如何看待90年代以來的獨立電影

Ⅰ 何謂「獨立電影」及其模式

「獨立電影」的概念來源於上個世紀中期的Hollywood。當時的Hollywood由所謂「八大電影公司」所壟斷，一部電影拍攝的運作遵循步驟嚴謹的「製片人制度」。這種「製片人制度」的目標完全瞄準市場，期望獲得最大的利潤，因此，盡管這種制度為電影事業帶來的大量資金，但也限制了電影創作者的發揮空間。於是，一批電影人擺脫「八大電影公司」的控制，自籌資金，甚至自己編寫劇本，自己擔任導演，拍出了許多與商業電影截然不同的思想性強的電影，被人們稱為「獨立電影」。

從技術角度上講，「獨立電影」是指某部電影在資金投入和製作上不隸屬於任何電影集團、公司(或製片廠)，主要依靠製片人或導演本身通過各種渠道融取資金，甚至包括個人出資等形式來製作影片。在國外它是對一部影片經濟投入程度的標識（不過獨立也可以有大製作），在國內它僅僅意味著一種簡便的拍片手段。獨立電影在題材、拍攝手法、表達方式上由於受到出資方的影響比較小，所以可以涉及到一些主流影片較少涉及的范圍，也更能不表現出電影製作者的個人特點。不過同時也是由於資金的原因，往往獨立製片的場地、道具、演員、服裝等等各方面都會受到影響。
「獨立電影」的概念來源於上個世紀中期的Hollywood。當時的Hollywood由所謂「八大電影公司」所壟斷，一部電影拍攝的運作遵循步驟嚴謹的「製片人制度」。這種「製片人制度」的目標完全瞄準市場，期望獲得最大的利潤，因此，盡管這種制度為電影事業帶來的大量資金，但也限制了電影創作者的發揮空間。於是，一批電影人擺脫「八大電影公司」的控制，自籌資金，甚至自己編寫劇本，自己擔任導演，拍出了許多與商業電影截然不同的思想性強的電影，被人們稱為「獨立電影」。

從技術角度上講，「獨立電影」是指某部電影在資金投入和製作上不隸屬於任何電影集團、公司(或製片廠)，主要依靠製片人或導演本身通過各種渠道融取資金，甚至包括個人出資等形式來製作影片。在國外它是對一部影片經濟投入程度的標識（不過獨立也可以有大製作），在國內它僅僅意味著一種簡便的拍片手段。獨立電影在題材、拍攝手法、表達方式上由於受到出資方的影響比較小，所以可以涉及到一些主流影片較少涉及的范圍，也更能不表現出電影製作者的個人特點。不過同時也是由於資金的原因，往往獨立製片的場地、道具、演員、服裝等等各方面都會受到影響。

