如何改進剪輯不好的電影

㈠ 做為一個婚禮視頻剪輯師總覺得自己剪的片子有些拖沓怎麼辦

從你的描述上來推測，有可能是你對於畫面上動作的銜接不好，顯的拖沓。轉場這樣的，除非是婚慶這些非要弄的花里胡哨的，正規一些的都少用。
其次是對弈音樂節奏的把握肯定是有問題。轉場的長度確實還不好說。還是要靠自己的感覺來把握。

婚慶工作者，請不要把自己成為剪輯師，最多隻是一個操機員。

㈡ 影視後期怎麼提高剪輯的整體性!

B站有很多教程，搜搜看

㈢ 剪輯師如何提高剪輯水平

預先確定自己的剪輯思維和理念

銀幕就像是一個鑰匙孔，觀眾要透過鑰匙孔瞥見你的角色和故事。在你剪輯電影的時候，你需要將自己放到門外的位置，站在觀眾的角度去思考問題。如果能夠將故事中的要點放到觀眾眼前，你就能為接下來的整部電影定下基調。

情節、主題和“這是講什麼的”是不一樣的

Alan Moore，知名漫畫小說家和漫畫作者，其作品最為有名的當屬《守望者》和《V字仇殺隊》。他曾寫過一篇關於自己創作漫畫的流程的文章。他告誡新晉作家們說，很多人(包括他自己在早年的時候)經常會混淆故事的大意、情節和主題。Moore用了很長的篇幅來講述它們之間的區別，不過總結起來就是：故事的情節只是正在發生的時刻(動作)，而故事的大意通常會貫穿整個故事的情節當中。

保持靈活

正所謂“智者千慮，必有一失”。周密的計劃都任何一部電影都非常重要，同理也適用於剪輯室和拍攝現場。但是如果我們過於死板地依賴計劃，不懂得靈活變通，那麼就會不斷積累問題，最終導致失敗。

找信得過的人 徵求他們的反饋意見

你在完成電影的過程中，最好的一個“工具”就是測試觀眾(首批觀影的人)。在你的電影正式公開之前，能夠聽到一些特別私人的反饋是非常不錯的。通常他們會是你的編劇或者導演，不過在大多數情況下，他們參與電影的程度會跟你差不多，對於故事的理解也跟你差不多，所以你們可能都會忽視同樣的一些問題。此時，你的選擇最好是找一兩個懂行的朋友，並且他們還願意根據自己的觀影感受向你提供一些真誠反饋的人。

黃金剪輯法則

如果將所有這些建議濃縮成一條法則的話，那麼就是我以前的導師在我剛開始剪輯生涯時總是跟我強調的一點：“不要想太多，放膽剪下去就是了。”這句話聽起來好像只是老生常談，但在你一籌莫展的時候，這個建議反而能夠讓你打起精神。

