《灰姑娘》是梅里愛戲劇電影的代表作，這部取材於歐洲著名童話故事的影片，巧妙地運用了諸種特技手法，把南瓜變成車子；把老鼠變成了馬車夫，對於特技攝影的開創性運用，是梅里愛對於電影的又一個貢獻。
1902年，梅里愛根據儒勒凡爾納和HG威爾斯的兩部有名科幻小說編導了著名的科學幻片《月球旅行記》。這是他的高峰作，在電影史上產生了深遠影響。影片描述了一群身著星相家服裝的天文學家到月球上去旅行的奇幻故事。他們來到一座奇怪的機器製造廠，一些漂亮的女海員搬來一個大炮彈狀的飛行器，當天文學家坐進去後，他們被反射到了月球。天文學家們從飛行器里出來，欣賞了月球火山口附近平原的奇妙風光；他們還受到了由美女扮演的星神們的歡迎。天黑以後，他們從夢中被凍醒，就鑽進了一個大洞窟里，在裡面看到了月亮神、巨型蘑菇和各種稀奇古怪的東西。幾經危險周折，他們又乘炮彈飛行器飛回地球，經過海底奇異的旅行，在一座雕像的揭幕典禮中結束。梅里愛對電影藝術的貢獻，使電影在成為一門獨立的影像視聽藝術的道路上向前邁進了一大步。
在這一時期，不能不提到的是拍攝了《火車大劫案》的鮑特。鮑特在《火車大劫案》中第一次用14個場景來構成一部電影，而在此之前的梅里愛的影片都是從頭到尾一個鏡頭。《火車大劫案》第一次使用多場景來構成電影(嚴格說來它還不算真正的電影，因為那時候沒有鏡頭變化)。鮑特的影片里有了特寫，電影史上很有名的鏡頭就是讓手槍對著觀眾，在影片里已經初步嘗試，但是，對這種鏡頭的美學功能，它的作用還根本沒有任何有意識的認識，所以這只是一種自發的開始走向電影藝術的一個階段。
在無聲電影階段，對電影發展做出了巨大貢獻的是美國的格里菲斯、卓別林和蘇聯的愛森斯坦。
1908年，大衛格里菲斯加入了愛迪生公司，一開始時當演員，後來當導演。從1908年到1912年間，他共導演了大約四百部影片。在《孤獨的別墅》中，他創造了「平行蒙太奇」，標志著電影已完全擺脫了舞台劇的束縛，電影的時空得到了極大的擴展。
這時期美國出現的布賴頓學派對電影藝術的發展也起到重要的作用。布賴頓學派的代表威廉保羅在《彼卡德里馬戲團的摩托車表演》中成功運用了移動攝影。威廉遜還在《中國教會被焚化》首次成功使用了追逐和救援的戲劇式場面，以劃分兩頭的交切手法造成劇情的漸次緊張，給其後的驚險片特別是美國的 「西部片」開了先河。布賴頓學派的另一位代表人物GA史密士在《祖母的放大鏡》和《望遠鏡中的景象》中，同一場景交替使用了最初的真正的蒙太奇形式，特寫和遠景相結合手法的交替使用對電影語言的開拓與應用作出了貢獻。此外，布賴頓學派的柯林斯和哈橋梁爾分別拍攝了《礦工的生活》與《煤礦爆炸慘案》、《囚犯的越獄》等真正描寫現實生活的影片。這一時期，被稱為世界上第一座電影城的法國萬森市，被譽為「世界電影首都」，擁有「百代」「高蒙」兩大電影製片公司。1903至 1909年也因而被稱為世界電影史的「百代時期」。
1908年，世界上第二座影城——好萊塢也在拍攝《基度山伯爵》時初具雛形。其時，只不過是攝影師湯馬斯伯森斯和導演弗蘭西斯鮑格斯共同搭建的一個小小的攝影棚，直到1913年才形成規模。
（三）1913-1926年，無聲電影走向成熟
梅里愛在完成他第430部影片之後，於1913年退出影壇，最後慘死在街頭。一代巨匠在為電影藝術的發展做出巨大的貢獻之後，就這樣靠別了世界。梅里愛的衰落和好萊塢的興起，標志著電影已告別了它的幼年時期，而進入了成熟期階段。
格里菲斯在1915年以藝術家的勇氣拍攝出了世界電影史上的經典無聲片《一個國家的誕生》，在1916年又拍攝了《黨同伐異》。這兩部被譽為電影藝術的典基之作，標志著電影成為藝術的起始，是美國電影史上的里程碑，是當時電影水平的最高境界，也是世界電影史上的兩部經典之作。
格里菲斯的不朽功績是突破了梅里愛時期戲劇電影若干陳舊的陋習。作為第一人，在拍片時，他讓攝影機移動起來，極大地豐富了電影語言，開創性地使用了「特寫」、「圈入」和「切」的手法，又使蒙太奇成為電影藝術的重要組接手段。在梅里愛的特技攝影和英國布賴頓學派對蒙太奇的早期發現的基礎上，格里菲斯創造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一個國家的誕生》里，他充分運用了他發展的特技和蒙太奇語言，影片集中體現了當時歐美電影藝術探索的成果。這部影片在廣闊宏偉的歷史場景中，較好地發揮了電影藝術時空的跳躍自如的特性，同時體現了蒙太奇多線對比、交替的作用。全片由一千多個鏡頭組接而成，不同景別的轉換使用，靈活多變的攝影技巧，是格里菲斯在電影史上的大膽創造。在影片中，近景及特寫等不同景別的組合運用，和諧、變換，各得其所。如大遠景，他用來表現兩軍對峙交火的戰爭場面；特寫，他用來表現人物的細部動作。在拍攝三K黨信馬飛馳的場面時，格里菲斯將攝影機安裝在卡車上，追逐奔馬進行跟拍，取得了緊張、逼真、生動別致的畫面效果。一年後的《黨同伐異》也是標志格里菲斯畢生成就的影片，沖破了古典戲劇的「三一律」限制，創造了開拓銀幕時間、空間的「多元律」。影片將不同時代的事件加以排比和集中，極大地豐富了電影語言，又豐富並發展了平行蒙太奇語言。這部精典巨作，以其疏密相間的節奏，溢彩流光的畫面，移動攝影的美感，宏偉開闊的大膽構思，在電影史上佔有重要地位，促進了電影藝術的發展。
這一時期，電影成為藝術已有公論；另一方面，這一時期，電影已經成為一種企業，電影到此時才有了真正的藝術作品。美國喜劇電影大師查爾斯卓別林，也是無聲電影時期傑出的電影藝術家。1914年，編導了第一部影片《二十分鍾的愛情》。接著，《陣雨之間》又問世，在這部影片中，第一次出現了流浪的夏爾洛的形象。1917年的《安樂街》里，夏爾洛形象顯示了逼人的光輝。《夏爾洛從軍記》一片標志著卓別林表演藝術的成熟。1919年，他自己集資建廠，成了好萊塢第一個真正獨立製片的藝術家。20年代，他拍攝了一批以《淘金記》為代表的著名影片。卓別林一生有80部喜劇電影作品，其中《王子尋仙記》、《大獨裁者》、《凡爾杜先生》、《摩登時代》和《淘金記》等代表作具有永久魅力。卓別林電影的最大特色是：具有鮮明的現實感和尖銳的諷刺性及雅俗共賞的大眾化特色。薩杜爾先生對其作品作了如下評論：「卓別林的影片是唯一能為貧苦階級和最幼稚的群眾所欣賞。同時又能為水準最高的觀眾和學識淵博的知識分子所欣賞的影片」。
蘇聯的著名電影大師謝蓋愛森斯坦是無聲電影時期為蒙太奇理論的建立與發展作出舉世矚目的重要貢獻的傑出代表。 1924年，他導演了第一部影片《罷工》，創造性地使用了雜耍蒙太奇，把沙俄軍警屠殺工人鏡頭和屠殺牲畜的鏡頭組接在一起，使之交替出現，造成了怵目驚心的隱喻。1905年，他導演了世界電影史上最傑出的史詩式的無聲片《戰艦波將金號》，成功地在影片里表現了俄國1905年革命。該片曾多次在國際電影評選中獲獎。影片中著名的敖德薩階梯的場面、段落，已成為影響幾代電影藝術家的經典性範例。1927年，他還導演了《十月》。 愛森斯坦的貢獻在於對蒙太奇理論地闡述和藝術實踐，使之成為一個完整的美學體系。愛森斯坦的藝術特點在於將格里菲斯創造的平行蒙太奇技巧向前推進了一大步；善於運用特寫表現事物的內涵；利用鏡頭的交切形成蒙太奇節奏，揭示人物的內在情緒；充分發揮了蒙太奇的隱喻功能 ，形成「詩電影」的傳統。
（四）1927-1945年，電影作為一種藝術走向成熟
1927年是電影史上具有劃時代意義的一年。《爵士歌王》影片的誕生標志著有聲電影時代的來臨，同時也是電影走向成熟期的標志。聲音使電影由單純的視覺藝術，發展成視聽結合的銀幕藝術，實現了電影史上的一次革命，極大發展了電影的本性，為電影藝術開拓了新的天地。有聲電影從問世到推廣，大約用了五、六年的時間，原因有認識上的、經濟上的和技術上的。特別是一批有名的電影藝術家，留戀無聲電影時期的美學原則，過多挑剔了剛問世的有聲電影的一些弱點。但是，隨著電影藝術家對聲音控制運用能力的增強，以及錄音設備、技術條件的改善，有聲電影才得以正常的發展。
聲音進入電影之後，蒙太奇不僅是畫面組合，同時也擴展至聲畫的對位或對立，因而豐富了蒙太奇的內涵手段。有聲電影取代無聲電影，是符合電影發展的客觀規律的，也是有其客觀必然性的，因為有聲電影的誕生標志著電影走向藝術真正發達的時期。1933年以後，由於技術的進步，電影製作中同期錄音得以改為後期錄音，電影攝影又變得靈活而富有生氣了。同時，蒙太奇理論和手法都有了較大的發展。蘇聯電影大師普多夫金在拍攝《逃兵》一片時，就曾用聲畫對位和對立的配音方法來加強影片效果，使觀眾耳目一新。
1935年，馬摩里安攝制了世界上第一部彩色故事片《浮華世界》。彩色膠片的發明，使得電影藝術又進入了一個新的發展階段。聲音和色彩促使電影更趨近於自然。有的電影創作家，在一部影片中交替使用彩色片和黑白片，因而收到了特殊的藝術效果。
彩色電影的問世，標志著電影從誕生發展達到了完善成熟的發展時期，從此電影藝術進入了新的發展階段。
（五）1946-1959年，電影藝術進入了重要的發展時期
