站在美术的角度怎么看电影

㈠ 电影中很多大尺度镜头从艺术的角度看是必须的吗你怎么看

近年来，监管愈发严格，已经很久没有出现像《色戒》这样 “艺术感” 超强的电影了，更多的是靠借位、镜头切换这样的拍摄手法来点到即止，而诸如此类的拍摄手法，也只能说有利有弊而已；

《色戒》应该算是剧情片中大尺度的鼻祖了，他以20世纪40年代的上海为背景，讲述了一个有愤青主义的女大学生为了尽绵薄之力利用美色接近汉奸意图行刺，结果接近之后发现对其动了真情，最终被汉奸发现意图惨遭杀害的故事；但很显然，这样的剧情在年轻人眼里并不吸睛，但他却成了当时首屈一指的好片；

原因就是他的一些大尺度剧情：而一些大尺度情节也是根据大学生接近汉奸这一系列剧情展开的，这其中把汉奸易先生的贪婪、无情、暴躁、焦虑不安等情绪刻画的淋漓尽致，也给大家展示了当时战争即将结束时汉奸的最真实写照，这样的情节和人物刻画，不但成了影片的调味剂、增加了收视率，更能称之为是艺术；

但这样的一部艺术片最终却没能逃过 “封杀” 的结局，原因就是该影片的未删减版尺度大到已经超出了传统艺术的范畴，而这也是这类影片的有害之处；太过于追求极致，导致很多人看影片不单是为了体验剧情、观看剧情变化，这或许也是制片方不想看到的结局；

但很明显，近几年来出现的影片对尺度的把控做的非常到位，大家在观影的同时，很少能看到太过露骨的画面，这样也给人以 健康 的观影体验，但结合现在一些小鲜肉的演技来看，似乎很多时候给人一种意犹未尽、人物刻画太笼统的感觉，这或许也是缺少了调味剂的原因吧；

总之，尺度的大小对于影片收视有绝对的影响，更多时候，尺度是演技的一部分，而某些特定的剧情，需要体现淋漓尽致的演技也无可厚非；所以，并不是 “大尺度” 本身的问题，结合剧情设定尺度的大小才是最正确的；

情·欲戏，在某些导演手里能拍出高于生活感的艺术性出来，而在有些导演手里，那就纯粹是低俗。

看过村上春树小说的朋友，不难发现在他的故事里，各种男女之间欲望缠绵场景非常多，但是你会觉得他的小说是色情小说吗？

欲望，是每个人的本能，是生活中本来就有的东西，所以在恰当的时候展现欲望，其实更贴近真实，让读者或观众能感受到人物的体温，能深入到人物的内心，也更能被带入到故事中。

在现实生活里，人人都带着面具。

而在床上，人赤裸相见，彼此更加坦诚，更容易把真实的自我展现出来。

电影里也一样。

很多大尺度场面并不是可有可无，它对于推进剧情、增进人物之间的关系或激发人物之间的矛盾都非常重要，或许通过其他方式也能达到这种目的，但是没有这种方式直接、彻底、节省镜头而且让观众容易理解。

