如何用五毛钱拍摄好莱坞电影

❶ 如何制造电影感

如何制造电影感 － Being Cinematic － 摄影篇之构图
如果大家平时有留意电影拍摄制作，那么在初学阶段很多人问的一个问题就是“如何让你拍摄的东西具有电影感”。电影之所以有电影感，其实不光在摄影上面需要匠心独运，在美术、道具、镜头语言设计、Blocking and
Sequencing（表演调度）、Pre-visualazations（预先视觉化）、声音设计都需要通力合作才能达到效果。我曾经就此问题从导演方面发表过自己的见解。现在我想从摄影上面来简单统述回答这个问题。

（以下文章内容假设读者皆有一定摄影基础）

经常有人在拍摄电影的论坛上面问的第一个问题就是“怎样让自己拍摄的画面看起来有电影感”。我觉得就“电影感”而言，有必要区分西方好莱坞式的电影和一些低成本制作的微电影。

尽管好莱坞电影用金钱鸿篇巨制的电影效果有时候非常难去用一些低成本的手段去复制，但是有一些基本简单零成本的拍摄理念是可以沿用终身地让你的电影看起来像“好莱坞电影”（“电影感”）。不管是电影摄像还是平面摄像，我觉得都会有益于区别你和一般的摄影师。

从摄影上来说，我想把下面制造电影感的部分分成5个要素：
Framing（构图），Lensing（透视），Camera and Camera Movement（相机和相机运动），Lighting（灯光），Color（颜色）

当然这5个方面不是唯一的电影感，但是我觉得这是很基本地区分好莱坞式电影和家庭录像的标准之一。

摄影师花了毕生精力去学构图，什么九宫法，什么黄金分割点，什么对角构图，什么什么什么什么⋯⋯我这篇文章不想讲基础，但是在这么多构图里面确实有些我觉得比较重要的地方区分电影感。
在拿起取景器的时候，有些东西你需要在脑海中明确—--

经常在前期和导演沟通交流要拍的电影的时候，需要先明确你要拍什么尺寸的画面。流行的尺寸有1.33 : 1 也就是俗称的4 * 3，1.78 : 1 也就是所谓的 16 * 9，1.85 : 1 （也就是这些年流行所谓的Academy，叫法每年都在变）或者2.35 : 1 （宽屏）或者是2.40/2.39 : 1 （我称作电子宽屏因为他们输出1920*800）究竟选什么样的尺寸应该符合故事的叙事要求。虽然超多人们觉得宽屏高大上，但是在很多叙事情景下宽屏并不给力。如果你的故事有庞大的群演和给力的美术，那么宽屏将会有助于你的环境表达。如果你选择了宽屏但是你的电影里除了白墙还是白墙，那么再宽的屏幕观众只会感到厌烦。相反，如果你要将的故事是一个很亲密的爱情片，或者你要拍摄的地点很局限有很多东西你都要放在画外，那么宽屏显然不是最好的选择。再假如如果你的电影里面演员的身高差异很大，老人小孩啥的啥的⋯⋯你懂的。像前几年很流行的1.33，在1.33:1的画面你里你可以轻而易举地表现一些很亲密的画面而不至于因为frame size（画面尺寸）而妥协。虽然现在1.33沦为了“电视剧感”。

画面尺寸的选择应该在前期的最早阶段就商定下来，甚至在story board（故事板）之前就决定。像电影The Dark Knight（蝙蝠侠，2008），他们拍了imax和2.35 spherical两个版本，但是导演决定打破传统把两种尺寸的画面混在了一起上映，这个大胆的举动导致结果也非很美丽。又一次印证了“拍电影无定理”理论。

现在你有了框架了，但是要往里面放什么？成千上万的文章教程都教了你在你的画面里放什么哪里放，但是放眼好莱坞式的电影和低成本微电影，在构图中很重要的就是"screen depth"。唔⋯⋯中文怎么讲呢，这个screen depth不是景深，而是好莱坞电影中很刻意的在背景中的置景和环境让演员表演的区间。很多微电影在很狭小的location（场地）里拍摄的，小房间啊、小商店啊之类之类。相反好莱坞都是在很大的场地空间里拍摄，呃⋯⋯这个确实人家高富帅的proction（电影规模）让草根们很难去模仿，但是有一些东西呢还是可以让吊丝微电影增加screen depth。

最最最最最最最简单的方法之一就是不要把拍摄的对象放在墙面前。不只你的灯爷会对你感恩戴德内牛满面，而且你也会立马得到更好的角度和深度。

第二个方法就是拍摄的时候对着墙角。这是一个常见的简单小技巧，对着房间的对角线拍摄会增加空间的深度。把你的相机移到墙壁的对角线，或者至少能看见墙壁的角落，让你的画面看起来立马高大起来。

