㈠ 音乐剧的概念,特点
音乐剧诞生于上个世纪初的欧美大陆，其中，音乐源于地道的美国黑人的爵士音乐，舞蹈综合了爵士舞和踢踏舞。1927年，隆·科恩的《水上舞台》掀开了音乐剧时代到来，其中的插曲《老人河》在当时家喻户晓，流传全球。从以爵士音乐、舞蹈为主的音乐剧到摇滚音乐剧，再到类似有现代歌剧概念的欧洲音乐剧，音乐剧的概念本身也在不断发展变化，成为保留着相当艺术水准的大众化演出形式。
音乐剧是一种高度综合性的舞台综合艺术，如果把它作为一个整体来看，它的构成要素几乎囊括了当今世界上现存的绝大多数艺术品种———从文学、戏剧、诗歌、音乐、舞蹈、雕塑、绘画、建筑，到幽默艺术、滑稽表演和声光艺术，甚至也包括了电影、杂技、魔术等等。
音乐剧将这些不同美学范畴、不同审美方式、不同艺术魅力的艺术门类高度综合起来，它向观众所提供的，是一种不受时间和空间限制、听觉与视觉并重、表情与造型俱备的综合性剧场审美效应。
音乐剧的特点
一、综合性
音乐剧是由音乐、舞蹈、表演（特别是话剧表演）等各种艺术形式有机地结合在一起的。为了表现舞台故事而创作的有关音乐，常常综合了多种形式、多种风格，特别是常常把歌剧、轻歌剧和爵士乐整合为一个有机体。
二、现代性
音乐剧不再应用传统的音乐舞蹈和简单的舞台技术。首先在音乐方面，不再坚持美声唱法，而是用最符合当代观众需求的唱法。因此，早期有爵士乐为主的音乐剧，后来有摇滚乐的音乐剧、乡村音乐的音乐剧等。总之，风格是非常现代的。在舞蹈方面，不只是过去美式的踢踏舞，不单有了芭蕾舞的动作，还有体操式的舞蹈动作和其它很多现代舞蹈语言。同时，舞台技术也很现代化，一些先进科技的布景技巧和印象、灯光方面的先进技术都登上了音乐剧的舞台。
三、多元性
音乐剧不再坚持单一的艺术形式，从其演唱有古典唱法和各类通俗唱法可以看出来这一特点。音乐剧的题材从古代到现代，从轻喜剧到重喜剧，从科幻到神话，无所不有。音乐也是不拘一格，不受任何公式化模式的束缚。音乐传统有爵士、摇滚、乡村音乐、迪斯科、灵魂乐，也有大混合式的作曲。有偏向歌剧的，也有偏向轻歌剧的，还有轻歌舞剧。舞蹈也是多种流派，异彩纷呈的。
四、灵活性
音乐剧的创作和表现不存在教条主义的东西，比较大胆。在音乐创作、乐器伴奏和语言选择上，都是创新的并以市场需求为根据，不受传统的约束。在形式上，百老汇音乐剧受音乐喜剧传统的影响比较多，欢快的喜剧题材数量较大。当然，也有一些重量级的悲剧作品，如：《歌剧院幽灵》、《西贡小姐》和《悲惨世界》等。
五、高度的商业性
音乐剧是面向大众化的一种娱乐形式，她已经发展到了今天如此之大的规模，都是靠优秀的商业化操作来实现的。音乐剧非常注意把音乐家、制作人和商业化运作的机构用公司的形式组织起来。音乐剧在对各种版权的处理方面是很突出的。音乐剧是不轻易出售舞台表演的映象制品的，演到一定程度才会被搬上银幕，在版权处理方面是精细分割且商业化的，在制作过程和雇佣演员时，都把经济效益摆在相当突出的地位。我想，这也是反映了观众的需要吧。
㈡ 电影版音乐剧和剧场版音乐剧的优劣势
音乐剧艺术具有如下几个基本特点：
第一，舞台性。音乐剧演出都是借助于舞台完成的，舞台有各种样式，目的有二：一利演员表演剧情，一利观众从各个角度欣赏，这是在影视中所无法比拟的。
第二，直观性。音乐剧首先是以演员的歌唱，舞蹈姿态、动作、对话、独白等表演，直接作用于观众的视觉和听觉；并用化妆、服饰等手段进行人物造型，使观众能直接观赏到剧中人物形象的外貌特征。
第三，综合性。音乐剧是一种综合性的艺术，其特点是与在舞台塑造具体艺术形象、向观众直接展现社会生活情景的需要和适应的。