中國獨立電影

王超—《安陽嬰兒》
睜開兩眼看嬰兒
真正地面對真正

於曉洋—《迷岸》

呂樂—《詩意的年代》

呂樂—《趙先生》

章明—《巫山雲雨》

王小帥—《十七歲的單車》

王小帥—《扁擔·姑娘》

賈樟柯—《站台》

賈樟柯—《小武》

法國獨立電影

偷渡者

慈善生意

自顧不暇

懷念我的人請坐火車來

巴西火車站

偽君子

浪子回頭

厄運難逃

愛情無價

愛情·數學與性
房事和聲

賓戈

待價而沽

阿莉絲與馬

日本獨立電影

第一代獨立電影導演
黑澤清 Kurosawa Kiyoshi
石井聰亘 Ishii Sogo

第二代獨立電影導演
諏訪敦彥 Suwa Nobuhiro
青山真治 Aoyama Shinji
阪本順治 Samkamoto Junji

多面手的獨立電影導演
冢本晉也 Tsukamoto ShinyA

紮根地方製作電影的導演
中江裕司 Nakae Yuji

90年代通過PFF出道的年輕導演
矢口史靖 Yaguchi Shinobu
橋口亮輔 Hashiguchi Ryosuke

來自其它行業的電影導演
SABU
中野裕之 Nakano Hiroyuki

因錄像電影成名後進軍影院電影的導演
三池崇史

對獨立電影進行新的探索的導演
李纓 LiYing

參考資料：http://id-5923.blogbus.com/logs/2004/04/154685.html

Ⅱ 獨立時代的影片評價

《獨立時代》：一部試圖偉大的電影
在帶著《獨立時代》前往康城參賽之前，楊德昌專門寫了一篇文章，裡面說道，「這部電影的主題是『我們』，迄今西方尚未有緣一識的我們那最隱私的一面。」這樣的表白極容易讓人聯想到所謂的「他者印象」——出現在權力關系、支配關系和霸權關系中的羅曼司、異國情調、美麗的風景、難忘的回憶、非凡的經歷，或者是東方之壯麗、殘酷和縱欲。當然，楊德昌在這里不是投合，而是自省。在他看來，文化立場的差異性後果不僅沒有帶來多元的豐富，反而在交流中設置了透明的過濾柵欄。在這樣的狀況之下，「東西雙方自我反省的努力必須是相互的，沒有這種雙方自我檢討的努力，一切文化的交流及溝通都將毫無意義。這部電影，代表了我在東方的這一半世界裡，向這交流溝通的努力付出一己之責。」
這樣的宏旨大意對於一貫嚴肅的楊德昌來說，並不顯得過分。相反，倒是影片的「活力喜劇」風格有一點異樣。事實上，在此之前的「台北三部曲」，《海灘的一天》、《青梅竹馬》和《恐怖分子》，以及後來的《牯嶺街少年殺人事件》的確可資證明他是台灣地區最優秀的導演之一。而《獨立時代》的審思姿態則證明了楊德昌作為文化先鋒的敏銳的感受性與責任心。在臨行康城之前，他慷慨而悲壯地宣稱，「這部電影談的是我的信念，不論最後我們賦予『人』這個名詞是何等地定義，我都深信我們都屬於同樣的人類。如果不然，我們又何必拍電影？如果我們的思想不能在共同的基礎上交流，國際影展還有什麼意義？」可惜《獨立時代》無功而返。
這種遺憾當然不能代表什麼，但《獨立時代》的確只是楊德昌的一部試圖偉大的電影。 《獨立時代》:台北版的「清明上河圖」
台北是一個現代的大都市，在經濟高度發達的今天，他們的生活面貌是什麼樣子的？我不可而知。自從台灣想從中國分裂出去開始，我對台灣便沒有什麼好感。但是，畢竟都是中國人，在經濟高度發展的過程中，我們似乎在生活或工作中都面臨著很多相似的地方。台北人的生活，或許是我們一個很好的參照對象。而把他們生活展現給我的，便是楊德昌。
對於台灣電影，我以前不怎麼了解，只是覺得他們的文藝片拍的有唯美和人性的感覺。除了候、楊和李三位大導演，其他的導演我幾乎不涉獵。可是，我最喜歡的楊德昌導演已經去世了。
在眾多電影中，楊德昌的電影卻是我每每回味的對象。《獨立時代》是他1994年的電影，我已經看了多遍，之所以沒有寫一些感想之類的話，是因為我似乎覺得自己並沒有完全明白很多東西，而隨著時間的推移，我覺得有必要先將我現在的一些感悟記錄下來，因為，記憶會隨著時間而發生某種偏差。
看了楊德昌的《一一》、《麻將》，再回過頭來，看他最早的電影，才發現他先前的作品一樣的精彩，只不過在敘事風格上更為寫實。而我把《獨立時代》也概括為台北版的「清明上河圖」。
在90年代，作為「亞洲四小龍」之一的台灣，經濟實力在世界上佔有重要的地位，與美國和日本之間的經濟貿易帶動了人民生活水平的極大提高，因此，也帶來了文化上的沖突。台灣自從離開大陸後，他們對於中國古典文學的普及一直都沒有中斷，而這一點似乎是大陸所不能及的。在古典思想和現在思想的激烈對抗下，在金錢和內心的激烈比拼中，這到底是一個什麼樣的社會？《獨立時代》似乎給我們了一些參考。
影片開頭引用《論語》子路篇中一段：子適衛，冉有僕。子曰：「庶矣哉！」冉有曰：「既庶矣，又何加焉？」曰：「富之。」曰：「既富矣，又何加焉？」（大體意思：孔子到衛國去，冉有是作為隨從並駕車。孔子到了衛國看到人很多就發了一句感慨：「人真多啊！」 冉有就問：「人多了以後，應該如何啊？」孔子就說：「讓他們富起來了！」 冉有又問：「人富了以後再如何啊？」）不過在這里，楊德昌省略了孔子的話：「教之。」
然後緊跟著，字幕上就是「兩千多年後，台北在短短二十年間變成世界上最有錢的都市。」這兩段話連起來，那麼影片所要描述的故事自然就很清晰了。台北就是那個衛國，可是誰是孔子？
隨後，一個「電影導演」的自白，更像是楊德昌對自己的「嘲諷」。話語中由電影到政治，把整個台灣的政治環境用簡潔的話進行了概括。「大同世界」這四個字，讓我想起了鄭智化的《大國民》。其實，台灣的政治從來都是一鍋粥，從來都是搞一些笑話出來。也正因為如此，一個地區的政治亂了，人自然亂了，有了錢又能如何啊？
片名的英文似乎告訴了我們：智者的困惑。那麼楊德昌現在正想用自己的鏡頭去解答這個問題。因此，從一開始，我就覺得楊德昌的這部電影就要完成這樣一個目的：他想讓我們在富裕之後有所考慮，找到自己繼續生活的動力。而不是像《麻將》中那樣：很多人都不知道自己想要什麼，都是靠別人告訴他。
在這幅巨大的「清明上河圖」中，生活著這樣一群人，我們似乎在他們身上可以找到自己的影子。我發現我說的越多了，越是畫蛇添足，我於是將每個影片段落的標題貼了出來。有的話說多了就失去了它的意義，而真正的樂趣在於各人的理解。
其實，看這樣的電影，我的心是沉重的。在這樣的人之間，我不但找到了自己的影子，也看到了自己的一些困惑。而如何將這樣的困惑的生活化解掉，我只有自己去體驗。
任何事情都是靠自己走，電影只是一種參考，就如書籍一樣。而「清明上河圖」也只能作為一種借鑒。其實，每個人都能成為自己的「孔子」，而每個人都能在生活中獲得更多的樂趣。
我並沒有找到最後的答案，因為很多東西根本沒有答案。就借用孔子的「智者不惑」來說吧，我們必須為自己找個理由活下去，做一個「智者」，這樣才會沒有太多的困惑。（作者：四少）

Ⅲ 如何看待20世紀90年代至今中國電影的發展

從混亂掙錢到有序掙錢。

Ⅳ 有關獨立電影

題目比較大，其他的沒找到，貼個文
世紀末年代，中國獨立製片呈現出詭異多變的色彩。1999年8月，由BJ電影工作室獨資製作的超低成本影片《男男女女》在第52屆瑞士洛迦諾國際電影節上獲得國際影評人大獎、由藝瑪公司投資的《洗澡》在聖塞巴斯蒂安和多倫多國際影展上獲獎，恰好標識著中國獨立製作電影的兩種路線和成績。

由崔子恩編劇，劉冰鑒導演，楊青、於博主演的超低成本個人獨立製作影片《男男女女》自去年8月以來頻頻亮相於瑞士、法國、英國、瑞典、加拿大、韓國、奧地利的重要電影節，除正式參賽獲獎之外，所到的展映活動中無不備受矚目，影評人和觀眾們都驚異於編導人員對女／男同性戀愛開放而平和的態度，以及影片對中國公廁文化饒有趣味的"展示"。

與這部影片相對，尚未在國內公映，《洗澡》在國外已經先熱起來了，先是在第24屆多倫多國際電影節、第43屆西班牙聖塞巴斯蒂安國際電影節上，分別獲得國際影評人協會的最佳影片獎和最佳導演獎，最近又獲得40屆希臘Thessaloniki國際電影節最佳影片獎和最受歡迎影片獎。與此同時該片在海外市場大賣，先後簽下包括美國、日本、法國、英國、德國等主要市場在內的20多個國家的合同。著名的索尼公司在看過影片後當即決定向《洗澡》打開主流院線的大門。該片海外代理方稱《洗澡》是他們所代理的國外影片中成績列在第二位的，而在中國影片中（包括香港、台灣）是從未有過的。《洗澡》很朴實，正如洗澡本身的意義一樣。創作者以新穎的表現手法，將現代社會情感風雲濃縮於澡堂這樣一個相對獨立的世界裡，突出了豐富多彩的人性中的趣味，並顯示出創作者對現實生活強烈的人文關懷。其中有它輕松幽默的一面，是中國人際社會中的世故與尷尬；也有它深沉感動的一面，是中國人面對情感的內向與自省。沒有人能把一件簡單的事情纏繞到像《洗澡》中的情況一樣，讓人想哭想笑，沉浸在文化的反省里不能自拔。

