如何改进剪辑不好的电影

㈠ 做为一个婚礼视频剪辑师总觉得自己剪的片子有些拖沓怎么办

从你的描述上来推测，有可能是你对于画面上动作的衔接不好，显的拖沓。转场这样的，除非是婚庆这些非要弄的花里胡哨的，正规一些的都少用。
其次是对弈音乐节奏的把握肯定是有问题。转场的长度确实还不好说。还是要靠自己的感觉来把握。

婚庆工作者，请不要把自己成为剪辑师，最多只是一个操机员。

㈡ 影视后期怎么提高剪辑的整体性!

B站有很多教程，搜搜看

㈢ 剪辑师如何提高剪辑水平

预先确定自己的剪辑思维和理念

银幕就像是一个钥匙孔，观众要透过钥匙孔瞥见你的角色和故事。在你剪辑电影的时候，你需要将自己放到门外的位置，站在观众的角度去思考问题。如果能够将故事中的要点放到观众眼前，你就能为接下来的整部电影定下基调。

情节、主题和“这是讲什么的”是不一样的

Alan Moore，知名漫画小说家和漫画作者，其作品最为有名的当属《守望者》和《V字仇杀队》。他曾写过一篇关于自己创作漫画的流程的文章。他告诫新晋作家们说，很多人(包括他自己在早年的时候)经常会混淆故事的大意、情节和主题。Moore用了很长的篇幅来讲述它们之间的区别，不过总结起来就是：故事的情节只是正在发生的时刻(动作)，而故事的大意通常会贯穿整个故事的情节当中。

保持灵活

正所谓“智者千虑，必有一失”。周密的计划都任何一部电影都非常重要，同理也适用于剪辑室和拍摄现场。但是如果我们过于死板地依赖计划，不懂得灵活变通，那么就会不断积累问题，最终导致失败。

找信得过的人 征求他们的反馈意见

你在完成电影的过程中，最好的一个“工具”就是测试观众(首批观影的人)。在你的电影正式公开之前，能够听到一些特别私人的反馈是非常不错的。通常他们会是你的编剧或者导演，不过在大多数情况下，他们参与电影的程度会跟你差不多，对于故事的理解也跟你差不多，所以你们可能都会忽视同样的一些问题。此时，你的选择最好是找一两个懂行的朋友，并且他们还愿意根据自己的观影感受向你提供一些真诚反馈的人。

黄金剪辑法则

如果将所有这些建议浓缩成一条法则的话，那么就是我以前的导师在我刚开始剪辑生涯时总是跟我强调的一点：“不要想太多，放胆剪下去就是了。”这句话听起来好像只是老生常谈，但在你一筹莫展的时候，这个建议反而能够让你打起精神。