就像再《色戒》里，没有那场闻名遐迩的床·戏，王佳芝和易先生的关系也不会出现跨越性的发展以及微妙性的转变，这为后面的剧情转折埋下了伏笔。

李安其实大可不必让过程显得那么真实，在现实中产生那么大争议，但是你看过那个场面后难道不会觉得李安的安排绝妙吗？

还有《泰坦尼克号》里，杰克为萝丝画的裸体画。萝丝真的有必要全裸入画吗？

还不是为了凸显萝丝和杰克的关系已经有了更深入的发展，还有什么比画裸体画更能展现两人之间纯洁而炽烈的爱呢？

当然这也是为了之后两人在车里那只手印埋下伏笔。

正是这样有层次、不断加强地叙事方式，才能将观众引领进入故事，才能真正讲好故事打动观众。

电影中的大尺度镜头，很多时候仁者见仁，智者见智，艺术这种高大上的东西，似乎只有一部分人看得懂，作为一个俗人，大尺度镜头最好避免未成年人观看，容易误导未成年人的三观。 时，从导演和编剧来说，大尺度镜头可以更好的体现出电影中的艺术性，是必须拍出来，这样也可以吸引不少眼球，也可以提高一定的票房。也会提供给大家对这部电影的争议性，有些电影大尺度镜头既唯美又顺应剧情的发展，让人看了不仅还能最大限度的刺激荷尔蒙，比如外国的一些电影，就经常可以看到一些大尺度的镜头，正是这些大尺度镜头，让这些电影成了经典，让人看了如沐春风，值得回味。 以，个人认为，大尺度镜头不应该一棒子打死，应该根据电影的剧情需要和发展，应该有的时候就有，不应该需要的时候就不要，这样，才能给观众更好的视觉体验和精神上的满足。

电影中激情戏到底是导演的需要，还是艺术的需要呢？

说起电影中的大尺度镜头，就让人不得不想起韩雪，因为韩雪就曾经直言自己拍戏有几个规定，其中不拍吻戏就是原则之一，金星也忍不住吐槽，不拍吻戏你来干嘛？吻戏绝对算不上大尺度，但照样有人不能接受！

可是有时候电影真的需要一些大尺度镜头，毕竟男女主角情到浓时，一个吻恰好就是 情感 的升华。特别是在某些生离死别的战争场景，男女主角发乎情止于礼，这是在很难让观众达到 情感 的共鸣。就像《西西里的美丽传说》，如果不展示丑陋，谁人又能够体会到美好？

当然，除了男女之间，有时候也有男男之间，或者女女之间。比如王家卫的《春光乍泄》，这部电影中有不少镜头需要演员放得开，如果不是演员的努力，这部电影也很难出彩。

当然，有时候也有例外的情况，大尺度镜头仅仅只是为了吸引观众，最典型就是国产鬼片，剧情不行，大尺度来凑，有时候看见这些场景真是怀疑这属于哪一种电影？

所谓的“必须”是指“一定，少了它就不行”的意思。而我们在看电影的时候，常常会看到一些令人羞羞的画面，甚至是非常大尺度的。有些观众认为，这无非就是电影创作者为了带动话题或者是满足观众的好奇而加入进去的桥段。

其实不然，从编剧或者导演的角度出发，有些电影，尤其是偏向于作者电影（个人风格浓烈）的作品中，当男女主角干柴烈火之时，会选择保留部分片段甚至将过程直接呈现给观众，这是一种多方位得展现主人公 情感 与心理的设定。而这激烈的画面之后，人物可能就会受到其他线索的影响，关系发生了变化。

如果没有这一部分的画面呈现，观众也能get到双方的关系变化，但是一旦加入了，甚至事无巨细得展现出来，观众不仅能够得知人物关系 情感 纽带的浓烈，还能从这一关系中挖掘出更多有趣的人物心理。

就拿《色戒》来说，人物的 社会 地位和主动、被动的关系都在那场被删的一干二敬的尺度戏里演绎了。尺度戏在这里不再是博眼球的噱头或者话题炒作，而是真正为剧本和剧情推动服务的片段。

在有些经典的例子，比如《泰坦尼克号》里男女主角在一辆车里的尺度戏份，最后二人在玻璃窗上的手掌印，这个镜头至今经典无比。这让人看起来充满了情欲，但同时又不显得低俗，是浪漫到极致的 情感 共融。在我看来，像这个镜头对于《泰坦尼克号》来说就是必须存在，而且是绝妙的存在。

