如何看待90年代以来的独立电影

Ⅰ 何谓“独立电影”及其模式

“独立电影”的概念来源于上个世纪中期的Hollywood。当时的Hollywood由所谓“八大电影公司”所垄断，一部电影拍摄的运作遵循步骤严谨的“制片人制度”。这种“制片人制度”的目标完全瞄准市场，期望获得最大的利润，因此，尽管这种制度为电影事业带来的大量资金，但也限制了电影创作者的发挥空间。于是，一批电影人摆脱“八大电影公司”的控制，自筹资金，甚至自己编写剧本，自己担任导演，拍出了许多与商业电影截然不同的思想性强的电影，被人们称为“独立电影”。

从技术角度上讲，“独立电影”是指某部电影在资金投入和制作上不隶属于任何电影集团、公司(或制片厂)，主要依靠制片人或导演本身通过各种渠道融取资金，甚至包括个人出资等形式来制作影片。在国外它是对一部影片经济投入程度的标识（不过独立也可以有大制作），在国内它仅仅意味着一种简便的拍片手段。独立电影在题材、拍摄手法、表达方式上由于受到出资方的影响比较小，所以可以涉及到一些主流影片较少涉及的范围，也更能不表现出电影制作者的个人特点。不过同时也是由于资金的原因，往往独立制片的场地、道具、演员、服装等等各方面都会受到影响。
“独立电影”的概念来源于上个世纪中期的Hollywood。当时的Hollywood由所谓“八大电影公司”所垄断，一部电影拍摄的运作遵循步骤严谨的“制片人制度”。这种“制片人制度”的目标完全瞄准市场，期望获得最大的利润，因此，尽管这种制度为电影事业带来的大量资金，但也限制了电影创作者的发挥空间。于是，一批电影人摆脱“八大电影公司”的控制，自筹资金，甚至自己编写剧本，自己担任导演，拍出了许多与商业电影截然不同的思想性强的电影，被人们称为“独立电影”。

从技术角度上讲，“独立电影”是指某部电影在资金投入和制作上不隶属于任何电影集团、公司(或制片厂)，主要依靠制片人或导演本身通过各种渠道融取资金，甚至包括个人出资等形式来制作影片。在国外它是对一部影片经济投入程度的标识（不过独立也可以有大制作），在国内它仅仅意味着一种简便的拍片手段。独立电影在题材、拍摄手法、表达方式上由于受到出资方的影响比较小，所以可以涉及到一些主流影片较少涉及的范围，也更能不表现出电影制作者的个人特点。不过同时也是由于资金的原因，往往独立制片的场地、道具、演员、服装等等各方面都会受到影响。

