狭小空间怎么拍电影

㈠ 如何拍电影啊拜托了.

1.企划
2.文字剧本
3.故事脚本
4.造型与美术设定
5.场景设计
6.构图
7.背景
8.原画
9.动画
10.品管
11.影片描经
12.定色与着色
13.总检
14.摄影与冲印
15.剪接与套片
16.配音、配乐与音效
17.试映与发行

一制(此部份仍由人工制作)
1、企划：企划是做一部卡通前的准备工作，包括举行企划会议和制作会议。

企划会议---就是把出钱要做这部片子的人和卡通公司的人、以及负责将来要把这部片子卖出去的发行公司，甚至玩具制作商等相关的人都召集在一起，讨论要怎么样做这部片子，要怎么样发行这部片子，有没有周边的商品可以开发等，当然最好的状况就是把片子做得又好看、又赚钱，这就必须要靠不同专长的人结合在一起规划，才能将片子做成功。

制作会议---在前面的企划会议当中，其实也要把一些制作的基本内容方向画出来，然后再由卡通公司召开技术、进度、设计方面的会议。

2、文字剧本：不论是自己发明的故事，或将别人写过的故事拿来加以改编都可以，一定要具有卡通的特色，就是有一些好笑、有一些夸张、有一些紧张、又有一些感动，那么这个故事就会受到大家的欢迎。当然，不要忘了要把对白和动作、场景写出来。根据制作会议所得到的资料，作家开始编写剧本：

人物出场要写清楚、位置环境、形状大小都要正确明白
对白要准确的透露角色个性
动作也要明白的写出来，才能提供文字画面给脚本画家
绝对要能使动画家有所发挥之处
历史剧要有考据
服装、道具、建筑、自然物…等都要将形状写出来
3、故事脚本：文字写好之后，就要画成画面，但它并不是真正的动画图稿，它只是一连串的小图，详细的画出每一个画面出现的人物、故事地点、摄影角度、对白内容、画面的时间、做了什么动作等。这个脚本可以让后面的画家明白整个故事进行的情形，因为从「构图」之后的步骤，就开始将一部卡通拆开来交由很多位画家分工绘制，所以这个脚本一定要画得越详细越不会出差错。

将文字剧本详细读过，经由动画家以卡通语言再整理消化后开始绘制分镜脚本
人物位置，地理环境都要画出
场景要十分清楚
对白、动作、音效、秒数都要写好
镜头运用、特效（如透过光、高反差…）也须注明
脚本绘制工作最佳人选应当由对电影十分了解的卡通导演担任
视线、进出场方向、观点都要画得很顺畅
4、造型与美术设定：造型设计就是根据故事的需要，将人物一个个设计出来，而且还要画出他们之间的高矮比例、各种角度的样子、脸部的表情、他们使用的用品等。

美术设定就是一种视觉上的感受，包括色彩、明暗、透视感、线条等，这整个就构成了一部片子的「美术风格」，像「龙猫」的感觉就很温馨、青翠、舒适，这种风格很适合用来表现亲情之间的故事，而「蝙蝠侠」就是一种夸张、压迫、强烈的感觉，用这种风格来表现正义与邪恶间的对抗非常的适合。

主角、配角与丑角要有很明显的差异（比例或服装、颜色、五官…）
应考虑动画或下游作业是否会有困难（不可太复杂、琐碎）
造型与美术风格要配合（形状、色调、考据）
美术设定乃根据故事朝代、文化、背景，设定出该时代文化的建筑装饰、器物、都市街景…等，或不必考剧历史时，则可根据故事需要设定出不同风格的内容
服装和人物个性要配合，并需同时将颜色配合美术设定色系指定好

6、构图：「构图」顾名思义就是画面的构成，也是一部卡通要正式生产的第一关，前面的企划是属于设计部分，这些设计好的造型、场景和脚本，要交给构图师作画面的设计，根据脚本的指示和说明来画出详细的作来图，包括人物从哪里移动到哪里、人物简明的动作表情和站的位置（背景铅笔稿）、镜头的角度和大小、镜头如何移动，也就将来我们在电视上看到的画面。