第三，把外景带进来。如果你拍摄的地方有窗户，那么增加室内的照明让大家能看见室外。甚至你可以用绿屏拍摄去假装一个室外。很多时候新手往往喜欢block the window（把窗户挡起来）或者blow out the window（把窗户过曝），但是如果你能把窗户外的景色带进画面，往往你会发现这些不起眼的外景强烈暗示着环境，让画面非常漂亮地打开，画面的深度戏剧化地增加。

第四，如果你在室外拍摄，尝试取一些带有地标性的建筑物让观众知道你在哪里。如果你在原野上，你可以把房子或者拖拉机放在背景里。如果你在城市里，让观众看见演员背后三条街道风貌。这些在背景里的东西不需要在焦上，可以被虚化，但这些元素一定要在。

第四，我想说一下depth of field（景深）对画面的影响。很多很多人都误以为“大光圈浅景深”就等于“电影感”。呃，我只能说大光圈、浅景深是小朋友。景深只是构成电影感的众多要素中的一种，并不是你把光圈一开大“哇噻”电影感就出来了。很多那些业余摄影爱好者或者自诩人像摄影什么什么的爱好者用大光圈浅景深拍了无数糖水片睡了无数麻豆圈了不少钱，但这些人不配称为摄影师。如果你真的看电影的时候认真留心，那么浅景深在好莱坞电影中通常只用在两种以下的情况里：
第一种就是如果你在拍一个有很多信息量的semi-wide shot（半全景），你需要引导你的观众去注意某个重要的对象。想象一下路边咖啡馆有大概20多个群演，然后你需要观众去注意到我们的超级英雄正在接电话，这时候我们需要用浅景深去引导观众“该看什么”。

第二种好莱坞电影用到浅景深的情况就是在拍摄特写和中景的时候，这样浅景深可以帮助观众的注意力放在对话的内容上。

除了以上这两点，feature电影已经痛到入骨地花了大价钱去获得一个场地的拍摄许可，他们真的很想都拍出来给你看“你看你看，这里好叼。快看快看，这里花了好多钱。”所以establishing shot（全景）一定都是深景深。而且多人之间的对话也是深景深。深景深会让你的画面看起来高大上，更宏伟广阔。很多微电影看起来有一种claustrophobic（幽闭）的感觉是因为画面的深度不够。
所以，看好莱坞大片的时候好好思考感受一下，构图的时候思考一下画面的深度，你会惊奇你拍出来的画面会有质的飞跃。

源自：http://107cine.com/stream/58397/

❷ 很多好莱坞大片的特效都高达上亿，为什么电影中的特效那么贵

越来越多的大片开始用特效，前阵子重映的阿凡达中，就有众多特效镜头，整部影片中，光特效费用就花费了1.5亿元，换算成人民币，高达十亿。看过这部影片的观众，都被深深吸引，觉得这部影片非常精彩。但再精彩也只有两个小时，很难想象这两个小时竟然花费了十亿，为什么电影中的特效那么贵？下面我带大家详细了解一下吧。

特效到底烧钱在哪里

国内是没有这样的基地的，除了硬件设施以外，对软件的要求也非常高，想要制作这些镜头，必须购买专业软件，软件本身也是需要花钱的，而且费用不低。除此之外，制作团队的人数高达千人以上。为什么电影特效这么贵?软件、硬件、人工都需要花钱，成本自然增加。

❸ 有没有什么书籍或者视频教你怎么拍电影电视剧，怎么卖电影电视剧的吗

这个要专门学的。
如果要自学最起码也得是发烧友级别，器材都要自己配备吧。
那么多大学的导演专业才能出几个好导演啊。。。
如果是剧情的话，就当专职作家吧，向出版社投投稿子什么的。
不是圈内人想做圈内的事，很难。

❹ 国产影视剧的特效是不是都是五毛钱特效对此你怎么看

现在的观众已经看惯了好莱坞大制作，他们的欣赏水准和口味也越来越挑剔。虽然近些年出现了很多号称特效投资过千万的影视剧，但观众观众基本上都不满意。如《盗墓笔记》、《幻城》、《神雕侠侣》、《斗破苍穹》等，在特效上资金投入都相当大，有的还有借助美国、韩国特效团队，结果还是引来阵阵吐槽，被称为“五毛钱特效”。

❺ 与好莱坞的科幻片相比，国产的科幻片差在哪里

实话说，看科幻片我首选当然是好莱坞的。毕竟好莱坞的科幻片制作技术先进、商业制作模式又成熟。典型的好莱坞科幻片，如《复联》、《变形金刚》、《终结者》，《星际穿越》等等。