㈣ 剪辑影片，两个片段显得有些生硬，如何减低到最小显得更自然些求大神赐教剪辑的小窍门！

最简单的方法是在你的两段素材中找到一个特写镜头或者是一个近景镜头，这样连接起来就不会生硬或者突兀了，试试吧，记得好评哦亲

㈤ 影视后期制作中剪辑要处理好的几个问题

1剪辑节奏的处理
影视作品的节奏分为作品的内部节奏和外部节奏。影视作品的内部节奏是由剧本的内部节奏所决定的，它包括故事情节、人物的思想与情绪的起伏等。以主体动作、镜头运动、剪辑手段来实现的节奏为影视作品外部节奏。剪辑节奏是运用剪辑手段对影片结构和镜头长短的处理形成的一种韵律。一般来讲，剪辑节奏的处理需要考虑诸多的元素，如时空的转变、不同的视距与角度的造型组合、镜头的数量和次序的安排，以及声画的结合等。景别的变化尽量做到循序渐进，尽量做到舒缓平滑，避免产生突变的感觉；不同景别的镜头持续的时间长短也不同，一般全景维持在8秒左右，中景维持在5秒左右，近景2-3秒之间，特写1-2秒之间比较恰当。具体镜头的时间长短还可结合剧情的矛盾冲突、音乐的旋律与节奏等因素来确定。
2画面的处理与镜头的组接方式
影视作品主要是用视觉语言来表现，其画面必须符合观众的思维方式和影视的表现规律，对影视作品的后期制作最基本的要求就是自然、流畅，没有跳跃感，所以对画面的处理与镜头的组接非常重要。在剪辑的过程中，对镜头的组接不是简单的掐头去尾的连接，而应该是在符合生活逻辑和叙事规律的前提下，进行精心组接，使之做到时间上的连贯和空间上的统一；其次，要做到画面的匹配，即上下相连的两个画面中，同一主体所处的位置要保持一种逻辑关系上的空间统一性，使得两个画面连接在一起时产生自然和谐的关系。
镜头间的连接一般可分为两种，一种是有技巧的连接，其手法有数百种之多，主要利用淡入、淡出、叠化、划像、定格、翻转、分屏、跳切、闪回等特技技巧与光学技巧连接镜头，使镜头的过渡多样化；另一种是无技巧的连接，主要是利用镜头在内容与造型上的关联，进行自然连接，直接转场。通常，剪辑的镜头分为运动镜头（如推、拉、摇、移等）和固定镜头（包括主体运动和主体静止镜头）。
为了保证画面组接的连贯流畅，一般可以静接静、动接动、静接动、动接静，要求动静之间有过渡，选择的切换点适当。如：固定镜头之间的组接，因为是静止（或相对静止）物体的固定镜头相互连接，可采用镜头连续组接的方式，截取精彩的动作瞬间或完整的动作过程。运动镜头之间的组接，如果主体相同，运动形式不同（如摇镜头与拉镜头组接），应去除镜头相接处的起幅和落幅，即只保留前一个摇镜头的起幅和后一个拉镜头的落幅；如果主体不同，运动形式相同的镜头，应视具体情形决定镜头相接处的起落幅的取舍。对于固定镜头和运动镜头的组接，如果表现静态对录时，应使镜头相接处的起幅和落幅保持短暂的停留；表现呼应关系时，应视具体情况决定镜头相接处的起落幅情况。此外，通常意义的镜头组接不能出现越轴现象，以免造成时空关系的紊乱。具体剪辑时根据创作的需要，可能会将一个镜头进行分割，甚至可能借用其它场景中的个别镜头，在这种情况下，就应确立一个摄像的总方向和总角度，选用的其它镜头应向总方向和总角度镜头靠拢，再依据方向轴线原理和越轴方法，逐个镜头理顺镜头关系和人物关系。但，有时为了表现人物处于一定的状态中，反而要用跳轴的技巧以形成一种状态感，给人一种跳跃的感觉，表现心理和情绪上的变化。
3光线与色调的处理
有时在前期拍摄时可能由于场景环境、照明条件、拍摄时间、拍摄设备等外界因素，使得某些镜头的光线与色调存在一定的偏差，或者由于素材来源不同也会造成素材色调的明暗不一致，或根据影视作品需要表达出一种情绪，创造出一种意境，形成一种色调，引起观众的情感共鸣等，就需要运用非线性编辑软件或一些影视后期特技合成软件进行调色处理，使色调与明暗相互衔接，使画面与主题在内容上、情境上协调起来。如果实在无法校正，则应在两个不同的镜头之间插入一个特写镜头来过渡（缓冲），以减少对观众视觉的刺激。
4声画关系的处理
要处理好影视作品的声画关系，实现声音与画面的完美结合，应掌握好各种人声、音乐、音效之间的比例与平衡，做到层次分明，自然流畅，将与内容贴切、音质优美的声音效果结合画面传达给观众。为了弥补原声音的不足，使声音生动形象地塑造艺术对象，真实地反映现实生活，就必须对自然界和生活中的一些声音进行加工与处理，通过各种技术手段，如音质调整、混响、延时、变速等，达到特定的艺术效果。声画的结合通常为分声画同步与声画对位两种形式。声画同步表现为人声、音乐、音效与画面的紧密结合，节奏与情绪保持一致，即视听信息是同等合一的，声音和画面共时相加构成一个总体信息；声画对位指从特定的艺术目的出发，在同一时间内让声音与画面作不同侧面的表现，两者形成“对立”或“平行”的关系，以期更深刻地表达影片内容。
5特技的处理
特技在影视后期制作中的作用主要是用于渲染、烘托气氛，增强画面的视觉美感，调动观众的欣赏情趣等。在特技的选择与运用中，应注意以下方面。一是特技图形的选择应与画面内容的表达相符。特技图形的样式与种类繁多，在考虑画面内容与特点的基础上，选择相宜的特技形式；二是特技图形的选择应与前后镜头相呼应。在组接镜头时，必须顾及前后镜头的运动形式、运动方向和运动速度等，设法使特技图形的运动与前后镜头中主体的运动相呼应，这样才会显得和谐、自然；三是特技图形在使用时应注重整体性，成组运用。也就是说选择同一种形式连续用四至五次以上，使特技段落保持良好的整体感。也可以在保持统一基调的基础作上，稍变化。