㈣ 剪輯影片，兩個片段顯得有些生硬，如何減低到最小顯得更自然些求大神賜教剪輯的小竅門！

最簡單的方法是在你的兩段素材中找到一個特寫鏡頭或者是一個近景鏡頭，這樣連接起來就不會生硬或者突兀了，試試吧，記得好評哦親

㈤ 影視後期製作中剪輯要處理好的幾個問題

1剪輯節奏的處理
影視作品的節奏分為作品的內部節奏和外部節奏。影視作品的內部節奏是由劇本的內部節奏所決定的，它包括故事情節、人物的思想與情緒的起伏等。以主體動作、鏡頭運動、剪輯手段來實現的節奏為影視作品外部節奏。剪輯節奏是運用剪輯手段對影片結構和鏡頭長短的處理形成的一種韻律。一般來講，剪輯節奏的處理需要考慮諸多的元素，如時空的轉變、不同的視距與角度的造型組合、鏡頭的數量和次序的安排，以及聲畫的結合等。景別的變化盡量做到循序漸進，盡量做到舒緩平滑，避免產生突變的感覺；不同景別的鏡頭持續的時間長短也不同，一般全景維持在8秒左右，中景維持在5秒左右，近景2-3秒之間，特寫1-2秒之間比較恰當。具體鏡頭的時間長短還可結合劇情的矛盾沖突、音樂的旋律與節奏等因素來確定。
2畫面的處理與鏡頭的組接方式
影視作品主要是用視覺語言來表現，其畫面必須符合觀眾的思維方式和影視的表現規律，對影視作品的後期製作最基本的要求就是自然、流暢，沒有跳躍感，所以對畫面的處理與鏡頭的組接非常重要。在剪輯的過程中，對鏡頭的組接不是簡單的掐頭去尾的連接，而應該是在符合生活邏輯和敘事規律的前提下，進行精心組接，使之做到時間上的連貫和空間上的統一；其次，要做到畫面的匹配，即上下相連的兩個畫面中，同一主體所處的位置要保持一種邏輯關繫上的空間統一性，使得兩個畫面連接在一起時產生自然和諧的關系。
鏡頭間的連接一般可分為兩種，一種是有技巧的連接，其手法有數百種之多，主要利用淡入、淡出、疊化、劃像、定格、翻轉、分屏、跳切、閃回等特技技巧與光學技巧連接鏡頭，使鏡頭的過渡多樣化；另一種是無技巧的連接，主要是利用鏡頭在內容與造型上的關聯，進行自然連接，直接轉場。通常，剪輯的鏡頭分為運動鏡頭（如推、拉、搖、移等）和固定鏡頭（包括主體運動和主體靜止鏡頭）。
為了保證畫面組接的連貫流暢，一般可以靜接靜、動接動、靜接動、動接靜，要求動靜之間有過渡，選擇的切換點適當。如：固定鏡頭之間的組接，因為是靜止（或相對靜止）物體的固定鏡頭相互連接，可採用鏡頭連續組接的方式，截取精彩的動作瞬間或完整的動作過程。運動鏡頭之間的組接，如果主體相同，運動形式不同（如搖鏡頭與拉鏡頭組接），應去除鏡頭相接處的起幅和落幅，即只保留前一個搖鏡頭的起幅和後一個拉鏡頭的落幅；如果主體不同，運動形式相同的鏡頭，應視具體情形決定鏡頭相接處的起落幅的取捨。對於固定鏡頭和運動鏡頭的組接，如果表現靜態對錄時，應使鏡頭相接處的起幅和落幅保持短暫的停留；表現呼應關系時，應視具體情況決定鏡頭相接處的起落幅情況。此外，通常意義的鏡頭組接不能出現越軸現象，以免造成時空關系的紊亂。具體剪輯時根據創作的需要，可能會將一個鏡頭進行分割，甚至可能借用其它場景中的個別鏡頭，在這種情況下，就應確立一個攝像的總方向和總角度，選用的其它鏡頭應向總方向和總角度鏡頭靠攏，再依據方向軸線原理和越軸方法，逐個鏡頭理順鏡頭關系和人物關系。但，有時為了表現人物處於一定的狀態中，反而要用跳軸的技巧以形成一種狀態感，給人一種跳躍的感覺，表現心理和情緒上的變化。
3光線與色調的處理
有時在前期拍攝時可能由於場景環境、照明條件、拍攝時間、拍攝設備等外界因素，使得某些鏡頭的光線與色調存在一定的偏差，或者由於素材來源不同也會造成素材色調的明暗不一致，或根據影視作品需要表達出一種情緒，創造出一種意境，形成一種色調，引起觀眾的情感共鳴等，就需要運用非線性編輯軟體或一些影視後期特技合成軟體進行調色處理，使色調與明暗相互銜接，使畫面與主題在內容上、情境上協調起來。如果實在無法校正，則應在兩個不同的鏡頭之間插入一個特寫鏡頭來過渡（緩沖），以減少對觀眾視覺的刺激。
4聲畫關系的處理
要處理好影視作品的聲畫關系，實現聲音與畫面的完美結合，應掌握好各種人聲、音樂、音效之間的比例與平衡，做到層次分明，自然流暢，將與內容貼切、音質優美的聲音效果結合畫面傳達給觀眾。為了彌補原聲音的不足，使聲音生動形象地塑造藝術對象，真實地反映現實生活，就必須對自然界和生活中的一些聲音進行加工與處理，通過各種技術手段，如音質調整、混響、延時、變速等，達到特定的藝術效果。聲畫的結合通常為分聲畫同步與聲畫對位兩種形式。聲畫同步表現為人聲、音樂、音效與畫面的緊密結合，節奏與情緒保持一致，即視聽信息是同等合一的，聲音和畫面共時相加構成一個總體信息；聲畫對位指從特定的藝術目的出發，在同一時間內讓聲音與畫面作不同側面的表現，兩者形成「對立」或「平行」的關系，以期更深刻地表達影片內容。
5特技的處理
特技在影視後期製作中的作用主要是用於渲染、烘托氣氛，增強畫面的視覺美感，調動觀眾的欣賞情趣等。在特技的選擇與運用中，應注意以下方面。一是特技圖形的選擇應與畫面內容的表達相符。特技圖形的樣式與種類繁多，在考慮畫面內容與特點的基礎上，選擇相宜的特技形式；二是特技圖形的選擇應與前後鏡頭相呼應。在組接鏡頭時，必須顧及前後鏡頭的運動形式、運動方向和運動速度等，設法使特技圖形的運動與前後鏡頭中主體的運動相呼應，這樣才會顯得和諧、自然；三是特技圖形在使用時應注重整體性，成組運用。也就是說選擇同一種形式連續用四至五次以上，使特技段落保持良好的整體感。也可以在保持統一基調的基礎作上，稍變化。