這一時期，世界電影呈現多頭並進的曲折發展時期。美國電影在戰後一段時間里，在世界各地受到了冷遇；戰後的蘇聯及其東歐國家形成四足一方，大體沿著社會主義現實主義的傳統軌道緩慢發展。藝術創作受教條主義和庸俗社會學的影響，少有突破和進展。這一時期，蘇聯的一些電影工作者拍攝出了一批有感情沖擊力的戰爭片和有一定形象感染力的人物傳記片。如《青年近衛軍》、《攻克柏林》、《易北河會師》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海軍上將烏沙科夫》。在斯大林逝世後，蘇聯電影在"解凍文學"的思潮影響下，開始走出僵化的模式。繼1957年卡拉托卓夫《雁南飛》以後，蘇聯電影便出現了再度大發展的局面。西歐的電影大國，如英、法、德、意，構成當時四足並立的另一極。戰爭留下的陰影和經濟困難的制約，西方電影進入特殊的時期，在困難和對手挑戰下，不僅沒有委縮，反而刺激了西歐現實主義電影的繁榮發展。在東方，主要是日本、中國、印度的電影出現了長足的新發展，並先後進入了世界大國之列。日本電影在東方起步較早，二戰期間日本電影步入歧途，而戰後不久便獲得新生。尤其在1950年黑澤明的《羅生門》以後，日本電影引起了世界的關注。印度電影在三十年代開始也有了較好的狹窄的發展。進入本時期後，印度電影因受義大利、法國和蘇聯電影的影響，逐漸從追求豪華的音樂歌舞片而轉向現實。1953年，拉基卡普爾導演的《流浪者》和比麥爾洛埃的《兩畝地》等影片標志著印度電影的新面貌。在1955年，印度影片產量達285部，僅次於日本成為世界第二位。現在，印度電影每年產量多達700部左右，成為世界電影產量第一大國。
這一時期世界電影史上有著重要影響的是義大利的新現實主義電影。新現實主義電影中心代表人物是義大利《電影》雜志反法西斯影評家巴巴羅桑蒂斯和柴蒂尼等。出身於新聞記者和作家的年青導演是他們的響應者，主要包括：德西卡、羅西里尼、維斯康蒂、利薩尼、莫切里尼等。他們要求建立一種現實主義的、大眾的和民族的義大利電影。他們的口號是：「還我普通人」；「把攝影機扛到大街上去」。他們十分重視作品的真實，盡可能使場景和細節具有照相性的逼真誠，基本上利用外景和實景拍攝；不大注重講究文法，不強調蒙太奇剪輯；主張啟用非職業演員，演員在表演中可以即興對話。其代表作品主要有：《羅馬11時》、《偷自行車的人》、《游擊隊》、《警察與小偷》、《大地在波動》、《橄欖樹下無和平》、《米蘭的奇跡》等。新現實主義電影的特點是取材大都是義大利的真實生活的紀實性寫照。新現實主義電影在五十年代中期衰落，但對推動電影藝術的發展，是起到極其重大的作用的。
（六）1960年至今，世界電影從突破創新中走向多樣化發展
繼義大利「新現實主義」電影之後，世界電影史上又出現了規模巨大的第三次革新運動。這次電影運動始於法國，自1959年新浪潮興起，法國電影出現了一條全新的、有效的打破商業電影壟斷製片的道路。新浪潮的口號就是不要大明星，打破明星制度，不要花大價錢拍豪華影片，影片要接近生活等等。這股浪潮蔓延到了全世界，許多國家都出現了新浪潮。「新浪潮」電影運動是一個留下較多實績，在世界電影發展過程中產生深遠影響的電影運動。這次電影運動以反傳統為旗幟，以非理性為基本特徵，是對戲劇化電影更大的一次沖擊。這次電影運動以夏布羅導演的《漂亮的塞爾傑》和《表兄弟》公映起始，特呂弗《四百下》，阿侖雷乃《廣島之戀》在戛納電影節引起轟動為開端。其電影藝術特徵是：影片呈現全新風格、意識流和閃回鏡頭為一些創作人員常運用的表現手段，情節鬆散，眾多生活事件無邏輯地以無技巧手法編輯在一起，表現人物的潛意識活動，缺乏結構上的完整性。
新浪潮後期影片，現實主義完全被拋棄，影片陷入到狂亂、神秘和頹廢的泥坑。其非理性、非情節化的傾向愈演愈烈，導致不久就衰落了，但由於聲勢浩大，且敢於突破創新，所以，在電影史上的影響是巨大的。它既確立和強化了導演的中心地位，又進一步發掘了電影的特性，豐富了電影的語匯，推動了這一時期電影的全球性的大發展，真正形成了電影題材的多樣化、電影樣式的豐富化和電影思潮與流派的多樣個性化。
這一時期全世界的電影事業出現較大的發展。就連拉丁美洲、遠東、阿拉伯世界和黑非洲電影都有了可觀的發展，而過去巴西、阿根廷、墨西哥在世界電影史已佔有一席之地，在這段時期，又有了新的發展，智利、古巴、玻利維亞等國電影也有了新的發展。這一時期，香港電影發展到充斥著整個中南亞電影市場，並影響著整個大陸的局面。所以，本時期世界電影已由過去的四足分立並進變成了全球性大發展。
世界電影發展中有兩個名詞必須要談，一是好萊塢，一是奧斯卡。
上文談到1913年好萊塢電影城初具規模，實際上當1908年攝影師湯馬斯伯森斯和導演弗蘭西斯鮑格斯來到這兒拍攝《基度山伯爵》時，這里還只是美國西海岸洛杉磯郊外的一個小村，這個小村風光秀麗，景色宜人，之所以被稱為好萊塢，意即常青的橡樹林。
自1913年建立以來，這里聚集著派拉蒙、米高梅、福斯、環球、華納等大製片公司，支配著影片的生產以及全世界影片的上映和發行，同時，也吸引著世界各地的導演和演員去那裡拍片和表演，成為美國繁華的電影城市。
好萊塢是美國電影出品的主要基地，據有人統計，生產的影片可以分為75種類型，其中我們較熟悉的有偵破片、西部片、歌舞片、喜劇片、驚險片、科幻片、抒情片，這些製片公司在電影方面大量投資，使電影事業在美國成為一種大規模的工業，取得了世界電影的霸主地位。
好萊塢攝制的影片完全是以票房價值收入為指導原則，製片人關心的是如何多賺錢，要求「把光打在有錢的地方」，「把鏡頭對准觀眾崇拜的面孔」。因此，好萊塢的影片一般都能在商業上獲得巨大成功。這些影片十分講究戲劇性，編織各種人在各種生活中的各種遭遇，結構緊湊、曲折，人物性格復雜、獨特，情節常有誤會、巧合；富有傳奇、浪漫色彩，具有極大的刺激性和觀賞性，能夠滿足要求娛樂的感官體驗和心理需求。
第一部在好萊塢拍攝的電影史根據大仲馬的原著改編的無聲影片《基督山伯爵》，那是1908年在好萊塢的荒野上搭建的一個簡陋的棚子里拍成的。有些人把1913年影城好萊塢的奠基年，這年由派拉蒙公司在好萊塢建立了一個初具規模的攝影棚，並有當時美國東部大導演西帛.地迷爾來此拍攝《通婚著》一片，攝影棚也由此再次擴建，所以人們將這作為好萊塢的誕辰載入史冊。
三四十年代是好萊塢的黃金時代，其間推出了不少傳世佳作，如《亂世佳人》、《蝴蝶夢》、《魂斷藍橋》以及喜劇大師卓別林的傑作《摩登時代》、《大獨裁者》等，這些影片不僅被奉為好萊塢的經典之作，而且也為世界電影史冊增添了輝煌的一頁；世界觀眾並由此熟悉了那些在銀幕上塑造了一個個性格鮮明的人物形象的明星：卓別林、鮑嘉、蓋博、泰勒、勞倫斯、瓊.芳登、英格麗.褒曼等。
隨著資本主義經濟的畸形發展，好萊塢也受過種種危機，通貨膨脹，製片成本大幅度提高，以及電視業的競爭，觀眾審美觀的改變，一度使好萊塢走向低谷。有的公司因此虧損，有些公司乾脆搞多種經營，變攝影棚為旅遊、展覽區。直到70年代，製片商們採用了歐洲的製片人制度，才使好萊塢走出低谷。同時，製片商還引進新的科學技術，創造了立體聲、寬銀幕等電影形式；有的廠家與電視化敵為友，使好萊塢也躋身於電視界，並由此使影視事業走向繁榮。
至於奧斯卡，眾所周知，每年的三四月間，太平洋之濱的美國名稱洛杉磯音樂中心影星薈萃，他們在這里參加由美國電影藝術與科學學院舉辦的奧斯卡金像獎的頒獎典禮。這一年一度的頒獎盛典，不僅是美國電影界的一件大事，也是世界影壇上的一件令人矚目的事情。
在美國，最為著名的電影藝術獎由兩種，一是外國記者頒發的金球獎，另一種是奧斯卡金像獎。比較而言，金像獎更為人們所津津樂道，因為它是美國電影界的最高榮譽，一旦獨占鰲頭，便馬上身價百倍，因此，此項大獎的競爭頗為激烈。
為什麼金像獎命名為「奧斯卡」呢？這還得從金像的設計說起：金像的造型本由米高梅公司的美工師塞德里克.吉木斯構思而成，後由青年雕塑家喬治.斯坦利於1928年完成塑像的製作。這尊金像的主體是一個男人站在一盤電影膠片上，手中緊握戰士的長劍，身長34.5厘米，重3.45公斤，由銅為主的合金鑄成。因塑像呈金色，故稱之為金像獎。得名奧斯卡是在1931年，頒發金像獎之時，說來也純屬偶然：當年頒獎前夕，評審委員會的成員在一起評論金像，當時的藝術與科學院的圖書管理員瑪格麗特.赫里奇仔細地端詳了金像後，情不自禁地叫到：「呀！他看上去真象我的叔叔奧斯卡。」於是，藝術與科學院的工作人員便稱金像為奧斯卡，這個名稱也從此聞名全球了。
奧斯卡金像獎誕生至今已有73多年的歷史了。我們從中可以看到美國乃至世界電影事業的飛躍發展。奧斯卡金像獎原定為兩年評選一次，自1934年起，擴大到每年一次。最初規模不太大，活動只限於電影界內部，且評選消息只在《洛杉磯時報》上發表，直到1953年，評獎的全過程才第一次通過電視媒介向全國實況轉播，同時還增設了一項外國影片金像獎，至此，奧斯卡獎評選成為世界矚目的一件大事。如今，有了衛星作為傳送媒介，奧斯卡金像獎的評選更是家喻戶曉。1989年3月30日，在好萊塢舉行盛況空前的第61屆奧斯卡獎揭曉盛典，主持人當場宣布：世界上有91個國家的十億觀眾，包括第一次收看實況轉播的前蘇聯觀眾通過衛星收看這次頒獎儀式。
總之，從第二次大戰結束以來，電影在技術上是相當完善了，在藝術表現方面也是已經成熟了。我國的電影理論家邵牧君在《西方電影史概論》一書中提出，電影在其百年的發展歷程中，大致可以從四個階段進行研究：
一是形成期(1895年——1927年)，從愛迪生、盧米埃爾在美國和法國發明電影之日起，經歷了從短片到長片，從單鏡頭到多鏡頭剪接，從而形成視覺語言的二十多年歷史。
二是發展期(1927年——1945年)。在這不到二十年的時間里，電影獲得了聲音和色彩，具備了電影藝術的一切必要的表現元素。人們對反對無聲電影的經驗開始了總結，並且在運用音響和色彩方面，在探索電影形象表現潛力方面都展開了認真的研究和實驗。
三是成熟期(1945年至今)，電影在第二次世界大戰結束後已在技術上達到了完善的地步，此後的技術發展不再對藝術表現有重大的影響。電影從此進入了在藝術上精益求精的階段，並在同其他藝術的關繫上，從過去單純的摹仿吸收進行到有取有舍的階段。此外，更值得重視的是，電影這時的不再是單純的娛樂品，而是具有極大的社會影響的藝術門類了。