㈥ 影视后期怎么提高剪辑的整体性！

我们先了解什么是节奏，很多剪辑师的性格比较“急“，所以在剪辑时也喜欢“快”，在剪辑中的作品大多数都是快切镜头，就算是较缓的影片类型，平均的镜头长度也很短。
也有剪辑师的性格属于慢热型，所以在剪辑作品中很多镜头也是不急不慢，就像纪录片一样。
所以，只追求一种节奏的影片，实际上是没有节奏的。一部影片节奏可以体现在音乐中的节奏、镜头的长短对比、故事的起承转合。一部影片的节奏就像过山车一样，有缓有急，有紧张又舒缓，所以，我建议一部影片无论类型如何，首先节奏上要有急有缓，有快有慢。
哪里快？哪里慢？这应该是剪辑师最头疼的地方，

㈦ 如何剪切电影。 不要损坏原来的画面质量，剪切其中一部分。

推荐一个软件把，
windows movie marker

这个比较容易上手，而且，也会满足你的画质要求。

要不就用google的Picasa 3吧，里面也有视屏剪贴功能。

㈧ 影片的剪辑思路是怎样的怎么去剪好一场戏

影片的剪辑，也需要一定的技术，不是顾着性子胡乱的剪辑就完事。影片剪辑它是有步骤的，胡乱剪辑的影片，是没有价值的，不但讨好不了观众，反而会遭观众的唾弃，被贴上烂片的标签。那么怎么去剪辑一部影片呢，怎么去剪好一场戏呢？以下几点给你答案。

完美的转场特效，会让影片衔接的更好，给观众带来不一样的感受，所以要注意转场的特效衔接。

总之，影片的剪辑是有其步骤可循的，需要注意的地方很多，特别是一些小细节，更是值得去注意。影片剪辑也需要技术，懂得如何操作剪辑软件，这会让你事半功倍。

㈨ 电影拍的烂,怎样剪辑好

回答“如何剪辑好一个片子”
很多人都一再问我，有关剪辑的问题。对于学习三维的同学来说，这是一个特别实际的问题。因为，所有片子都要自己完成。在完成过程中，除了一切的技术之外，最主要的就是对于画面的剪辑了。对于这些人的提问，我一直都无法回答。我怕一回答，时间太长。所以，就想写些文字就算是表达我对于这类问题的回答吧。

很多人以上来，就问：文刀老师，我该怎么剪辑呢？这句话对我来说就好像一个从来没有音乐常识的人问音乐学院作曲系的老师说，告诉我该怎么作曲一样。这个看似很简单的问题，真的会难倒作曲系的教授的。大家都知道一首非常动听的曲子，不过就是那7个音。但是，为什么在有的人手里就会变成一首动听的乐曲。在有的人手上，就变成了简单的算术数字。

因此，在谈及剪辑的问题上，我想先说说音乐一些乐理常识。
音，是由物体的振动而产生的。因为不同的物体就会产生不同的振动结果。也就是说，音有高低、强弱、长短、音色四种特性。