所以，这些大尺度的片段也要看创作者的需求和观众心理是如何把握的，没有绝对的必须之说，只有放在当时的环境下是否合适或者说是否有增加效果的说法。

不能说必须的吧，应该是许多电影艺术作品用大尺度镜头表现会更完美。

比如娄烨的电影。

娄烨是一个很擅长用情欲镜头叙事的导演。

娄烨对于暴露镜头的执着应该跟他本人想向观众传达的观点思想有自己的理解有关。就像弗洛伊德对美学的认识，它认为人性的一切行为都跟性意识有关。

人出生的时候是裸露着的，这是最真实，最初的模样。我想裸露应该表达着一种还原、真实。

人性的欲望、贪婪、卑劣、卑微在现实生活中苦苦挣扎，谋求生存。这些通过裸露镜头来表达，最合适不过。

裸露镜头，是一种很大胆深度挖掘人性，呈现还原人性最真实的一面的表现手法。

在电影中拍裸露镜头不是难事，也不再少数，但是能通过裸露镜头传达某种观点，引发思考，就不是件容易的事情了。

不是必须的，却是必要的，然而也只是针对部分创造者而言。是否使用大尺度，和导演的创作风格有关。

比如，想要表现一个女子的肉体美，有些导演直接用裸体镜头表现，或正面或背面，通过直观的肉体展示，表达美；有些导演通过朦胧的方式表现，比如女子的身体上盖着一层薄纱，但是曲线毕露；有些导演则喜欢留白，比如只拍脖颈部位，或者拍脚，让观者去想象。

比如，想要表现男女之间的情欲，有些导演直接完整呈现，赤裸裸的视觉冲击；有些导演给一个远景镜头，观者知道男女演员在演绎什么内容，却无法看的真切；有些导演也是点到为止，接吻之后便移开机位，用光线或者声音告诉观者发生了什么事。

比如，想要表现剧中人的悲伤或者沮丧，让其在花洒下淋浴。有些导演既拍全了肉体又拍全了表情，有些导演只拍表情，将镜头定在脖子以上，有些导演拍全景，演员蜷缩在一处，看的见肉体却也看不清肉体。

诸上种种，都可以传达出导演的意图，观者都可以领会到剧中的情节在说什么。那么，是不是说大尺度的震撼力更强？也不尽然。视觉冲击上来讲，大尺度的刺激量更大。但是如果从震撼力的角度说，一个眼神的特写不见得就弱于一个肉体的特写，比如《泰坦尼克号》中杰克给柔丝画人体画的一组镜头，国内公映的版本里删除了柔丝全裸的画面，只保留了杰克画画时柔丝看他时的那种眼神以及杰克画的时候他看柔丝的眼神，只看两个人互相对视的眼神，你便感知到了爱意在视线中的流淌，即便后来看到了未删节的镜头，你不过是轻叹一下柔丝的美，而当初最打动你的，却是他们的眼神，不是肉体；然而，必要的时候，大尺度的震撼力又绝对占了上峰，比如《色戒》里面的激情戏，王佳芝如何吸引住易先生？或者说，王佳芝凭什么可以吸引住易先生？如果仅仅是通过眉目传情，就让心理极度扭曲极度缺乏安全感的易先生看上王佳芝，那就没有什么说服力。通过那段大尺度床戏，观者既明白了易先生为什么和王佳芝上床，也明白了易先生的不寻常心理。李安很会选人，王佳芝的角色必须要身材好同时演技在线，以便让观者意识到，那是什么样的女人才能吸引住杀人魔易先生。这一段，风花雪月的表达手法还真是不行。

大尺度镜头的目的是为了塑造人物的真实性，它之所以被谈论，是因为和人伦道德的束缚相冲突，即便那些电影审查宽松的国家，对大尺度电影是否适合公映也是谨慎得很，毕竟，真实最伤人。真实性的表达不一定要借助大尺度，它可以是隐晦的朦胧的，但是，当大尺度出现的时候，观者应该感谢创作者的勇敢。你可以疑惑他们为什么非的脱？可以不用脱，有的时候甚至没必要脱，可还是脱了。脱了，就有它的道理，不仅仅是过了一次眼瘾的事。

个人电影的大尺度镜头不是从艺术角度，而是审查和传播角度的一种标准。艺术这种纯感知的东西，外延应该和人类的想象力等同，可以无限扩张的，但从艺术传播的角度来说，必须用尺度作为围栏，否则任由艺术家放飞思想，各种突破普通人认知下限的东西就会蜂拥而出了。