⑶ 美國好萊塢曾經在20世紀40年代出現低迷狀態，但在20世紀50年代又煥發生機，原因是什麼呢

你把李小龍想得太偉大了，他只是一個動作明星而已，不是救世主。
實際上是李小龍沾了好萊塢重新崛起的好處，而不是反過來李小龍拯救了好萊塢。
原因其實很簡單，主要有三個：
一個是40年代是戰爭年代，美國參加了二次世界大戰，美國將主要國力都投入到了戰爭中，相應的，包括電影業在內的娛樂行業，自然會萎縮，這個道理誰都知道，像20世紀20年代末至30年代初時，美國由於遭到經濟危機，娛樂業比40年代更為不堪，大批電影工廠和劇院倒閉，大批明星無片可拍，大量電影工作人員失業。到1945年戰爭結束，經過5至10年調整期後，電影業自然而然地又煥發了生機，因為一旦和平到來，娛樂行業就必然會發達起來。
二，當時的好萊塢拍電影非常嚴格，有很多規矩，且不能越雷池半步。這些規矩有些非常不近人情，比如不能出現過多的死人鏡頭或不能出現哪怕一點情色場景（所以那時候的電影，大多數很純凈，絕對老少咸宜），否則不可能在電影院放映，只能在私人放映室播放。而在50年代，這些條條框框開始松動，大量娛樂性更強的電影類型出現，吸引了觀眾重新回到電影院觀看。
三，二戰結束以後，美國乃至全球，出現了一次技術革命，新技術的誕生，間接促進了電影技術的發展，比如寬銀幕，就是在那時開始流行起來，還有更清晰的攝像技術，以及彩色電影的誕生等等，這一切都使好萊塢乃至全球的電影行業，再次蓬勃發展起來。

⑷ 從好萊塢電影的發展演變史分析其是否具有內在創新機制

從好萊塢電影的發展演變史分析其是否具有內在創新機制

自1895年電影誕生之日起，作為「第七藝術」的電影已經走過了百年征程。在這期間，無論是德國表現主義的誇張變型，還是法國新浪潮的先鋒詩意，無論是義大利新現實主義的真實質朴，還是前蘇聯蒙太奇學派的理性激進，都給全世界的電影觀眾帶來了各式各樣的美學觀感和精神體驗，而作為世界電影之林中最重要也是最有影響力的美國好萊塢電影，更是以標榜藝術與技術的完美結合而著稱。一直以來，電影工業作為美國的支柱型產業，以其強大的生產體制為基礎，以絕對多數的市場份額作保障，以統一而鮮明的價值觀做宣傳媒介，在一定意義上決定著世界電影的進步軌跡和發展方向。
一、電影科技的創新
好萊塢電影的發展與現代科學觀念的發展密切相關。從初創時期開始，好萊塢電影便確立了技術主義的傳統，每一次的技術上的風暴和革新，都會給不同時期的電影帶來質的飛躍。第一部有聲影片《爵士歌王》的誕生，使電影真正成為能將聲音和畫面結合起來的新的藝術形式，而第一部彩 *** 《浮華世界》問世，更使電影跨過了從黑白到彩色的界限和鴻溝，不僅是視覺上的進步，也是美學上的突破。
隨著時代的發展和科技的進步，最新最先進的科技也總是在第一時間反映在好萊塢電影之中。在好萊塢電影的初創奠基期，愛迪生關於電影裝置的一系列發明為好萊塢電影的發展奠定了技術創新的基礎，他發明的「電影視鏡」第一次使「看電影」成為可能。在他之後，法國的盧米埃爾兄弟發明的「活動電影機」使「拍電影」和「放電影」由夢想變為現實。在好萊塢電影全盛發展的1928年7月，紐約首映了華納公司拍攝的世界首部有聲對白故事片《紐約之光》；1935年的6月，雷電華公司公映了世界第一部彩色故事片《浮華世界》；在隨後的1953年，20世紀福克斯公司攝制了第一部寬銀幕系統故事片《聖袍春秋》。這些為了擴大人類視聽范圍所採用的科技手段，大大延伸了人類的知覺領域。在經歷了整個五六十年代與電視抗衡的蕭條之後，電影終於從電視的陰影中擺脫出來，真正找到了適合自身美學特徵的發展道路，這正是科技進步的結果。從此，製片廠不再從放映裝置和生產電視片方面尋求突破，而是利用視聽語言的革命作為更新穎的傳播手段來與小熒屏進行對抗。從此，視聽革命使得電影的表現范疇被拓展，當然，大投資帶來大回報的利潤激增也使好萊塢這一巨型工業煥發出了前所未有的動力。70年代末80年代初，一系列好萊塢大片紛至沓來，「票房炸彈」式的「大片時代」來臨，《星球大戰》《侏羅紀公園》等影片憑借栩栩如生的角色還原、惟妙惟肖的造型設計、形象生動的模擬聲效等開啟了科技進步的又一先例。進入到當代，以《阿凡達》為代表的3D技術被突破性地運用到電影的表現范疇，CG動作捕捉技術、協同工作系統以及虛擬攝像機的使用使人類的視聽體驗進入到了更為高層次的享受階段。《阿凡達》的成功再次驗證了技術與細節對現代電影的決定性影響。在當代，世界范圍內3D IMAX、巨幕、環幕甚至4D影院的出現，適時地滿足了觀眾的欣賞需求，為觀眾帶來聲畫結合的震撼體驗。展望未來，電影技術的創新將會更多更有力地運用到好萊塢電影之中。
二、電影型別的創新
型別電影的形成和輝煌始於三四十年代經典好萊塢時期，包括如西部片、強盜片、喜劇片、歌舞片等。這一時期，製片廠已經轉向型別化生產。在「標准化」成為好萊塢普遍追求的製作模式的時候，電影的製作和生產就更像是一種生意上的追逐而非美學上的突破了。從敘事構思到發行放映，都是和觀眾密切協調的結果，而非受導演個人的價值取向的影響。這雖然在一定程度上制約了一些導演個人創作的廣度和深度，但同時卻能保證影片在商業上達到相對穩妥的「成功」，這對於當時好萊塢剛剛形成的產業體系來說是至關重要的。在好萊塢，創造性電影製作是一種既能滿足製作者的美學要求，又能訴諸觀眾期待的表達方式，從而成功地反復實踐和確立已經規范化的「常規」，即托馬斯·沙茲所說的「型別產品和洗練的原則」。
從上述意義上來講，型別電影的創新就在於由本型別所延伸出來的型別，可稱作亞型別或型別的雜糅。如科幻電影脫胎於恐怖片，而災難片又脫胎於科幻片。與此同時，這些亞型別又可以在初始型別衰落的年代另闢蹊徑，在原有的型別基礎上創造和開拓出新的表現空間。如科幻電影在20世紀八九十年代迎來第一次高峰，隨著科技的進步，又在21世紀初期大放異彩，至今仍是青少年觀眾青睞的物件。進入新好萊塢時期，隨著觀眾需求的不斷增加，型別與型別之間的界限越來越模糊，界定方法也愈發復雜，甚至漸漸產生超型別電影。今天，似乎很難在銀幕上看到純型別的電影，可以說，正是好萊塢電影自身的創新機制使其相互融合產生出新的樣式來。
三、電影美學的創新
早在電影誕生初期，美國電影就確立了幾種敘事傳統和敘事型別：《火車大劫案》創造性地發展和豐富了電影敘事的流暢性和連貫性；格里菲斯的《一個國家的誕生》和《黨同伐異》將電影的時空表現和敘事語言繼續復雜和深化；以卓別林為代表的美國默片喜劇則成功地將「喜劇」與「戲劇」元素融入電影媒介當中，用電影的時空手段和結構觀念來進行敘事和表意，成功地開創了一種新的型別，為後來的喜劇片打下了基礎。到了經典好萊塢時期，一大批優秀的故事片更是發展並強化了這一敘事傳統，並根據敘事內容和風格的不同，逐漸形成了各具特色的型別片種，開創了新的美學形式。從敘事策略上來看，正如麥茨所講：「一部影片是很難解釋的，因為它很容易理解。」我們之所以能「看得懂」好萊塢電影，是由於我們已經相當習慣好萊塢那套電影語言和敘事策略。所謂「經典好萊塢寫實主義」，基礎就是它能通過中心人物的感知來滲透敘事資訊，從而把技巧隱藏起來的能力，這就適應了觀眾的「窺視」心理，也模糊了「故事」和「事實」之間的界限。 60年代末70年代初，出現了美國先鋒派電影美學及地下電影，這些雖然不能代表美國電影的主流，但卻跟好萊塢電影自身的工業發展和美學演變過程息息相關，並直接影響了新好萊塢時期敘事傳統的轉變。在這一時期，一批不同於經典好萊塢敘事體系和表現風格的影片嶄露頭角，如《邦妮與克萊德》《逍遙的騎士》《畢業生》《憤怒的公牛》等。與法國的新浪潮類似，一批更強調「作者」身份的「學院派」青年導演開始走上創作道路，其作品的先鋒感和創新性開創了另一種視聽語言的表現系統，在當時令人耳目一新。電影本身可以被視為意識形的社會折射，它是一個可以不斷地對意識形態進行反映、復制和再生產的裝置和鏡面，而這一批電影所剖析和表現出來的社會層面的關注話題恰恰是對當時美國社會最真實、最透徹的對映。可以說，在這種意義上的創新不僅具有人文關懷的屬性，更被烙上了大眾文化的印記。
四、電影工業的創新
美國電影企業從一開始就設計出了一套製片、發行、放映電影的系統，它保證了與公眾的經常性接觸。這一「整合」的程式提供了利用從製片廠控制的影院不斷流出的現鈔來生產新的影片的可能，也向製片人提供了衡量公眾對故事和傾向的反應的寶貴反饋，同時也保證了和大眾進行文化交流的手段。如托馬斯·沙茲在《新好萊塢/舊好萊塢》中提到的那樣，「好萊塢生產引人注目的更多是以他們的相似而不是差異」。當製片廠發展並完善了製片體系的同時，也同時精煉了每個過程的每個獨立環節。而隨著後來敘事技巧和故事公式的完善，如何成功營銷從而在院線放映時獲得最大利潤顯得尤為重要。只要好萊塢製片廠維持住這一製作、發行和放映電影的封閉系統，企業的神話製造作用的優勢就能得到保證。八大電影公司（米高梅電影公司、派拉蒙影業公司、哥倫比亞影業公司、華納兄弟影業公司、環球電影公司、聯美電影公司、20世紀福斯公司、華特迪斯尼）成為經典好萊塢時期迅速崛起的公司的原因也正是在於它們垂直壟斷的前瞻性和徹底性。
自1913年，好萊塢建立了製片廠制度開始，八大製片廠就基本上控制了整個好萊塢影片的製作、放映和發行。與此同時，明星制度也是製片廠制度不可或缺的一部分。當時的所謂「明星」，指的是固定出演同一型別角色、作為完善同一種敘事功能存在的電影的元素之一。到了50年代，大製片廠制度解體，壟斷消失。各種中、小型電影公司得以發展。電影的發行也不再只靠製片廠的體系運作，錄影帶市場、網路都成為發行掙錢的渠道。電影的放映也不僅在電影院，五六十年代興起的露天影院、家庭影院、網路電視等使放映渠道更加豐富。大製片廠制度的解體為明星和導演創造更多的自由和選擇權，形成了經紀人制度，在新好萊塢工業中，獨立製片人和經紀人變得更為重要起來。他們既要維持在老製片廠時期同樣的功能：進行必要的資源整合和最大限度的優化，又要在新時期新形勢下，抵禦更強的風險和擔負更大的責任。派拉蒙法案之後，製片廠很多成為發行公司，資助獨立影片的生產。於是許多年輕的電影工作者以一次一部片子的方式把自己賣給獨立製片人或者大製片公司（如喬治·盧卡斯）。以上種種，其實都是體制內的創新。
五、結 語
作為美國乃至全世界最重要的文化產業，美國好萊塢電影憑借其完整的體系架構和純熟的操作機制，在全世界范圍內不斷擴張和演變，成為各個國家和地區發展和革新電影產業的模仿物件。雖然經歷了從舊好萊塢到新好萊塢的變化，但由於其系統內在創新機制的及時調整和演變，在經濟和文化全球化程序中始終扮演著重要角色。中國電影在受到好萊塢電影沖擊的同時，應當從科技、文化和產業策略多方面吸收和借鑒，才能形成和諧共贏的新局面。