有了脚本造型、场景设计，就要请一位有经验的动画家，担任导演统筹运作这部片子的风格与品质管制。首先，他要将脚本上的演出详细告诉构图师，并发给上述资料，每一位构图师约要完成数十景的构图设计（即将脚本画面移转到可供生产制作的动画纸上）：

画出和脚本上所示同样的角度或姿态的人物，并依照对白长短增加人物姿势(POS.)这些姿势都具代表性，可表达出该一景的表情、动作、位置、角度、进出场方向…等
画背景图，让人物可以自由的在背景中运动，并标出和人物组合的位置，白天或夜晚，有没有前景（O.L）、家具、饰物、地板、墙壁、天花板等结构都要清楚画出
使用多大的画面（安全框），镜头推拉等也要标示出来
7、背景：前面说过的构图师所画的那张背景铅笔稿，就是交给背景部门来完成彩色的绘制工作，背景会根据「美术设定」的风格和要求来画，他不是随自己意思画的。构图将人物部份交由原画根据构图上所示的人物代表性姿势与表情、位置…等作动感演出，而背景（BG）部份则交由背景师去绘制成彩色稿，并由颜色演出的动画家来控制色调变化。

8、原画（含第一次铅笔稿试拍）：画面由构图设计好了，就要分两部份作业，前面的那张「背景铅笔稿」要交给背景师画成很漂亮的彩色稿，而人物的那一张就交由原画师作一连串精彩的动作表演，原画就是演员，要将卡通人物的七情六欲和性格表现出来，但原画不需要把每一张图都画出来，只需画出关键张就可以，其余交给动画师去画。

构图完成后须经导演检查（CHECK），修改到符合故事要求为止，再将完成的构图、脚本、造型资料，分段（每段约数十景）发给原画师去演出动作的部分，并指示原画师该表演的重点：

视线、动作方向、夸张、速度（TIMING）、人物透视、人体力学
运动的距离、推拉镜头的速度与距离都要算出
将演出的动作和画面的处理写在律表上（EXPOSURE SHEET）
在律表上也须注明淡出（F.O）淡入（F.I）、重叠（X－DISS）的位置与长度、使摄影师能依据律表拍摄
原画呈现出来的，是将平面的人物赋予生命与个性，并配合背景（BG）使两者结合在一起
将原画所完成的草图交由拍摄人员进行第一次铅笔稿试拍，再请导演审核。
9、动画（含铅笔稿试拍）：动画师就像原画的助手一样，要替原画完成所有动作的连贯（也就是中割或分割），动画师还要将所有的动作图稿作「完稿」。

所谓的「中割」就是原画与原画之间的插入张作来，因为原画只把一个动作拆成几个重点姿势，所以是跳着画的，因此中间会有中断动作需要插入，动画就是负责把间断的动作补起来，这个补起来的工作，就叫「中割」。

原画通过导演检查后就由「制片进行」。工作人员将原画分成一景一景交由动画师去完成原画所设计的动作，例如，原画将一个动作只画了开始和结束这二张，中间的过程就是动画， 动画一方面要根据标准造型作画，另一方面在原画所示的动作空间中去作演出，画好后再由动画检查去作审核：

是否变型了？中割是否正确？动作是否顺畅？
有没有正确的传达了原画的原意？
交由拍摄人员进行铅笔试拍（PENCIL TEST），再请导演做最后审核。

二制((目前此部份已由电脑取代,即一般所谓的2维动画)
10、品管：「品管」就是品质管制，其实卡通里的每一个过程都有负责把关的人。例如：

制片：负责片子能如期的完成，并掌握个每个画家的进度，以及担任画家和行政部门之间的连络协调，使制作部门和行政部门间能顺利的运作。
导演：就是负责指导画家们所画出来的画面，能够符合的要求，因为一部卡通要几百个画家来绘制，如果没有导演来领导的话，就会变成个人画个人的，每一个人画的都和别人不一样，那这部片子就会失败，所以导演的工作就非常重要，当初，要当到导演，通常都是很有经验的画家才有这个能力的，例如构图导演、原画导演、美术导演等都是。
指导或组长：例行动画指导、摄影指导、着色组长、特效组长、剪接组长、总检等也都是负责不同的范围的品质管制。
品管员（CHECKER）完成的动画再经由品管员作非技术性的检查：
1）原画所写律表是否正确无误，如：拉背景的距离、动画的层次、有无遗漏了什么与脚本核对是否都正确等。
2）标示动画上的一些名称与不同层次的颜色，以利着色。
11、影印描线：检查好的动画一景一景的交给影印部门，将动画纸下的线条影印在透明的赛璐璐片）上，如有某部份须以色线表现时，则必须用人工手描线描上色线（用沾水笔），印好或描好的赛璐璐片，必须用酒精擦拭干净，然后再用很薄的一层透明纸保护好，送到着色部准备涂上颜色。