总之，科幻电影的发展，不仅仅是一种新类型影片的扩张，也能提高国人的文化素质，对于中国整体科技水平的提升，也有非常积极的作用，期待中国科幻电影未来越来越好。

❻ 好莱坞3D电影是如何拍摄的

3D立体电影的制作有多种形式，其中较为广泛采用的是偏光眼镜法。它以人眼观察景物的方法，利用两台并列安置的电影摄影机，分别代表人的左、右眼，同步拍摄出两条略带水平视差的电影画面。放映时，将两条电影影片分别装入左、右电影放映机，并在放映镜头前分别装置两个偏振轴互成90度的偏振镜。两台放映机需同步运转，同时将画面投放在金属银幕上，形成左像右像双影。当观众戴上特制的偏光眼镜时，由于左、右两片偏光镜的偏振轴互相垂直，并与放映镜头前的偏振轴相一致;致使观众的左眼只能看到左像、右眼只能看到右像，通过双眼汇聚功能将左、右像叠和在视网膜上，由大脑神经产生三维立体的视觉效果。展现出一幅幅连贯的立体画面，使观众感到景物扑面而来、或进入银幕深凹处，能产生强烈的“身临其境”感。

❼ 为什么美国能常常拍出那种大片，中国不能

美国能常常拍出大片中国却不能拍的原因
一、技术差别
美国人电影技术比较先进，大制作电影是要向观众展示视觉奇观的，好莱坞经过多年历练，已经拥有很多成熟的特效团队，可以创建出令观众赞叹的炫目效果。
而中国电影技术比较落后，还没有能力制作出逼真的未来大场面特效，有时候即便投资很大，也一样效果很假。
二、资金差距
美国电影公司财力雄厚，动辄上亿美金的大投入自然可以打造光怪陆离的科幻世界、火爆刺激的动作场面，用大投入换取高票房。
而中国电影投资较小，五毛钱特效也很难制作出满意的效果，还不如拍一些低成本的青春片、喜剧片，靠着明星效应，粉丝捧场也能卖座，节省大笔资金。
三、思维差异
美国人思维比较超前，想象力丰富，更愿意拍超越现实的科幻奇幻、超级英雄之类的大片。
而中国的很多影视编导比较守旧，想象力匮乏，不愿冒险，不思进取，喜欢跟风，不爱欢拍创新的电影，宁愿一窝蜂拍宫斗戏、校园戏、综艺戏这些不费脑筋成本低廉的圈钱之作。

❽ 《捉妖记》这部电影特效是五毛钱的吗

男女主角白百何与井柏然，虽然不是天生的喜剧演员，但剧本幽默扎实，一个劲地甩各种喜剧冲突，再对他俩无感的观众也该笑了；
演个憨萌捉妖师的姜武，还好没有他哥那样的喜剧包袱，像好莱坞歌舞片一样，突然唱起歌来，居然毫无违和感；
曾志伟、吴君如的妖怪夫妻档，喜剧的黄金配角啊，光看脸就觉得亲切，感觉就差再来一个吴孟达了；
汤女神努力夸张搞笑还是有点别扭，但表演无功无过，看着女神扭腰肢也挺好；
闫妮、姚晨也双双出马，她们的正常发挥，就是笑点的保证。
关键是大BOSS反派钟汉良是那么的帅！蓄着一点奸人胡须也是萌萌哒。
导演毕竟做过怪物史莱克，一身的恶趣味藏不住——井柏然产子，不忘让白百何他裙底、看他私处；里面的妖怪流行吐口水，完全无视新时代道德规范，看前面妖后吐口水时，还以为吐人身上会怀孕什么的，然而并不是，人家只是单纯喜欢吐口水；最大的BOSS化作妖怪，也就拿一背的蘑菇吓死你们这些密集恐惧症。我都被吓得酥软了呀，那一背晃晃来晃晃去、激凸在皮肤上的蘑菇，吓死宝宝了！ 妖中重磅推出的胡巴，当然是萌中之最！吸人血都吸得这么萌，让你爸如何不舍身让你吸啊。全场的啊~哦~，还有一些女性娇嗔的感叹声全部送给了这位小妖王。胡巴和井爸爸的第一次分离，我看的入神，正要落泪，被隔壁女生的剧烈抽泣晃醒。近期看的笑点和泪点交织得如此紧密的片子，也就是捉妖记了。
片中特效的CG处理，是偏卡通类的，基调也走的是老少咸宜合家欢的路线。成人现实的东西也没少融入，单亲家庭的背景、弃子的议题、不孕不育的闫妮、以野生动物保护为宗旨的吃妖大宴，多多少少都折射出一些成人世界里沉重的东西，但都被编导很好地控制住了尺度，使之可信又不突兀。故事的最后，父子分离也可以做的更加撕心裂肺，但创作人还是选择冲淡了悲伤，但就这样，足以让影院里的女生哭得稀里哗啦了。