中国独立电影

王超—《安阳婴儿》
睁开两眼看婴儿
真正地面对真正

于晓洋—《迷岸》

吕乐—《诗意的年代》

吕乐—《赵先生》

章明—《巫山云雨》

王小帅—《十七岁的单车》

王小帅—《扁担·姑娘》

贾樟柯—《站台》

贾樟柯—《小武》

法国独立电影

偷渡者

慈善生意

自顾不暇

怀念我的人请坐火车来

巴西火车站

伪君子

浪子回头

厄运难逃

爱情无价

爱情·数学与性
房事和声

宾戈

待价而沽

阿莉丝与马

日本独立电影

第一代独立电影导演
黑泽清 Kurosawa Kiyoshi
石井聪亘 Ishii Sogo

第二代独立电影导演
诹访敦彦 Suwa Nobuhiro
青山真治 Aoyama Shinji
阪本顺治 Samkamoto Junji

多面手的独立电影导演
冢本晋也 Tsukamoto ShinyA

扎根地方制作电影的导演
中江裕司 Nakae Yuji

90年代通过PFF出道的年轻导演
矢口史靖 Yaguchi Shinobu
桥口亮辅 Hashiguchi Ryosuke

来自其它行业的电影导演
SABU
中野裕之 Nakano Hiroyuki

因录像电影成名后进军影院电影的导演
三池崇史

对独立电影进行新的探索的导演
李缨 LiYing

参考资料：http://id-5923.blogbus.com/logs/2004/04/154685.html

Ⅱ 独立时代的影片评价

《独立时代》：一部试图伟大的电影
在带着《独立时代》前往康城参赛之前，杨德昌专门写了一篇文章，里面说道，“这部电影的主题是‘我们’，迄今西方尚未有缘一识的我们那最隐私的一面。”这样的表白极容易让人联想到所谓的“他者印象”——出现在权力关系、支配关系和霸权关系中的罗曼司、异国情调、美丽的风景、难忘的回忆、非凡的经历，或者是东方之壮丽、残酷和纵欲。当然，杨德昌在这里不是投合，而是自省。在他看来，文化立场的差异性后果不仅没有带来多元的丰富，反而在交流中设置了透明的过滤栅栏。在这样的状况之下，“东西双方自我反省的努力必须是相互的，没有这种双方自我检讨的努力，一切文化的交流及沟通都将毫无意义。这部电影，代表了我在东方的这一半世界里，向这交流沟通的努力付出一己之责。”
这样的宏旨大意对于一贯严肃的杨德昌来说，并不显得过分。相反，倒是影片的“活力喜剧”风格有一点异样。事实上，在此之前的“台北三部曲”，《海滩的一天》、《青梅竹马》和《恐怖分子》，以及后来的《牯岭街少年杀人事件》的确可资证明他是台湾地区最优秀的导演之一。而《独立时代》的审思姿态则证明了杨德昌作为文化先锋的敏锐的感受性与责任心。在临行康城之前，他慷慨而悲壮地宣称，“这部电影谈的是我的信念，不论最后我们赋予‘人’这个名词是何等地定义，我都深信我们都属于同样的人类。如果不然，我们又何必拍电影？如果我们的思想不能在共同的基础上交流，国际影展还有什么意义？”可惜《独立时代》无功而返。
这种遗憾当然不能代表什么，但《独立时代》的确只是杨德昌的一部试图伟大的电影。 《独立时代》:台北版的“清明上河图”
台北是一个现代的大都市，在经济高度发达的今天，他们的生活面貌是什么样子的？我不可而知。自从台湾想从中国分裂出去开始，我对台湾便没有什么好感。但是，毕竟都是中国人，在经济高度发展的过程中，我们似乎在生活或工作中都面临着很多相似的地方。台北人的生活，或许是我们一个很好的参照对象。而把他们生活展现给我的，便是杨德昌。
对于台湾电影，我以前不怎么了解，只是觉得他们的文艺片拍的有唯美和人性的感觉。除了候、杨和李三位大导演，其他的导演我几乎不涉猎。可是，我最喜欢的杨德昌导演已经去世了。
在众多电影中，杨德昌的电影却是我每每回味的对象。《独立时代》是他1994年的电影，我已经看了多遍，之所以没有写一些感想之类的话，是因为我似乎觉得自己并没有完全明白很多东西，而随着时间的推移，我觉得有必要先将我现在的一些感悟记录下来，因为，记忆会随着时间而发生某种偏差。
看了杨德昌的《一一》、《麻将》，再回过头来，看他最早的电影，才发现他先前的作品一样的精彩，只不过在叙事风格上更为写实。而我把《独立时代》也概括为台北版的“清明上河图”。
在90年代，作为“亚洲四小龙”之一的台湾，经济实力在世界上占有重要的地位，与美国和日本之间的经济贸易带动了人民生活水平的极大提高，因此，也带来了文化上的冲突。台湾自从离开大陆后，他们对于中国古典文学的普及一直都没有中断，而这一点似乎是大陆所不能及的。在古典思想和现在思想的激烈对抗下，在金钱和内心的激烈比拼中，这到底是一个什么样的社会？《独立时代》似乎给我们了一些参考。
影片开头引用《论语》子路篇中一段：子适卫，冉有仆。子曰：“庶矣哉！”冉有曰：“既庶矣，又何加焉？”曰：“富之。”曰：“既富矣，又何加焉？”（大体意思：孔子到卫国去，冉有是作为随从并驾车。孔子到了卫国看到人很多就发了一句感慨：“人真多啊！” 冉有就问：“人多了以后，应该如何啊？”孔子就说：“让他们富起来了！” 冉有又问：“人富了以后再如何啊？”）不过在这里，杨德昌省略了孔子的话：“教之。”
然后紧跟着，字幕上就是“两千多年后，台北在短短二十年间变成世界上最有钱的都市。”这两段话连起来，那么影片所要描述的故事自然就很清晰了。台北就是那个卫国，可是谁是孔子？
随后，一个“电影导演”的自白，更像是杨德昌对自己的“嘲讽”。话语中由电影到政治，把整个台湾的政治环境用简洁的话进行了概括。“大同世界”这四个字，让我想起了郑智化的《大国民》。其实，台湾的政治从来都是一锅粥，从来都是搞一些笑话出来。也正因为如此，一个地区的政治乱了，人自然乱了，有了钱又能如何啊？
片名的英文似乎告诉了我们：智者的困惑。那么杨德昌现在正想用自己的镜头去解答这个问题。因此，从一开始，我就觉得杨德昌的这部电影就要完成这样一个目的：他想让我们在富裕之后有所考虑，找到自己继续生活的动力。而不是像《麻将》中那样：很多人都不知道自己想要什么，都是靠别人告诉他。
在这幅巨大的“清明上河图”中，生活着这样一群人，我们似乎在他们身上可以找到自己的影子。我发现我说的越多了，越是画蛇添足，我于是将每个影片段落的标题贴了出来。有的话说多了就失去了它的意义，而真正的乐趣在于各人的理解。
其实，看这样的电影，我的心是沉重的。在这样的人之间，我不但找到了自己的影子，也看到了自己的一些困惑。而如何将这样的困惑的生活化解掉，我只有自己去体验。
任何事情都是靠自己走，电影只是一种参考，就如书籍一样。而“清明上河图”也只能作为一种借鉴。其实，每个人都能成为自己的“孔子”，而每个人都能在生活中获得更多的乐趣。
我并没有找到最后的答案，因为很多东西根本没有答案。就借用孔子的“智者不惑”来说吧，我们必须为自己找个理由活下去，做一个“智者”，这样才会没有太多的困惑。（作者：四少）

Ⅲ 如何看待20世纪90年代至今中国电影的发展

从混乱挣钱到有序挣钱。

Ⅳ 有关独立电影

题目比较大，其他的没找到，贴个文
世纪末年代，中国独立制片呈现出诡异多变的色彩。1999年8月，由BJ电影工作室独资制作的超低成本影片《男男女女》在第52届瑞士洛迦诺国际电影节上获得国际影评人大奖、由艺玛公司投资的《洗澡》在圣塞巴斯蒂安和多伦多国际影展上获奖，恰好标识着中国独立制作电影的两种路线和成绩。

由崔子恩编剧，刘冰鉴导演，杨青、于博主演的超低成本个人独立制作影片《男男女女》自去年8月以来频频亮相于瑞士、法国、英国、瑞典、加拿大、韩国、奥地利的重要电影节，除正式参赛获奖之外，所到的展映活动中无不备受瞩目，影评人和观众们都惊异于编导人员对女／男同性恋爱开放而平和的态度，以及影片对中国公厕文化饶有趣味的"展示"。

与这部影片相对，尚未在国内公映，《洗澡》在国外已经先热起来了，先是在第24届多伦多国际电影节、第43届西班牙圣塞巴斯蒂安国际电影节上，分别获得国际影评人协会的最佳影片奖和最佳导演奖，最近又获得40届希腊Thessaloniki国际电影节最佳影片奖和最受欢迎影片奖。与此同时该片在海外市场大卖，先后签下包括美国、日本、法国、英国、德国等主要市场在内的20多个国家的合同。著名的索尼公司在看过影片后当即决定向《洗澡》打开主流院线的大门。该片海外代理方称《洗澡》是他们所代理的国外影片中成绩列在第二位的，而在中国影片中（包括香港、台湾）是从未有过的。《洗澡》很朴实，正如洗澡本身的意义一样。创作者以新颖的表现手法，将现代社会情感风云浓缩于澡堂这样一个相对独立的世界里，突出了丰富多彩的人性中的趣味，并显示出创作者对现实生活强烈的人文关怀。其中有它轻松幽默的一面，是中国人际社会中的世故与尴尬；也有它深沉感动的一面，是中国人面对情感的内向与自省。没有人能把一件简单的事情缠绕到像《洗澡》中的情况一样，让人想哭想笑，沉浸在文化的反省里不能自拔。

