电影剪辑如何统一风格

❶ 剪辑风格有哪些

不知道你问的是什么的剪辑风格，是电影还是节目的，目前还是有不同的：
如下：一、建立节目的剪辑风格
所谓节目的剪辑风格，简而言之，就是剪辑师对节目后期剪辑的整体构思。它体现了剪辑师对编导者创作意图的理解，对节目内容、结构的把握。剪辑师所做的剪辑提纲是其具体的表现。
由于电视节目的种类繁多、形式各异，编导者的风格不同，这就决定了针对不同种类的节目应采用不同的剪辑方式。剪辑师在动手剪辑一部片子前，必须首先熟悉节目，把握住编导者的创作意图及艺术追求，根据节目的内容、形式、风格考虑所采用的剪辑手段，建立片子的剪辑风格。剪辑风格一旦确定，就应保持前后一致，使之贯穿于整个剪辑过程中。
需要注意的是，对于剪辑师来说，建立剪辑风格虽然重要，但表现是为内容服务的，因此必须服从而不能违背编导者的创作意图和艺术要求，要与节目的主题、内容、形式、结构达到有机地统一。
二、选择画面剪辑点
在后期剪辑中，无论是剪动作、剪情绪、剪节奏，剪辑点的选择都必须遵循客观规律，符合事物发展的逻辑，符合人们的思维习惯。下面试例举几种选择剪辑点的处理方法，以供参考。
1．不同类型节目的剪辑
综艺晚会类节目，大多数以歌舞为主，其剪辑点需按歌曲内容及音乐旋律、节奏、乐句、乐段来选择，并且在音乐节拍强点上切换镜头比较流畅。
电视剧类的节目，多数按剧情的发展及人物情绪的变化来选择剪辑点。
访谈性节目，一般按访谈者的谈话内容及现场气氛来切换镜头。纪录片及纪实性专题片的剪辑要力求真实可信，尤其是长镜头拍摄时，剪辑要尽量保证镜头完整，避免剪得过细过碎。
竞技体育类节目，由于动感较强，应选择动感强烈的地方作为切换点。
2．镜头长度的选择
一般说来，镜头景别、画面信息量的多少及画面构成复杂程度都会影响镜头长度的选择。
就景别而言， 全景镜头画面停留时间要长一些；中近景镜头要稍短一些，特写镜头还要短一些；
就画面信息量而言，信息量大时，画面停留时间要稍长一些，信息量少的则要短一些；
就画面构成复杂程度而言，画面构成复杂的，停留时间要稍长一些，反之则稍短一些。
对于叙述性或描述性的镜头，镜头长度的选择应以观众完全看懂镜头内容所需的时间为准。
对于刻画人物内心心理及反映情绪变化为主的镜头，镜头长度的选择不要按叙述的长度来处理，而应根据情绪长度的需要来选择，要适当地延长镜头长度，保持情绪的延续和完整，给观众留下感知和联想的空间。
3．镜头之间的组接
“动”接“动”、“静”接“静”是镜头组接的基本原则。所谓的“动”与“静”是指在剪辑点上画面主体或摄像机是处于运动的还是静止的状态。遵循这一原则进行镜头组接可保持视觉的流畅及和谐。
两个固定镜头组接时，画面主体都是静止的，其剪辑点的选择要根据画面的内容来决定(静接静)。
两个固定镜头组接时，其中一个镜头主体是运动的，另一个镜头主体是不动的，其一种组接方法是寻找主体动作的停顿处来切换；另一种方法是在运动主体被遮挡或处于不醒目的位置时切换(静接静)，如果两个固定镜头主体都是运动的，其剪辑点可选在主体运动的过程中。
一般说来，剪动作时，镜头组接是以主体动作的运动因素作为依据的，小景别的动作要少留一些，大景别的动作要多留一些。(动接动)。