從《拯救大兵瑞恩》分析新好萊塢電影的特點

拯救大兵瑞恩開創了一個紀實風格拍攝的戰爭電影風格。被稱為孩子氣電影的導演斯皮爾伯格繼辛德勒的名單之後又一部成功的轉型的電影。
影片反映了強烈的反戰情緒，片中沒有一處是主動的去刻意描寫戰爭，這也正是導演的高明之處，也正體現出當戰爭來臨你不得不去接受的殘酷，以及戰爭給千千萬萬美國人民帶來的傷害。影片的紀實風格也正呼應了導演的意圖，用客觀的角度去描寫戰爭，而沒有去刻意渲染戰爭場面的輝煌與巨集大，但是這種拍攝風格反而更加真實的描寫了戰爭以及給觀眾更深一個層次認識到戰爭是殘酷的。這也正是這部電影的高明之處。

對好萊塢電影的評價

異形大戰鐵血戰士系列是它的衍生系列。有兩部：除了樓主你說那部外，還有部《異形大戰鐵血戰士之安魂曲》

好萊塢的電影都很大氣，在製作上都非常的精緻畫面比較震撼內容細膩，特別是在一些情節的設定上有很大的想像和突破，看了總能讓人有很深思想層次上的思索，或者某些微小情感的共鳴。總之，好萊塢電影是一盤大餐是需要慢慢品嘗的。

好萊塢電影的形式與觀念

形式商業片，獨立製作，與各大電影財團的關系。觀念，商業化，

在哪裡找好萊塢電影的啊？

去 好萊塢 貼吧看看吧！

好萊塢電影的風格是那些？

與哥特、文藝復興、巴洛克這樣的藝術歷史時期不同（以上每個時期的全部風格特點就算是對外行人來說也十分明顯），經典的好萊塢電影擁有一種風格，這種風格總的來說是無形的，一般觀眾難以察覺。它的隱蔽性，很大程度是美國電影熟練技巧的產物，猶如一部講故事的機器。就像亨利•福特創造的以工業化為基礎的流水線生產，以及商業中盡可能採用經濟合理的方式生產汽車產品和其他消費品一樣，美國電影在1910—1920年期間，迅速演化成一種高效的講故事模式，生產運作的每個方面都有助於講述故事過程的流暢性。
結果，故事被毫不費力且高效率地講述給觀眾。它們看上去似乎無根無源，它們不可思議地出現在銀幕上，為了觀眾進行實時消費和娛樂而出現在電影院中，出現在他們面前，好像是自己生長的一樣自然而然。但事實上，它們是被創造出來的，是遵循明晰、簡單、優美、有序、經濟、協調這些經典原則製作出來的。因而，經典作品一般都會避免龐雜、主觀、過於情緒化，力求達到希臘人理想的「過猶不及」（medenagan）的狀態，或者「沒有任何多餘成分」。

09好萊塢電影2012

:so2b./article-7-11731.
回答了很多人這個網站,沒人相信啊!
我親測的.覺得DVD版本
就我給你發的這個就是這幾天上映的這個

好萊塢電影金剛

那個是《巨猩喬揚》，也和金剛一樣很大的一隻猩猩
電影介紹：:ke../view/613600.
優酷視訊：
上集：:v.youku./v_show/id_XMjM1ODAyNjA=.
下集：:v.youku./v_show/id_XMjM1NzY1NTY=.