《洗澡》所带来的震惊与感动正是早些年独立电影在美国年轻知识分子阶层所产生的震惊与感动，那是来自心灵最深处的认同与领悟，是来自人生最大喜悦、最大悲伤之后的休憩，是所有一切不满现状的人们的微笑，是所有正在进取的人们的标牌。今天，独立制片在中国同样以自己的力量证明了自己的存在。

《月蚀》影像节奏与风格显得格外年轻、充满活力与张力，在"叙事"上也打破"秩序"，将不同的时空混合搅拌，并让人物跨越时空的阻隔得以"对视"，其中的惊人之笔俯拾即是。作为第一次独立编导影片的王全安显现出不凡的才华与灵智，摄影高飞为中国电影提供了一个崭新的样板，作为主演之一的胡晓光的表演也已达到炉火纯青的地步。这部影片在上海国际电影节赛外放映之后，立即赢来如潮好评。它与《男男女女》一样，令影展观众感到新鲜又有趣。可以说，它们代表着中国新电影最自由无拘、任达畅意、不容尘封与羁勒的品质。

自1990年张元独立制作低成本电影《妈妈》以来，中国独立制作区域坎坎坷坷已历经10年途程。在国际影坛，这些由个人或小公司出资拍摄的影片不仅赢得了一大批国际影展奖项，而且对海外观众形成相当强有力的冲击，成为他们观看中国的一扇又一扇玻璃之窗。

从世界电影史上看，电影业是先有独立制片后有国有制片或大公司垄断制片的。中国的情况也不例外，最初的电影都是由个人出资独立完成的。新中国建国后，电影制片全部国有化。直至推行新的经济政策以后 ，个人或公司投资拍电影，报经电影局审批，才成为"新生"现象。

80年代末90年代初从事独立制片创作的电影人很少，其艰难程度与其开创性同样重要。最初完成影片制作并在国际影坛获得好评的主要有三个人的三部作品：张元和他导演的《妈妈》、何建军和他编导的《悬恋》、王小帅和他导演的《冬春的日子》。无一例外，这三位导演的三部影片都采用黑白胶片，都在欧洲地区的国际影展上获得过重要奖项或者好评。由于他们和它们的促动，中国独立制片电影的运作一发不可收束。截止1999年年底，这类影片已将近30部，其中在国际影展上入围的已有20多部，获得各类奖项包括几项金奖的影片已达10余部，将近独立制片总数的半数。如果讲到中国电影的光荣，即便闭上双眼也不能不对他们／它们的重要地位予以首肯。

希望对你有帮助，我也认识很多朋友在拍独立电影的，比较多的是北京的，有些多次获奖，但是独立电影要坚持下去很难，就怕一时热情过后难以克服各种困难挑战。
爱电影自己想拍的也不少，但是在国内给独立电影展现的空间太狭小了，有点可惜。
希望看电影爱电影的人能聚集起来发展形成一种文化氛围。

Ⅳ 90年代中国电影的一些看法

留下qq邮箱，我发你一些电影论文
或者你hi我

Ⅵ 什么是90年代的电影，尽管有著名演员，却似乎被遗忘了

还记得U2的主唱那个时候写过一部由梅尔·吉布森（Mel Gibson）主演的电影吗？其他人也没有。

温姆·温德斯（Wim Wenders）的《百万美元酒店》（Million Dollar Hotel）已被人遗忘。您可能会认为，由波诺（Bono）构思并由梅尔·吉布森（Mel Gibson）主演的电影会吸引观众。它仅在有限的影院上映中就获得了59,989美元的收入，直到14个月后在视频上发布后才重新出现。

Bono最初是在1987年拍摄这个故事的，当时他拍摄了“街上没有名字”的音乐录影带。十年后，他们筹集了800万美元的预算来拍摄这部电影。

令人印象深刻的演员也被组装。杰里米·戴维斯（Jeremy Davies），米拉·乔沃维奇（Milla Jovovich），吉米·史密斯（Jimmy Smits），彼得·斯托玛（Peter Stormare），阿曼达·普拉默（Amanda Plummer），多纳·洛格（Donal Logue），朱利安·桑德斯（Julian Sands）和蒂姆·罗斯（Tim Roth）加入了吉布森的制作。

虽然这是一部可能只在1990年代才存在的电影，但最终于2000年2月9日在柏林国际电影节上首映。

在纸面上，《百万美元大酒店》听起来像是一部吸引人的电影。由Wim Wenders导演，根据Bono的故事，U2的电影配乐以及以FBI特工为中心的故事进行调查，该特工调查了一个由陌生居民居住的酒店中一名居民的死亡。取而代之的是，它提供了一个自我放纵且奇怪的小独立游戏，毫无意义。

吉布森放弃了通常的薪水要求以出演这部价值800万美元的电影，也通过他的偶像制作公司（Icon Proctions company）担任制片人，他在接受采访时称这部电影“像狗的屁股一样无聊”，对此他确实感到遗憾。为了像联邦调查局探员杰克·斯金纳（Jack Skinner）那样表现复杂而am昧，吉布森完全没能做到这一点，而且似乎比其他任何事情都难受，导致了一个奇怪的转折，这是他整个职业生涯中最容易误判的。