❾ 详解：电影《盗梦空间》的镜头运用及拍摄手法……

环球制片厂第12号棚戒备森严，摄制组正在一堂超现实的布景中准备拍摄一条镜头。一间天花板很高、墙壁为黑色的巨大洞室被细细的白色格子线划分为若干区域。100多只高空灯悬于空中，下面是一层柔光布和一层muslin，投下的光中性、干净、不带阴影。演员Cillian Murphy跪在地板上。一声Action令下，两台摄影机开动，一台捕捉场面的是变形35毫米，另一台记录动作的则是65毫米。突然，地板上出现一条裂缝，一大块奇形怪状的布景掉下来，Murphy和场景一起陷入地洞。一时尘土飞扬，只听导演Chris Nolan大喊一声Cut。不多会，液压机将塌陷的地板送回原位，准备拍第二条。

这是影片Inception拍摄中引入注目的一刻，Nolan与Wally Pfister，ASC的最新合作。本片亦由Nolan撰写剧本，故事将梦境的体验推向极致：有人能侵入别人的梦乡，并让许多人连通起来做同一个梦，可以人造、篡改梦境以操纵做梦的人。主角Dom Cobb（Leo DiCaprio）盗梦以牟利，他在公司间谍这行里成绩斐然，成为了国际通缉犯。

和Nolan与Pfister以前的作品一样，他们的出发点仍然是摄影的写实。“归根结底，我们在做梦的时候，觉得梦是真实的，这也是片中的一句台词，”拍摄结束时Nolan说道，“这一点对摄影、对这部影片的方方面面都十分重要。我们不想让梦境段落体现出画蛇添足的超现实感。我想让这些段落和真实的世界一样牢靠。所以我们的方法是让梦像真的一样。”

“有时候人物不知道他们看到的是梦，所以真实和梦之间的视觉衔接必须是无痕迹的，除非某些特定的点，我们想让观众知道这之间的区别，”Pfister说，“多数情况下影片里的超现实感是来自环境，而不是摄影技巧。通过保持一种写实感，我们相信在需要的时候，能创造一种奇异或不安的微妙感觉，而不需要将观众带出故事。”

他们对The Dark Knight里混用变形35毫米和15孔65毫米（译注：指IMAX）的效果很满意，所以这次还想试试在Inception的某些段落中再用某种大幅底片。“我们一直都对高清晰度和高画质的格式很感兴趣，”Nolan说，“我们决定用变形35毫米作为主要的胶片格式，因为这毕竟是最好用的一种，摄影机非常轻，效率很高，我们也有很多经验。但我们也决定在某些大场面和形式化强的场景里用大幅底片来拍。”

首先排除了IMAX，因为他们决定，大量的手持拍摄会是这部影片的基础。“我们想在一些狭小的地方拍很多手持镜头，要一种纪录感，”Nolan说，“有非常多身体挑战性很强的工作。”

用胶片拍永远是前提。“胶片拥有极高的曝光宽容度和动态范围，给我们无限的创作灵活性，”Pfister说，“我能在同一格画面里欠曝3档和过曝5档，最后在银幕上展现整个范围。我见过的所有数字机器都办不到。所有的数字机都想模拟35毫米胶片，这就是原因。”

在他们寻找最合适的大幅方案期间，他们见了传奇大师Douglas Trumbull（译注：为2001、Blade Runner等片制作过特效），参观了Showscan演示（译注：Trumbull发明的一种65毫米胶片高速拍摄、放映技术）。他们还研究了Super Dimension 70，这是Robert Weisgerber设计的一种系统，能以48fps拍摄并放映。“很奇怪，尽管Super Dimension 70有着超凡的清晰度，但它的画质只比HD好些，”Pfister说，“我们不能用那个。”他们还放了ASC会员Bill Bennett和Kees van Oostrum拍的一段试片，用65毫米拍大景别镜头，用35毫米拍小景别镜头，再组合起来。“我们发现35毫米和65毫米剪在一起很不错，”Pfister说，“大景别镜头的细节丰富，清晰度也好，尽管画面上东西显得小。一见之下我们决定用这种方式。”两人最终决定选用65毫米底片加上35毫米的VistaVision 8孔底片（VistaVision用于航拍，摄影师是Hans Bjerno）（译注：VistaVision是上世纪50年代派拉蒙公司发明的一种画幅比为1.66:1的宽银幕格式，底片在摄影机内横走，采用这种格式的知名影片包括The Searchers和Vertigo，这种格式很快遭弃，但好莱坞有时仍用它拍摄特效镜头）。

和他们以前拍的作品有所不同，他们还决定大量镜头要用高速摄影，Pfister主要用Photo-Sonics 4ER加Panavision镜头来拍，帧率可以达到360fps，以及Photo-Sonics 4E Rotary Prism，帧率可高达1500fps（某些高速摄影场景也用了PanArri 435ESA和Vision Research Phantom HD摄影机）。“我以前拍的东西很少用高速镜头，因为我觉得这天生的不真实，”Nolan说，“但这是Inception不可或缺的一部分，因为梦中世界和现实世界之间的时间关系非常特别。我们希望用高速摄影以及速度的剧变来达到叙事效果，而不仅是为了追求美学效果。”