《洗澡》所帶來的震驚與感動正是早些年獨立電影在美國年輕知識分子階層所產生的震驚與感動，那是來自心靈最深處的認同與領悟，是來自人生最大喜悅、最大悲傷之後的休憩，是所有一切不滿現狀的人們的微笑，是所有正在進取的人們的標牌。今天，獨立製片在中國同樣以自己的力量證明了自己的存在。

《月蝕》影像節奏與風格顯得格外年輕、充滿活力與張力，在"敘事"上也打破"秩序"，將不同的時空混合攪拌，並讓人物跨越時空的阻隔得以"對視"，其中的驚人之筆俯拾即是。作為第一次獨立編導影片的王全安顯現出不凡的才華與靈智，攝影高飛為中國電影提供了一個嶄新的樣板，作為主演之一的胡曉光的表演也已達到爐火純青的地步。這部影片在上海國際電影節賽外放映之後，立即贏來如潮好評。它與《男男女女》一樣，令影展觀眾感到新鮮又有趣。可以說，它們代表著中國新電影最自由無拘、任達暢意、不容塵封與羈勒的品質。

自1990年張元獨立製作低成本電影《媽媽》以來，中國獨立製作區域坎坎坷坷已歷經10年途程。在國際影壇，這些由個人或小公司出資拍攝的影片不僅贏得了一大批國際影展獎項，而且對海外觀眾形成相當強有力的沖擊，成為他們觀看中國的一扇又一扇玻璃之窗。

從世界電影史上看，電影業是先有獨立製片後有國有製片或大公司壟斷製片的。中國的情況也不例外，最初的電影都是由個人出資獨立完成的。新中國建國後，電影製片全部國有化。直至推行新的經濟政策以後 ，個人或公司投資拍電影，報經電影局審批，才成為"新生"現象。

80年代末90年代初從事獨立製片創作的電影人很少，其艱難程度與其開創性同樣重要。最初完成影片製作並在國際影壇獲得好評的主要有三個人的三部作品：張元和他導演的《媽媽》、何建軍和他編導的《懸戀》、王小帥和他導演的《冬春的日子》。無一例外，這三位導演的三部影片都採用黑白膠片，都在歐洲地區的國際影展上獲得過重要獎項或者好評。由於他們和它們的促動，中國獨立製片電影的運作一發不可收束。截止1999年年底，這類影片已將近30部，其中在國際影展上入圍的已有20多部，獲得各類獎項包括幾項金獎的影片已達10餘部，將近獨立製片總數的半數。如果講到中國電影的光榮，即便閉上雙眼也不能不對他們／它們的重要地位予以首肯。

希望對你有幫助，我也認識很多朋友在拍獨立電影的，比較多的是北京的，有些多次獲獎，但是獨立電影要堅持下去很難，就怕一時熱情過後難以克服各種困難挑戰。
愛電影自己想拍的也不少，但是在國內給獨立電影展現的空間太狹小了，有點可惜。
希望看電影愛電影的人能聚集起來發展形成一種文化氛圍。

Ⅳ 90年代中國電影的一些看法

留下qq郵箱，我發你一些電影論文
或者你hi我

Ⅵ 什麼是90年代的電影，盡管有著名演員，卻似乎被遺忘了

還記得U2的主唱那個時候寫過一部由梅爾·吉布森（Mel Gibson）主演的電影嗎？其他人也沒有。

溫姆·溫德斯（Wim Wenders）的《百萬美元酒店》（Million Dollar Hotel）已被人遺忘。您可能會認為，由波諾（Bono）構思並由梅爾·吉布森（Mel Gibson）主演的電影會吸引觀眾。它僅在有限的影院上映中就獲得了59,989美元的收入，直到14個月後在視頻上發布後才重新出現。

Bono最初是在1987年拍攝這個故事的，當時他拍攝了「街上沒有名字」的音樂錄影帶。十年後，他們籌集了800萬美元的預算來拍攝這部電影。

令人印象深刻的演員也被組裝。傑里米·戴維斯（Jeremy Davies），米拉·喬沃維奇（Milla Jovovich），吉米·史密斯（Jimmy Smits），彼得·斯托瑪（Peter Stormare），阿曼達·普拉默（Amanda Plummer），多納·洛格（Donal Logue），朱利安·桑德斯（Julian Sands）和蒂姆·羅斯（Tim Roth）加入了吉布森的製作。

雖然這是一部可能只在1990年代才存在的電影，但最終於2000年2月9日在柏林國際電影節上首映。

在紙面上，《百萬美元大酒店》聽起來像是一部吸引人的電影。由Wim Wenders導演，根據Bono的故事，U2的電影配樂以及以FBI特工為中心的故事進行調查，該特工調查了一個由陌生居民居住的酒店中一名居民的死亡。取而代之的是，它提供了一個自我放縱且奇怪的小獨立游戲，毫無意義。

吉布森放棄了通常的薪水要求以出演這部價值800萬美元的電影，也通過他的偶像製作公司（Icon Proctions company）擔任製片人，他在接受采訪時稱這部電影「像狗的屁股一樣無聊」，對此他確實感到遺憾。為了像聯邦調查局探員傑克·斯金納（Jack Skinner）那樣表現復雜而am昧，吉布森完全沒能做到這一點，而且似乎比其他任何事情都難受，導致了一個奇怪的轉折，這是他整個職業生涯中最容易誤判的。