比如世界十大X片，看完后心理阴影面积比中国还大。

而现在我们看到的电影领域的“大尺度”，包括很多方面的内容，比如裸露、血腥、粗口、政治明敢词等，这些内容在审查者眼里，都有可能构成他们认知里面的“大尺度”，甚至“超尺度”。所以有时候作为电影指挥棒的导演，他的艺术审美角度可能需要一些“大尺度”的镜头传递自己的理念，但未必能够如愿以偿的实现。

之前何平导演在锵锵三人行里面讲过，导演最难的一点就是如何完整展示自己想表达的东西，每个人对于艺术的认知和审美高度不同，可能对同一个镜头产生完全不同的解读。这还不是审查的问题，即使是拍摄制作过程中，导演和演员都会有很多关于“大尺度”的冲突。

当时曹颖和窦文涛聊到一些影视剧中裸戏的问题，曹颖就坦白有时候一些导演和剧组就为了博眼球，刻意加一些毫无意义的裸戏在剧情中，这种情况她会坚决抵制，宁愿少拍一部戏也不能助长这种风气。

何平导演这时候表示反对，他说其实有时候演员在用自己的世界观去评估导演的一些镜头设计，比如说我们想拍一个女性在出门前换衣服的镜头，导演设计了很多细节来反映女主角的性格和情绪变化，比如脱衣服的一些细节、穿衣服的一些动作和表情，其实都是有自己的艺术表达的。但有时候到了演员眼中，变成“你就是想看我换衣服”，其实不是这样，纯粹是双方对于艺术的理解和沟通不到位的结果。

我个人比较支持何平导演的立场，其实那些所谓的“大尺度”镜头的冲突，其实就是各方协商失败的产物，真正的艺术领域应该更加有突破和挑战，才能让电影艺术的价值得到升华。

我觉得从艺术的角度来看，有些大尺度镜头是必须的。

首先，先说剧情。如果一部好的电影缺失一些大尺度镜头会丧失剧情的完整性，无法精确的表达导演或编剧想要达到的荧幕效果。所以我一向更青睐未删减的影片，不管整部影片最终呈现的效果是褒是贬，都需要最大限度的保留原作的完整性，只有这样才能以最纯粹的视角和思考来理解导演的意图。当然有些影片还是会超出我的认知，而其中的大尺度镜头对剧情理解的帮助也是因影片而异。

其次，我们来举几个例子。比较早的一部限制级影片《发条橙子》，这部影片自拍出来就争议不断，当年更是删掉了多达30分钟的大尺度镜头才得以公映。我也不知道具体看的是哪个版本，至今有些镜头所表达的剧情仍然不好理解。但即使这样，人性的丑恶、贪婪、情欲、荒诞都一定程度得到了完整的展现。电影有时就是真实的人生，无论《发条橙子》遭受了多大的争议，敢在1971年拍出这样的电影，足以让我对整个剧组表示致敬，尤其是片中饰演被侵犯的几个女性演员，感谢她们为电影所作出的极大牺牲。

再说说我们的功夫巨星李小龙。李小龙的功夫片无论对香港电影还是世界电影的发展都具有里程碑式的意义。之后的很多年，很多影视作品都能看到有模仿当年李小龙电影的影子。包括著名演员和导演周星驰，如果不看李小龙的电影，就没法理解周星驰在《功夫》中致敬李小龙的一些小的设计。说回正题，李小龙的《猛龙过江》，其中唐龙在意大利外出游玩时碰到一个香艳的意大利女性，唐龙对女主的告诫还记忆犹新，对这个意大利女性报以微笑，以示友好，谁知刚刚进入公寓该女性就开始脱衣服…原来唐龙不幸偶遇了一个意大利风尘女子。这个小插曲我在删减版的《猛龙过江》并没有看到，观众当然没法理解那个漂亮的意大利女性出现要表达什么样的意思。