Pfister早知道他要对付一大堆摄影机、底片格式，以及高速摄影带来的曝光不足，所以他将所用底片限制为两种：Kodak Vision3 500T 5219和250D 5207。“我不喜欢用换底片的方式来达到不同效果，我知道这么做对有些摄影师很有用，但我宁愿调整布光或曝光。我喜欢用相同底片的简单感觉。日外景我们一开始加ND.6或.9，如果光线转暗，就把滤镜拿掉。”

影片制作在六个国家展开，全部拍摄时间92天，最开始在日本，Pfister的工作有赖他的常规班底：摄助Bob Hall和Dan McFadden，灯头Cory Geryak，和灯助Ray Garcia。（英国部分的灯助Ryan Monro也是很重要的合作伙伴）。东京的Imagica、巴黎的LTC，和伦敦、北好莱坞的Technicolor公司负责洗印35毫米；拍摄期间，Technicolor公司位于北好莱坞的洗印厂负责洗印65毫米。（伯班克的Iwerks从65毫米底片缩印制作变形35毫米的毛片）。

日本的两天拍摄日程包括航拍和一些高铁外景，之后剧组移师英国Cardington的一座飞机棚，The Dark Knight和Batman Begins的大部分镜头都是在那里拍的。这里是拍摄剩下镜头的大本营。棚内搭建好了壮观的布景，包括一间可以倾斜30度的宾馆酒吧，以及一座水平放置的电梯。特效指导Chris Corbould负责监工制造。“Chris从Batman Begins起就和我们一起工作了，他绝对是了不起的工程师和艺术家，”Pfister说，“要不是他，真难想象怎么制作这么大规模的一部影片。”

位于Cardington另一处场景是一条宾馆走廊，用于零重力场面的拍摄。这条走廊建了两次，透过摄影机看去两次内景一模一样。第一次，整个走廊像烤肉架一样垂直旋转360度，摄影机望向走廊的底部，不受影响地前进（借助Technocrane完成），或者装在特别设计的轨道系统上，让用陀螺仪固定的摄影机在一条暗藏的沟槽中前后移动（想想Fred Astaire在屋顶跳舞的情形，或者2001中的内景零重力场面）。第二次，走廊竖直站立起来，摄影机装在能够伸缩的Towercam平台上，笔直向上看。演员用威亚吊着在空中表演。在走廊里拍摄的第三种办法是将演员放在推车上，画面上的推车在后期去除。

Nolan希望走廊能不复位就自由旋转。Geryak解释说：“我们找到一家公司，设计了一套滑轮刷系统，供应走廊的动力，我们告诉他们具体要求，于是他们建立了一套旋转木马式的系统，将电力输送到平台上。我们的调光硅箱已经在上面了，这是一种新式的操作方案。我们要平衡电线和硅箱的重量，以免平台上负载不均。”因为要拍高速镜头，需要大量的光，而灯具要弄得十分结实，因为演员可能摔到上面。美术部门设计了很实用的固定装置，每个能装6只150W泛光灯。四周根据环境还装有壁灯和一只底灯，一些1000W的灯泡藏在乳白玻璃后面，光圈值一般是T2.8 1/2。

走廊段落要求特殊的动作节奏，动作指导Tom Struthers和演员紧密协作，判断什么动作能够实现并且安全。“我们有一对用于实现实拍效果的key rig，是得到了2001的启发，还有Kubrick拍摄无重力场面的办法也对我们有启示，”Nolan说，“我很有兴趣将这些想法、技术和哲学融入动作场面中。我激励Tom Struthers、Chris Corbould和Wally的团队将一场动作戏的所有能量集中到一个机位下，这样我们就能用这些卓越的装备进行拍摄了。我想最终的结果是有趣的混合体，超现实、离奇，但拥有惊人的动作节奏。”

“安全是十分重要的，演员很痛苦，他们要在墙上撞来撞去，”Pfister说，“他们必须学会在适当的时机起跳。我们有人将手随时放在开关上。”

还有一台精美的布景是宾馆酒吧，里面的重力会突然变化，屋外的天气也会骤变。Corbould团队建的这个场景倾斜30度，窗外是绿幕，后期会用真的街景替换。为了实现布光的变化，Pfister的人将所有装置连到一个调光板上。这个场景一开始的光是日落时分，所以用Molebeam灯加2 1/2 CTS滤光片。用60英尺长的柔光箱装满maxi-brute灯，盖上柔光布，制造阴天的光。“这是摄影技巧和照明体现出超现实的一个场景，但是是故事的一部分，”Pfister说，“仍然是自然主义的手法，所有光源都是有根据的。非同一般的是它变化的方式。结合布景本来的倾斜，创造出一种非常不安的感觉。”