Ⅶ 如何評價中國的獨立電影人

電影人是一個寬泛的概念，從製作者本身到影展的發行者，都可以算是電影人。

不管任何領域，大家都給我幾個比較集中的特質：

1、對電影的赤誠（同樣也要耐得住寂寞）

2、執著和韌勁（包括不斷地學習能力）

3、對創新邊界突破的智慧和勇氣

當前我們看到的冠名商，大多僅針對項目本身冠名，但仍然保留了整個FIRST的完整。

Ⅷ 如何看待20世紀90年代至今中國電影

《20世紀90年代以來的中國電影》以20世紀90年代以來中國大陸電影作為研究對象，特別著力於新生代電影的審視，從文藝美學的角度，對主要電影創作現象進行深入的、細致的解讀，對新生代電影的演進歷程，做了切合實際的評述，介紹了張藝謀的電影創作，最後作者談到了全球化語境下中國電影的應對策略，《20世紀90年代以來的中國電影》適合電影界相關人士和電影愛好者閱讀。

Ⅸ 請問美國當代獨立電影的特點請詳細，謝謝

獨立電影來源於英文「independed film」，又被稱為獨立製片電影，它是與好萊塢主流電影相對應的一個概念。眾所周知，電影發展成一個成熟的產業基本上是在好萊塢完成的，在大製片廠制度、明星制、類型片模式等逐漸成型以後，好萊塢的電影工業也基本上成熟了；好萊塢成為世界電影工業的中心，其在美國本土的地位更是說一不二，已然成為電影工業的代名詞。但是電影的特性決不僅僅只能用商業來衡量，從電影誕生的那一天開始，其作為藝術形式和思想表達工具的一種，就不斷的被人們探索著、實踐著。當然，從整個電影發展史的角度來看，好萊塢電影工業對電影在全世界的推廣起到了至關重要的作用，但矯枉難免過正，電影工業的過度發達，必然會損害到電影藝術的發展，因此，有一批藝術家們開始不考慮商業利益，僅以個人意志為標竿，自籌資金開始了電影創作，這種創作就被冠以了「獨立電影」的名頭。

獨立電影發端於上個世紀60年代的美國，最初僅僅是對好萊塢製片體制的一種反叛。但隨著電影事業的發展，現在的獨立電影，已經不能僅僅從製片體制上來區分了。在當今，獨立電影更加類似於「作者電影」，在形式上、精神內核上都呈現出某種內在的特性，是不是被製片商納入電影工業體系，倒並不重要了。也就是說，所謂「獨立電影」，更多的應該是從其藝術、思想特性上來考察，至於製片體制，則僅僅是個參考指標罷了。如果一部電影從一開始，就能保證按照藝術家的自由意志來進行創作，而製片商僅僅作為投資人的角色出現，並不幹預影片的具體內容，那不管該片在片頭加上米高梅的獅子還是派拉蒙的雪山峰，都不會影響其作為獨立電影的身份了。

獨立電影發展到今天，已經是一個被廣泛接受的概念了。事實上，世界各國都有所謂「獨立電影」的稱呼，從廣義上來說，只要是游離於該國主流（商業/官方）電影體系之外的電影創作，都可以被歸入到獨立電影的范疇里去。這也就造成了獨立電影在質量上的參差不齊，根據創作者的個人水準，它既有可能是上乘的藝術精品，也有可能是粗製濫造的垃圾。但相對而言，獨立電影最為發達、取得成就最高的地區恰恰是商業電影最發達的美國，所以，以美國獨立電影為例，能夠讓我們對獨立電影有一個相對全面和較為深入的認識。當然，單純從概念出發，紀錄片、動畫片都可以被算在獨立電影之列，但在實踐中，獨立電影一般只是指劇情片，在這里，我們也是從劇情片的意義上來指稱「獨立電影」的。

多元的靈魂

美國是一個多元的社會，在這里，各種各樣的文化、思想和價值觀念都能找到自己的一席之地，這也是美國獨立電影之所以層出不窮的一個重要原因。當然，主流的「權威」聲音還是存在的，但對熱衷於獨立電影創作的藝術家們來說，那些聲音只是「Bull Shit」罷了，他們所要做的，是發出他們自己的聲音。對獨立電影來說，重要的不是你說了什麼，而是你說了。

這種開放、多元的文化形態也直接造成了美國獨立電影的開放和多元。基本上，美國獨立電影的題材是沒有任何限制的。政治、暴力、情色、科幻、犯罪，甚至莫名其妙的夢幻，都可以成為獨立電影的題材。因此，我們很難用某一種具體的類型來涵蓋獨立電影——那些類型片的劃分方法通常只對好萊塢商業片有效。

獨立電影的多元特徵甚至能從它們的創作者身上得到印證，如果你仔細考察一下，你就會發現獨立電影導演們往往出身於不同的種族、階層、地域，他們各自有最擅長的題材領域，這些領域交織在一起，就構築成了美國獨立電影的復雜景觀。比如約翰·卡薩維蒂，這位「美國獨立電影之父」，就是出身於希臘移民的家庭，希臘人對家庭觀念、家族關系的重視，也自然而然的影響到了卡薩維蒂的創作，所以，在他的作品中，我們能很清晰的看到他對美國家庭細致入微的觀察和拷問，貫穿卡薩維蒂作品的，就是這種深入人物內心的對家庭以及由家庭所帶來的各種關系的反思；大名鼎鼎的伍迪·艾倫則是出身於紐約布魯克林區的猶太知識分子家庭，這樣的家庭環境使得伍迪·艾倫的作品由衷的散發出一種知識分子的氣息，因此，我們可以看到，他總是在批判，從《安妮·霍爾》到《梅蓮達與梅蓮達》，伍迪·艾倫的知識分子責任感一點也沒有消退的跡象；同樣是出身紐約，同樣是大腕級導演的斯派克·李則站在了另一個截然不同的角度，由於膚色的原因，種族問題成了斯派克·李電影中揮之不去的主題線索，平民家庭的出身又讓斯派克·李的電影街頭味十足，二者相疊加，所構制出的斯派克·李的電影風貌與伍迪·艾倫自然是大相徑庭，同是紐約城，但在兩位藝術家的眼裡，卻有著截然不同的景象；吉姆·賈木許的父親是匈牙利人，母親是伊朗人，這樣的血統使得賈木許的電影就多了幾分「異客」色彩，很明顯的一點就是賈木許的作品中所蘊含的非基督教的思考方式，顯然，作品中的這種特點與他的家庭出身——特別是他的那位伊朗母親不無關聯；大衛·林奇動盪的童年生活和他在費城貧民區生活的經歷，則讓他的作品總是黑暗色彩十足，而且充滿了對腐敗、暴力的恐懼感，這與其他導演的風格又是迥然相異的，有所謂「林奇主義」之稱。