Ⅶ 如何评价中国的独立电影人

电影人是一个宽泛的概念，从制作者本身到影展的发行者，都可以算是电影人。

不管任何领域，大家都给我几个比较集中的特质：

1、对电影的赤诚（同样也要耐得住寂寞）

2、执着和韧劲（包括不断地学习能力）

3、对创新边界突破的智慧和勇气

当前我们看到的冠名商，大多仅针对项目本身冠名，但仍然保留了整个FIRST的完整。

Ⅷ 如何看待20世纪90年代至今中国电影

《20世纪90年代以来的中国电影》以20世纪90年代以来中国大陆电影作为研究对象，特别着力于新生代电影的审视，从文艺美学的角度，对主要电影创作现象进行深入的、细致的解读，对新生代电影的演进历程，做了切合实际的评述，介绍了张艺谋的电影创作，最后作者谈到了全球化语境下中国电影的应对策略，《20世纪90年代以来的中国电影》适合电影界相关人士和电影爱好者阅读。

Ⅸ 请问美国当代独立电影的特点请详细，谢谢

独立电影来源于英文“independed film”，又被称为独立制片电影，它是与好莱坞主流电影相对应的一个概念。众所周知，电影发展成一个成熟的产业基本上是在好莱坞完成的，在大制片厂制度、明星制、类型片模式等逐渐成型以后，好莱坞的电影工业也基本上成熟了；好莱坞成为世界电影工业的中心，其在美国本土的地位更是说一不二，已然成为电影工业的代名词。但是电影的特性决不仅仅只能用商业来衡量，从电影诞生的那一天开始，其作为艺术形式和思想表达工具的一种，就不断的被人们探索着、实践着。当然，从整个电影发展史的角度来看，好莱坞电影工业对电影在全世界的推广起到了至关重要的作用，但矫枉难免过正，电影工业的过度发达，必然会损害到电影艺术的发展，因此，有一批艺术家们开始不考虑商业利益，仅以个人意志为标竿，自筹资金开始了电影创作，这种创作就被冠以了“独立电影”的名头。

独立电影发端于上个世纪60年代的美国，最初仅仅是对好莱坞制片体制的一种反叛。但随着电影事业的发展，现在的独立电影，已经不能仅仅从制片体制上来区分了。在当今，独立电影更加类似于“作者电影”，在形式上、精神内核上都呈现出某种内在的特性，是不是被制片商纳入电影工业体系，倒并不重要了。也就是说，所谓“独立电影”，更多的应该是从其艺术、思想特性上来考察，至于制片体制，则仅仅是个参考指标罢了。如果一部电影从一开始，就能保证按照艺术家的自由意志来进行创作，而制片商仅仅作为投资人的角色出现，并不干预影片的具体内容，那不管该片在片头加上米高梅的狮子还是派拉蒙的雪山峰，都不会影响其作为独立电影的身份了。

独立电影发展到今天，已经是一个被广泛接受的概念了。事实上，世界各国都有所谓“独立电影”的称呼，从广义上来说，只要是游离于该国主流（商业/官方）电影体系之外的电影创作，都可以被归入到独立电影的范畴里去。这也就造成了独立电影在质量上的参差不齐，根据创作者的个人水准，它既有可能是上乘的艺术精品，也有可能是粗制滥造的垃圾。但相对而言，独立电影最为发达、取得成就最高的地区恰恰是商业电影最发达的美国，所以，以美国独立电影为例，能够让我们对独立电影有一个相对全面和较为深入的认识。当然，单纯从概念出发，纪录片、动画片都可以被算在独立电影之列，但在实践中，独立电影一般只是指剧情片，在这里，我们也是从剧情片的意义上来指称“独立电影”的。

多元的灵魂

美国是一个多元的社会，在这里，各种各样的文化、思想和价值观念都能找到自己的一席之地，这也是美国独立电影之所以层出不穷的一个重要原因。当然，主流的“权威”声音还是存在的，但对热衷于独立电影创作的艺术家们来说，那些声音只是“Bull Shit”罢了，他们所要做的，是发出他们自己的声音。对独立电影来说，重要的不是你说了什么，而是你说了。

这种开放、多元的文化形态也直接造成了美国独立电影的开放和多元。基本上，美国独立电影的题材是没有任何限制的。政治、暴力、情色、科幻、犯罪，甚至莫名其妙的梦幻，都可以成为独立电影的题材。因此，我们很难用某一种具体的类型来涵盖独立电影——那些类型片的划分方法通常只对好莱坞商业片有效。

独立电影的多元特征甚至能从它们的创作者身上得到印证，如果你仔细考察一下，你就会发现独立电影导演们往往出身于不同的种族、阶层、地域，他们各自有最擅长的题材领域，这些领域交织在一起，就构筑成了美国独立电影的复杂景观。比如约翰·卡萨维蒂，这位“美国独立电影之父”，就是出身于希腊移民的家庭，希腊人对家庭观念、家族关系的重视，也自然而然的影响到了卡萨维蒂的创作，所以，在他的作品中，我们能很清晰的看到他对美国家庭细致入微的观察和拷问，贯穿卡萨维蒂作品的，就是这种深入人物内心的对家庭以及由家庭所带来的各种关系的反思；大名鼎鼎的伍迪·艾伦则是出身于纽约布鲁克林区的犹太知识分子家庭，这样的家庭环境使得伍迪·艾伦的作品由衷的散发出一种知识分子的气息，因此，我们可以看到，他总是在批判，从《安妮·霍尔》到《梅莲达与梅莲达》，伍迪·艾伦的知识分子责任感一点也没有消退的迹象；同样是出身纽约，同样是大腕级导演的斯派克·李则站在了另一个截然不同的角度，由于肤色的原因，种族问题成了斯派克·李电影中挥之不去的主题线索，平民家庭的出身又让斯派克·李的电影街头味十足，二者相叠加，所构制出的斯派克·李的电影风貌与伍迪·艾伦自然是大相径庭，同是纽约城，但在两位艺术家的眼里，却有着截然不同的景象；吉姆·贾木许的父亲是匈牙利人，母亲是伊朗人，这样的血统使得贾木许的电影就多了几分“异客”色彩，很明显的一点就是贾木许的作品中所蕴含的非基督教的思考方式，显然，作品中的这种特点与他的家庭出身——特别是他的那位伊朗母亲不无关联；大卫·林奇动荡的童年生活和他在费城贫民区生活的经历，则让他的作品总是黑暗色彩十足，而且充满了对腐败、暴力的恐惧感，这与其他导演的风格又是迥然相异的，有所谓“林奇主义”之称。