第四，对话性。音乐剧区别于其他剧种的特点是通过大量的舞台对话战线剧情、塑造人物和表达主题的。其中有人物独白，有观众对话，在特定的时、空内完成戏剧内容。
第五，互动性。音乐剧的现场表演经常会有与观众的直接互动
第六，感染力。现场的现场表演，不论是演员的歌唱还是舞蹈，都会给你极大的震撼与冲击，这是在电影里感受不到的。
第七，观演关系。面对荧幕，你只能感觉到单一的观演关系，而面对剧场你会有更多的观演选择，可以根据镜框式舞台或者伸出式舞台的特殊性进行观演。
以上观点属于个人观点，欢迎指正补充
㈢ 音乐剧与电影，话剧，舞剧有什么区别
我觉得简单地说来，音乐剧和歌剧都有声乐演唱这门艺术在其中。音乐剧重在表演，它是以声乐、舞蹈、舞台美术、剧本等等组成的综合艺术，比较平衡，其中的唱段用我们今天话说比较通俗流行；而歌剧中歌唱占主要地位，虽然他也有剧本中的戏剧冲突表演……人们会为欣赏一出精彩的表演去看音乐剧，而不会单单为欣赏表演去看歌剧……
以下是详细的论述，
音乐剧并不只是由音乐伴奏的表演。它不是歌剧、喜剧歌剧或是轻音乐剧，也不是歌舞杂耍、音乐荒诞剧或是夜总会的歌舞表演。乔治·格什温的《波吉与贝丝》通常被称为民谣歌剧，以与他的音乐剧相区分。所有花钱来看音乐剧的观众最了解其中的区别。伦纳德·伯恩斯坦的《老实人》（根据伏尔泰的著名同名小说改编）作为音乐剧在1957年搬上舞台，当时仅仅上演了三个月；而在1974年以喜剧歌剧的形式重返百老汇舞台的时候，却获得了前所未有的成功。
那么，音乐剧和歌剧到底有哪些区别呢？事实上，我们很难对这两种艺术形式制定准确的区分标准，但是对那些常去剧院的观众来说，二者各自的特点还是很明显的。例如，音乐剧中的歌曲很多并非独唱曲；音乐剧中的歌曲更短，更简单，易于传唱，人们可以在散步或洗澡的时候唱起这些歌曲。歌剧则靠独唱的咏叹调引领全局。一般来说，咏叹调会伴随着每一次戏剧性的转折将整部戏推向高潮。尽管音乐剧中的歌曲更容易从整部剧中独立出来，也更加适于在酒吧等其他的娱乐场所单独吟唱，但这些歌曲本身不一定适合剧情发展的需要，这就需要演员通过舞蹈或其他的表演来烘托气氛，带动剧情进入高潮。
音乐剧的独唱与歌剧的咏叹调在听众的情感中占据了不同的位置。同样是表现浪漫爱情的独唱，在音乐剧中，它的曲调可以是感伤的，但在歌剧中，它一定是热情洋溢的；在歌词方面，音乐剧趋于表现饱经忧患的经历，例如“爱——无论你鞭打我，还是伤害我；欺骗我，还是遗弃我，我都将永远是你的！”，歌剧则永远是表现欢欣和喜悦的诗一般的语言。
与音乐剧不同，在歌剧里，主人公总保持着优雅而高贵的举止来生活、相爱和逝去。在每次踏上旅途时，他们会祈祷，“主啊，我上路了！”仿佛这不仅是一次地理意义上的旅行，更是精神上的旅程。但在音乐剧中，主人公与爱人告别的场景可以是杂乱的集市，甚至是垃圾场，他们也一定是疲惫不堪和心神憔悴。
起源于巴洛克时期（约17世纪至18世纪中叶）的歌剧，即使是在20世纪现代主义影响下的低潮期，也一直渴望成为一项伟大的艺术。它想表现人类的共性，提取情感的精华，蔑视日常生活中的小智慧。剧中的反面角色被刻画成十恶不赦的彻彻底底的坏人，英雄们则勇敢无畏。音乐剧中的男女主角更加人性化，他们也会犯错误，也可以失去工作、穷困潦倒、无家可归，但是他们在经历坎坷之后总能得到真爱、财富和幸福。
音乐剧并不追求卓越与出众，也没有野心，因此，它们被认为是平庸的创作。它们宁愿逃避，也不抗争；宁愿犯一些小小的过错，也不愿只为理想而生活。音乐剧赞扬民主，它赞扬那些在平凡生活中追求浪漫和幸福的普通人，而对那些自命不凡的富人，尤其是贵族们，则充满了鄙视和嘲弄。