㈥ 影視後期怎麼提高剪輯的整體性！

我們先了解什麼是節奏，很多剪輯師的性格比較「急「，所以在剪輯時也喜歡「快」，在剪輯中的作品大多數都是快切鏡頭，就算是較緩的影片類型，平均的鏡頭長度也很短。
也有剪輯師的性格屬於慢熱型，所以在剪輯作品中很多鏡頭也是不急不慢，就像紀錄片一樣。
所以，只追求一種節奏的影片，實際上是沒有節奏的。一部影片節奏可以體現在音樂中的節奏、鏡頭的長短對比、故事的起承轉合。一部影片的節奏就像過山車一樣，有緩有急，有緊張又舒緩，所以，我建議一部影片無論類型如何，首先節奏上要有急有緩，有快有慢。
哪裡快？哪裡慢？這應該是剪輯師最頭疼的地方，

㈦ 如何剪切電影。 不要損壞原來的畫面質量，剪切其中一部分。

推薦一個軟體把，
windows movie marker

這個比較容易上手，而且，也會滿足你的畫質要求。

要不就用google的Picasa 3吧，裡面也有視屏剪貼功能。

㈧ 影片的剪輯思路是怎樣的怎麼去剪好一場戲

影片的剪輯，也需要一定的技術，不是顧著性子胡亂的剪輯就完事。影片剪輯它是有步驟的，胡亂剪輯的影片，是沒有價值的，不但討好不了觀眾，反而會遭觀眾的唾棄，被貼上爛片的標簽。那麼怎麼去剪輯一部影片呢，怎麼去剪好一場戲呢？以下幾點給你答案。

完美的轉場特效，會讓影片銜接的更好，給觀眾帶來不一樣的感受，所以要注意轉場的特效銜接。

總之，影片的剪輯是有其步驟可循的，需要注意的地方很多，特別是一些小細節，更是值得去注意。影片剪輯也需要技術，懂得如何操作剪輯軟體，這會讓你事半功倍。

㈨ 電影拍的爛,怎樣剪輯好

回答「如何剪輯好一個片子」
很多人都一再問我，有關剪輯的問題。對於學習三維的同學來說，這是一個特別實際的問題。因為，所有片子都要自己完成。在完成過程中，除了一切的技術之外，最主要的就是對於畫面的剪輯了。對於這些人的提問，我一直都無法回答。我怕一回答，時間太長。所以，就想寫些文字就算是表達我對於這類問題的回答吧。

很多人以上來，就問：文刀老師，我該怎麼剪輯呢？這句話對我來說就好像一個從來沒有音樂常識的人問音樂學院作曲系的老師說，告訴我該怎麼作曲一樣。這個看似很簡單的問題，真的會難倒作曲系的教授的。大家都知道一首非常動聽的曲子，不過就是那7個音。但是，為什麼在有的人手裡就會變成一首動聽的樂曲。在有的人手上，就變成了簡單的算術數字。

因此，在談及剪輯的問題上，我想先說說音樂一些樂理常識。
音，是由物體的振動而產生的。因為不同的物體就會產生不同的振動結果。也就是說，音有高低、強弱、長短、音色四種特性。