即使是同樣一個題材類型，在不同的獨立導演那裡也往往有不同的視角和觀點。以性愛為例，在伍迪·艾倫的《性愛寶典》那裡，無厘頭的鬧劇解構了傳統的性愛模式，插科打諢的玩笑取代了原本嚴肅的討論，為了把這場鬧劇進行到底，伍迪·艾倫甚至親自扮演了一個喋喋不休的精子（天哪，也只有這傢伙能想得出來）；而在索德伯格那裡，性愛又成為指代當代人精神危機的一個符號，所以在《性，謊言，錄像帶》里，性愛都是扭曲變形的，只會讓人們焦慮不安，而絕不會有伍迪·艾倫般的輕松搞笑；到了格雷格·阿拉奇的《三人同床》那裡，性愛則成為了年輕人標榜自我、張揚個性的有效途徑，它既不沉重、也不搞笑，甚至連既有的模式也沒有，幾乎走向了一種「性愛虛無主義」；而在理查德·科恩的獨立電影短片中，所有的性愛又都是變態、畸形的自我表達手段，是徹徹底底的淪喪和頹廢……總之，獨立電影的導演們，各有各的風格，各有各的主題，這種多元化的面貌混雜在一起，也就成了獨立電影的整體景觀。

當然，雖然多元，但相對的中心還是有的。從地域上看，美國獨立電影的中心是在紐約，這或許有些諷刺意味：紐約是全美乃至全世界的經濟中心，是商業化氛圍最濃厚的地方，怎麼會孕育出反商業的獨立電影？主要原因莫非如下幾點：一來從文化上看，好萊塢屬於西海岸的太平洋文化圈，紐約則屬於東海岸的大西洋文化圈，兩地在文化屬性上的迥異，為獨立電影在紐約的興盛，奠定了文化上的基礎；二來從經濟上看，紐約雖然經濟發達，但電影產業的中心卻是在好萊塢，紐約不能也不可能再樹立起一個商業電影的體系，這也就為獨立電影預留了生存空間；此外，紐約作為一個龐大的都市，其文化消費也是多元、多層次的，單一的好萊塢商業電影無法滿足芸芸「紐約客」的眾多口味，獨立電影的出現，也恰好填補了這個空白。不過，隨著近幾年獨立電影的發展，紐約的中心地位已經開始動搖，相信在今後的幾年中，美國獨立電影應當呈現出一種無中心的散亂發展態勢。

黑色幽默

美國獨立電影里的黑色幽默，更多的是一種心酸的幽默，用來作為那些邊緣的、社會底層的小人物的精神寄託。這種幽默所造成的情感效果，要麼是對他們自身的憐憫，要麼就是對那些虛偽的「大人物」的嘲諷。後者的主要代表就是伍迪·艾倫，這位知識分子氣十足的獨立電影導演，以誇張、嬉鬧的喜劇見長，而且大都是對傳統和權威的顛覆，特別是他的早期作品，如《香蕉》、《性愛寶典》和《傻瓜大鬧科學城》，就是對好萊塢的政治片、情色片和科幻片等經典類型片的嘲弄和戲仿。但這些嘲弄、戲仿絕不是無價值的、廉價的笑料，而總是發人深思，並讓人在笑過之後，頗感幾分心酸。在伍迪·艾倫中後期的作品中，這種黑色幽默獲得了長足的發展，不再僅僅是針對好萊塢，而是對整個社會和人性本身進行調侃、諷刺了。例如在《星塵往事》、《人人都說我愛你》和《子彈橫飛百老匯》里，人性、愛情、暴力、幸福等深層次的概念取代了好萊塢，變成了伍迪·艾倫的靶子。盡管聽起來有些玄乎，但伍迪·艾倫天才的喜劇本領總能抖出意想不到的包袱來，讓觀眾們捧腹。即使是那部被認為是向伯格曼致敬的最晦澀的《星塵往事》，還是清楚的能看到伍迪·艾倫的自嘲，他在這部影片中大肆模仿歐洲藝術電影大師們的技法，以致於被評論界語帶嘲諷的稱為是伍迪·艾倫的「9又1/2」，但伍迪·艾倫不僅接受了這樣的評價，還心安理得的把它當作自己最出色的作品。當然，對好萊塢的嘲諷是伍迪·艾倫永誌不忘的主題，最具有代表性的就是《開羅的紫玫瑰》了，這部影片好萊塢電影工業製造夢幻進行了辛辣嘲諷和對抗。影片中真實世界和電影世界形成巨大的反差，也是片中各種噱頭笑料的來源，這無疑是在把現實生活和電影中誇張、粉飾了的生活做著對比，從而對電影工業提出兇猛的反詰。影片選擇的大蕭條時期的歷史背景，也是伍迪·艾倫用來刻意強調銀幕內外反差的重要條件。這是伍迪最重要的作品之一，它對電影本身的思考已經使它具有經年不朽的獨特魅力。