接下来我们来看一个比较极端的电影《巴黎最后的探戈》，一部成就和争议都十分巨大的电影。导演贝托鲁奇和马龙·白兰度双双获得了奥斯卡提名，但也由于玛利亚·施耐德的死，这部影史巨作再次被人们推向风口浪尖。其中，马龙·白兰度和玛利亚·施耐德的一场激情戏并未事先告知女主玛利亚·施耐德，从而造成了真实的身体接触，19岁的年纪在不被告知的前提下被侵犯的真实反应有些过于“真实”了，已经超出了一个职业演员的职责所在，最终玛利亚·施耐德的一生都被性爱的标签所困扰，她的生活也被自毁的面目全非，感情纠葛和毒品时常为伴，最终在2011年2月5日不幸去世，结束了波折的一生。当然这样极端的例子无论从人权还是女权，或者尊重女性的角度都不应该得到推崇，哪怕是受到再多的专家和观众的肯定。这种电影即使不拍也不能违背女性演员的真实意愿。

最后，我觉得如果是剧情的需要，一些大尺度的镜头是需要的。而观众观影的动机是有很大区别的。一方面，如果是冲着电影本身，还是应该端正态度，把这些大尺度镜头当作客观的真实存在就好了；另一方面，如果是好奇心的驱使，专门为了看大尺度镜头，很多时候不如去看成人电影那样直接。由此我想到一个同样饱受争议的行业——人体模特，他们或为艺术或为生计，给美术学院的学生们做人体模特，只是职业的需要，不应该受到 社会 的歧视。借用范伟早年的小品来说“低档商品用假人，高档商品真人展示”。回到电影本身，随着电影的发展很多大尺度镜头都会尽可能保护演员的隐私而得到更科学合理的处理，这一点还是十分提倡的，因此，单纯为看大尺度镜头的观众们可要失望了。

我觉得是需要的。

故事只有真实才能引发共鸣，产生思考。

如果将一些大尺度的情节删掉，后续用什么来弥补故事性。电影的每一帧都是有存在的理由的，每一个画面都是为了强调和解释它想告诉你什么。

如果没有的这些画面，大家去感受的时候共鸣要如何产生。

就像《悲伤逆流成河》，大家都知道校园霸凌不对，就像《霸王别姬》，大家都知道应该尊重同性恋，就像《我不是药神》，大家也知道就医难是一个严重的问题。

如果我直接用言语告诉你该怎么做，大家会听吗！

要知道从小到大听父母言的人真的很少。

甚至一篇新闻文章《国旗为谁而降》，它每一个字都是在讲述的一个问题，而引起共鸣之后，大家回会用什么方式去解决。

一旦让人感觉到假，不够真实，脱离了现实，共鸣如何引起。

所以说存在便是合理的。

㈡ 从美术的角度评价小猪佩奇

小猪佩奇是一部充满浓浓爱心的动漫剧，它对培养孩子的爱心，值得肯定。在剧中，妈妈温柔平和，父亲体贴能干，佩奇和弟弟乔治顽皮聪明，喜欢动脑筋，这都是孩子生命中，最不可缺的元素。如果从美术的角度评价，我以为，这部动漫，以简笔画的形式，建构了小猪佩奇及他的爸爸、妈妈、弟弟、爷爷、奶奶等的不同形象，并赋予这些动画形象以诙谐幽默的风格，使孩子看时趣味横生，笑声不断。画面线条简洁凝练，清新自然，色彩单纯，富有韵味，画面生动有趣，富有生活趣味。看似鸡毛蒜皮的一些琐事，在动漫家的笔下，却具有了开心活泼的视点，使儿童从中得到欢笑。本剧形象突出，猪格各异，性格鲜明，生动有趣，这完全依赖于动漫家对生活观察的细微，对生活琐事的体察入微，使他们从不同的生活小事中，提炼出佩奇与生活中的猪物们的鲜明个性，从而彰显出剧作家对生命认知的深刻，原本就藏在一些鸡毛蒜皮的小事中，而不是那些空洞的、虚假的、看似高大上的了无灵魂的行尸走肉上。