求感人的不關愛情的好萊塢電影，是好萊塢電影。

以下是本人整理的一些好看經典的溫馨感人電影~
另附本人看片感謝以供參考。
保證你眼淚嘩嘩嘩啊~~~
希望你喜歡~!
人工智慧--------------說的是兒子對媽媽的愛，這部電影是我的最愛，看了無數遍，百看不厭
天作之盒--------------這部電影是根據當年的非典香港醫護人員的真實故事改編..我哭的那個慘啊
阿甘正傳--------------看的我一會笑一會哭~~
螢火蟲之墓------------宮崎駿最感人的動畫電影說的是兄妹的感情~一定要看漫畫版的
這個殺手不太冷--------最後一刻,我震驚了,淚瞬間留下....
勇敢的心--------------尤其是電影最後那一句：「為了自由」.
美麗人生--------------這個已經不用說了~~太經典了~
暖春------------------這個是大陸電影的經典啊~~
阿郎的故事------------很老的香港電影...記得小時候和姐姐一起看..看到最後兩人抱頭痛苦... 推薦
我左眼遇到鬼----------這部也是香港電影。。剛看的時候以為又是一部爛片..後來發現...啊啊啊啊..哭~~~
人狗奇緣--------------再者推薦你一部韓國電影我哭得要死要活的...
導盲犬小Q-------------我是拿著毛巾看完整部電影的..
我和狗狗的十個約定----受不了啊~都是狗狗的~~~
----------------------cmy整理請勿復制----------------------------------
瑪麗和我--------------哭的很慘很慘，幸好結局是好的。
忠犬八公的故事--------又是和狗狗有關的...只要和動物有關...我就會哭的很慘...
小鞋子----------------說得是一份令人感動的堅持..
黑暗中的舞者----------很感人很黑暗很無奈，看完好多年了一想就郁悶。
暹羅之戀--------------絕對的虐心經典之作啊~~~
被嫌棄的松子的一生----這部是前面是虐~~！到最後很感動~！
婚紗------------------雖然劇情依然是換了絕症的主人公...但是催淚功力還是那麼強~！
我的機器人女友--------小出惠介笑起來小狗一般的干凈純潔，天地崩塌的那一剎那，女機器人自斷腰肢救下小出時，最後的微笑……還有,綾瀨遙在裡面好漂亮啊~
比悲傷更悲傷的故事----韓國電影幹嘛老這么虐啊~！
悲傷電影--------------聽名字就很悲傷...
情書------------------是很久前看的了，感覺很復雜，沒有哭，但是一晚沒睡。
媽媽再愛我一次--------當時基本從中間哭到尾的...
瑪麗和馬克思----------我最近看的最有意義的動畫片了~~感觸頗深啊~
肥貓流浪記------------杯具啊~這個小時候看的,還拍了好多部~每一部都看的哭到抽~
愛，回家--------------其實親情片比愛情片更容易讓人哭..去看看這部吧，哭到不行..
情不自禁--------------剪輯啊編劇啊都很強悍，最後我看的哭的不行也感動的不行...
戀戀筆記本------------這個絕對的經典之作啊...無法自拔
海上鋼琴師------------默默的聽著他的鋼琴曲,默默的流淚..
可可西里--------------學校活動的時候,租場地看的,看完全城無聲,都成淚人了...
霸王別姬--------------這部經典之作
外婆的家--------------真的超感人的，看時哭的快虛脫了都
美麗心靈--------------說得是一個真實的故事..看到最後你真的會被感動
----------------------cmy整理請勿復制----------------------------------
天使之城--------------很美麗的愛情故事！是尼古拉斯凱奇演的，超贊的～ 轉型之作
我的父親、我的兒子----從名字就知道他是說什麼的..廢話不多說..感人就是感人..
if only---------------要不要這么感動啊~~~~~
他不笨，他是我爸爸----也叫《我是山姆》，西恩潘演的,一個智障父親和他女兒的故事..看題目我都要哭了..
ps：i love you--------這~~哭死了~~~
面紗------------------法國片子 片子淡淡的 女主的悲傷淡淡的 我也哭得淡淡的....
辛德勒的名單----------最後所有工人送別辛德勒的時候.....
暹羅之戀--------------這真的太心痛而只有難過卻哭不出來...
兩小無猜--------------評價很高是兩小無猜青梅竹馬的愛情故事哦~！
恐怖孤兒院------------真是個難得的好片子，又恐怖又感人....
只是愛著你------------玉木巨集,宮崎葵,後面照片展真是哭...
美女的煩惱------------剛看以為是一部喜劇..但是看著看著到後面你會覺得真的很感人..看到她和他爸爸跳舞~~飆淚..歌也很好聽
小孩不笨2-------------這部影片,也很感人.
充氣娃娃之戀----------好溫馨好感人，小鎮上的人真是太好了
神奇遙控器------------的最後一段在雨中的時候我哭了.... 我只能說這部電影很有教育意義....
折翼天使第三集--------上野樹里演的那1集....哭了....啊啊~~嚎啕大哭啊~
還有很多
這只是一部分
如果lz還有需要的可以hi我
希望樓主喜歡~！^______^ ,cmy整理..請勿復制~！如有復制，投訴處置

⑸ 好萊塢電影的發展歷史

1853年，好萊塢只有一棟房子。

1870年，這里已成為一片興旺的農田。

1886年，從房地產生意發財的富商哈維·亨德申·韋爾考克斯在這里買下了0.6平方公里的土地。好萊塢這個名字來自英語的「holly」（冬青）。韋爾考克斯的夫人一次旅行時，聽到她旁邊的一個人說她來自俄亥俄州的一個叫做好萊塢的地方。她很喜歡這個名字，回到加州後就將她丈夫的農庄改稱為好萊塢了。韋爾考克斯計劃在這里建造一座小城。

1887年2月1日他在地區政府正式注冊此名。在他夫人的幫助下他鋪設了今天的好萊塢大街做為城市的主街，在這條大街和其它大街的兩旁種了胡椒樹並開始出售產權。他的夫人募資建了兩座教堂、一座學校和一座圖書館。為了使好萊塢名符其實，他們還進口了一些英國冬青，但這些植物在加州的氣候下沒有存活很久。

1900年，好萊塢已經有一間郵局、一家報社、一座旅館和兩個市場，其居民數為500人。10萬人口的洛杉磯位於市東11公里處。在好萊塢和洛杉磯間有一條單軌的有軌電車，但這輛電車的運行不準時，每程時間為兩小時。

1902年，今日著名的好萊塢酒店的第一部分開業。

1903年，好萊塢成為一個鎮。當年下的兩個命令是：除葯店外其他商店禁酒，以及不準在街上驅趕數量多於200的牛群。

1904年，一條新的被稱為好萊塢大街的有軌電車開業，使好萊塢與洛杉磯間的往返時間大大縮短。

1910年，好萊塢的居民投票決定加入洛杉磯。原因是這樣他們可以通過洛杉磯取得足夠的飲水和獲得排水設施。

1960年，女演員喬安娜·伍德沃德得到了第一顆星的殊榮。

1985年，好萊塢的商業和娛樂區被正式列入美國受保護的歷史性建築名單。

1999年，洛杉磯的地鐵開通到了好萊塢。

2001年，柯達劇院(Kodak Theatre)在Highland大道開業，成為奧斯卡獎頒獎禮新的舉辦場所。

2002年，一些好萊塢居民發動了一個讓好萊塢自主獨立，不再是洛杉磯一部分的運動。好萊塢市政府決定讓所有洛杉磯居民投票表決。獨立運動被以絕大多數否決。

(5)1960年好萊塢電影衰落後如何擴展閱讀：

電影工業——

20世紀初，紐約和新澤西的電影公司開始遷向加州，原因是這里的天氣好，日照時間長。雖然當時已經有電燈了，但當時的電燈還不夠亮，當時最好的光源是陽光。除此之外，加州視野寬廣，有各種不同的自然風景。此外當時托馬斯·愛迪生持有電影的專利，而加州離新澤西非常遠，因此愛迪生很難在這里控制他的專利權。

在美國東岸，獨立的電影公司經常被愛迪生和他的代理人訴訟。在遙遠的加州沒有那麼多愛迪生的部下。即使他派人來加州，他的人往往比其消息來的晚，這樣一來這里的電影製造商就可以及時躲到附近的墨西哥去了。

1911年第一個電影工作室在好萊塢開業，同年已有15個其它的工作室在這里定居，成千上萬的夢幻製造者緊隨而至。

1923年，今天成為好萊塢象徵之一的白色大字「HOLLYWOOD」被樹立在好萊塢後的山坡上，本來這個字後面還有「LAND」四個字母，是一家建築廠商為了推銷新建好的的住宅社區設置的廣告看板。但它們被樹立起來以後就沒有人去管它們，以致漸漸荒廢。

一直到1949年，好萊塢商會將後面的四個字母去掉，並將其它字母修復。這個招牌今天受到商標保護，沒有經過好萊塢商會的同意，無人有權使用它。

1929年5月16日，奧斯卡金像獎第一次頒發，當時的門票是十美元，共有兩百五十人參加。

⑹ 舊好萊塢是如何解體的

好萊塢可劃分為新舊兩個時期。舊好萊塢（也稱經典好萊塢）階段大約從1930年經濟大蕭條開始，到1960年冷戰初期結束，其間跨越了二戰和戰後幾個重要的歷史時期。在經濟上，舊好萊塢經歷了從電影專利公司（MPPC）到大製片廠制度的確立過程，在藝術上，它確立了所有類型片的模式，這一模式直到新好萊塢階段仍然是不可忽視的因素。新好萊塢階段是指從60年代至今的電影時期，在這個階段，高成本的「重磅炸彈」策略使類型片在表達方式上發生改變，社會意義也走向了多元。新好萊塢是舊好萊塢的延伸和發展，它是電影藝術內部和社會文化環境變化的結果。而在本質上，好萊塢的「夢幻」功能並沒有改變。

由舊好萊塢到新好萊塢是一個緩慢發展漸進的過程，為了便於比較，這里先把舊好萊塢電影的美學特徵總結如下：

（一）舊好萊塢的戲劇電影美學特徵

舊好萊塢電影創作遵循著一種戲劇電影的美學原則，其基本特徵體現在三個方面：

即戲劇化的故事結構，類型化的人物形象和自然流暢的連續性剪輯。

1．經典好萊塢電影在結構故事和展開情節方面明顯地以戲劇化作為基礎：故事情節充滿戲劇的沖突，故事結構完整封閉，故事發展逐次遞進直到結尾的高潮並總離不開大團圓的結局。如《卡薩布蘭卡》《魂斷藍橋》。

2．在戲劇化故事情節結構模式確立之後，好萊塢經典敘事的人物形象構成也自然呈類型化的傾向。根據戲劇沖突原則，人物形象被確立為正反兩個陣營，正面人物和反面人物。例如西部片總有代表正義和法律的警長及貪婪野蠻的印地安人，警匪片有司法和犯罪的對峙。當然，在經典好萊塢敘事中，人物形象在遵循類型原則的大前提下又有無窮的取捨和 變化，但正反兩方人物所構成的戲劇沖突則是好萊塢永恆的法寶。

3．好萊塢經典敘事系統的核心是前面已經提到的連續性剪輯，連續性剪輯代表了好萊塢經典敘事的特徵，既是對戲劇化故事和類型化人物的發展，又是好萊塢製造夢幻和歡笑的基本前提，因為自然流暢的連續性剪輯為觀眾提供了一個簡潔方便而又真實可信的銀幕世界。由於經典敘事系統的剪輯旨在實現逼真性的要求，所以景別使用的順序便具有了特殊涵義：先是建制鏡頭展現整體環境和人物，然後是中景的鏡頭交待人物的動作和反動作，再切入近景鏡頭（包括特寫）將人物面部表情的重要性直接呈現給觀眾，最後還得回到全景鏡頭來結束段落敘事或重建新的時空關系。