而更直接的，對小人物自身的嘲諷，則是大多數獨立電影導演的常用技巧。如科恩兄弟就是個中翹楚，從他們踏入影壇的《血迷宮》開始，這種溫柔、謙遜而又略顯怪異的黑色幽默，便成了科恩兄弟作品的標記。尤其是《血迷宮》一片，它是獨立電影史上一部具有里程碑意義的影片，這部影片的內容和形式上的基本特徵，影響了以後很多的美國影片，尤其是90年以後出現的大量獨立電影作品，幾乎在十年後成為一種潮流。不過《血迷宮》還只是科恩兄弟的初試啼聲，數年後的《巴頓·芬克》才使得科恩兄弟真正的蜚聲國際，同時，在這部作品中哥倆的黑色幽默也走向成熟。與伍迪·艾倫一樣，在《巴頓·芬克》中，也充滿了科恩兄弟對好萊塢的嘲諷，也許這是《血迷宮》成名之後兄弟倆切身感受的體現。對於那些好萊塢大亨們來說，《巴頓·芬克》中的電影公司老闆就是他們的典型代表，金錢至上的態度使他可以跪下去吻一個編劇的腳，也可以把一個不符合要求的職員一腳踢開，毫無人情味可言，當然，所謂電影藝術更不在他的考慮范圍之內。在這之後，科恩兄弟的《赫德薩克代理人》、《法爾戈》和《謀殺綠腳趾》，都承襲了《巴頓·芬克》中的黑色幽默風格，藉由這種黑色幽默，科恩兄弟不僅延伸了他們在電影中對金錢、藝術的思考，更使他們在商業上獲得了意想不到的成功。而2000年的《老兄，你在哪裡》則成為繼《巴頓·芬克》之後，科恩兄弟創作歷程的又一個里程碑，這部描述三個笨賊越獄的電影，竟然是改編自史詩《奧德賽》。在這個故事中，科恩兄弟對美國歷史和政治進行了隱喻式的探討，追尋著美國民主政治、宗教以及民眾心態在上個世紀30年代的歷史性變遷，在這一點上，影片可以被稱為一部史詩而當之無愧。例如在這部影片的結尾，科恩兄弟的黑色幽默讓影片本該具有的悲劇色彩最終有了一個喜劇的結局：天降洪水救出了即將被處死的三個笨賊。看來，科恩兄弟在這里調侃的不僅是好萊塢的老闆，而是《聖經》的老闆了。

同樣的例子還有昆汀·塔倫蒂諾。這位迷戀中國功夫的美國電影奇才，也是以黑色幽默的風格而著稱的。從他的成名作《水庫狗》開始，這種以黑幫、犯罪、暴力等為主要對象的嘲弄和諷刺，就已然成為昆汀特有的標記；而在《低俗小說》里，所有的黑幫成員都被描繪成齷齪、愚蠢、缺乏正常思維能力之徒，他們在弱者面前往往虛張聲勢，而遇到比他們更強的角色，就手忙腳亂不知所措，甚至甘願接受人格、肉體的侮辱來擺脫窘境，十足一幫跳樑小丑，讓人忍俊不禁；在昆汀的近作《殺死比爾》里，這種「黑色暴力美學」更是發展到了極致，女主角揮舞著武士刀，與日本黑幫火並，殺個人比踩只螞蟻還簡單，這種場景，恐怕也是昆汀對好萊塢濫用中國功夫的嘲諷吧！

這種黑色幽默在吉姆·賈木許的作品中也是司空見慣。例如他那部《鬼狗殺手》，影片的主角是一個以日本武士的方式做殺手的美國黑人，但賈木許找了個大胖子來演繹這個角色，看這個幾百斤的黑哥們在銀幕上大耍武士刀，展轉騰挪，本身就是一找樂的事，但這還不算，賈木許還讓殺手用「飛鴿傳書」的方式跟他師傅聯系，加上Hip-Hop音樂的襯托，更是讓人捧腹。除了《鬼狗殺手》之外，《天堂陌影》、《神秘列車》、《你看見了死亡的顏色么》，乃至最近的《破碎花》，如果細細品味，你就會發現其中隱含著不少的黑色幽默的橋段。雖然賈木許的影片素來以冷峻、異樣和對美國文化的疏離而著稱，但其中的黑色幽默成分，卻是地地道道的美國貨。

美國獨立電影中最典型的黑色幽默片的代表，還得數凱文·史密斯的《店員》。這部只花了2萬7千美元的獨立製作，足以讓1994年乃至整個90年代的好萊塢喜劇電影汗顏。故事很簡單，主角是兩位普通的店員，他們的生活中並沒有發生什麼驚天動地的大事，但導演匠心獨運，讓二位主角經歷了一連串看似啼笑皆非但又都在情理之中的糗事：開店沒有生意；關店去打高爾夫球，卻洋相百出；去參加葬禮，甚至打翻了棺材……影片的故事都是發生在一天之內的，雖沒有直接的聯系，但卻演繹得絲絲入扣，導演編故事、講故事的能力實在是讓人佩服。故事稀鬆平常，卻飽含著深刻的哲理，在這樣一連串的小故事中，人與人之間的交往被不斷的反思著，最後向我們揭示了一個看似簡單卻常常被忽略的道理：善待你身邊的親人和朋友，時刻不要忘記。《店員》的成功很大程度上還要歸功於那些精彩的對白，凱文·史密斯天馬行空，不忌葷腥，牢牢抓住了年輕人的口味。

此外，在獨立電影中，往往會有一個或幾個出彩的喜劇角色，來貫穿全片的黑色幽默。如《木蘭花》中的湯姆·克魯斯，《我愛哈克比》中的達斯汀·霍夫曼，《為所應為》中的塞繆爾·傑克遜，等等。他們這些角色的設置，給原本嚴肅的影片增添了幾許輕松色彩，看似無足輕重，其實承前啟後、結構全篇，在表演上也有較大的空間，所以，欣賞這類角色，看著他們的扮演者大飆演技，實在也是一件過癮之事。

自由·反叛·暴力

對獨立電影來說，自由，應當是其最核心的特性所在了。這里的自由，不僅是指擺脫了商業羈絆的自由，更是指表達自我心靈的自由。從這個意義上來說，所謂「獨立電影」，其實也就是「自由電影」。當然，自由也就意味著沖破束縛，而沖破束縛，又意味著對既有的反叛。如此說來，獨立電影所特有的獨特精神內涵，也就是這種「自由的反叛」了。

所以我們會發現，在許多獨立電影里，主人公們都是不為現有社會體系相容的，他們往往憤世嫉俗、放縱不羈，以此來作為反抗的方式。以大衛·林奇的《我心狂野》為例，片中的主人公就是這樣一對男女，他們為了沖破世俗的陰謀和阻力而在一起，不惜採用種種聳人聽聞的方式。在這部影片中林奇運用超現實的血腥暴力場面和色情幻想，展示出現代人焦慮郁悶的精神狀態，充滿了弗洛伊德式的心理分析，詭異色彩濃重，但也不時流露出一種浪漫激情，是一種極其另類的愛的執著。《我心狂野》也是一部典型的公路片、搖滾片，主人公最常見的狀態就是開著車在高速公路上疾馳，以一副叛逆搖滾歌手的面目出現在世人面前。爾後的《迷失的高速公路》則基本上可以看作是《我心狂野》的延續，影片的風格、特徵、影像手法甚至主演（尼古拉斯·凱奇）都沒有更換。只是這一次，《我心狂野》中那些抽象、概念化的世俗壓力被具象成了一盤盤揭人隱私的錄像帶，這是一部實驗性、夢魘般的影片，描述了人物黑暗、詭異、混亂的心理，是林奇影片中最怪異、最不明就裡的影片。值得注意的是，除了主人公的反叛不羈以外，這種直達人物內心深處的赤裸裸的揭示，其實也是獨立電影反叛的一種形式，藝術家藉由這種形式來釋放人物的心靈，實際上就是對好萊塢虛假的「造夢工廠」的反叛，這樣的情形在獨立電影中是普遍存在的，只是在大衛·林奇這里，更明顯、更極端一些罷了。