同样，在面对素材的时候，所有的影像都是通过拍摄和制作而产生的。尽管，会产生不同的视觉效果。但所有的画面素材，也有了镜头角度（相当于音乐的高低）、景别（相当于音乐的强弱）、长镜头和分切镜头（相当与音乐的长短）、色彩（也就是音色的性质，反映情感色彩），另外，还有运动、光线、镜头等不同的因素构成一个影片的视觉效果和节奏。

音乐当中，有乐音和噪音之分。视听素材当中也有可用素材和不可用素材之分。 在音乐当中，乐音体系中的音，按照上行和下行排列起来，叫音列。在影视作品当中，我们也有类似的排列，比如景别的排列，不过，我们称为“一场戏”、“一个段落”。

在音乐体系当中，乐音有7个基本音级。分别是1、2、3、4、5、6、7。在电影以及视听艺术当中，也有大远景、远景、大全景、全景、中景、中近景、近景、特写、大特写、 以及满景镜头、大约10个基本景别分类。 音乐，升高或降低基本音级，叫做变化音级。电影以及视听艺术也有改变景别大小的方式，来改变视觉的变化。

音区可以分为高音区、中音区、低音区。电影以及视听艺术的景别也可以分为全景系列、中景系列、特写系列。用高调、暗调、中间调来表达画面的情感，这和音乐用
音高低来表达情感是一样的。
在音乐当中，一个孤立的音或和弦是无法树立形象的。多个毫无关系的音，同样

也难于表达思想。在音乐中，所有的音必须要按照一定的关系联系在一起，组成一个体系，这样才可能成为一首乐曲。 在电影以及视听艺术中，单独的一个画面也是无法树立形象。毫无关系的影像也难于表达思想。所有的画面素材，也都是要按照一定关系连接在一起，组成一个体系，这样才有可能是一个完整的影片。

音乐有音程，有和谐与不和谐之分。电影有剪辑，自然就有流畅和不流畅之分。音乐当中有三和弦、五和弦、七和弦等等，你们不了解的东西。电影剪辑当然也有很多复杂的技巧。如果一个连基本乐理都不知道的人，就想作曲，那不如做梦。一个不了解视听语言的人，想剪辑好一个片子，那就是作“诗”了。

因为音乐，是感觉艺术，所以大家都不上来就说自己要作曲。而因为画面素材是每个人都看能看懂，看到的，因此，就上来就一定认为自己能做一名出色剪辑师或者导演那也是不现实的。影视艺术何尝不是表达一种感觉呢？剪辑的最终结果何尝不是在表达自己或者是其他创作者的思想呢？

况且，电影以及视听艺术，还是包含了音乐、美术、舞蹈、建筑、戏剧文学、雕塑所有艺术门类的综合艺术，没有一点基本视听常识，又怎么能够达到“作曲家”的水平呢？什么是剪辑，如何学会剪辑？对于一个没有任何视听训练的人来说，等你真的具备了视听常识之后，你就不会问“我能否作曲”这样的问题了。
为什么我会用作曲来和剪辑联系起来讲，就是因为作曲和剪辑都是关于构思的最后一到程序,也就是出成品的最后一道关，只不过面对的物质不同，一个是音符，一个是画面素材。但表达的结果都是一样的——是艺术、是感觉。

因此从这个意义上讲，他们是相同的。广义的讲，所有艺术都是相通的。另外，因为就具体剪辑而言，我无法知道，你们面对的是怎么的画面，因此，也无法一一说明。因此，用音乐的比喻更为恰当。音乐与剪辑都在追求相同的东西——就是节奏和感觉。

最后，实际上在一部影片完成的过程中，创作者头脑中一定要有音乐的概念，否则，单凭剪辑，也是无法完整表现一部影片的，不论它是片头、三维动画短片。一部片子剪辑的完成，实际上，只完成一部片子的一半。所以，单说画面的剪辑技巧也是不恰当的。

当然，也有人说买某某的书等方式就可以学会剪辑，那也很片面。用文学艺术的方式，来说明另外一种艺术的技巧，这样的方式也来的多少有些不足吧。我个人先说这么多吧。