把电梯放平是Nolan的主意，Pfister说，“这样能使我们得到别的方法都做不到的视角。一般的好莱坞电影，这里一定会成为特效密集的场景，但我们的策略是尽可能用摄影机完成，为了真实，结果非常成功。”

在英国拍完后，剧组又在巴黎工作了一周，在摩洛哥工作了两周，才回到洛杉矶拍一个发生在市区的雨中动作段落。Pfister说，最大的挑战是用Condor和超大的旗帜挡住太阳。“Ray Garcia干得很棒，他有层出不穷的办法去挡阳光，让雨显得十分真实，”摄影师说，“有时我正为刺目的阳光偶尔溜进镜头而烦恼，做事效率第一的Chris就会提醒我，反正这是梦。”

有一部分是一列真正大小的火车脱轨在城市大街上飞驰。为了达到这个效果，美工设计师Guy Dyas搭了个假火车头，下面是18个轮子的底盘。Pfister说：“细节很棒，我们用65毫米和超大摇臂拍的这些镜头，还有许多洛杉矶市中心的动作场面。”火车驰近，手持拍摄的Pfister用了很多设备来让画面晃动，但最后他选择了用手直接摇晃。他笑着说：“最简单的办法往往是最好的。”

高速摄影部分，他们经常用到机器最大的帧率。许多场景都是在日光下拍摄，也有几个是用灯光拍的。有一场戏在洛杉矶市中心一家宾馆的三楼拍摄，Cobb向后退，踏入一个装满水的浴缸，他的梦被惊醒。为了提升效果，表现Cobb从梦境回到清醒状态，Nolan要求帧率剧变，达到1000fps，必须用更快的Photo-Sonics摄影机，并且欠曝7档。Geryak说：“拍1000fps我们需要大光圈，但这里要用的镜头只能到4.5。在24fps下测量，我觉得边缘光相当于f/90。做法是窗外架两台Condor，各装两只Arrimax 18K反光碗Par灯，距离Leo不足15英尺。我们还在天花板上安了两只12K Par灯作补光，担任他光替的演员立即汗如雨下！”Pfister说，“镜头很棒，你可以看清每滴水珠，给人一种超越俗世的感觉。”

另一个复杂的镜头是沿着水平轴360度旋转一辆货车。目标帧率是1000fps，Geryak建了一条隧道，被Nolan开玩笑称为“天价隧道”，Geryak解释说，“我们用钢梁搭成一条隧道，有6排每排5只18K的菲涅尔灯，排好围着那辆货车，直直照射。货车就在隧道内旋转，出来的效果像用阳光织成的毯子包裹着一样。我们没有在地面上布光，所以货车在旋转当中交替露出的暗影表明它正在翻筋斗。”

剧组在华纳兄弟公司的摄影棚内搭了一堂日本城堡的内景，拍摄中又将之毁去。这部分胶片和在加州Palos Verdes的Abalone Cove拍的外景镜头组合在一起。还有个段落，一堂冬季山上碉堡的内景建在环球公司摄影棚内。这场戏，碉堡毁灭时地板碎片纷纷落下，为了比较实际地达到这个效果，制作组将这台布景造得比一般的要高，这样地板才能在指定时间碎裂落下，布景四周是绿幕，后期会用落基山的雪景换掉。

“外面既要有足够的绿幕，又要一种日光从窗户射进的感觉，灯具和绿幕之间必须有一段距离，换句话说，绿幕必须超大，”Geryak说，“我们知道实地在Calgary附近，有柔和的环境光，而且太阳在山后面，所以我们弄了十几个20英尺长的柔光箱，可以升可以降。柔光箱经过特殊设置，以便配合不规则三角形窗户的形状。”摄制组将高空灯挂在紧邻窗户外的上方，创造出自然的天光感觉，当地板陷落时光线可以更强烈地涌入。

这个段落的外景在Kaninaskis Country拍摄，那是在加拿大Alberta的Calgary以西的山里。这个山中碉堡我们建了两个版本，一个是真实大小，一个是缩微模型，最终用于爆破。滑雪组的摄影指导Chris Patterson拍摄了十分精彩的滑雪镜头，Pfister说：“看了他的杰出工作，当时我们就震惊了。”

到剪辑阶段，Nolan想玩交叉剪接，所以他要求Pfister给每个不同的景地和梦境都赋予不同的感觉。“从一个地方转到另一个地方，我们希望在色调上有些变化，”Pfister说，“Calgary有一种贫瘠冷酷的感觉，走廊是暖色调，货车则是中性的。即使我们切到很小的景别，即使切到脱离背景的孤立东西上，你也可以马上知道身在何处。这是方便讲故事的一种手法。”

“这部影片十分依赖交叉剪接，”Nolan说，“如果不同场景的外观截然不同，剪辑时你可以十分放松，但Wally和我都不想对画面做太人为的加工。相反，我们想找到每个地方的自然色调。在剧本里，我就想好让不同的行动线索发生在设计和感觉上天生有异的地方。我们要求每个人注意观察，包括美工和声音部门，而Wally将这个原则优雅地溶入摄影中。”