4． 好萊塢大團圓結局作為經典好萊塢敘事系統的重要組成部分，在許多好萊塢主流影片中扮演著畫龍點睛的作用。簡單來說，其有兩個方面的涵義：其一是循環型或封閉型故事結構；其二是達到成功和完美的幸福結局。例如在奧遜.威爾斯的不朽傑作《公民凱恩》開始時，鏡頭從報業大亨極盡豪華的「天堂庄園」的大門和大門上「禁止入內」的警告牌緩緩移入，最後則用一個慢慢拉出庄園大門的反向鏡頭結束全片，在影片的敘事結構和鏡頭語言上完成了封閉型的循環。

（二）關於舊好萊塢的類型片

20世紀30—40 年代是美國好萊塢的全盛時期，這期間在好萊塢影片創作中占統治地位的是類型電影，類型電影就是按照不同的類型（或樣式）的規則要求創作出來的影片，實質上它是一種藝術產品標准化的規范。這種規范的電影的實質就是運用一切能夠抓住觀眾視覺和心理的電影表現程式，它常常要比個人構思的有意識追求藝術的影片更能反映出觀眾的興趣和道德標准。類型片是好萊塢製片制度的產物，它從商業和票房的角度進行影片生產，並在大量的藝術實踐中建立並完善了一套電影創作方法。

類型片的主要特徵體現為：

1． 情節公式化2．人物定性化3．銀幕敘事標准化（類型片大都採用單一的線性結構，以時空轉換為順序,以事件發展為線索，較少使用閃回，交叉蒙太奇手法，而著重講述單向發展的故事）4．視覺形象圖解化（如古堡或塔樓象徵危險，幽暗的森林隱藏著災難，實驗室里汩汩作響的試管則孕育著罪惡等）

類型片在經典好萊塢時代的發展經歷了形成期，成熟期和衰退期。其復興期則出現在新好萊塢時代。經典好萊塢的類型片包括西部片，警匪片，歌舞片，恐怖片等。

50年代到60年代，由於電視產業的發展以及其他的政治經濟等社會方面的原因，經典好萊塢的類型片出現了衰退。

（三）新好萊塢電影

（1）好萊塢運動

新好萊塢運動興起於20世紀60年代，這一時期是美國社會的多事之秋，黑人爭取平等自由的民權斗爭風起雲涌，曠日持久的越南戰爭是國內反戰情緒不斷高漲，建立在非理性基礎上的反主流文化盛行。盡管二戰後，美國的經濟已經復甦，但60年代的美國電影也卻遭遇了前所未有的嚴冬。大的製片公司紛紛倒閉或轉產，有的製片廠因財政困難放棄了使用知名導演和演員，而是大膽起用新人，還有的藝術家以較少的資金獨立製片或合資經營電影公司，按照自己的意願拍攝電影，這些電影人由於擁有更大的創作自由度和較少的傳統桎梏而使好萊塢電影開始呈現出新的面貌。興起於60年代的新好萊塢運動為美國影壇奉獻了一大批傑出的導演，他們有卡薩斯特，佩恩．佩金帕，科波拉，丹尼爾．霍佩爾，馬丁．斯科塞斯，喬治．盧卡斯，斯皮爾伯格等。他們為70年代以後的好萊塢電影再輝煌作出了積極貢獻。

（2） 新好萊塢電影的美學特徵（對照於舊好萊塢）

1。 在影片主題與題材上：舊好萊塢電影由於受製片廠制度和政治的影響（美國當時有個《海斯法典》禁止拍攝接觸社會的影片）因而在主題和題材上多為遠離現實和政治的消遣娛樂內容，在創作上體現中產階級的共性，中庸和保守的價值觀，現實主義傾向的影片在這一時期所佔的比重很極少。而新好萊塢電影卻表現出對舊好萊塢電影的反叛，其電影對社會問題的尖銳暴露，批評和抗議，對現實生活直面的廣度和力度都給人以極深的震撼。如阿瑟.佩帕金於1967年拍攝的被稱為新好萊塢誕生的標志性影片《邦尼和克萊》，故事發生在30年代的美國鄉村，是某種意義上的「警匪片」，但卻體現出當代青年反抗的主題：直接反抗社會不公平和禁錮個性的暴力的正當性。受越南戰爭的影響，新好萊塢產生了一批反思越戰的優秀影片，這些影片通過戰爭的生死際遇拷問人性的本真，揭露越戰帶給美國人民的肉體和心靈的創傷，這些影片被稱為「越戰片」。如《獵鹿人》（1978）《現代啟示錄》（1979）《野戰排》（1987）等。70年代，由於受「水門事件」等政治丑聞的影響，美國好萊塢還出現了政治電影，這些影片揭露司法制度，審判制度的黑暗，指責政府腐敗，反映社會不公。而更多的影片則以青年人為對象，表現他們在物質生活高度富足的狀態下心靈的空虛，價值的失落，以及對傳統的徹底反叛。

2． 從影片表現手法上看，新好萊塢電影在藝術上大量借鑒了歐洲藝術電影的創作經驗，電影創作者們在跳出經典好萊塢戲劇電影模式的同時，又吸納其合理成分，在表現手法上突出電影的影像功能。與舊好萊塢比較起來，新好萊塢電影在美學特徵上可以從以下幾個方面來看待：

① 在情節結構上，新好萊塢電影打破追求戲劇性的單向敘事模式，時空轉換更加靈活，不再追求故事情節的完整性而尋求開放的結尾。

② 人物不再定型化，而是根據其性格自身的發展展現其自然本性。善與惡不再是劃分人物好壞的徑渭分明的標准。除此之外，新好萊塢電影在人物和情節的關繫上，使人物不再隸屬於情節而是從情節突出人物。如科波拉的《現代啟示錄》，情節的發展實際上是主人公一步步走向瘋狂的歷程。影片給人的震撼不是情節是否具有懸念性，而是殘酷戰爭環境下人的異化和異化的人：奉命殺死一個戰爭狂人的中尉卻在經歷了種種事件之後變成了另一個狂人。

③ 新好萊塢電影更加重視包括鏡頭語言在內的電影技巧的開拓。新好萊塢電影不追求銀幕上的真實而是運用各種電影技巧是其產生一定的間離效果，也因此，在新好萊塢電影中，各種角度和不同速度的鏡頭，定格，跳接等十分豐富。新的影像語言強化了視覺上的沖擊力，使畫面更具藝術效果，而隱喻和象徵手法的運用則從另一個方面為電影增加了哲理內涵，從而也使影片更具導演個人風格特徵。如科波拉的《教父》，它實際上是把一個美國電影中頗為傳統的「家庭故事」放大為一個家庭的神話，是傳統強盜片中的個人英雄融化在一個無所不在的家族勢力之中，而這個家族則成為當代美國乃至整個資本主義的縮影。

值得提出的是新好萊塢發展到20世紀80年代以後，旨在追求影片視覺效果的商業電影開始出現，其代表為盧卡斯的《星球大戰》系列和斯皮爾伯格的《侏羅紀》系列。這些影片充分利用了電影高科技的成果，特技攝影和數字製作幾乎成為了取代情節的法寶。這些影片所帶來的前所未有的視覺奇觀已經遠遠超出了人們的視覺經驗乃至夢幻，從而給觀者以極大的感官刺激和震撼。

（3）好萊塢類型片的復興

70年代中期以後以斯皮爾伯格的《大白鯊》和盧卡斯的《星球大戰》為代表，一批帶有驚險，恐怖，科幻色彩的電影將觀眾重新吸引到影院里來，這些片子的賣座是好萊塢人重新認識到類型片所蘊涵的巨大的商業價值。於是，各種類型電影在好萊塢再次受到青睞。復興時期的類型片在原有模式上又具有三大特色：一是注重迎合年輕人的欣賞心理。影片大都描繪青年心理特徵，吸納現代派思想，創造前衛的銀幕形象和時尚內容。二是大量加入現代科技成分，特技攝影和數字技術是銀幕更具視覺效果。三是在原有類型片基礎上發展出新的類型片，如倫理片，災難片等。

總之，新好萊塢電影無論在技術上還是在藝術上所取得的成功再度顯示了美國電影強大的生命力，傳統與現代交織的好萊塢依然是不倒的「電影王國」。

⑺ 世界三大電影工業基地

說到電影工業基地，許多人都會想到現今最著名的好萊塢，然而很少有人真正的了解過好萊塢。下面就由我介紹世界三大電影工業基地，有時候我們也許不僅僅是看電影，還可以了解了解電影在哪生產的?

世界三大電影工業基地

1 好萊塢

好萊塢(Hollywood)，又稱荷里活，位於美國西海岸加利福尼亞州洛杉磯郊外，依山傍水，景色宜人。

“好萊塢”一詞往往直接用來指美國的電影工業，由於美國許多著名電影公司設立於此，故經常被與美國電影和影星聯系起來，好萊塢是世界聞名的電影中心，每年在此舉辦的奧斯卡頒獎典禮則是世界電影的盛會 。

好萊塢不僅是影視娛樂明星工廠，也是全球時尚發源地，世界上眾多商品是由於好萊塢的電影而成為奢侈品頂級品牌。好萊塢頂級品牌俱樂部HOLLYWOOD SUPER BRAND CLUB，是頂級品牌運營組織，是一個名副其實的全球頂級品牌俱樂部。

然而當今的好萊塢已經風光不再。盡管還有一些後期製作工廠、電影技術支持公司和幾個大唱片公司仍然位於好萊塢，但昔年奠定好萊塢輝煌的各大電影公司卻只有派拉蒙一家還留在好萊塢。電影業絕大多數最富有和最成功的創作人員早在幾十年前就離開了好萊塢。從四、五十年代開始，好萊塢逐漸走向衰落，從一個風景如畫的住宅、創作和旅遊麥加蛻變為熙攘喧囂、淫亂低級、充滿罪惡的鬧市，到處充斥著低俗的旅遊紀念品商店、毒品販子、乞丐、遊民和妓女，到八十年代末這片衰敗景象達到谷底。