即使是同样一个题材类型，在不同的独立导演那里也往往有不同的视角和观点。以性爱为例，在伍迪·艾伦的《性爱宝典》那里，无厘头的闹剧解构了传统的性爱模式，插科打诨的玩笑取代了原本严肃的讨论，为了把这场闹剧进行到底，伍迪·艾伦甚至亲自扮演了一个喋喋不休的精子（天哪，也只有这家伙能想得出来）；而在索德伯格那里，性爱又成为指代当代人精神危机的一个符号，所以在《性，谎言，录像带》里，性爱都是扭曲变形的，只会让人们焦虑不安，而绝不会有伍迪·艾伦般的轻松搞笑；到了格雷格·阿拉奇的《三人同床》那里，性爱则成为了年轻人标榜自我、张扬个性的有效途径，它既不沉重、也不搞笑，甚至连既有的模式也没有，几乎走向了一种“性爱虚无主义”；而在理查德·科恩的独立电影短片中，所有的性爱又都是变态、畸形的自我表达手段，是彻彻底底的沦丧和颓废……总之，独立电影的导演们，各有各的风格，各有各的主题，这种多元化的面貌混杂在一起，也就成了独立电影的整体景观。

当然，虽然多元，但相对的中心还是有的。从地域上看，美国独立电影的中心是在纽约，这或许有些讽刺意味：纽约是全美乃至全世界的经济中心，是商业化氛围最浓厚的地方，怎么会孕育出反商业的独立电影？主要原因莫非如下几点：一来从文化上看，好莱坞属于西海岸的太平洋文化圈，纽约则属于东海岸的大西洋文化圈，两地在文化属性上的迥异，为独立电影在纽约的兴盛，奠定了文化上的基础；二来从经济上看，纽约虽然经济发达，但电影产业的中心却是在好莱坞，纽约不能也不可能再树立起一个商业电影的体系，这也就为独立电影预留了生存空间；此外，纽约作为一个庞大的都市，其文化消费也是多元、多层次的，单一的好莱坞商业电影无法满足芸芸“纽约客”的众多口味，独立电影的出现，也恰好填补了这个空白。不过，随着近几年独立电影的发展，纽约的中心地位已经开始动摇，相信在今后的几年中，美国独立电影应当呈现出一种无中心的散乱发展态势。

黑色幽默

美国独立电影里的黑色幽默，更多的是一种心酸的幽默，用来作为那些边缘的、社会底层的小人物的精神寄托。这种幽默所造成的情感效果，要么是对他们自身的怜悯，要么就是对那些虚伪的“大人物”的嘲讽。后者的主要代表就是伍迪·艾伦，这位知识分子气十足的独立电影导演，以夸张、嬉闹的喜剧见长，而且大都是对传统和权威的颠覆，特别是他的早期作品，如《香蕉》、《性爱宝典》和《傻瓜大闹科学城》，就是对好莱坞的政治片、情色片和科幻片等经典类型片的嘲弄和戏仿。但这些嘲弄、戏仿绝不是无价值的、廉价的笑料，而总是发人深思，并让人在笑过之后，颇感几分心酸。在伍迪·艾伦中后期的作品中，这种黑色幽默获得了长足的发展，不再仅仅是针对好莱坞，而是对整个社会和人性本身进行调侃、讽刺了。例如在《星尘往事》、《人人都说我爱你》和《子弹横飞百老汇》里，人性、爱情、暴力、幸福等深层次的概念取代了好莱坞，变成了伍迪·艾伦的靶子。尽管听起来有些玄乎，但伍迪·艾伦天才的喜剧本领总能抖出意想不到的包袱来，让观众们捧腹。即使是那部被认为是向伯格曼致敬的最晦涩的《星尘往事》，还是清楚的能看到伍迪·艾伦的自嘲，他在这部影片中大肆模仿欧洲艺术电影大师们的技法，以致于被评论界语带嘲讽的称为是伍迪·艾伦的“9又1/2”，但伍迪·艾伦不仅接受了这样的评价，还心安理得的把它当作自己最出色的作品。当然，对好莱坞的嘲讽是伍迪·艾伦永志不忘的主题，最具有代表性的就是《开罗的紫玫瑰》了，这部影片好莱坞电影工业制造梦幻进行了辛辣嘲讽和对抗。影片中真实世界和电影世界形成巨大的反差，也是片中各种噱头笑料的来源，这无疑是在把现实生活和电影中夸张、粉饰了的生活做着对比，从而对电影工业提出凶猛的反诘。影片选择的大萧条时期的历史背景，也是伍迪·艾伦用来刻意强调银幕内外反差的重要条件。这是伍迪最重要的作品之一，它对电影本身的思考已经使它具有经年不朽的独特魅力。

而更直接的，对小人物自身的嘲讽，则是大多数独立电影导演的常用技巧。如科恩兄弟就是个中翘楚，从他们踏入影坛的《血迷宫》开始，这种温柔、谦逊而又略显怪异的黑色幽默，便成了科恩兄弟作品的标记。尤其是《血迷宫》一片，它是独立电影史上一部具有里程碑意义的影片，这部影片的内容和形式上的基本特征，影响了以后很多的美国影片，尤其是90年以后出现的大量独立电影作品，几乎在十年后成为一种潮流。不过《血迷宫》还只是科恩兄弟的初试啼声，数年后的《巴顿·芬克》才使得科恩兄弟真正的蜚声国际，同时，在这部作品中哥俩的黑色幽默也走向成熟。与伍迪·艾伦一样，在《巴顿·芬克》中，也充满了科恩兄弟对好莱坞的嘲讽，也许这是《血迷宫》成名之后兄弟俩切身感受的体现。对于那些好莱坞大亨们来说，《巴顿·芬克》中的电影公司老板就是他们的典型代表，金钱至上的态度使他可以跪下去吻一个编剧的脚，也可以把一个不符合要求的职员一脚踢开，毫无人情味可言，当然，所谓电影艺术更不在他的考虑范围之内。在这之后，科恩兄弟的《赫德萨克代理人》、《法尔戈》和《谋杀绿脚趾》，都承袭了《巴顿·芬克》中的黑色幽默风格，藉由这种黑色幽默，科恩兄弟不仅延伸了他们在电影中对金钱、艺术的思考，更使他们在商业上获得了意想不到的成功。而2000年的《老兄，你在哪里》则成为继《巴顿·芬克》之后，科恩兄弟创作历程的又一个里程碑，这部描述三个笨贼越狱的电影，竟然是改编自史诗《奥德赛》。在这个故事中，科恩兄弟对美国历史和政治进行了隐喻式的探讨，追寻着美国民主政治、宗教以及民众心态在上个世纪30年代的历史性变迁，在这一点上，影片可以被称为一部史诗而当之无愧。例如在这部影片的结尾，科恩兄弟的黑色幽默让影片本该具有的悲剧色彩最终有了一个喜剧的结局：天降洪水救出了即将被处死的三个笨贼。看来，科恩兄弟在这里调侃的不仅是好莱坞的老板，而是《圣经》的老板了。