观众们已经认识到了它们的差别。当一个人去看歌剧和音乐剧的时候（在伦敦和纽约，两种门票的价格几乎一样），他会以不同的心态欣赏这两种戏剧。如果一场歌剧听起来太像音乐剧，那么它会被批评为太轻浮；反之，太像歌剧的音乐剧也会被批评太脱离现实。这些偏见并非偶然，它们是经历了很长一段时间才慢慢形成的。它们的起源可以追溯到第一部音乐剧：《乞丐歌剧》。
㈣ 对于你来说音乐剧的魅力在哪里
安静淡然，没有歇斯底里的表述，却有细水长流的温存，能让我想起很多美好的回忆。越欣赏，越会欣赏。这就是音乐剧的魅力所在。
㈤ 西方音乐剧相比于中国音乐剧有哪些优势跟劣势
音乐剧是一个外来的艺术形式，所以说我们现在还在向国外的学习阶段，所以我觉得目前为止我们还达不到与西方音乐剧相提并论的地步，我想我们目前能做的是将这种艺术形式的优良部分先吸收过来，结合我们本民族的艺术文化和欣赏习惯，先立住脚再说。
㈥ 音乐剧与音乐电影的相同点与不同点
音乐剧是20世纪出现的一门新兴的综合舞台艺术，集歌、舞、剧为一体，广泛地采用了高科技的舞美技术，不断追求视觉效果和听觉效果的完美结合。
音乐剧（英语：Musical theater，简称 Musicals），又称为歌舞剧，是音乐、歌曲、舞蹈和对白结合的一种戏剧表演，剧中的幽默、讽刺、感伤、爱情、愤怒作为动人的组成部分，与剧情本身通过演员的语言，音乐和动作以及固定的演绎传达给观众。一些著名的音乐剧包括：奥克拉荷马、音乐之声、西区故事、悲惨世界、猫以及歌剧魅影等。
音乐电影是一种由普通电影（特别是歌舞片和以音乐为主要背景的其他电影）和Music Video糅合而成的新的艺术表现形式。一般以一个单线故事为轴，创作指定主题音乐和其他辅助音乐片段，按照电影拍摄的一般逻辑，并将音乐作为主要叙事工具，制作而成的短片。
优秀作品：
《特务J：跨国超级任务》三部曲（主演：蔡依林）
《歌舞青春》一，二，三部
《摇滚青春》（摇滚夏令营）
《放牛班的春天》
《劲歌飞扬》
《平民天后》
《音乐之声》（美国）
《迈克尔·杰克逊：就是这样》
《海上钢琴师》
《once》
㈦ 音乐剧的优势
我眼中的音乐剧
炫丽的灯光，华丽的舞台，美妙的音乐，精致的唱腔。这一切并不是音乐剧的全部。从杰罗姆•科恩到安得鲁•洛伊德•韦伯，从大不列颠到中华大地，从《剧院魅影》到《雪狼湖》，从百老汇的经典剧目到好莱坞的歌舞电影，音乐剧不分国界的用一种音乐与戏剧相结合的方式，将曼妙的音乐巧妙的穿插到或曲折，或平淡；或激情，或感人；或惊险，或温情的剧情当中去，用音乐这种艺术形式表现出戏剧这另一种艺术形式。用男女主人公的声音来诠释他们的内心复杂的情感，从而让这种情感更加完美，真挚和深刻。
一、音乐剧的创新
音乐剧无疑是古典与流行相结合，艺术与商业相结合的成功的艺术形式。而安得鲁•洛伊德•韦伯则无疑是这种结合中的大师级的人物。音乐剧的发展中的转折点要追溯到上世纪二十年代，二十年代以前的音乐剧在英、美两国有着不同的历史背景：在美国，它较多地受爵士乐、踢跳舞、喜剧性话剧和含有歌唱的喜剧的影响，另外美国一直有像"齐格菲"一类的轻歌舞剧（故事不重要，但歌舞制作得非常华丽），还有歌舞厅的小型娱乐性歌舞（多数在高档餐厅和宾馆演出，在现在的拉斯维加斯仍能看到）；在英国，音乐剧则更多地与轻歌剧、话剧，特别是莎士比亚、莫里哀、易卜生的戏剧背景相关，舞蹈方面则更贴近芭蕾舞。二十年代以后,以典型剧目的创新和突破为代表，美国和伦敦西区都有不同程度的长足进展。《俄克拉荷马》使音乐、舞蹈紧密地与故事进程结合，特别是舞蹈。此剧中，舞蹈设计德米尔创新地使用了民族式芭蕾，而不是简单地照搬传统的踢腿舞或踢踏舞。它通过音乐、唱歌和舞蹈三种形式的融合，从而使音乐剧成为一种近乎完美的艺术形式。而听音乐剧也逐渐变成一种从属性文化，这把音乐剧中的舞蹈提到一个更高的境界。德米尔把音乐剧舞蹈从简单的群舞与异国情调的古典芭蕾中解脱出来，创作出独树一帜的百老汇风格。而天才的作曲家安得鲁•洛伊德•韦伯则把握了这一切，将他的艺术灵感与流行文化相结合，创作出了一系列诸如《剧院魅影》、《猫》等一系列经典剧作。