当两个镜头都是运动镜头，并且运动方向一致时，应去掉上一镜头的落幅及下一镜头的起幅进行组接(动接动)。
如果两个运动镜头的运作方向不一致时，就需在镜头运动稳定下来后切换，即保留上一镜头的落幅和下一镜头的起幅进行组接(静接静)。
“动”接“动”的一种特殊用法是所谓“半截子”镜头组接。即不同运动主体或运动镜头在运动过程中进行切换，这样一系列的“半截子”镜头组接起来给人的动感更强，节奏更鲜明，在体育集锦类节目的剪辑中应用较多。需要注意的是，组接镜头时要考虑运动主体或运动镜头的方向性及动感的一致性。
除了“动”接“动”、“静”接“静”外，常见的还有“动”接“静”和“静”接“动”。在进行后两种画面组接时，要充分利用主体之间的因果关系、对应关系、呼应关系及画面内主体运动节奏的变化，做到由动到静，由静到动顺理成章的自然转换。
4、“跳轴”现象的处理
在前期拍摄时，由于摄像师未充分意识到轴线问趣，或者即使前期拍摄时建立并遵守了轴线原则，但后期剪辑时需打乱原来的镜头次序重新组合，就可能产生“跳轴”现象。如果这个问题不加以解决，会造成观众理解上的混乱。
当遇到“踏轴”问题时，剪辑师可采取一些补救措施，消除或减弱“跳轴”现象。
（1)利用动势改变轴线方向。在两个跳轴镜头中间，插入一个人物转身或运动物转弯的镜头，将轴线方向改变过来。
(2)插入中性镜头。在两个运动方向相反的镜头中间，插入一个无明显方向性的中性镜头，可减弱“跳轴”的影响。
(3)借助人物视线。在跳轴镜头中间插入一个人物视线变化的镜头，借助人物视线的变动，改变轴线方向，清除“跳轴”现象。
(4)插入特写镜头。在跳轴镜头中间，插入一个局部特写或反映特写镜头，可减弱“跳轴”现象。需要注意的是，插入的特写镜头要与前后镜头有一定的联系，否则显得生硬。
(5)插入全景镜头。由于全景镜头中主体在画面所处的位置、运动的方向或动作不很明显，插入后即使轴方向有所变化，但观众的视觉跳跃不大，可减弱“跳轴”现象。
三、控制剪辑节奏
电视片的节奏是由画面主体或摄像机镜头的运动、镜头的长短、景别的变换、组接时的切换速度等多种因素构成的。它是片子中事件、情节或人物情绪变化的速度和强度，是影响片子好坏的一个重要因素。
在前期拍摄时，摄像师应根据编导者的意图及节目的形式、风格，控制摄像机的运动速度(例如轻松、欢快的节目，摄像机的运动速度可稍快一些；庄重、抒情的节目运动速度可缓慢一些)，从而形成节目的节奏基调。
在后期剪辑时，剪辑师总的说来要遵循这一节奏基调，再结合节目的内容及结构安排，根据事件及情节发展的“轻重缓急”，形成有起有落、张弛有度的剪辑节奏。在剪辑时，尤其要注意的，一是段落的剪辑节奏要与片子的总体节奏相吻合和匹配；二是段落与段落之间的节奏变化要适当，变化过快或过慢都会给观众心理上产生不适应的感觉。
另外，后期剪辑时，在一个段落中采用一成不变的剪辑节奏，会使观众产生疲乏厌倦的感觉。如果适当变化剪辑节奏，采用剪接加速度的方法，使组接的镜头越来越短，利用镜头的积累效果，可使段落形成一个高潮。但在做这种节奏处理时，一定要注意张弛结合，每一个高潮点后都要留出一个缓冲释放的空间，给观众以回味和联想的余地。