同样的例子还有昆汀·塔伦蒂诺。这位迷恋中国功夫的美国电影奇才，也是以黑色幽默的风格而著称的。从他的成名作《水库狗》开始，这种以黑帮、犯罪、暴力等为主要对象的嘲弄和讽刺，就已然成为昆汀特有的标记；而在《低俗小说》里，所有的黑帮成员都被描绘成龌龊、愚蠢、缺乏正常思维能力之徒，他们在弱者面前往往虚张声势，而遇到比他们更强的角色，就手忙脚乱不知所措，甚至甘愿接受人格、肉体的侮辱来摆脱窘境，十足一帮跳梁小丑，让人忍俊不禁；在昆汀的近作《杀死比尔》里，这种“黑色暴力美学”更是发展到了极致，女主角挥舞着武士刀，与日本黑帮火并，杀个人比踩只蚂蚁还简单，这种场景，恐怕也是昆汀对好莱坞滥用中国功夫的嘲讽吧！

这种黑色幽默在吉姆·贾木许的作品中也是司空见惯。例如他那部《鬼狗杀手》，影片的主角是一个以日本武士的方式做杀手的美国黑人，但贾木许找了个大胖子来演绎这个角色，看这个几百斤的黑哥们在银幕上大耍武士刀，展转腾挪，本身就是一找乐的事，但这还不算，贾木许还让杀手用“飞鸽传书”的方式跟他师傅联系，加上Hip-Hop音乐的衬托，更是让人捧腹。除了《鬼狗杀手》之外，《天堂陌影》、《神秘列车》、《你看见了死亡的颜色么》，乃至最近的《破碎花》，如果细细品味，你就会发现其中隐含着不少的黑色幽默的桥段。虽然贾木许的影片素来以冷峻、异样和对美国文化的疏离而著称，但其中的黑色幽默成分，却是地地道道的美国货。

美国独立电影中最典型的黑色幽默片的代表，还得数凯文·史密斯的《店员》。这部只花了2万7千美元的独立制作，足以让1994年乃至整个90年代的好莱坞喜剧电影汗颜。故事很简单，主角是两位普通的店员，他们的生活中并没有发生什么惊天动地的大事，但导演匠心独运，让二位主角经历了一连串看似啼笑皆非但又都在情理之中的糗事：开店没有生意；关店去打高尔夫球，却洋相百出；去参加葬礼，甚至打翻了棺材……影片的故事都是发生在一天之内的，虽没有直接的联系，但却演绎得丝丝入扣，导演编故事、讲故事的能力实在是让人佩服。故事稀松平常，却饱含着深刻的哲理，在这样一连串的小故事中，人与人之间的交往被不断的反思着，最后向我们揭示了一个看似简单却常常被忽略的道理：善待你身边的亲人和朋友，时刻不要忘记。《店员》的成功很大程度上还要归功于那些精彩的对白，凯文·史密斯天马行空，不忌荤腥，牢牢抓住了年轻人的口味。

此外，在独立电影中，往往会有一个或几个出彩的喜剧角色，来贯穿全片的黑色幽默。如《木兰花》中的汤姆·克鲁斯，《我爱哈克比》中的达斯汀·霍夫曼，《为所应为》中的塞缪尔·杰克逊，等等。他们这些角色的设置，给原本严肃的影片增添了几许轻松色彩，看似无足轻重，其实承前启后、结构全篇，在表演上也有较大的空间，所以，欣赏这类角色，看着他们的扮演者大飙演技，实在也是一件过瘾之事。

自由·反叛·暴力

对独立电影来说，自由，应当是其最核心的特性所在了。这里的自由，不仅是指摆脱了商业羁绊的自由，更是指表达自我心灵的自由。从这个意义上来说，所谓“独立电影”，其实也就是“自由电影”。当然，自由也就意味着冲破束缚，而冲破束缚，又意味着对既有的反叛。如此说来，独立电影所特有的独特精神内涵，也就是这种“自由的反叛”了。

所以我们会发现，在许多独立电影里，主人公们都是不为现有社会体系相容的，他们往往愤世嫉俗、放纵不羁，以此来作为反抗的方式。以大卫·林奇的《我心狂野》为例，片中的主人公就是这样一对男女，他们为了冲破世俗的阴谋和阻力而在一起，不惜采用种种耸人听闻的方式。在这部影片中林奇运用超现实的血腥暴力场面和色情幻想，展示出现代人焦虑郁闷的精神状态，充满了弗洛伊德式的心理分析，诡异色彩浓重，但也不时流露出一种浪漫激情，是一种极其另类的爱的执着。《我心狂野》也是一部典型的公路片、摇滚片，主人公最常见的状态就是开着车在高速公路上疾驰，以一副叛逆摇滚歌手的面目出现在世人面前。尔后的《迷失的高速公路》则基本上可以看作是《我心狂野》的延续，影片的风格、特征、影像手法甚至主演（尼古拉斯·凯奇）都没有更换。只是这一次，《我心狂野》中那些抽象、概念化的世俗压力被具象成了一盘盘揭人隐私的录像带，这是一部实验性、梦魇般的影片，描述了人物黑暗、诡异、混乱的心理，是林奇影片中最怪异、最不明就里的影片。值得注意的是，除了主人公的反叛不羁以外，这种直达人物内心深处的赤裸裸的揭示，其实也是独立电影反叛的一种形式，艺术家藉由这种形式来释放人物的心灵，实际上就是对好莱坞虚假的“造梦工厂”的反叛，这样的情形在独立电影中是普遍存在的，只是在大卫·林奇这里，更明显、更极端一些罢了。