㈢ 假如你是导演，如何在电影中借鉴美术创作的经验

美术中的色彩语言，在电影中很有用处，比如：《希特勒的名单》一切都是灰调子，只有一个小女孩的衣服透出血红色异常眨眼。再比如，鬼片与喜剧片的色调、场景布置截然不同，以此类推。

㈣ 电影经典的赏析应该怎么做主要是从音乐和美术（绘画）的方面来考虑，大学选修课的考试

从美术角度赏析的话主要从演员的服饰搭配色彩是否统一美观协调。然后就是出现的一些场景比如公园，餐厅，街景是否能符合电影所需要的环境，他们的装修风格是否协调，演员所穿的衣服能否融进去，这点在张艺谋的电影里有所体现。然后再看看电影所用的镜头是否给的合乎情理，该是广角的时候是否用到了，近景的镜头是否给的合理。
在音乐方面主要看音乐的节奏是否合乎电影的情节，给的特效是否及时，音乐能否打动人显得尤为关键，很多音乐因电影而被人们所铭记，或者相反这些都能够体现电影音乐是否配的很好。
大体上就这些。这是我个人的观点，希望能帮助到你。我是学美术的。

㈤ 急急急 求从绘画色彩的角度来解析电影张艺谋的《我的父亲母亲》中的色彩效果的论文一篇

这个……我觉得老谋子是美术设计出身，在他的电影里，颜色似乎比情节更加出众，只不过电影是要讲故事而不是看颜色，虽然他的大片不少，不过争议也不少。
你就从颜色情感入手呗~画面颜色体现当时演员什么心情，表达导演或者编剧的什么用意。

㈥ 求《冰河世纪4》影评，从专业美术角度，500字以上，急需，谢谢

今年的圣地亚哥动漫展上，蓝天工作室坦言计划将接着拍《冰川时代》的第五、六集，组成一个新的三部曲。只是当年以慢工出细活闻名的蓝天动画，如今也追赶上好莱坞一年一部的惯常流水线制造速度，这部续集整体上没什么独特的优点，色彩养眼，动物卖萌，插曲动听，不知道这些能不能算？至于本片一流的硬件水准就更不值得一提了，如今整个好莱坞技术方面一家亲，就连曾经以技术称霸好莱坞的皮克斯如今都难以让人感觉惊艳了。这虽然是一部有点蠢的电影，但有品牌续集的招牌在，评论和口碑已经无法阻止它吸金的速度了，那些和这一系列一起成长的孩子就是票房的保证。

这一集的故事主题是亲情，大陆漂移让猛犸象一家分开了，猛犸象曼尼、剑齿虎迪亚哥、树懒希德、树懒希德的奶奶组成的小分队遭遇了海盗帮的袭击，冒险之后动物们懂得了“我们是一个大家庭”的道理。这就像一出动物版的《奥德赛》，主题变得浅显易懂，其实低龄化的故事倒不是影片的问题所在，重点在于新鲜创意的缺失，整部电影里，你很难找到独特的亮点和有趣的段子。动物们还是延续了前三部的性格特点，希德的恶意卖萌，松鼠史奎特和松果的难舍情缘，这都有点让人审美疲劳了。创意的新鲜感其实早在第二部的时候就已经消费了，第三部就已经显得像狗尾续貂，如今倒好，还要续一个新的三部曲。敢情蓝天工作室是要学习《哈利波特》系列啊，让观众群和电影一起成长，只是人家魔法少年是随着成长越来越越黑暗；这群动物倒好，反而越来越低幼。就算是动画片，也要稍微的考虑一下成年观众吧？观众群如果真的如蓝天所愿，最好都是弱智，否则真的很难一直从中找到什么乐趣。想当年第一部的时候，我们看到松鼠和松果“我的眼中只有你”的难舍姻缘，我们发自内心的一句“哇哦”！如今第四部了，我们看到松鼠依旧为了它的松果上天入地，惹出各种麻烦，我们只能边扶额边纳闷“原来这都可以啊”！不是你们的创意变得多么癫狂了，是我们已经审美疲劳伤不起了。缺少新鲜的想象力是个问题，太有想象力，以至于彻底癫狂了也是个很严重的问题，总之新的貂牌三部曲重新起航了。