二、韦伯的成功
韦伯是公认的音乐剧作的天才，《耶稣基督巨星》上世纪七十年代在百老汇首演，该剧由年仅23岁的安德鲁•洛依德•韦伯创作，他当时还是一位无名的英国青年。安德鲁的《耶稣基督巨星》是一个卓越的音乐典范，而且大部分音乐是摇滚乐，这是一部对经文、人物、人与人之间的关系进行心理探索的剧目，是史诗型与摇滚歌曲的融合。舞蹈是体操与运动式的风格，舞步很少，主要是剧情支撑着舞台的活动，它把一个世人熟知的古代故事用摇滚来表现，着力于民众与个人责任感之间的冲突与摩擦，这是令人震惊的创新。《剧院魅影》这是韦伯的一部趋于成熟的代表性作品。该剧以精彩的音乐，惊险的剧情、恐怖的氛围，充满悬念和紧张感，完美的布景，足成为音乐剧中永恒的佳作。韦伯在剧院魅影中努力将有着黑暗童年的，居住在剧院地下室中的鬼魅般的男主角刻画成了一个天才的剧作家、音乐家、建筑师、设计师，并且是一个有情有义，痴爱着女主角的悲情人物，而霍华德•麦吉伦和莎拉布莱曼的深情演出也给剧中的主人公带去了灵魂。从一九八八年首次登上百老汇的舞台算起，《剧院魅影》已经在百老汇的舞台上连演了十八个年头，成就上超过了韦伯的另一部音乐剧《猫》，是百老汇历史上最长演不衰的剧目。十八年来，该剧已在全球二十多个国家和地区、超过一百二十个城市进行过演出。此外，该剧目前仍在全球七个城市公演，全球看过此剧的人数已达八千万人，全球票房总收入已达三十二亿美元，仅在纽约就有近六亿美元的票房。这部经典的音乐剧之所以能够历久不衰，还是有不少值得现代音乐剧借鉴之处。首先，除了音乐剧自身靠实力取得成功之外，二零零四年，同名电影的推出以及其后发行的DVD，这些延伸产品对重振《剧院魅影》“舞台旋风”也有推波助澜之功。许多观众正是从与此有关的各种宣传中知道，《剧院魅影》仍在上演，于是新的“朝圣者”又络绎于途。 另外，原著本身的故事情节也是引人入胜的法宝之一。
三、音乐剧在中国
对于中国而言，音乐剧是刚刚兴起的“舶来品”，我们几部原创的音乐剧作品不尽如人意，而且像西方现代音乐剧一样的高成本和大制作也令许多中国艺术家望而生畏。并且由于缺少优秀的剧本和形、音、演兼备的优秀演员，音乐剧作总是与流行和商业化脱节使得国产的音乐剧总是面临着即不叫好又不叫座的尴尬处境。如今大剧院里上演的基本上都是诸如《悲惨世界》、《西贡小姐》、《剧院魅影》、《猫》之类的外国优秀剧作，而国内的大部分观众也愿意去花钱去捧这些有着优秀舞台设计、曲折的故事情节、华美的音乐和出色的演员的剧作的场。这些差距和现状是现实存在的，要想缩小这些差距，只有从大学的教育开始，培养出一批又一批优秀的剧作者和演员，积极探索创新，紧贴流行文化，加大商业推广，融合民族传统才能真正创作出为观众认可的剧作。从定军山、马路天使到卧虎藏龙、英雄，从30年代的上海到二十一世纪的好莱坞，中国的电影人已经探索出了让中国电影走向世界的道路，中国的音乐剧是否也能在我们的手中发扬光大，让我们拭目以待。
㈧ 西方音乐剧和中国音乐剧相比优势在哪里
首先是乐器，西方乐器比中国种类多，不过现在中国也开始用金属类打击乐，以及提琴之类的。在表演上
㈨ 音乐剧的特点
突出剧情，音乐配衬，很好的。