12、定色与着色：即喷修或刷的特殊处理。描好线的赛璐璐片要按照动画号码排好，然后交由着色部先定好颜色（在每个部位写上颜色代表号码），再用压克力颜料不是透明的，如果涂在正面的话，就会把动画线条盖过去，为了保留线条，所以必须将颜料涂在背面。

13、总检：就是将涂好色的赛璐璐片和彩色背景套在一起检查，看看有没有瑕疵或错误，也就是送往摄影之前的最后把关。 颜色涂好的CEL，再和画好的背景彩色稿，一起交由总检人员作最后的检查，将CEL套在背景上一张一张的检查：

颜色是否正确？和背景的组合是否正确？
定位孔是否正确？张数缺失了吗？
画面都干净没有刮伤吗？

14、摄影与冲印：现在可以将所有的完成品交给摄影师，进行每个画面的拍摄工作，摄影师完全根据前面的画家所写的「拍摄表」（律表）拍摄，只要拍错其中一格，就要整段戏重拍，所以要非常细心。拍好的底片要送到冲印公司冲洗出来，就可以看到画家画的动画变成影片里一格一格的35mm画面，这时候冲洗出来的片子因为只有画面没有声音，而且有些画面的顺序还需调整，所以这只是「毛片」。检查无误的CEL、背景和律表一起交由摄影人员去拍摄完成，某些特效处理如：FADE IN(淡入）、FADE OUT(淡出）、DISS（叠影）、SS(震动）、WIPE(扫）、透过光、高反差、旋转画面、TRUCK IN（推入）、TRUCK OUT（推出）、PAN（拉BG）等效果均由摄影师依据律表指示加以完成。

15、剪接和套片：接着把这几千呎长的毛片交给剪接师，按照正确的画面长度接好成为一标准的版本，这就是剪接。一标准版本，再冲印一套不需再剪接的标准版，也就是所谓的「套片」，这次冲出来的胶卷就叫「A拷贝毛片」，是只有画面没有声音。

16、配音配乐与音效：终于到了最后一关的声音部份，为了让每一位卡通明星拥有最棒的声音，往往要重金聘请知名的大明星来配音，像「玩具总动员」的伍迪警长就是由汤姆汉克斯配音。接下来就是配上音乐部份，为了能让观众享受最好的电影配乐，也要聘请音乐家创作能流传下来的主题音乐，并由交响乐团演奏一流的背景音乐。而「音效」就是各种效果的声音，像风声、雨声、开门声、走路声还有挥出拳头的声音等。把这些声音和画面合成在一起之后，再请冲印公司冲出有画面也有声音的「B拷贝正片」或称「正式拷贝」，就完成了这件大工程。美式作业通常为事前配音，日式作业则为事后配音，事前配音须以对位法准确的将动作配合声音演出，配乐即片中的音乐部份也有事前事后之别，音效通常都是事后配音。
17、试片与发行：配好音乐的片子邀请导演、制片、资方、画家等…观赏有无需作RETAKE（修改）的地方，一切都完成后则交由电视网或电影院线排档上映。试片的目的就是要让媒体记者和影评、文化、娱乐界等人士先看过后，能发表对这部片子有利的评论，可以说是一种正式上映前的暖身，然后就是发行到市场上，例如上院线或发行影带等，如果不发行出去的话，就不能回收这部影片的成本，所以找到很好的发行商是很重要的。

㈡ 问一个电影摄影的问题

如果是对话戏，都是一台机器拍。甲乙两人对手戏，先拍甲，乙搭词，只要不N机就一直拍。然后再换过来，拍乙，甲搭词。
原因很简单，演员进入状态很难，更何况两个演员全部进入。所以采用分别拍，后期剪辑在一起的方式。
这样效率更高些。
至于多机位拍也有，那就是难度或者是花钱很多的动作戏。一般是4台高速摄影机对角拍。这样可以拍不同的景别，剪辑的时候做动接。