海盗帮里新角色倒是不少，却只有史前猿格特和母剑齿虎希拉两个角色戏份较多，性格平庸也没什么值得一提。什么？剑齿虎恋爱了？这算什么惊喜，当我看到母剑齿虎三个字的时候，我就知道它们在一起了。前几部的癫狂和讽刺似乎不见了踪影，台词很水很愚蠢，逻辑很傻很天真，创意再消费就算了，想象力欠奉也就算了，关键是连搞笑的段子都没几个。如今在好莱坞，凡是和喜剧俩字沾边的，不多带几个搞笑段子，有人好意思出门见人吗？

当然这部电影也是有不少亮点，比如片头和片尾的那几分钟，比如最后看着配音演员齐齐亮相，还有那么多熟脸。片中希德的奶奶和海中女妖倒成了这部最大的亮点，虽然无法和当年的松鼠和松果的惊艳感相比，但麻辣奶奶和她的宠物，以及女妖们的丑陋外型还是会让观众精神为之一阵。

雪上加霜倒是影片的3D效果，它的3D也就比《画皮2》稍微强那么一点点，绝对称得上今年到目前为止，3D效果最差的一部好莱坞进口大片。无论比拼卖萌卖腐，比拼温馨或创意，还是比拼低幼或全家欢闹剧，《冰川世纪4》都会轻易被同类型的动画片甩出几里地。如果你家刚好有五六岁的孩子倒是可以选择一起去看看，估计那个年龄段的孩子还能乐上一会儿。

㈦ 如何确定影片与众不同的美术风格

你的提问太抽象了，你首先需要定位影片自身属于什么风格，影片的美术风格是由剧本来决定的，比如古装戏，什么年代，什么国界...
如果你是一名导演，你需要的不单是找回时代感，还有相应的无数细节，如果你是美工，你必须把一切细节处理的惟妙惟肖。如果你是摄影，你必须让你的构图光效完美无缺。立场不同“美术风格”的角度也不同。

可以大致分，关键在于你看片的感觉，比如诗意电影，俄罗斯的风格就很突出，像《西伯利亚的理发师》，《安娜，卡吉林那》...
性幻想的片子法国很牛逼，风格突出，比如《罗曼史》，《我的母亲》...一看就是法国货
不过有导演风格很强的片子，比如王家卫。所以这东西真不好说。
固定风格没有，大致的需要你看电影的累积，慢慢来吧，确实记不了。