不過跟奧利弗·斯通比起來，大衛·林奇就顯得溫柔多了。至少那部《天生殺人狂》的狂暴乖戾在《我心狂野》和《迷失的高速公路》里是絕對找不到的，《天生殺人狂》可能是整個90年代美國獨立電影中最暴力的一部作品了。在這部影片中，奧利弗·斯通砸碎了一切條條框框，甚至毫不顧及觀眾的觀影感受，把暴力對感官的刺激發揮到了極致。這不僅僅是對好萊塢的反諷，更是對美國社會、美國文化陰暗面的徹底反擊。然而，這種反擊是絕望的，相對於社會來說，個體的力量總是顯得那麼渺小，主人公只能通過大開殺戒甚至濫殺無辜來表達他們的憤怒和反抗。當然，對於暴力斯通也不是無條件的絕對美化，當男主角殺死一位慈祥的印第安老人後，影片對他的態度明顯轉向了貶抑，這與監獄暴動那場戲里對男主角英雄般的刻畫形成了鮮明的對比。

《天生殺人狂》的這種純粹、不加修飾的、赤裸裸的暴力與昆汀·塔倫蒂諾的黑幫片有著異曲同工之妙，在昆汀為數不多的幾部作品裡，暴力同樣成為貫穿影片的有力線索。特別是《殺死比爾》一片，在敘事上昆汀並沒有下多大功夫，但對暴力本身卻詳加描繪，甚至讓其呈現出某種詩意的色彩。這種極端的暴力美學在感觀上要比《天生殺人狂》讓人舒服得多，但在表意效果上卻並無二致。

值得一提的還有《槍擊安迪·沃霍爾》一片，這部由女導演瑪麗·哈倫在1996年拍攝的獨立電影是根據真實事件改編而成，基本採用了白描的手法，對事件做了簡單而真實的復述，冷靜的為我們呈現了一個女權主義者的悲劇一生。對於安迪·沃霍爾這位在通俗藝術史上舉足輕重的人物，影片沒有太多的正面描繪，而是把視線集中在刺殺他的維米莉身上，而且著重表現這次刺殺的內在動機，把維米莉這個女性主義先驅人物推到前台。維米莉並不是多麼自覺的女性主義先驅，她的反抗更多的是來自於她的個人經歷，也正是因為這種情緒性反抗是來自深層次的沖動，才使得它沖擊力更強也更猛烈。維米莉身為一個大學生，在街頭乞討、賣淫，本身就是對體制的反叛。從這個意義上講，《槍擊安迪·沃霍爾》中的暴力並不是維米莉施加給安迪·沃霍爾的暴力，而是美國社會施加給維米莉的暴力。《槍擊安迪·沃霍爾》作為女權主義電影的代表，表達了美國現代女性對男權社會的控訴和反抗，意味著女性意識在上個世紀末的重新崛起。從這個意義上來說，《槍擊安迪·沃霍爾》即使是在獨立電影中也算得上是反叛之作，因為該片所反抗和控訴的男權意識，不僅僅在好萊塢主流電影中，在獨立電影中，也是普遍存在的。《槍擊安迪·沃霍爾》的成功也啟迪了後來者，此後不久，《男孩不哭》、《女魔頭》、《百萬美元寶貝》等女權主義電影相繼登上了大銀幕並都取得了巨大的成功。

當然，並不是只有暴力才能作為反叛的手段。有時候，溫情脈脈也是一把無聲的手槍。例如《水牛城』66》一片，在這部由文森特·加洛自編自導自演自彈自唱的獨立電影中，幾乎沒有任何暴力鏡頭的出現，全片只是在低調哀傷的氣氛中，輔以淡淡的鋼琴、感傷的另類民謠和晃晃悠悠的踢踏舞配樂，給我們娓娓講述了一個落魄孩子回家的故事。但就在這種看似溫情脈脈的氛圍中，美國家庭人際關系的冷漠與疏離撲面而來。最令人印象深刻的是主人公和父母、女友同在一個桌上吃飯的戲，鏡頭故意生硬地只給餐桌上的四分之一的人，鏡頭里獨自的誇誇其談然後換人，然後下一個人誇誇其談，缺乏交流沒有感情的家庭尷尬在這里表現得淋漓盡致。在這種簡單的鏡頭剪切中，觀眾可以強烈感受到一種「冷暴力」的存在，正所謂「此時無聲勝有聲」，雖然沒有任何強烈的肢體語言，但在這種木訥和無言中，主人公其實已經發表了他的反叛宣言。

與《水牛城』66》相仿，斯派克·李的《為所應為》也更多的採用了「冷暴力」的表現手法。這是一部關於種族問題的電影，從影片一開始，白人族群與黑人族群之間的尖銳對立就被清晰無疑的展現出來。但與其它街頭電影不同的是，斯派克·李並沒有讓這種對立很快轉化為強烈的肢體沖突，而是含而不露，將暴力化為一堆影像的碎片，並盡量拉長事件的瞬間，從而形成一股強大的戲劇張力，讓觀眾在觀影過程中不自覺的投入到事件之中。在斯派克·李的這部《為所應為》中，暴力的反叛呈現出一條清晰的發展曲線，溫水煮青蛙式的層層推進，最終達到一個不大不小的高潮，既沒有《水牛城』66》那樣溫情，也沒有《天生殺人狂》那樣暴力，可以說，斯派克·李的創作是獨樹一幟的，在他的手裡，暴力被拿捏得恰到好處，反叛和自由才是他作品中的主題，暴力決不會喧賓奪主。
思想的痛苦