电视情景剧全部都是现场切。
关于影视节目制作方面的资料，可以参考我的网络空间。

㈢ 30年前的战争片，小空间题材大制作，能否堪称完美的潜艇电影

这是一部30多年前的战争电影-《从海底出击》，很少见的潜艇题材，绝对算是小空间题材的巅峰之作，堪称完美的战争潜艇电影，电影反应得很真实，感觉就是看纪录片，影片大量使用追拍的镜头，在一个密闭的空间里面，给人窒息紧张的感觉，令人身临其境。最后一场潜艇里的戏，泛着青光的场景如地狱一样。写实的战争片，让观众承受如片中人一样的煎熬。一种生与死的对抗，毫无疑问是最强的潜水艇电影。潜艇真是个邪恶又让人绝望的发明。

这部影片的过人之处，不仅仅是场面的写实震撼，也不仅仅是狭窄潜艇里的出色空间调度能力，而是兼顾众多角色的超强塑造刻画，还有编导那种冷静理智的客观创作立场！德国电影人的二战反思态度令人起敬！难以想到在一个狭小的潜艇空间里面发生的故事能够拍成那么长的一部电影。而更没有想到的是当时的潜艇船员生存环境是这么的拥挤和肮脏，只能说特殊时期下，人类有着特别强大的意志力。

㈣ 电影的画面是怎么拍出来的

一部电影镜头的运用有多重要，如何跳出定势思维？

朝日传媒给出了更多关于电影镜头的思考。

《天使爱美丽》(2001) 剧照

朝日传媒

期待与您再次相遇

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㈤ 单反运镜的八大技巧 教你拍出个人微电影

1、拍摄尽量选择在一个室内空间。这个空间可以是地铁站、机场候机厅那种很宽广的室内空间，也可以是老式居民楼那种狭小的密闭空间。如果是外景的话，建议尽量选择夜晚，并且空间内最好有各种奇异的灯光色彩，这样有助于烘托人物情绪和性格。

2、选择超广角镜头，越广越好。广角能制造强烈的空间畸变感，而杜可风与王家卫合作的电影中很多画面是用9.7毫米的鱼眼镜头拍摄的，所以，了解这个焦段对实现这种画风非常重要。特别在香港这种极度拥挤的城市，选择广角镜头，能很好体现都市边缘人物的被挤压感。

3、用POV模式倾斜构图。像王家卫的《堕落天使》中就使用了大量的倾斜构图，倾斜构图搭配夸张的广角畸变，能很好呈现出现代都市人内心的孤独、自我和紧张感。这种倾斜构图可以轻松利用智云稳定器独有的POV模式拍摄而成。也可以利用稳定器适度拍摄一些俯拍和仰拍镜头作为辅助素材，后期剪辑备用。

5、从稳定器+相机拍摄运镜上。在镜头运动方面，因为毕竟是电影拍摄，所以在一些画面中有使用斯坦尼康，并不全是手持完成拍摄的。但对于日常拍摄的人来说，就需要借助稳定器来消除拍摄过程中产生的抖动，用稳定器实现斯坦尼康的运镜风格。

6、拍摄时多尝试旋转画面，这一点是核心元素，前后运动中夹杂上镜头旋转，就能打造很奇特的视觉感观，对于视频整体观感有非常好的强调作用。旋转画面的运镜，需要双手握持稳定器，同时开启pov模式；

7、利用稳定器的跟焦手轮搭配冲镜头拍摄。冲镜头可以向前方向，也可以是向后方向的冲镜头。在拍摄中，让镜头和人物的动方向相反，这个冲击感会更强烈。拍摄时，双手握持稳定器，手动跟焦追焦拍摄，提前找好镜头结尾靠近人物时的焦点设置，通过脚步的运动来追焦，后期突出运动镜头的突然性，把加速度释放出来。

8、拍摄交错式跟踪镜头，错式跟踪镜头是冲镜头的一种演变，可以给观影制作一种精灵般的视角。还可以使用左右跟随、全跟随这些稳定器上固定的模式来模仿王家卫运镜风格，也可以多去尝试疯狗模式，增强运动的突然性。

