电影运动感是如何产生的

⑴ 电影中那些巷子快速持久的景深运动是如何做出来的，难道真的是架轨道拍摄然后串起来的吗，

是的，目前最好的效果是轨道做出来的。
但也有用斯坦尼康的，要看需要的镜头了，如果是需要稳定的客观镜头，基本现在都用轨道，短距离架摇臂，主观镜头适用斯坦尼康，不稳定镜头也是斯坦尼康。

⑵ 速度感的电影中的速度感

“幻影”，“蒙太奇”，“速度感”这些都是拍摄电影的一种手段。“速度感”是导演带给我们的一种视觉理念。“速度感”在法国导演Tom Tykwe的电影《罗拉快跑》中运用了很多。女主角罗拉在影片中一直都在奔跑，电影的镜头一直跟随她的脚步。擦过奔驰的列车和一条条美国街区，配合着动感的音乐。这些速度“叠加”在一起给我们更强的视觉冲击力。通过速度感突出人物的心理活动，诠释罗拉急促的心情。
所以说速度感只是电影的一种表现方法，正如一篇文章往往会运用比喻，夸张等修饰方法一样。都是为说明事物的主题服务的。
首先来看摄影方面，一般来说，拍摄角度的选择对于速度的影响是很大的，镜头类型的选择也很重要。比如在广角镜头下，同样是中景的景别，正面拍摄人物对着镜头出拳，这样的速度感，就比拍他侧面的出拳的速度要快。
还有一个就是镜头的运动，如果人物正面出拳的时候你镜头对之相对运动，速度感就快，往外拉当然就慢。侧面拍有时候也能强调速度感，如果你用长焦镜头，中景侧面跟拍一个人跑步，运动感就会很强——如果前景有些栏杆或条状的遮挡物，那么这个人的动感就会进一步提升。有个典型的例子，就是《野兽刑警》的开头吴镇宇跑步的段落。
楼主提到的一个镜头内的环境对比、降格拍摄都对，另外那个小范围动作显得快，其实最主要还是对比的效果。局部的运动相对于身体这个整体来说，静动对比强烈，容易“衬托”得动作快的。如果那个动作需要是全身都动起来，那对比效果就不明显了。
除了拍摄方面，剪辑当然是提高速度感的重要一环。其实楼主提到的很多方面都属于剪辑范畴，比如快速剪辑、接点的相似性，其实剪得快还有重要一点就是环境的对比，这也是模拟人的视听效应来运用到剪辑工作里。一个静场接一个动场的感觉，就永远比两个动场相接起来显得要快。而且，除了镜头的长度外——剪辑的时候动作的方向是否匹配、是否跳轴、景别的跳跃性如何、色彩的跳动大不大、剪辑时动效与音乐的配合，等等多种元素，都可以左右着画面的速度感。

⑶ 为什么电影的图像看上去是连续运动的是因为人眼

人眼睛跟不上电影的电影图像的连续性，所以会看到电影是一个动态的过程，这取决于社会的发展性，让我们看到了非凡的图像。呵呵，要感恩社会对于我们的馈赠！

⑷ 什么是电影运动的艺术性

电影是一门以视觉活动画面和听觉音响效果相结合的综合性艺术。也可以说是造型、音响、蒙太奇手段融合在一起构成的复合时空艺术。而他们的核心是由一系列活动着的相互衔接的镜头画面构成了电影的运动特征。电影的逼真性来自镜头的运动性，除了被拍摄的对象，而摄影机也总是处于运动之中，两者相互交交融成为时空运动的造型艺术。电影画面是镜头运动的画面。美术师所设计的景物一定要适合运动性要求，这是电影的特性所决定的。电影中的动是区别于其他艺术的表现方法，构成了电影艺术的特征。

运动是电影艺术的特征，是区别于其他艺术的表现方法。也是美术造型的前提。由于电影运动性改变了文学、戏剧、音乐、美术各种艺术的原貌，使其不复其身，成为电影表现手段的有机组成部分。美术一进入电影，其表现特征就起了质的变化。由单幅画变为运动着的多幅连续画面，由静止的画面处理到活动着的画面处理。美术师己不是独立创作和完成美术作品，而是由电影镜头画面所取代，他的创作构思是通过镜头取得效果的。这样美术师就要从观念上改变创作单幅画的做法，而使绘画中的色彩、气氛、基调通过电影画面的总体构成体现出来。对于影片中的画面构图要从运动性特点去构思。不仅有静止的美，面且要有运动着的美。

美术师是为导演、摄影提供造型基础的创作人员，在绘制设计图时应当从运动性考虑设计方案。而对于镜头的把握、拍摄角度的选取及构图处理要依靠摄影师处理。这样美术师与摄影师在勾通构思，掌握基调上要取得一致看法才是确保画面质量的唯一途径。美术师在设计场景时可以从镜头的起幅、运动镜头中的转折点画面、落幅画面，尽力满足画面构图要求，例如前景设置、中景层次、后景气氛等。为了表达美术师的构思，可以画出相应的电影画面供摄影师拍摄时作参考。