決不是故弄玄虛愣充大尾巴狼，之所以使用「思想的痛苦」這樣酸溜溜的詞藻，實在是因為找不到比這更恰當的表達方式了。猶太人說：「人類一思考，上帝就發笑」，但總還是有那麼一群人，固守著思想的蘆葦地。具體到美國電影來說，沒有所謂「藝術電影」、「詩電影」的群體，電影的思想、藝術功能，主要是由獨立電影來承擔的。當然，我並不是說主流電影沒有思想、藝術功能，只是相對於大多數商業片純粹的感官刺激來說，獨立電影在這方面的氣質，要濃厚得多了。

此外，與歐洲和世界其它地方的藝術電影不同的是，美國獨立電影植根於當代西方的文化土壤，習慣於直接反映當下人的生存問題。不管影片採用何種題材、何種類型，這種對人性的深層次探索和對當下生存的焦慮，在美國獨立電影中是普遍存在的。

以約翰·塞爾斯的《孤星》為例。該片採用了警匪片的題材，而且結合了懸疑、西部、恐怖等商業片常用的因素，乍一開始，還真讓人以為這是一部稀鬆平常的商業片而已，但隨著影片的進行，獨立電影的氣質也就逐漸顯現出來。對故事抽絲剝繭般的敘述，帶給觀眾一個又一個的謎團，而隨著謎團相繼的解開，事實的真相也逐漸浮出水面。就在這一過程中，影片對美國當代社會中政治的作用及其對普通民眾的影響進行了深入的反思，可以說，《孤星》披著警匪片的外衣，實質上卻是一部嚴肅的政治片。

同樣，斯派克·李的《山姆的夏天》也是一部犯罪題材的獨立電影。在這部影片中，故事同樣是由兇殺案引起，並由兇殺案作為情節助推器層層推進，影片的主人公捲入到這場由兇殺案所引起的風波中，但重點卻不在兇殺案本身，而是圍繞著兇殺案，對人與人之間的關系，展開了深入的探討。隨著情節的進展，兇殺案最終只是作為一個背景被徹底虛化了。斯派克·李想要給我們講述的，決不是一個犯罪推理故事，而是在面臨危機時，親情、友情、背叛、忠貞交織在一起的倫理問題。在《山姆的夏天》中，這種痛苦的思考是可以明顯感受得到的，事實上，斯派克·李自己也沒有答案，他只是給我們指出了若干可能性，究竟該怎麼辦，恐怕還是留待觀眾自己思考。

《山姆的夏天》與格斯·范·桑特的《大象》有著異曲同工之妙，在《大象》里，格斯·范·桑特也是用冷峻的鏡頭語言來交待故事，雖然全片以校園槍擊事件為主題，但直接描寫這一事件的場景並不多，跟斯派克·李一樣，格斯·范·桑特也是引領觀眾自己去思考，他所做的，只不過是盡可能真實的還原事件的原本場景而已。

值得一提的還有麥克·菲吉斯的《遠離拉斯維加斯》，這部充盈著濃濃感傷色彩的獨立電影，從一開始就把觀眾帶入到了導演設置的思考情景中。在你觀看《遠離拉斯維加斯》時，絕不會體會到好萊塢「夢工廠」般的虛假刺激，而是真真切切的痛苦。菲吉斯給我們安排了一個妓女和酒鬼的愛情故事，但在影片中，不管是妓女還是酒鬼都沒有絲毫人性的缺失，相反，我們所感受到的，卻是整個社會對兩位主人公的壓制和束縛，在這里，妓女和酒鬼其實都只是身份的隱喻，導演真正想說的，是對當下人們生存困境的焦慮。

保羅·托馬斯·安德森的《木蘭花》比《遠離拉斯維加斯》走得更遠。在《木蘭花》里，導演給我們呈現了一個惶恐、焦慮、頹廢的當代人群像，在長達三個多小時的篇幅里，安德森運用插敘的手法巧妙地將一天24小時內平行發展的9個事件連綴起來，以父母與孩子、憤怒與寬恕、電視里的虛幻世界與真實生活、期盼與迷失、機會與錯失等為切入點，真實的展現了人們的迷惘和抗爭。《木蘭花》的這種帶有濃厚的現代氣息表達手法，與好萊塢商業電影可謂是涇渭分明。

更為典型的現代派則要屬索德伯格的《卡夫卡》了，這部以著名作家卡夫卡為主角的影片其實跟卡夫卡本人並無任何關系，索德伯格重新編織了一個政治驚險片的故事，卡夫卡只不過是他所借用的表意符號而已。整部片子緊湊而節奏清晰，為我們清晰的展現了一個迷離、狂亂的妄想狂的內心世界。能夠把卡夫卡的故事改編到如此地步，索德伯格的編導功力確實令人嘆服。

講到這里，有一部電影不得不提。那就是吉姆·賈木許的《你看見死亡的顏色了嗎？》與其它獨立電影不同，該片的時代背景設置在19世紀末的美國，講述了一個無辜青年的逃往歷程，在逃亡的過程中，情節越來越超現實，人物的內心也越來越匪夷所思，該片使用了西部片慣用的場景與氣氛，精緻的黑白影像完美再現了西部的原始和蒼涼，也純化了影片在精神層面上的思考。當主人公在結局時躺在小舟中安然接受死亡的時候，影片便具有了一種啟示錄般的救贖情懷。《你看見死

Ⅹ 獨立電影的特點

獨立電影不通過商業機構直接的投資實現融資，也就不以牟利為第一目的。小製作、低成本、技術手段的簡化是它極其現實的標志。不過，低投入並不意味著粗糙和不專業。在國外它是對一部影片經濟投入程度的標識（不過獨立也可以有大製作，比如我們熟悉的《美國往事》和《百萬寶貝》等影片），在國內它僅僅意味著一種簡便的拍片手段。獨立電影在題材、拍攝手法、表達方式上由於受到出資方的影響比較小，所以可以涉及到一些主流影片較少涉及的范圍，也更能表現出電影製作者的個人特點。不過同時也是由於資金的原因，往往獨立製片的場地、道具、演員、服裝等等各方面都會受到影響。獨立電影題材不限，既可拍商業片，也可以拍藝術片。其發行方式同專業商業電影發行有些不同，一般規模比較小，但審核同其它電影一樣，在國內只要不違法違規就行。