㈥ 电影拍摄技巧分享

技巧运动因其具有极强的艺术欣赏性，更适合表演。中国技巧运动员的精湛表演在海内外享有盛誉。以下是我为大家收集的电影拍摄技巧分享，欢迎大家分享。

电影拍摄技巧分享 篇1

①推镜头

推镜头是电影拍摄中的常用手法，摄像机镜头与画面逐渐靠近，画面外框逐渐缩小，画面内的景物逐渐放大，使观众的视线从整体看到某一布局。推镜头可以引导观众更深刻地感受角色的内心活动，加强情绪气氛的烘托。

影片使用了85mm或100mm中焦距镜头来拍摄人像。当前景中的物体形状越来越大，镜头焦越拉越长;当镜头框架中的物体移动越来越快，镜头焦距越拉越长。

②跟镜头

跟镜头是电影拍摄中的经典手法之一，但是在斯皮尔伯格在实际应用中赋予了这一手法更多诠释，形成了极具辨识性的斯式跟镜头风格。一般，斯皮尔伯格会使用长时间的跟镜头，记录行走并交谈的两名角色。为了追求出色的视觉质感，斯皮尔伯格会在角色和摄像机之间以多样方式排列道具和零时演员，提升画面框架和角色活动的视觉丰富性。

另外，当边走边谈的两名角色的场景进行到最后，其中一名角色将要说服另一名角色时，斯皮尔伯格会要求两位演员靠近摄像机，记录他们相互对视的画面。

③过肩镜头

过肩镜头是普通的不能再普通的拍摄手法，然而在斯皮尔伯格却能将平凡化作神奇。斯皮尔伯格通常会隔着主角的肩膀使用宽镜头拍摄，这样可以使得主角的形象在画面上比其他角色更高大，从而突出主角的作用和地位，达到强烈的戏剧效果。

另外，有时候在过肩镜头中，会让肩膀占据大部分的画面，从而把想要突出的画面主体挤到镜头框架的边缘。虽然不是标准的过肩巨头，这样做通常都有特别意义。斯皮尔伯格这样用是为了强调某一场景的特俗含义，不过他在一部影片中绝对不会用超过第二次。

④特写镜头

很多导演都会使用特写镜头，但是迄今为止特写镜头应用的最好的当属斯皮尔伯格。

⑤宽镜头

斯皮尔伯格极其偏好宽镜头，无论是过肩，跟镜头或者其它各式各样的拍摄手法中，只要他想突出画面背景中的前景，他一定会使用宽镜头。许多人指责斯皮尔伯格 认为他的宽镜头用的非常保守，不过事实上，斯皮尔伯格对宽镜头的处理比不少导演要大胆得多，他应该是电影史上最有冒险精神和雄心壮志的导演之一。

⑥通过大量前景构造镜头画面

斯皮尔伯格特别喜欢在镜头中用各种背景来构造镜头画面。在《少数派报告》的开头，有一个隔着椅子拍摄小男孩的场景。这使得观众能够感觉到一种紧张刺激的感觉，好像你是从哪个隐藏角落进行偷窥。这样的手法比起直接把镜头对准小男孩要高明多了。

⑦镜像拍摄手法

在电影中，经常看以看到通过镜像来表现故事场景的拍摄手法。镜像拍摄一般通过宽镜头来处理，慢慢过渡到对角色的特写镜头，通过这种手法，镜头上的过渡得顺理成章，不漏痕迹。

镜像拍摄另外还可以在镜头中用来突出角色。

⑧匹配剪辑

所谓的`匹配剪辑是指将不同时间不同空间但图像轨迹相似的两个场景连接起来。斯皮尔伯格的匹配剪辑让人印象深刻。

⑨用背光灯来制造阴影轮廓

斯皮尔伯格早在21岁拍摄他的第一部短片《安培林》时就学会了如何用背光灯来构造阴影轮廓，不得不感叹他的少年英才。

⑩多种镜头不间断拍摄

斯皮尔伯格最大的天才在于他对于各种镜头的融会贯通。通过不断的变换拍摄位置，斯皮尔伯格可以不间断的使用宽镜头，特写镜头，过肩镜头，最后再到特写镜头的进行连续拍摄，一气呵成，没有停顿。