同樣，在面對素材的時候，所有的影像都是通過拍攝和製作而產生的。盡管，會產生不同的視覺效果。但所有的畫面素材，也有了鏡頭角度（相當於音樂的高低）、景別（相當於音樂的強弱）、長鏡頭和分切鏡頭（相當與音樂的長短）、色彩（也就是音色的性質，反映情感色彩），另外，還有運動、光線、鏡頭等不同的因素構成一個影片的視覺效果和節奏。

音樂當中，有樂音和噪音之分。視聽素材當中也有可用素材和不可用素材之分。 在音樂當中，樂音體系中的音，按照上行和下行排列起來，叫音列。在影視作品當中，我們也有類似的排列，比如景別的排列，不過，我們稱為「一場戲」、「一個段落」。

在音樂體系當中，樂音有7個基本音級。分別是1、2、3、4、5、6、7。在電影以及視聽藝術當中，也有大遠景、遠景、大全景、全景、中景、中近景、近景、特寫、大特寫、 以及滿景鏡頭、大約10個基本景別分類。 音樂，升高或降低基本音級，叫做變化音級。電影以及視聽藝術也有改變景別大小的方式，來改變視覺的變化。

音區可以分為高音區、中音區、低音區。電影以及視聽藝術的景別也可以分為全景系列、中景系列、特寫系列。用高調、暗調、中間調來表達畫面的情感，這和音樂用
音高低來表達情感是一樣的。
在音樂當中，一個孤立的音或和弦是無法樹立形象的。多個毫無關系的音，同樣

也難於表達思想。在音樂中，所有的音必須要按照一定的關系聯系在一起，組成一個體系，這樣才可能成為一首樂曲。 在電影以及視聽藝術中，單獨的一個畫面也是無法樹立形象。毫無關系的影像也難於表達思想。所有的畫面素材，也都是要按照一定關系連接在一起，組成一個體系，這樣才有可能是一個完整的影片。

音樂有音程，有和諧與不和諧之分。電影有剪輯，自然就有流暢和不流暢之分。音樂當中有三和弦、五和弦、七和弦等等，你們不了解的東西。電影剪輯當然也有很多復雜的技巧。如果一個連基本樂理都不知道的人，就想作曲，那不如做夢。一個不了解視聽語言的人，想剪輯好一個片子，那就是作「詩」了。

因為音樂，是感覺藝術，所以大家都不上來就說自己要作曲。而因為畫面素材是每個人都看能看懂，看到的，因此，就上來就一定認為自己能做一名出色剪輯師或者導演那也是不現實的。影視藝術何嘗不是表達一種感覺呢？剪輯的最終結果何嘗不是在表達自己或者是其他創作者的思想呢？

況且，電影以及視聽藝術，還是包含了音樂、美術、舞蹈、建築、戲劇文學、雕塑所有藝術門類的綜合藝術，沒有一點基本視聽常識，又怎麼能夠達到「作曲家」的水平呢？什麼是剪輯，如何學會剪輯？對於一個沒有任何視聽訓練的人來說，等你真的具備了視聽常識之後，你就不會問「我能否作曲」這樣的問題了。
為什麼我會用作曲來和剪輯聯系起來講，就是因為作曲和剪輯都是關於構思的最後一到程序,也就是出成品的最後一道關，只不過面對的物質不同，一個是音符，一個是畫面素材。但表達的結果都是一樣的——是藝術、是感覺。

因此從這個意義上講，他們是相同的。廣義的講，所有藝術都是相通的。另外，因為就具體剪輯而言，我無法知道，你們面對的是怎麼的畫面，因此，也無法一一說明。因此，用音樂的比喻更為恰當。音樂與剪輯都在追求相同的東西——就是節奏和感覺。

最後，實際上在一部影片完成的過程中，創作者頭腦中一定要有音樂的概念，否則，單憑剪輯，也是無法完整表現一部影片的，不論它是片頭、三維動畫短片。一部片子剪輯的完成，實際上，只完成一部片子的一半。所以，單說畫面的剪輯技巧也是不恰當的。

當然，也有人說買某某的書等方式就可以學會剪輯，那也很片面。用文學藝術的方式，來說明另外一種藝術的技巧，這樣的方式也來的多少有些不足吧。我個人先說這么多吧。