“在布光方面，我认为自己是个自然主义者，”Pfister说，“我不是太风格化。在某些情况下，因为创作的选择或者天然的美，画面最后看上去挺风格化的，但那是很自然形成的。真有意思，Chris和我居然能用这种方式在好莱坞拍大片。

“因为这个原因，我总是尽力保持不让画面显得太过复杂，”这位摄影师续道，“我从来不想看上去照明的痕迹太重——或者说一点照明的痕迹都不要有。秘诀就是尽可能快并简单地工作，同时又不要搞成赶工。我想这要归结为我早年接受的新闻和纪录摄影训练。拍那些东西你要找到自然光下的美。你总是从最简单的方面开始：从什么方向看过去，选择一天中的哪个时间，单光源或多光源。你搞清楚真实生活中什么办法是有效的，然后你就根据自己的品味形成观点。我一直带着这种看法，不仅是实景，连棚景也一样，即使我们有条件去精心雕琢。”

Pfister坚持操作摄影机是他的方法的一部分。“如果是好的摄影，我无法区分好的布光和好的构图，因为它们溶为一体。如果是手持拍摄，我总想亲自操机，因为我可以随时改变想法并作出反应。Chris和我对于捕捉动作有一套不二法门——从后面拍，从前面拍，然后用不同景别把它们连起来。亲自操机使我在素材、剧情、布光和环境发生变化时能够在这个原则下随机应变。”

Inception的后期涉及若干不同的处理工序。根据后期指导David Hall说，两个Phantom HD镜头加进终剪版本后被送到伦敦的Double Negative公司进行特效处理。65毫米的底片在DKP 70mm Inc.用6K扫描，由该公司总裁David Keighley亲自监督。扫描成的6K文件被送到好莱坞的Technicolor公司，让工作人员从6K数据中提取冲成4K 35毫米，和本来的35毫米相组接。Pfister和老搭档David Orr一起在Technicolor公司完成了所有光学配光工作。除了35毫米和数字拷贝，Inception还会在某些市场以70毫米IMAX格式放映，DKP 70mm Inc.扫描了配好光的35毫米中间正片，然后制作IMAX拷贝。

“传统的光化学处理方式很简单，也很适合我们，”Pfister说，“拍摄时我很小心色平衡和曝光的问题，所以后期不需大动。如果我们想一场戏有更强的对比，我们可以从布光、服装或美术设计上想办法。全部配光我们只用了三个A拷贝，花了一般数字中间片流程所需时间的一半。”

技术指标：

2.40:1
35毫米、65毫米和高清

Panaflex Millennium XL, PFX
System 65 Studio; PanArri
435ESA, 235; Photo-Sonics
4ER, 4E Rotary Prism;
Beaucam; Vision Research
Phantom HD

Panavision Primo, Super High
Speed, C-Series, E-Series,
G-Series, System 65 lenses