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❷ 电影‘剪辑风格’怎么理解

剪辑作为影视创作中的最后一道‘工艺’，是一次重要的艺术再创作过程，对电影的最后形成质量起着举足轻重的地位. 就是把各种精彩的片段剪辑然后重组在重组。

❸ 剪辑风格的电影剪辑的过程和原则

电影剪辑往往需要经过初剪、复剪、精剪以至综合剪等步骤。初剪一般是根据分镜头剧本、依照镜头的顺序人物的动作对话等将镜头连接起来。复剪一般是再进行细致的剪辑和修正，使人物的语言、动作、影片的结构、节奏接近定型。精剪则要在反复推敲的基础上再一次进行准确、细致的修正，精心处理，使语言双片定稿。综合剪则是最后创作阶段，对构成影片的有关因素进行综合性剪辑和总体的调节直至最后形成一部完整的影片。这通常是导演和摄制组主创人员共同来完成的。 在电影开拍之前，电影剪辑人员通常要把材料凑成剪辑初稿，目的是要达到一种能为人所理解并比较流畅的分镜头剧本。所谓流畅的剪辑即是镜头之间的转换使观众看了后不产生明显的跳进，在看一段连接动作时思路不会被打断。剪辑中另一个重要原则是不能错乱。不能因镜头转换而造成视觉上的混乱。所谓“动接动”、“静接静”即是镜头转换达到协调的重要法则。能否延长或缩短一个事件在银幕上的停留时间，是剪接者能否控制影片进度的一个重要要素，是导演和剪辑师在控制影片节奏和时间安排的一个高度灵敏的手段。以上这些都是剪接中的原则要求。当然这些只是技术上的要求。而真正要使电影的艺术创作达到高水平，必须使戏活起来。

❹ 手机影视剪辑怎么做原创

你好！手机影视剪辑想要做原创，首先你必须得有你自己的制作风格，有一定的剪辑功底，而且要有真人出镜。

❺ 影视后期怎么提高剪辑的整体性！

我们先了解什么是节奏，很多剪辑师的性格比较“急“，所以在剪辑时也喜欢“快”，在剪辑中的作品大多数都是快切镜头，就算是较缓的影片类型，平均的镜头长度也很短。
也有剪辑师的性格属于慢热型，所以在剪辑作品中很多镜头也是不急不慢，就像纪录片一样。
所以，只追求一种节奏的影片，实际上是没有节奏的。一部影片节奏可以体现在音乐中的节奏、镜头的长短对比、故事的起承转合。一部影片的节奏就像过山车一样，有缓有急，有紧张又舒缓，所以，我建议一部影片无论类型如何，首先节奏上要有急有缓，有快有慢。
哪里快？哪里慢？这应该是剪辑师最头疼的地方，

❻ 风格化剪辑是什么

剪辑（ film editing ） 影片图像与声音素材的分解与组合。
即将影片制作中所拍摄的大量素材，经过选择、 取舍、分解与组接， 最终完成一个连贯流畅、含义明确、主题鲜明并有艺术感染力的作品。它是对拍摄的一次再创造。剪辑与剪接不同，后者指对胶片的具体工艺处理。 从影片素材到一部完整的电影作品，在剪辑上往往要经过初剪、复剪、精剪乃至综合剪等几个步骤。初剪是根据分镜头剧本，把人物的动作、对话、相互交流的情景等镜头组接起来；复剪是在初剪的基础上进一步修正；精剪是经过对画面反复推敲后，结合蒙太奇结构进行的更为细致的剪辑 ；综合剪是在全片所有场景都拍摄完毕，各片段都经过精剪之后对整体结构和节奏的调整。在整个剪辑过程中，既要保证镜头与镜头之间叙事的自然、流畅、连贯，又要突出镜头的内在表现，即达到叙事与表现双重功能的统一。 剪辑风格所谓节目的剪辑风格，简而言之，就是剪辑师对节目后期剪辑的整体构思。它体现了剪辑师对编导者创作意图的理解，对节目内容、结构的把握。剪辑师所做的剪辑提纲是其具体的表现。 由于电视节目的种类繁多、形式各异，编导者的风格不同，这就决定了针对不同种类的节目应采用不同的剪辑方式。剪辑师在动手剪辑一部片子前，必须首先熟悉节目，把握住编导者的创作意图及艺术追求，根据节目的内容、形式、风格考虑所采用的剪辑手段，建立片子的剪辑风格。剪辑风格一旦确定，就应保持前后一致，使之贯穿于整个剪辑过程中。 需要注意的是，对于剪辑师来说，建立剪辑风格虽然重要，但表现是为内容服务的，因此必须服从而不能违背编导者的创作意图和艺术要求，要与节目的主题、内容、形式、结构达到有机地统一。 传统剪辑风格 传统剪辑 也可称为剪辑的基本功。其主要作用有两个，
保证镜头转换的流。

❼ 影视前期应如何确立剪辑风格

影视前期应如何确立剪辑风格？这个剪辑的风格，他不是确立的，他是人培养出来的来

❽ 请教拍摄电影剪辑的问题

回答你问题前，先反问下，你要做的是什么，自己爱好还是正经做活？
你说的1分钟短片 切分可以没问题。 绘声绘影就可以做，还是傻瓜型的，入手简单。 至于怎么去弄 你可以找找视频教程，简单说下，这个软件在时间轴上有切入和切出两个括号。可以自己根据需要调节 还有简单的特效。真正的视频剪辑软件 Adobe Premiere Pro 和其他一些，功能强大，各种参数选项比较齐备，但是相对也比较专业，所谓的专业不是软件上手有多难，是还要配合其他的软件工作。扯远了！不论什么软件，你自己合适就好。不用强求。