因此，再創好萊塢輝煌成為90年代的洛杉磯市長辦公室的頭等政治大事。具有諷刺意味的是，1992年的暴亂和1994年的地震使洛杉磯得到了聯邦政府的大量撥款，使好萊塢的重整成為可能和必須。重建計劃頗見成效，自1993年以來，犯罪率下降了21%，骯臟破敗的街道煥然一新。許多地標建築被重修，包括好萊塢大道6712號的埃及大劇院。年久失修、具有傳奇色彩的電影宮殿。

埃爾·卡皮坦大劇院，也由迪斯尼公司出資重新裝修，成為迪士尼在洛杉磯的櫥窗影院，是全美票房最高的單銀幕影院。還有其他幾十個工程也都破土動工，包括新建的好萊塢娛樂博物館和好萊塢歷史博物館。加上原有的好萊塢山上的好萊塢標志、好萊塢大門、3.5英里長的明星大道、中國大戲院門前的明星腳手印、好萊塢蠟像館、好萊塢製片廠博物館以及好萊塢紀念公墓等招牌景點，好萊塢每年仍吸引著上千萬遊人，在此消費約十億美金。看來，金絲鎮的輝煌大有卷土重來之勢。

風景名勝

杜比劇院

杜比劇院位於美國加州好萊塢的好萊塢大道上，2001年11月9日啟用，是奧斯卡金像獎頒獎禮的舉行地點。直至2033年，奧斯卡都會在杜比劇院舉行頒獎典禮。

杜比劇院，原名柯達劇院，2012年2月更名為“好萊塢高地中心，2012年5月更名為現名。

中國劇院

好萊塢最重要的景點之一就是位於好萊塢大道上的中國劇院，以知名明星的手印、腳印吸引各國遊客到此一睹明星足跡。中國戲院在1927年5月開幕，以其中國式建築的外觀得名，69呎高的青銅色屋頂高入雲霄，戲院內部也以中國藝術概念所設計。

比華利山

當年的名流巨賈離開好萊塢之後，大都搬到了比華利山，使之成為洛杉磯地區最豪華最富有的住宅區。

日落大道

日落大道一條商業街，它距離市中心1小時車程，位於Sunset出口和Fairfax大街附近。

這條街地處西好萊塢，時髦的服裝店，飯館及咖啡廳鱗次櫛比。而一到晚上，這里又是另外一番景像，各種夜總會，迪廳吸引了成群結隊的年輕人來到這繁華的霓虹燈下。在這條街，你能見到很多的好萊塢明星，但各個營業場所離得比較遠，你有必要打的或借一輛車前往。

環球影城

位於洛杉磯市區西北郊，好萊塢是世界著名的影城，20世紀初，一些製片商開始在這里拍片，到1928年已形成了以派拉蒙等八大影片公司為首的強大陣容。三四十年代以來，好萊塢成為美國的一個 文化 中心，眾多的作家、音樂家、影星就住在附近的貝弗利山上

星光大道

好萊塢星光大道(Hollywood Walk of Fame)是條沿著美國好萊塢好萊塢大道與藤街伸展的人行道，上面有2000多顆鑲有好萊塢商會追敬名人姓名的星形獎章，以紀念他們對娛樂業的貢獻。第一粒星於1960年2月9日頒贈予瓊安·伍德沃德(Joanne Woodward)。截至2013年6月20日上面共有2500顆星。

野外劇場

建於1922年的這個圓形劇場位於好萊塢北端，是一個百色的演唱會專用場所，你經常都會在電視或電影看到這個圓形劇場，甲克蟲樂隊也曾在此演奏。

每年7月初到9月初這里有一個野外音樂會，由洛杉磯樂團和好萊塢野外劇場交響樂團共同演奏。到了周五和周六，你還可以在這盡情欣賞電影音樂，流行音樂以及爵士音樂等多種音樂的演出。

比華利山飯店

比華利山飯店是世界電影界最喜愛的聚會場所。飯店佔地12英畝，沿著棕櫚掩映的日落大道呈條狀鋪開，整個旅館呈粉紅色調，被業內稱為“粉房子”，由豪華套間、舞廳、酒吧、咖啡廳以及高級別墅套房和各色園林所組成，整個設計是文藝復興時代的風格。

派拉蒙電影城

卓越(派拉蒙)電影公司所擁有的好萊塢僅存的片場位於Melrose大街上。這里有為一般人提供的游覽路線。這條路線需時兩個小時，你無需預訂門票，只要在Gower街上的入口處購得門票按指定時間進行參觀即可。

公司

二十世紀福克斯：20th Century Fox Film Corporation (NewsCorporation)

華特迪斯尼公司：The Walt Disney Company (independent)

哥倫比亞：Columbia Pictures (隸屬SONY)

獅門影業公司：Lions Gate Films(independent)

新線影業：New Line Cinema(隸屬時代華納)

派拉蒙電影公司：Paramount Pictures (隸屬維亞康姆)

環球影片公司：Universal Pictures(隸屬通用電氣公司)

華納兄弟：Warner Bros. Pictures(隸屬時代華納)

溫斯坦公司：The Weinstein Company(MGM distributes films)

頂峰娛樂：Summit Entertainment

夢工廠：DreamWorks Pictures(被維亞康姆收購)

米拉麥克斯影業：Miramax Films(被華特迪斯尼公司收購)

米高梅：Metro-Goldwyn-Mayer (被索尼電影娛樂公司收購)

雷電華：RKO(Radio Keith Orpheum)

塞繆戈溫電影公司：The Samuel Goldwyn Company

塞爾茲尼克國際影業公司：Selznick International Pictures

聯藝：United Artists(被米高梅收購)

頂級品牌俱樂部

好萊塢不僅是影視娛樂明星工廠，也是全球時尚發源地，世界上眾多商品是由於好萊塢的電影而成為奢侈品頂級品牌。好萊塢頂級品牌俱樂部HOLLYWOOD SUPER BRAND CLUB，是頂級品牌運營組織，是一個名副其實的全球頂級品牌俱樂部。

2 寶萊塢

寶萊塢的製片廠外景寶萊塢(Bollywood)是對位於印度孟買電影基地的印地語電影產業別稱。寶萊塢時常被誤解為所有的印度電影，而實際上，它只代表部分印度電影產業。寶萊塢是世界上最大的電影生產基地之一，擁有數億觀眾。

印度人將“好萊塢”(Hollywood)打頭的字母“H”換成了本國電影之都孟買(Bombay)的字頭“B”，因而把“好萊塢”變成了“寶萊塢”(Bollywood)。

寶萊塢也被稱作是“印地語(Hindi)的影院”，其實烏爾都語(Ur)詩歌在這里也相當常見，同時英語的對白和歌曲所佔的成分也正在逐年增加。不少影片中的對白中都有 英語單詞 短語 ，甚至整個 句子 。一些電影還被製成兩種或三種語言的版本(使用不同語言的字幕，或者不同的音軌)。[1]

寶萊塢和印度 其它 幾個主要影視基地泰米爾語- Kollywood，特魯古語(Telugu)，孟加拉語(Bengali) - Tollywoord，坎拿達語(Kannada)和馬拉亞拉姆語(Malayalam)等構成了印度的龐大電影業，每年出產的電影數量和售出的電影票數量居全世界第一。寶萊塢對印度以至整個印度次大陸，中東以及非洲和東南亞的一部分的流行文化都有重要的影響，並通過南亞的移民輸出傳播到整個世界。

影片類別

寶萊塢的電影通常是音樂片。幾乎所有影片中都有 唱歌 跳舞的場面。印度的觀眾期望他們的花費物有所值，影片的表演者通常被稱作"paisa vasool"，即“錢之所值”的意思。歌唱和舞蹈、三角戀愛、喜劇再加上超膽俠的驚險場面：一起混和在一部三個小時長的，包含一次幕間休息的，華麗鋪張的表演之中。這些影片稱作“masala”電影，以印地語代表混和香料的“masala”一詞命名。如“masala”香料一樣，這些電影實來是各種東西的混和體。

影片的情節多是通俗鬧劇，裡面有很多些公式化的成分，比如命運不佳的情侶，憤怒的父母親，腐敗的官員，綁匪，心懷陰謀的惡人，淪落風塵的善良女子，失散已久的親人和被命運分開的兄弟姐妹，戲劇性的命運轉折，還有方便的巧合。

當然也有些影片有著多些的藝術追求和復雜些的劇情(比如Satyajit Ray、Mrinal Sen、Guru Dutt、Shyam Benegal、Hrishikesh Mukherjee和Gulzar等人的電影)，但這些電影往往在票房不敵口味更大眾化的電影。然而，寶萊塢正在轉變。他們希望看到不同的印度電影。

應該指出的是，符合大眾口味的電影中也有不少是有價值的，或者作為精雕細琢的娛樂片，或者以其自身的方式有著藝術上的成就。寶萊塢電影的任何一個影迷都能夠列出一系列超過普通masala電影的影片來。

剽竊指控

受到製作周期短和預算少的限制，一些寶萊塢的作者從西方成功電影中直接借來情節甚至場景，一些作曲者也從西方電影乃至其他印度電影中抄襲音樂旋律。多數對西方電影的抄襲都不會受到懲罰，因為西方人對此基本上一無所知;而且，許多印度觀眾本身也不熟悉西方電影和曲調。寶萊塢電影中終究存在多少抄襲是個廣受爭議的問題。有些人說是零星存在，有些人說相當頻繁。

獎項

印度銀幕雜志Filmfare在1953年舉辦了第一屆Filmfare獎(Filmfare Award)。該獎後來成為寶萊塢的奧斯卡獎。雜志的讀者進行投票，最後的頒獎在一個眾星雲集的盛大儀式上進行。該獎與奧斯卡獎一樣常被指責對影片商業成功的關注超過影片內涵。