㈧ 从美术角度写《狮子王》的观后感

“《狮子王》为什么好看？”
无可救药地重温了《狮子王》一下。被感动了两次。
第一次：木法沙之死。
第二次：成年辛巴着这夜空说：你说过会一直在我身边的！可是你没有！
小时候，看狮子王不下20遍。父亲知道我喜欢，便问我，为什么《狮子王》好看？
当时我一点都回答不上来，我以为父亲希望我回答得想观后感一样头头是道。后来我一直没有回答这个问题。直到今天，我越发觉得我回答不了。
父亲劳碌一生，十年前他这样问他还很不懂事惹他生气的孩子。不知道十年后的今天，他还记不记得他问过这样的一个问题。我无法了解当时他期盼我什么样的答案。十年前我特别敬畏我的父亲，敬佩他的才干，畏惧每次他对待事情的锋利的眼神。十年过去了，父亲已经老了，但是他的才干和眼神从没有改变。
当然了，我父亲非常爱惜这个家庭，身边也没有小人要陷害他，我这个小辛巴一直在大木法沙的环抱下长大。记得小时候看到小辛巴和木法沙玩在一起，扯头发咬耳朵的时候，我心里很是复杂。那时候的我或许刚刚才开始探讨父爱问题。我想为什么我从来没有和父亲如此接触。我们之间的感情在哪里？
其实，十年过去了，这十年到今天我能够健健康康高高兴兴地在电脑面前打字，就是因为有他的爱啊。
木法沙似乎太早地就告诉辛巴轮回啊宿命的东西了，并且要辛巴时刻记住自己谁。辛巴无忧无虑地生活到壮年，或许是到了人类四十而自知的阶段，深刻领悟到自己的皇族血统，要回去夺回江山了。（在这里，辛巴逃避过去的生活似乎遭到批判的，因为他在逃避。然而不可否认，这样的生活让他认识到了丁满和彭彭。这段友情和辛巴的成功是分不开的。或许还是那一句，生命就是一盒有各种口味的巧克力。）
而我的父亲，也告诉过我，生命中，是你的就是你的。但是他改了后半句，要学会判断哪些不是你的。父亲也告诉我，我们这个家给你强有力的后盾，你尽管去闯，去寻找你自己。他亲口说：你多看电影，看一部电影写一点东西。多看，多看点好，对你以后肯定有帮助。
我爱我的木法沙爸爸。我要他快快乐乐，健健康康的。
然而这个动画片的经典在影片中是随处可见的。
首先是故事改编自哈姆雷特，充满了古典主义的气息，只是舞台变成了非洲大陆上。故事结尾是刀疤和土狼把the
land
of
pride变得浪迹遍野。辛巴挑战的时候到来了。那个夜晚，乌云密布，闪电点燃了枯树，火光冲天。辛巴取得了胜利，天降甘露，雨水冲走了骷髅，随着辛巴的代表皇室的怒吼，大地重燃了生机。这些大自然的一草一木、一禽一兽，将古典主义文学作品中的标志性意象展现得淋漓尽致。
时隔快十年时间了，现在再看这部动画片，感慨万千。看看成年的辛巴，有一点Tom
Cruise的感觉。成年的娜娜与Scarlett
Johanson有几分相似。刀疤像极了Al
Pacino，Sarabi就有点Julie
Andrews的风范。
不得不提的是，这是我第一次看的英文原版。十年前的那个中文版VCD的A、B盘或许还在被我遗忘的某个角落里面。

㈨ 怎样从美术角度评析电影

你可以看它的画面的用色跟电影的主题是怎么协调的,比如,千与千寻就是比较忧郁的用色,画面制造的气氛配合情节的艰难.我前面在网上看过一个动画片段,做的很漂亮,几乎随便剪辑一个镜头就是一张唯美的画面.
可以从用线的流畅上来分析.千寻的形象比较质朴,用线很简洁.比如阿贵做的那些献给80后的人的那几部小FLASH就用的很粗糙了，但那是他的需要,他就是用粗糙反映出他的手绘功底!但韩国的那部花木兰就用线很流畅,又简洁.
还有你必须看里面的人物最突出的地方,也就是视觉中心.小新是靠语言和四肢的动作,这样他的五官就可以不用那么清晰,但千寻啊,龙猫啊,回忆点点滴滴(都是宫绮骏的)他塑造的人物有很丰富的面部表情,而且,眼睛鼻子和嘴巴在表达一个表情的时候互动性很强,让人看了觉得真有肌肉在配合表情!
先这么多吧,你自己组织下语言,然后根据这样的方法再找些角度写!

㈩ 如何从文艺美学角度赏析电影

正常人看电影是看电影的剧情好不好？人物演技好不好，而你要是从文学艺术的角度来讲，就是看他镜头拍的好不好景色采景怎么样然后这个电影派所有想表达的中心思想是什么？有没有一个较高的利益，更多的偏向于专业方面的一些东西了。我们如果仅仅是作为一个普通的牵挂群众，看电影为了一个乐趣，没有必要从文学艺术的角度去深究这部电影到底好不好。