不过跟奥利弗·斯通比起来，大卫·林奇就显得温柔多了。至少那部《天生杀人狂》的狂暴乖戾在《我心狂野》和《迷失的高速公路》里是绝对找不到的，《天生杀人狂》可能是整个90年代美国独立电影中最暴力的一部作品了。在这部影片中，奥利弗·斯通砸碎了一切条条框框，甚至毫不顾及观众的观影感受，把暴力对感官的刺激发挥到了极致。这不仅仅是对好莱坞的反讽，更是对美国社会、美国文化阴暗面的彻底反击。然而，这种反击是绝望的，相对于社会来说，个体的力量总是显得那么渺小，主人公只能通过大开杀戒甚至滥杀无辜来表达他们的愤怒和反抗。当然，对于暴力斯通也不是无条件的绝对美化，当男主角杀死一位慈祥的印第安老人后，影片对他的态度明显转向了贬抑，这与监狱暴动那场戏里对男主角英雄般的刻画形成了鲜明的对比。

《天生杀人狂》的这种纯粹、不加修饰的、赤裸裸的暴力与昆汀·塔伦蒂诺的黑帮片有着异曲同工之妙，在昆汀为数不多的几部作品里，暴力同样成为贯穿影片的有力线索。特别是《杀死比尔》一片，在叙事上昆汀并没有下多大功夫，但对暴力本身却详加描绘，甚至让其呈现出某种诗意的色彩。这种极端的暴力美学在感观上要比《天生杀人狂》让人舒服得多，但在表意效果上却并无二致。

值得一提的还有《枪击安迪·沃霍尔》一片，这部由女导演玛丽·哈伦在1996年拍摄的独立电影是根据真实事件改编而成，基本采用了白描的手法，对事件做了简单而真实的复述，冷静的为我们呈现了一个女权主义者的悲剧一生。对于安迪·沃霍尔这位在通俗艺术史上举足轻重的人物，影片没有太多的正面描绘，而是把视线集中在刺杀他的维米莉身上，而且着重表现这次刺杀的内在动机，把维米莉这个女性主义先驱人物推到前台。维米莉并不是多么自觉的女性主义先驱，她的反抗更多的是来自于她的个人经历，也正是因为这种情绪性反抗是来自深层次的冲动，才使得它冲击力更强也更猛烈。维米莉身为一个大学生，在街头乞讨、卖淫，本身就是对体制的反叛。从这个意义上讲，《枪击安迪·沃霍尔》中的暴力并不是维米莉施加给安迪·沃霍尔的暴力，而是美国社会施加给维米莉的暴力。《枪击安迪·沃霍尔》作为女权主义电影的代表，表达了美国现代女性对男权社会的控诉和反抗，意味着女性意识在上个世纪末的重新崛起。从这个意义上来说，《枪击安迪·沃霍尔》即使是在独立电影中也算得上是反叛之作，因为该片所反抗和控诉的男权意识，不仅仅在好莱坞主流电影中，在独立电影中，也是普遍存在的。《枪击安迪·沃霍尔》的成功也启迪了后来者，此后不久，《男孩不哭》、《女魔头》、《百万美元宝贝》等女权主义电影相继登上了大银幕并都取得了巨大的成功。

当然，并不是只有暴力才能作为反叛的手段。有时候，温情脉脉也是一把无声的手枪。例如《水牛城’66》一片，在这部由文森特·加洛自编自导自演自弹自唱的独立电影中，几乎没有任何暴力镜头的出现，全片只是在低调哀伤的气氛中，辅以淡淡的钢琴、感伤的另类民谣和晃晃悠悠的踢踏舞配乐，给我们娓娓讲述了一个落魄孩子回家的故事。但就在这种看似温情脉脉的氛围中，美国家庭人际关系的冷漠与疏离扑面而来。最令人印象深刻的是主人公和父母、女友同在一个桌上吃饭的戏，镜头故意生硬地只给餐桌上的四分之一的人，镜头里独自的夸夸其谈然后换人，然后下一个人夸夸其谈，缺乏交流没有感情的家庭尴尬在这里表现得淋漓尽致。在这种简单的镜头剪切中，观众可以强烈感受到一种“冷暴力”的存在，正所谓“此时无声胜有声”，虽然没有任何强烈的肢体语言，但在这种木讷和无言中，主人公其实已经发表了他的反叛宣言。

与《水牛城’66》相仿，斯派克·李的《为所应为》也更多的采用了“冷暴力”的表现手法。这是一部关于种族问题的电影，从影片一开始，白人族群与黑人族群之间的尖锐对立就被清晰无疑的展现出来。但与其它街头电影不同的是，斯派克·李并没有让这种对立很快转化为强烈的肢体冲突，而是含而不露，将暴力化为一堆影像的碎片，并尽量拉长事件的瞬间，从而形成一股强大的戏剧张力，让观众在观影过程中不自觉的投入到事件之中。在斯派克·李的这部《为所应为》中，暴力的反叛呈现出一条清晰的发展曲线，温水煮青蛙式的层层推进，最终达到一个不大不小的高潮，既没有《水牛城’66》那样温情，也没有《天生杀人狂》那样暴力，可以说，斯派克·李的创作是独树一帜的，在他的手里，暴力被拿捏得恰到好处，反叛和自由才是他作品中的主题，暴力决不会喧宾夺主。
思想的痛苦