其中受歡迎的一些獎項包括：

Zee Cine 獎

Star Screen 獎

星塵獎

這些獎項都有精心設置頒獎儀式，歌舞表演，有明星和嶄露頭角的新星參加。

以吸引海外的印度和外國觀眾。幾次典禮分別在阿姆斯特丹、新加坡、英國和南非舉行。

1973年以來，印度政府出資贊助了“國家電影獎”(National Film Awards)，由國家出資的電影節管理局(Directorate of Film Festivals - DFF)頒獎。DFF所面向的不光是寶萊塢電影，還包括其他地區的電影和獨立電影/藝術電影。頒獎典禮由印度總統主持，所有人都因此而渴望獲獎。

影響力

很多人說，寶萊塢的電影形式單一，內容自娛自樂。看一部覺得新鮮，看第二部就覺得雷同，只有印度人才會如此推崇不已。但是對全世界來說，寶萊塢就像印度最美麗的一張名片，展現了印度人獨特的魅力。而今，印度的電影明星們在世界名流的圈子裡風頭日健，不少好萊塢明星開始往寶萊塢發展。寶萊塢明星的婚禮上，可以請到美國前總統柯林頓夫婦和英國女王伊麗莎白;就連美國總統到訪，還傳出了寶萊塢第一美女沒空見布希的消息，可見印度寶萊塢的影響力，越來越大了。

3 香港電影

香港電影(Hong Kong Film)是華語電影的先驅者。華語電影是分割成四個地方發展的：香港電影、大陸電影、新加坡電影和台灣電影。在1997年回歸之前，香港已發展成為華語世界(包括海外華人社會)以至東亞電影的製作基地之一。幾十年來，香港一直是電影工業基地之一和電影出口地之一，人們把它稱做“東方好萊塢”。

起源

1 897年電影開始傳入香港。

1898年開始有商業性電影放映。

1901年出現第一家電影院喜來園。

1909年，上海亞細亞影戲公司在香港拍攝了影片《偷燒鴨》。

1913年，黎民偉和美國人布羅斯基合辦了香港第一家製片機構──華美影片公司，攝制了 故事 短片《莊子試妻》。

1923年，黎民偉又和他的兄弟等創辦了香港第一家全部由香港人投資的製片機構──民新影片公司，

1925年上映了它拍攝的香港第一部長故事片《胭脂》。

電影製作

香港的紙片模式，專業分工、組織結構雖比中國內地、台灣地區完善，但較之好萊塢仍顯得隨意機動，工業化程度遠不夠嚴密有序。

第一，按照好萊塢的工業規則，電影一旦開機便需按部就班，不能隨意更改劇本、變動進度。然而香港的電影導演，比如徐克、杜琪峰等，他們的拍攝 方法 卻大不相同：在保證按時交片的前提下，現場即興發揮、隨拍隨改、有時停工有時趕拍。這種做法恰恰是香港電影黃金時代最正常的作風習慣。

第二，香港盡管也有不少以導演強勢創作著稱的影片。

第三，香港電影素以拍攝迅速為特色。要說香港的拍攝速度有多快，1960年代，香港的粵語戲曲片就有“七日鮮”的紀錄，到了上個世紀90年代這個紀錄幾乎被追平，吳鎮宇導演的《9413》，只用了10天時間，而他主演的《古惑女》，也只用了12天。香港電影之所以要拍攝快，主要是為了趕檔期，既趕明星的檔期，更主要的是為了院線的上映檔期，港片興盛的時候，院線需要大量的港片填充各個檔期，尤其是每年的 春節 賀歲檔，更是必需有巨星坐鎮。

香港電影的主要類別有武俠片/動作片/功夫片、喜劇片、警匪片、黑幫片、文藝片、鬼片、情色片等等。

電影節

香港電影金像獎

香港電影金紫荊獎

香港電影評論學會獎

亞洲電影節

香港國際電影節

亞洲電影大獎

現狀

現在內地的觀眾普遍反映香港電影沒有過去的好看，首先是演員就沒有以前的那樣吸引人。香港目前新生代的女明星沒幾個能獨挑大樑，2015第34屆金像獎最佳新人提名中，王菀之佔了三個提名，可見香港電影新人演員已經到了匱乏的地步。這和過去張曼玉、林青霞、葉童、袁詠儀、王祖賢她們爭芳斗艷的時代已經是天壤之別，好的女演員實在是太少了，拍一部電影都找不到什麼好的女演員配戲。

男演員呢?香港電影眾所周知是以動作片打天下，現在的男演員演戲好的還是有不少，可是能打的就很少了。目前已經不年輕的甄子丹仍然是一枝獨秀，他的新作《葉問3》也已開機，但很明顯，甄子丹之後就很難再找到動作新人。像洪金寶、成龍那樣從小練功的武打演員，現在香港新生代明星中實在是太少了。畢竟洪金寶他們的年月，當時的父母還願意把小孩送去學武，這在今天看來已是很稀罕的事情。極度缺乏巨星和人才，缺乏創意是香港電影面臨的首要問題，如果香港電影想要再度輝煌，就必須有一大批新的電影人才給香港電影注入新的活力，就好像1979年發起的香港電影新浪潮運動一樣，只有這樣，香港電影才能起死回生。

現在香港電影一年當中都很難有30部電影開機，新演員就更難說出頭，王家衛的《一代宗師》之所以能在金像獎上獲得12項獎杯，也是因為競爭中太弱的緣故，如果是《一代宗師》放到1990年代，就很難拿下這么多獎杯了。

缺乏新人，缺乏新作，倚靠中國內地拍攝電影，香港電影其實已經融入了內地電影，以後逐漸就是中國電影了，香港電影和內地電影的區分越來越不明顯。或許，香港電影不是走向了沒落，而是走向了融合。

⑻ 美國好萊塢災難片的發展歷程大致有幾個階段，每個階段有什麼特點（即劃分階段有什麼依據） 答案優秀可追加

誕生早期：
從20世紀30年代開始，英國、美國等都曾拍攝過這類影片。災難片一詞於70年代開始盛行，並成為一種新的樣式。它的題材范圍也逐漸擴大，涉及到天災人禍的各個領域。災難片的大量出現，是在西方電影事業日趨衰落的情況下，一些電影公司為了增加票房收入而採取的手段。70年代以來拍攝的此類影片中，如《海神號遇難記》，描寫了大郵輪海神號在新年前夕遭大風浪襲擊一事。風浪把船整個地掀翻過來，船上大批乘客千方百計逃生。其中，以牧師吉恩·哈克曼為首的一組人在同心協力下越過重重障礙浮到水面上，成為少數戰勝災難的生還者。影片營造了災難降臨時的恐怖氣氛。《航空港75》，描寫了波音707巨型噴氣式飛機在天空與小型飛機相撞，駕駛員全部喪生，飛機凌空盲目飛行的恐慌狀況。 其他如《卡桑德拉大橋》、《地鐵遭難記》、《火燒摩天樓》、《日本沉沒》、《新干線大爆破》等亦屬此類影片。其中的《火燒摩天樓》更是電影史上最大的一部明星薈萃的災難片，由美國「災難片之王」歐文.艾倫導演，片中匯集了包括保羅.紐曼在內的大小明星百餘位，描寫了人們親眼目睹大火把整幢大樓燒毀的情景。該片曾獲8項奧斯卡提名，並勇奪3項桂冠。初期的災難片由於技術原因，場面顯得不是十分火爆，但是情節卻都是十分緊湊。
發展中期：
90年代開始到2006年左右的這段時間，是災難片高速發展的時期。尤其是90年代初到2000年這十年中災難片呈井噴的式的出現，而且確實佳片不斷。因為隨著電影技術的高速發展，將災難的場面更真實的展現在觀眾面前，成為了當時災難片興盛的主要原因。而且災難片在那個時候已經出現了幾個明顯的分支：病毒類災難代表作：恐怖地帶（1995，達斯汀.霍夫曼主演），滅頂之災（2008），人類之子（2006），驚變28天（2002），驚變28周（2007），我是傳奇（2007）。怪獸類：怪獸類：哥斯拉（1998），侏羅紀公園系列，苜蓿地（2008）,近蛛者殺（2002）。大自然災害類：活火熔城（1997），山崩地裂（1997），完美風暴（2000），龍卷風（1996），紐約大地震，泰坦尼克號（1997）。科幻末日類：獨立日（1996），絕世天劫（1998），世界大戰（2005），後天（2004），彗星撞地球（1998），2012（2009），地心搶險（2001）。90年代初到2000年這段時間，可以說是災難片的黃金時間，不僅電影精彩，而且票房口碑都不錯。而且不少題材都是關於外太空與異性生物。那時的災難片有著典型的美國英雄主義，大多是主人公有著高度的責任感去拯救地球與危難，表現了人與自然抗爭的不屈精神。2010年前5年間，隨著電影技術的更上一步的發展，導演也把題材選為了人力不可抗拒的世界末日題材，這時的電影沒有拯救世界，而是毀滅世界。而且觀眾對於災難片的要求越來越高，災難片數量大幅下降，代表作屈指可數。要麼就是畫面驚世駭俗，代表作《後天》，《2012》，要麼就是題材新穎，大牌壓陣，代表作《我是傳奇》。而且近幾年來看，災難片似乎很難再造成當初那種轟動效應了，唯一一部《2012》也是災難大師千呼萬喚始出來的作品。災難片正在經歷一個空檔期，題材的匱乏，觀眾的要求越來越高，對於高科技畫面的不屑，造成了近年來災難片的整體下降趨勢。
至於未來怎樣，我們都不清楚，就看那些導演們怎麼想了。
要支持原創啊，累死我了。呵呵

⑼ 美國五十年代電影衰敗的原因

1. 50年代電視普及對電影致命一擊。
電視在當年是新鮮事物，而且在家就能觀看，更方便花費更少，電視不單能看劇情類節目，還能看新聞看天氣看股市看科普節目，相比電影電視可謂一機多用，電視吸走了大量的電影院觀眾，電影院上座率持續下降
2. 殘酷的清洗。
1947年，「非美活動調查委員會」(以下簡稱「非美」)進入好萊塢，開始了長達八年(1947-1955年)的政治問訊，受牽連者數以百計。在好萊塢的編劇、導演和演員三大行當中，編劇因其創作思想的激進性而首當其沖。隨著這些優秀藝術家被逐出好萊塢，美國的電影行業也由三四十年代的反映社會現實的黃金時代走向了五六十年代的低谷