还要说下的就是你视频的格式，根据你要使用的地方不同，需要不同的压缩格式。用绘声绘影还是Premiere Pro最好出无损格式，AVI格式比较好压缩成为其他需要的格式文件，所以推荐下。如果你嫌出了视频后再用其他软件压缩麻烦，也可以直接在绘声绘影或Premiere Pro 出去里面选择其他格式压缩使用。

音乐剪辑方面。音源录入的时候找个好软件吧。噪声杂声，可以使用cooledit V2.0 不过现在都用Adobe Audition 。你可以试试 加旁白没问题。

不过还是要说，好的视频多次调节出来的，无论是画质还是声音都需要精益求精的态度。多看教程，大胆想想，然后就用软件去实现它吧！！！

❾ 视频拍完了如何剪出电影风格

电影不是一种风格，其实应该是剪辑风格，首先要做到的还是剪辑风格是“看不出剪辑”，想要更进一步的运用剪辑表达“人物关系”“时间”“空间感”“细节”“节奏感”这些的话还是建议多看电影，我推荐一部20年奥斯卡最佳剪辑《急速车王》还有一部《爆裂鼓手》，B站上也有很多专业的剪辑技巧视频。

❿ 干货|超实用的宣传片剪辑技巧

优漫：分享一些有价值的剪辑干货

下面的12个技巧可以帮助任何电影剪辑师做得更好。

作家奥利弗·彼得。

自编自导，色彩调制，后期制作总监，多次获得奥斯卡最佳剪辑奖。

当我剪辑一部数码电影时，我禁不住考虑剪辑风格的问题。下面的12点技巧，我想可以帮助任何电影剪辑师做得更好。的确，并非所有人都赞同这些观点，因为它们都来源于我的个人方式和风格。不过，我还是希望这些技巧能给你带来价值。

1.剪辑要简洁。

最好是剪短一些紧张的场面，但不要把它剪得太短。这就是说，演员对话中不必要的暂停需要被删除。缩小每个句子中间的空白处，甚至减少冗长无关紧要的对话。但在剪掉对话之前，请先向导演请教。

一般情况下，我的方法是从一开始就剪辑出准确的版本，而不是把长片子剪短。大多数观众的注意力通常不超过90分钟，相当于一部普通电影的长度。

假如一开始剪辑后电影长度约为100分钟，那么你基本上还需要继续剪辑至90分钟，使电影更加紧凑。但是如果一开始就把影片剪辑成两个小时或者更长，那就需要做一个“大手术”。

2.有时间再收集一些音乐

很多剪辑师喜欢用临时的背景音乐来剪辑电影，把临时的音乐作为一个占位符。这里，我提出两点理由来反对这种做法。

首先，一旦人们喜欢上临时音乐，就很难再找到合适的、感觉良好的音乐。

临时音乐会成了你的“精神支柱”。

你更能容忍无趣的场景配上有趣的音乐。在剪辑时，我更喜欢将电影中强有力的场景剪接到适当的地方，完美地呈现。若有一场戏能让自己站起来，那就是锦上添花。但蒙太奇的音乐设置却是个例外。所以在剪辑时我能做得更好。

3.请勿使用声音同步

原始的法网电视剧采用了特定的对话剪辑：声音和画面完全同步，没有重叠。通常使用的方法是：剪A画面-A讲完对白-剪B画面-讲完对白-剪回A画面，这样一直轮流剪下去。

裁剪大师WalterMurch把这一裁剪方式命名为“在线风格裁剪”。但是实际上，观众对于声音和图片不重合的反应会更好。这一音画分离剪辑方法被称为splitedits,L-cuts或J-cuts。

我觉得这个剪辑的方法更接近现实生活，我们先听别人说起话来，然后再抬头看。如果有人在说话，我们可以观察朋友的反应。这个剪辑方法更接近于人的自然反应，能让电影更流畅。