电影画面的运动性具有较强造型意识。主要标志是美术师的创作观念要纳入电影蒙太奇处理。这是出发点也是归宿。电群是在空间中展现的时间艺术，又是在时间中延续的空间艺术，要运用时空交叉方法使场景造型具有多义性、多角度、多变化的画面构图。在镜头的拍摄中，一些镜头画面构图并不完整，但在运动中达到了完整的效果。因为一个场景的气氛可是靠一个画面、一个镜头，面且靠一组按照蒙太奇效果完成一个思想，同样会感染观众。因此说，运用运动观念进行为影片造型的美术才是电影美术。

电影艺术的最大优越性是动，从而使广大观众熊得到对客观世界的景真实的反映和最亲切的感受。由于电影中艺术结构的“蒙太奇”要求，镜头经常是活动着的（有时也有固定画面出现）在时间过程中带出不同的空间变化和景物变化。如果运动镜头处理得好，使景物通过作者主观世界的传达，达到强烈的感情作用。给观众以强大的冲击力。

电影画面的运动效果是由摄影机运动拍摄、人物在场景中的走动或者是摄影机与人物同时运动的结果。这些艺术效果处理都与场景平面结构有关。美术师在设计场景时要考到运动性所要求的场面调度。要使布景具有动作性，要为运动镜头的拍摄提供合理的场景造型。

电影布景的动作性表现为场景的平面与立一面构戒要有层次，有纵深，有明暗，有曲折变化，有起伏感，为镜头之多角度拍摄提供造型基础；

在场景中设置适当的动作“支点”。为摄影机拍摄和演员的表演提供前提和依据，把戏演活。只有这样做才能真正使场景为戏服务；

合理运用前景，为运动镜头提供动作感。因为前景距离摄影机视距最近，表现力也较强，运动感强烈，可以不时地滑过镜头与观众产生交流；

对于规模较大，结构复杂场景，要在构思时寻找一条造型线。这条钱可以是有形的，也可以是无形的。

⑸ 由静止画面产生运动效果,是因为

由静止画面产生运动效果，是由于我们的眼睛有视觉残留特质。把画面移走以后，他还可以在眼睛里保留大约0.1秒。这时如果第二张画面接上去，在他的眼睛里就变成了连续的了。电影就是这样的。

⑹ 放映电影时的依据。原理

电影的拍摄和放映利用了什么视觉原理 看电影时，我们都觉得银幕上的人或物的一系列活动与真实生活中的活动没有差异，为什么会有如此逼真的感觉呢？ 首先，了解一下电影的拍摄和放映过程。拍摄镜头有一个间歇装置，每秒停放各24次。停时快门打开曝光把场景摄入胶片；放时快门关上胶片转动，一个连续5秒的运动，摄影机要拍120次，胶片上有120个画面。依动作顺序，任何两张邻近的画面动作上都有细微的差别，这些胶片的拷贝在放映时，每秒也开闭24次，拷贝上的画面每秒钟在银幕上亮相24次。放映机开时，银幕上出现画面，放映机闭时，银幕上就是暗的，这样一个小时的电影，银幕上暗的时间接近半个小时。然而，没有一个人感觉到明暗的交替，我们所看到的是连续展现的画面，这是为什么呢？ 人们的知一种似动现象。如果在银幕上放映一条竖光带，间隔一会儿再闪现一条横光带，这两条光带形成一个90°的角，随着两条光带先后呈现的时间间隔的不同，人的知觉结果也不同。间隔大于1/5秒，人们看到两条相续出现的光条；而间隔小于1/30秒，人们就会觉得两条光同时连续地亮。当间隔在1/15秒时，我们会把它们看成是一条白光在一个直觉范围内作往返运动。这就是“似动现象”，也就是说把本来不动的东西，知觉为运动的了，电影摄制和放映时每秒钟24次间隔，就使静止的画面产生了动感。 似动现象主要是由视觉后象引起。由于外界刺激物引起的感觉并不随刺激物的消失，往往条保留短暂的时间，这叫“感觉暂留”。刺激不再作用时，还保留着的感觉叫做“后象”。后来有正负两种。长时间地注视一支亮着的日光灯，闭上眼睛后有一条黑色的现象，而瞥一眼日光灯立刻闭眼，这个光点好象在眼前闪现，前一现象为负后象，后一现象为正后象。似动现象就是正后象的结果。 利用视觉的似动现象，同步的摄影和放映，使我们从银幕中感受到真实的生活。另外，电影的拍摄和放映还在非同步式的。如我们所看的慢镜头，就是快拍慢放的结果。漂亮的射门镜头往往要慢放几遍。以上这些都和人的似动现象有关.