电影拍摄技巧分享 篇2

第一大类：镜头角度

1.镜头角度之平视

平视镜头是最基础的镜头角度，手持稳定器向前水平拍摄，即可拍摄出平视镜头。在电影中，通常用平视镜头来保持（第三方的）客观性，而不是改变被摄人物之间的关系。

2.镜头角度之斜角

斜角拍摄在电影中又称‘德国式镜头’，顾名思义是稳定器倾斜拍摄，目的是让观看电影的观众注意到失调以及不平衡的画面。斜角镜头可以利用智云稳定器中的POV或者三维梦境功能轻松实现。

3.镜头角度之仰角

仰角拍摄是一个手持稳定器从低角度仰视拍摄，可以使得被摄对象更加高大或者占据主导地位的镜头角度。

4.镜头角度之俯角

与仰角拍摄相对的是俯角拍摄，利用稳定器的图传功能可以轻松实现从高往下处拍摄，让被摄人物显得弱小。想要展示鸟瞰拍摄角度的可以用独脚架或者延长杆搭配稳定器实现，一般用于展示大局和全景。

5.镜头角度之过肩

过肩镜头也可以说是特写镜头，过肩镜头中一个人会正对着另一个人，在电影对话镜头中会常用到，画面带有冲突感。

第二大类：景别

1.景别之特写

特写镜头是五个景别镜头中最重要的镜头，一般着重拍摄演员的表情或者面部特征，也会放大五官的局部进行拍摄，用意是想通过特写镜头来推动剧情的发展。特写镜头最适合搭配稳定器的变焦功能拍摄使用。

2.景别之中景

中景镜头介于特写与远景之间，可以露出一般的人物形象，一般角色中，手里拿着东西或者正在使用工具的时候会拍摄中景镜头。

3.景别之远景

远景是与特写相对的景别镜头，远景可以拍摄对象的全身，观众也可以看到场面的大镜头。远景镜头一般用于电影中的打斗场景拍摄，能看到完整的拍摄打斗动作以及场景。

4.景别之单人双人

当镜头里面只有一个画面角色的时候，可以把这类镜头归类为单人镜头；双人镜头则是镜头里面有两个画面角色。

5.景别之POV视点

POV也称视点镜头，视点镜头拍摄的画面就是角色所看到的内容，在电影中使用POV镜头，是想让观众更加感同身受的融入画面镜头中。而在日常拍摄中，也可以利用稳定器的POV模式直接实现这一镜头的拍摄。

第三大类：镜头运动

1.镜头运动之横摇直摇

水平横摇和上下直摇是最简单的一组镜头运动镜头，拍摄过程中保持稳定器和相机位置不变，利用稳定器摇杆控制镜头上下左右移动。这种镜头运动的优势在于使观众一直处于旁观者的角色，镜头画面和剧情发展不带偏向性。

2.镜头运动之变焦

变焦是我们最熟悉的一个镜头了，利用稳定器实现变焦和拍摄运动方向的反方向操作，即可拍摄出希区柯克变焦镜头。

3.镜头运动之跟随

跟随镜头是指手持稳定器跟随主体移动拍摄的镜头，运动轨迹可以是直线跟随也可以随着主体的运动幅度有弧度地跟随拍摄；跟随镜头可以让观众尽可能多的感知画面中的空间和场景。

4.镜头运动之不规则运动

稳定器围绕一个点不定向的摇动，随心所欲的控制镜头拍摄，叫做不规则运动。不规则的运动镜头可以为画面增添运动感，使画面更具张力。

5.镜头运动之360度环拍

360环拍是镜头运动中难度最大的运动镜头，指在展现人物的同时，手持稳定器围绕主体进行360度的环绕拍摄，让画面看起来像是在三维空间中运动。360度环拍十分考验画面的稳定性，所以拍摄时一定要使用我们的稳定器拍摄。

当你精通镜头手法的拍摄和组合时，你可以将视角，景别和镜头运动以不同的方式组合在一起，成为一镜到底，一镜到底一直都是难度最高的长镜头拍摄手法，需要极高的拍摄经验以及一气呵成的剧本安排，再配合演员以及拍摄设备的配合。