4.不要依靠技巧来转场，让画面自然匹配。

利用演员的动作，道具，视线或走位是剪辑场上的一种手段。

但是WaltMurchie说，最好的方法是让情感自然流露，或者剪掉平滑的叙述节奏，而技术性的剪辑则是最不需要考虑的。但是也绝对不能忽视，因为动作的不协调会使观众难以进入戏中。

但是有个视频剪辑朋友经常告诉我，“过度的匹配会束缚视频的剪辑。”假如观众能够完全进入戏剧，他们往往会忽视这些镜头中存在的断续问题。片断的责任在于尽可能地让观众参与情节。

5.动作镜头制造紧张气氛。

运动镜头是动作电影的主要拍摄手段，它可以是轨道相机，旋臂相机，稳定相机或者手持式相机。动作片通常会有一种紧张的气氛。

在剪辑电影时，我喜欢在镜头移动的时候做剪辑，保证一个镜头接一个镜头移动，但是很多导演兵并不这么认为，他们更喜欢在镜头移动之前剪辑，或者在镜头移动之前或者之后。但是我更喜欢紧凑的剪辑，让观众看得眼花缭乱。

6.多视角，多场景的混合剪辑。

假如导演拍了很多不同角度的镜头，不要总是机械地把镜头切回相同的角度，或重读刚才用过的同一种类型的镜头。

诚然，在一个对白场景中只有两个角度，很难避免重复剪辑，但如果导演要根据不同的需要拍摄不同的镜头框架，那不妨通过剪辑来体现导演的意图。

不受剪辑规则的限制，如主镜/单镜/反拍，近/远/近...等等。可试着混日子。

7.注意演员眼睛的剪辑。

从电视，电影到舞台，演员们都靠脸来吸引注意力，但最重要的是他们的眼睛。在剪辑激烈的对白时，我会注意演员的眼神。

它们传达了合适的情感吗？演员对戏剧有什么反应？这个演员的表演决定了我的表现。这一原则使得我更加关注于与主要演员的对话，而忽略了其他人的反应。

8.从演员表演中排除“空气”

类似于第一点——我喜欢小巧的片断。要注意的是大部分演员的表演都超出了适当的范围。演奏者将强调停顿，增加比剧本更多的错误，更多的口吃，以及更长的观看时间，但是剪辑的责任是通过适当的剪辑来让演出回归正常。

删去长篇大论的动作和对话，使影片真实而不做作。

9.构成故事情节

有人说，世上有三种类型的电影：剧本式、拍摄式和剪辑式。不管你剪辑的是什么类型的影片，都要高度关注故事的脉络，不要害怕改变剧本或拍摄的内容，只要它是有意义的。

很多剪辑师都是用镜头分割的剧本来记录从视觉上呈现故事情节。它能帮助你决定用最通顺的逻辑向观众呈现故事。

10.编导的任务就是根据电影的节奏安排故事情节。

首先是要帮助导演达到有创意的视觉效果。但你也应该有自己的想法。

大多数的裁剪师独立完成初剪。那是你第一次在电影中打上个人标签的机会。最初剪辑完成后，导演将与剪辑师共同努力，将剪辑改为导演所希望的版本。

您在剪辑和改变某个演员的表演时所做出的各种选择，都会影响观众看电影的感觉。例如，删去对话中重复的部分就能使画面更有张力。它传递了一个信息，就算是剪辑工作的完成也不能怠慢。

剪辑师可以很容易地改变场景传达的情感，所以任何决定都必须服从于情节。当然，如果有合理的理由，并得到主管的同意，你可以做这样的剪辑，如果不同意就提出替代方案。

11.在选择最佳场景之前，我喜欢回顾取景镜头。
一开始，导演可能会把第三和第四个镜头作为取景范围，我可能会先用第一个镜头，然后是第四个镜头的后半部分。重复介绍演员对话对白时，我常常将包含很少拍摄镜头的场景剪辑下来。当你想要解释为什么要做这个片段时，也要准备好应对变化。

大多数导演不会在后期制作时回顾每一个取景镜头，他们会根据你所剪辑的表演进行修改，不管你是否欣赏演员的表演。假如他们确实喜欢某个演员的不同表演，他们会建议修改片段或者从取景镜头中找出合适的部分。片中的场景越生动，表演也越有说服力，导演就越能接受你的技巧。

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