⑺ 3D电影是怎么实现的立体感是如何产生的

人们看到的世界是3d是的，因为你能真正感受到每个物体的距离、几何形状和大小。这是一个非常复杂的计算过程，3D电影原理 3D这部电影通过两个镜头从两个不同的方向拍摄场景，然后用两个放映机同时放映两组胶片，使两组图像在屏幕上重叠。通过特殊的3D眼镜，两只眼睛看到不同的图像，大脑会自动产生三维视觉效果。

颜色实现3D效果会使最终图像失去一些颜色，看起来非常不真实。所以人们想出了其他方法，除了颜色，还有其他我们无法察觉的区别，比如方向，有些光“横”还有一些光“竖”是的，虽然这对我们看到的物体的形状和颜色没有影响，但我们可以制作只能通过水平或垂直光的镜头，然后拍摄镜头和3D这种镜片可以让左右眼看到不同的画面，产生眼镜3D效果。不管怎样，3D电影给了我们一种平面图像深度的错觉。虽然这些方法相对简单，但效果仍然有限。我们只能盯着特定方向的屏幕，而不能全面地观察物体。

⑻ 有电影感的运动镜头该怎么拍

以拍摄对象的运动为主

首先摄像师需要留意，要拍摄的对象的运动可以是三维的，利用XYZ轴三个方向的运动，这样可以让空间显得更加饱满。虽然这种方式的运动镜头没什么太大的动作，但是通过演员的走位设计，可以让画面变得更加丰富。通过演员的走进走出，走近或者走远，摄像师利用运动方向都可以制造动感。

以摄影机的运动为主

摄影机在空间中运动的可能性是非常大的，它可以借助三角架，轨道，升降机，或人的身体进行各种轨迹的运动。这种运动方式更容易去交待事情，可以很好地控制观察的顺序。单从画面上看，如果你嫌摄影机前进太简单，可以同时加一个摇摄，并再用升降机升高。

摄像机和对象同时运动

前两种方式常被结合起来，以创造更为流畅而丰富的影像。这种运动需要更为精心的场面调度的设计与控制。它常常带有这样一个特点：镜头中出现不同的角度与景别，产生各种层次的纵深效果。

类似运动场景的连接

当一组镜头把类似的运动场面或者具有一定关联性的运动画面剪辑在一起时，往往会让各自画面之中出现不同的运动轨迹和景别。当然，画面相接的手法有很多，通过形状相接，通过声音相接，模糊的前景影像相接等等，这里讲得比较有限。

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⑼ 为什么说电影的本质是运动

因为电影呈现在荧幕上，是一个接一个镜头的组合，而镜头里面所有的演员，和发生的事件是由人的对话，肢体形态而产生的，因此电影的本质就是运动！

⑽ 电影通过视觉自留原理产生是什么

电影中看起来连续的画面，是由一帧帧单独的照片完成的，至于关于电影中运动的感觉，是因为人们因为视觉上的飞现象（Phi phenomenon），使得对一连串静态图片却会造成移动的错觉。

传统对电影中运动感知的理解是因为视觉暂留，使得图像离开后，仍能在眼睛保留“视像”约十分之一秒。

人眼观看物体时，成像于视网膜上，并由视神经输入人脑，感觉到物体的像，但当物体移去时，视神经对物体的印象不会立即消失，而要延续0.1-0.4秒的时间，人眼的这种性质被称为“眼睛的视觉暂留”。

但在1916年出版的德国心理学家雨果·明斯特伯格（Hugo Münsterberg）的《电影：一次心理学研究》中第三章《深度感和运动感》中，雨果·明斯特伯格证明了外观运动绝不是影像滞留（即视觉暂留）的结果，而是（但不仅仅是）对运动的连续阶段的感知。

1917年，德国实验心理学家对“视觉滞留现象”这种生理现象进行了深度的心理学解释，阐述了“似动现象”，为人类的运动视觉感知，提供了心理学解释。这即是格式塔学派心理学。

电影中运动感知的其他理论

在他 1833 年的专利和他的频闪光盘解释小册子中，Simon Stampfer 强调了中断由图纸反射的光束的重要性，同时一种机制可以以适当的速度将图像传输通过眼睛。

这些图片必须根据某些物理和数学定律构建，包括将运动系统地划分为不同的时刻。他将视觉持久性的概念描述为使中断不可见的效果。

1868 年威廉·本杰明·卡彭特 ( William Benjamin Carpenter) 的一篇文章质疑了所谓的“光学玩具”中的运动效果，如 phénakisticope 和西洋镜，可能是由在视网膜上挥之不去的图像引起的。

他认为这种错觉“与其说是一种视网膜现象，不如说是一种心理现象”。

早期的视觉持久性理论以视网膜为中心，而后来的理论更倾向于或增加了关于运动感知的认知（以大脑为中心）元素的想法。动画基本原理的许多心理学概念表明，图像之间的空白是由大脑填充的。

Max Wertheimer在 1912 年证明，测试对象在两个不同的位置之间看不到任何东西，在这些位置中，一个数字被一个数字由测速仪以理想的速度投射，这个速度非常适合幻觉，即只有一个数字从一个位置移动到另一个位置。

他用希腊字母 φ (phi) 来表示运动的幻觉，用字母 β (beta) 来表示投影图形之间的间隔。

在更高的速度下，当测试对象认为或多或少同时看到两个位置时，会在投影数字之间和周围看到移动的无物体现象。