决不是故弄玄虚愣充大尾巴狼，之所以使用“思想的痛苦”这样酸溜溜的词藻，实在是因为找不到比这更恰当的表达方式了。犹太人说：“人类一思考，上帝就发笑”，但总还是有那么一群人，固守着思想的芦苇地。具体到美国电影来说，没有所谓“艺术电影”、“诗电影”的群体，电影的思想、艺术功能，主要是由独立电影来承担的。当然，我并不是说主流电影没有思想、艺术功能，只是相对于大多数商业片纯粹的感官刺激来说，独立电影在这方面的气质，要浓厚得多了。

此外，与欧洲和世界其它地方的艺术电影不同的是，美国独立电影植根于当代西方的文化土壤，习惯于直接反映当下人的生存问题。不管影片采用何种题材、何种类型，这种对人性的深层次探索和对当下生存的焦虑，在美国独立电影中是普遍存在的。

以约翰·塞尔斯的《孤星》为例。该片采用了警匪片的题材，而且结合了悬疑、西部、恐怖等商业片常用的因素，乍一开始，还真让人以为这是一部稀松平常的商业片而已，但随着影片的进行，独立电影的气质也就逐渐显现出来。对故事抽丝剥茧般的叙述，带给观众一个又一个的谜团，而随着谜团相继的解开，事实的真相也逐渐浮出水面。就在这一过程中，影片对美国当代社会中政治的作用及其对普通民众的影响进行了深入的反思，可以说，《孤星》披着警匪片的外衣，实质上却是一部严肃的政治片。

同样，斯派克·李的《山姆的夏天》也是一部犯罪题材的独立电影。在这部影片中，故事同样是由凶杀案引起，并由凶杀案作为情节助推器层层推进，影片的主人公卷入到这场由凶杀案所引起的风波中，但重点却不在凶杀案本身，而是围绕着凶杀案，对人与人之间的关系，展开了深入的探讨。随着情节的进展，凶杀案最终只是作为一个背景被彻底虚化了。斯派克·李想要给我们讲述的，决不是一个犯罪推理故事，而是在面临危机时，亲情、友情、背叛、忠贞交织在一起的伦理问题。在《山姆的夏天》中，这种痛苦的思考是可以明显感受得到的，事实上，斯派克·李自己也没有答案，他只是给我们指出了若干可能性，究竟该怎么办，恐怕还是留待观众自己思考。

《山姆的夏天》与格斯·范·桑特的《大象》有着异曲同工之妙，在《大象》里，格斯·范·桑特也是用冷峻的镜头语言来交待故事，虽然全片以校园枪击事件为主题，但直接描写这一事件的场景并不多，跟斯派克·李一样，格斯·范·桑特也是引领观众自己去思考，他所做的，只不过是尽可能真实的还原事件的原本场景而已。

值得一提的还有麦克·菲吉斯的《远离拉斯维加斯》，这部充盈着浓浓感伤色彩的独立电影，从一开始就把观众带入到了导演设置的思考情景中。在你观看《远离拉斯维加斯》时，绝不会体会到好莱坞“梦工厂”般的虚假刺激，而是真真切切的痛苦。菲吉斯给我们安排了一个妓女和酒鬼的爱情故事，但在影片中，不管是妓女还是酒鬼都没有丝毫人性的缺失，相反，我们所感受到的，却是整个社会对两位主人公的压制和束缚，在这里，妓女和酒鬼其实都只是身份的隐喻，导演真正想说的，是对当下人们生存困境的焦虑。

保罗·托马斯·安德森的《木兰花》比《远离拉斯维加斯》走得更远。在《木兰花》里，导演给我们呈现了一个惶恐、焦虑、颓废的当代人群像，在长达三个多小时的篇幅里，安德森运用插叙的手法巧妙地将一天24小时内平行发展的9个事件连缀起来，以父母与孩子、愤怒与宽恕、电视里的虚幻世界与真实生活、期盼与迷失、机会与错失等为切入点，真实的展现了人们的迷惘和抗争。《木兰花》的这种带有浓厚的现代气息表达手法，与好莱坞商业电影可谓是泾渭分明。

更为典型的现代派则要属索德伯格的《卡夫卡》了，这部以著名作家卡夫卡为主角的影片其实跟卡夫卡本人并无任何关系，索德伯格重新编织了一个政治惊险片的故事，卡夫卡只不过是他所借用的表意符号而已。整部片子紧凑而节奏清晰，为我们清晰的展现了一个迷离、狂乱的妄想狂的内心世界。能够把卡夫卡的故事改编到如此地步，索德伯格的编导功力确实令人叹服。

讲到这里，有一部电影不得不提。那就是吉姆·贾木许的《你看见死亡的颜色了吗？》与其它独立电影不同，该片的时代背景设置在19世纪末的美国，讲述了一个无辜青年的逃往历程，在逃亡的过程中，情节越来越超现实，人物的内心也越来越匪夷所思，该片使用了西部片惯用的场景与气氛，精致的黑白影像完美再现了西部的原始和苍凉，也纯化了影片在精神层面上的思考。当主人公在结局时躺在小舟中安然接受死亡的时候，影片便具有了一种启示录般的救赎情怀。《你看见死

Ⅹ 独立电影的特点

独立电影不通过商业机构直接的投资实现融资，也就不以牟利为第一目的。小制作、低成本、技术手段的简化是它极其现实的标志。不过，低投入并不意味着粗糙和不专业。在国外它是对一部影片经济投入程度的标识（不过独立也可以有大制作，比如我们熟悉的《美国往事》和《百万宝贝》等影片），在国内它仅仅意味着一种简便的拍片手段。独立电影在题材、拍摄手法、表达方式上由于受到出资方的影响比较小，所以可以涉及到一些主流影片较少涉及的范围，也更能表现出电影制作者的个人特点。不过同时也是由于资金的原因，往往独立制片的场地、道具、演员、服装等等各方面都会受到影响。独立电影题材不限，既可拍商业片，也可以拍艺术片。其发行方式同专业商业电影发行有些不同，一般规模比较小，但审核同其它电影一样，在国内只要不违法违规就行。