Kodak Vision3 500T 5219, 250D 5207

Specialized Digital Intermediate

Printed on Kodak Vision 2383

❿ 五毛钱特效的特效实例

网友吐槽：画面太美不忍直视
《花千骨》剧中特效包子追杀花千骨的妖怪更像是奥特曼电影中的怪物，充满了工业野兽派的气息。而灵虫“糖宝”的特效画面已经直逼国产动画《蓝猫淘气三千问》和赶超《巴啦啦小魔仙》的水准，和画面中的其他人感觉不处于一个次元。
花千骨吃的包子居然是用特效做成的，剧组你是有多穷，连个包子都买不起？
业内点评
《花千骨》特效镜头特别虚，特别是大场面的镜头虚实不分。再看另一个镜头，实在是假得让我想请制作人员站出来单独聊聊了！可以看出发光体是后期合成的，它是何方神圣可以单独发光而不会照亮地面和墙面？这种违背最基础的后期合成思维的镜头能出现在成片里，真的是有点过分了，或者说是太奇幻了。
制作人声称请到了参与《变形金刚》《复仇者联盟》制作的PFW公司为其打造特效。PFW主要业务是负责影片的3D立体制作，以及3D立体效果的二维转三维，对于以电视为主要放映载体的《花千骨》又有什么关系呢？或许PFW参与制作过某个片段，但是众所周知，一部电影或电视剧的制作往往会有几个或者几十个公司共同完成，PFW参与的制作量就不得而知了（同理适用于很多国产电视剧）。
《花千骨》剧中特效食人花来感受下这个与《魔戒》中精灵主城相似的场景。几年前网上已经出过此效果的工程文件，可以说这个镜头根本没有制作的成本，只有渲染的时间，从另一方面来说国内的顶级特效制作团队现在要做出这种效果也不是很轻松的。而这是国外特效团队在10多年前的水平，这也从侧面反映出国内和国外特效制作的差距。
片方解释
对于“包子用特效做，奥特曼与小怪兽齐飞”的吐槽，该剧制片人唐丽君回应说：“关于包子特效这块，原来我们拍摄中吃的是鸡蛋，但是在后期中我们做成了包子，因为在第二集拴天链的时候，花千骨问白子画：‘上仙我肚子饿，有没有包子啊’，花千骨很喜欢吃包子，这个情节的加入使得她跟白子画跟默冰的感情就联系起来了，所以包子的修改对我们的剧情的推动是有帮助的。” 网友吐槽：说好的大片效果呢？
《盗墓笔记》号称总投资超8000万，拥有好莱坞的豪华特效班底，可是说好的大片特效呢？小哥出现自带龙卷风，但酷似漫天的头皮屑，原著中原本恐怖的、会吓坏小孩的起尸，变成了类似于心灵手巧的超市大妈用麻将席打造的模特。
《盗墓笔记》剧中特效尸鳖第一集全程渣特效，80年代的《西游记》都比这个用心吧！就连文物保护管理所这几个大字都是特效啊！
业内点评
◎《盗墓笔记》毕竟是现代戏，从场景到道具的效果还算说得过去。下面两个是我觉得还稍微欠缺一些火候的地方：大全景的火焰特效镜头，明显是跟前后镜头的色调差异很大，好在地面衔接的地方做出了光，整体效果的融合比较自然，只是衔接在一起有些跳脱。
◎制作水平在国内来说应该算是比较高的水准，第一在色调和灯光方面可以看出，制作方是花费了心思的，比如火焰周围的环境体现出了相应的光影变化。第二是场景的搭建比较讲究。但是在后期制作过程中问题还是不少。CG制作跟演员互动不到位，融入不到实景中。这也是国内电视剧、电影制作的通病。道具尸蹩的设定没有让人感觉到恐怖，反让人感觉可爱。
片方解释
《盗墓笔记》总策划、欢瑞世纪副总裁姜磊表示，五毛特效的原因是国内特效公司水平不够，“比如尸鳖的特效，我们愿意花钱，但目前国内特效公司只能做到这样。尸鳖这种东西长什么样子没有一个具体的概念，我们用的材料还是比较真实的，而且那种小道具的制作其实还是有一定复杂程度的”。 《古剑奇谭》剧中特效狐狸网友吐槽：游戏党已哭瞎
打斗特效，封印、斗法的手势就像《新白娘子传奇》，神功的特效场面全做成一圈圈的微波。每到这时候心里就替自己的偶像心疼啊。
特效是请学生做的么？特别是襄铃（小狐狸）的特效不忍直视，游戏里明明是只萌萌的金色小狐狸。制作人员你们就算没见过真狐狸也该看过动物世界吧，你们在现实世界中见过长相如此难看的狐狸吗？
业内点评
背景看起来像是纸片背景板，完全没有景深效果。这只大蛇是忘记上材质了吗？还是导演大哥就喜欢这样长得跟素模一样的大蛇造型呢？测试材质和渲染非常花时间精力，很可能是考虑到效果还ok，不想多花时间多花钱就选择了这样操作。
CG制作融入不到实拍镜头中，主要原因在于光影，也就是环境灯光跟环境贴图的运用不合理。还有这张，在现实中，受到火球的影响，人物身上的光影变化会很大。剧中几乎所有类似的镜头都没有把这种光影变化做出来，只是在混乱的场景中一带而过。细节的多少，决定了镜头的真实感，没有足够的细节，合成后的镜头可想而知。
《古剑奇谭》特效场景
片方解释
据《古剑奇谭》的特效团队负责人介绍，由于原游戏的设定源于《山海经》，故事以武侠和仙侠为创作题材，“所以把东西做得很真实并不是很好的选择，因此我们选择了写意绚丽的概念。”在确定了制作方案后，团队遵从原创角色的招式及光效颜色作为基本参考，并加入新的视觉效果来丰富画面。为尽量把游戏原有元素进行保留后加以修饰，团队也很是下了一番苦功。 网友吐槽：再现80年代水准
这部剧难道是80年代的复古作品吗？大场面欠缺质量，细节处的“创意”更是天雷滚滚，哪吒把龙王变成了一只泰迪，是演员把家里泰迪牵到剧组玩，不小心乱入镜头了？还有姜子牙使出千手观音阵的特效让人笑死，你师傅到底谁啊？
《封神英雄榜》特效场景业内点评
就好像早期的港产电视剧一样，简单的光电特效都是一个制作套路。迅速扫了几集之后，直观感受是闪电、光剑这些特效还都可以接受，但最让我受不了的是特效制作的神兽，从神兽的设计到呈现在镜头当中的效果,让我无法接受，感觉像是在看动画片，完全和镜头的感觉搭不上！