Ⅰ 中国影视应如何发展
电影诞生已经有110年的历史了，中国电影也经历了百年的沧桑。在一百多年的中，中国电影经历了发展与壮大，辉煌与低潮，但不得不承认的是，中国电影一直游离在世界主流电影文化之外，中国电影人也一直在追求世界的承认和肯定——即中国电影的国际化。
中国电影有着辉煌的过去，三四十年代中国产生了大量的优秀影片，像《一江春水向东硫》《渔光曲》《小城之春》等，有着很高的艺术性和观赏性，以致与后代的评论家自豪的是说“欧洲六十年代艺术电影中的一切都可以在《小城之春》找到。” 但尽管如此，由于各种复杂的社会历史原因，当时的中国电影却并没有赢得一种国际性的声誉，所以，在西方各国权威的世界电影史中，我们很难见到关于中国电影的评述。随后，由于东西方两大政治阵营的对立，中国大陆电影则走上了一条独特的自足的政治电影的道路，以一种叛逆的姿态傲立于世界电影舞台，拒绝着西方世界的承认。 改革开放后中国电影又开始了走向世界的历程。
（一）华语电影的概念
在当前的电影世界中，很多电影都是由几个国家和地区共同完成，导演、制片人、演员，投资来源等的组合越来越复杂，要单纯的判断一部电影属于那个国家或地区已经是很困难的事了。早在90年代初大陆和香港就有关于《霸王别姬》的地区属性的争论。更好体现这个问题的是关于《卧虎藏龙》的争论。
李安导演的《卧虎藏龙》在世界范围内获得了成功。有人曾统计过，不算在英国获得的有"英国奥斯卡"之称的英国学院奖，《卧虎藏龙》共参加29个大大小小的电影节，18个项目84次获奖，更是中国电影首次夺得奥斯卡（奥斯卡最佳外语片）。影片在许多国家（包括美国）都打破了外语电影的票房记录。但随之而来的是关于《卧虎藏龙》的版权问题。中国电影集团北京对外合作制作公司总经理郑全刚在谈到《卧虎藏龙》获奥斯卡奖的意义时说：“这是华语电影的胜利。我们可以毫无愧色地说《卧虎藏龙》是一部百分之百的中国民族电影，它是由百分之百的中国影人制作的，百分之百的说中文，体现的是百分之百的中国民族文化。”而台湾媒体视《卧虎藏龙》为"台湾电影的典范"，尽管国内人士声称，台湾方面并没有这部影片的版权，这部影片还是在台湾获得了金马奖的6项大奖。与此同时，香港电影界也有很多人士，因为影片的男女主角周润发、杨紫琼，摄影鲍德熹和美术指导叶锦添都是香港人，而认为《卧虎藏龙》是香港产影片，而且，这部影片还史无前例地获得香港电影金像奖16项提名，8项大奖。还有一个网上报道说，《卧虎藏龙》的所有权应是由徐立功、李安在开曼群岛所成立的纸上控股公司所有…………
我个人认为，从"文化定位"的角度将这部电影定位与“华语电影”能很好的解决这个问题。正如导演李安所说："我想这部片子是集合了两岸三地的资源。"在当前的电影环境中，华语电影作为一个文化上的整体，表达着中华文明中特有的文化、风俗、语言等意义的或某些对历史性事实的解释，整体上代表着两岸三地的电影成就。
两岸三地的电影有着很高的成就，尤其是台湾和大陆的艺术电影，在三大电影节上屡有斩获，出现了像侯孝贤，蔡明亮，张艺谋，陈凯歌的一大批优秀的电影人 他们在上世纪后期的世界电影史上留下了中国的痕迹，但令人尴尬的是，精英文化的立场和沉重的主题让他们原理大众的生活，而在西方他们也未溶入主流文化之中。倒是香港电影取得了繁荣，八九十年代香港年产影片200部左右，在东亚，东南亚的电影市场上占据优势地位，但随着香港电影近年来整体上的低迷，香港电影的地位已经大不如从前。
李安的《卧虎藏龙》似乎为中国电影的国际化找到了令一条康庄大道。自《卧虎藏龙》在世界范围内取得成功以来，张艺谋，陈凯歌，冯小刚等国内最负盛名的导演纷纷投入到所谓的“大片”的拍摄中，而且大片们都取得了相当不错的票房（甚至在西方也取得很好的票房收入），但也得到大量的口水和争论。那么，在商业大片与艺术电影之间，中国电影的国际化之路究竟该如何抉择？
（二）艺术电影的丰收
台湾电影和大陆电影在上世纪后期的欧洲三大电影节上可谓风光无限，侯孝贤，蔡明亮，扬德畅，王家卫，张艺谋，陈凯歌等的电影多次获奖，这是中国艺术电影的高峰。这是华语电影的第一次国际化高潮。
陈凯歌的《黄土地》是华语电影第一次国际化开始的标志。影片描写了弄家少女翠巧在八路军文工干部顾青的启发下，大胆出走，抗拒世代相传的命运，追求自己爱情和婚姻的幸福。在影片中，在大远景中高天厚地与渺小如蝼蚁般的人的对比，勤劳俭朴却生活艰辛，命运悲惨的农人，那娶亲的热闹场面，那时而欢悦时而悲凉的陕北信天游，滔滔不息的黄河，腰鼓，祈雨，牧羊，耕地等意象构成了一组整体的象征，超越了一时一地的指向性，而上升到对我们这个历史悠久的民族的历史和命运的回溯和追问，透出一种历史的沉重与苍凉。
1989年的台湾电影《悲情城市》自1945年8月日本投降开始，至1949年12月国民党定都台北结束。在这两个极具意义的台湾历史纪事之间，有著名的二·二八事件、戒严、日侨撤离以及白色恐怖时期。影片通过一个失语者林文清的家族兴衰与情感历程串起全剧，形象地刻画了当时生活在国民党暴政之下，台湾人民无声的反抗以及无奈的沉默。它把二战刚刚结束的台湾混乱的历史破败，浓缩在一个普通的家庭当中，用一个家庭的悲情来映照整个社会整个时代。这部电影获得第46届威尼斯电影节金狮奖 。张艺谋的《红高粱》通过讲述“我爷爷”“我奶奶”的爱情故事，展现最原始的生命的野性与粗犷，以及对生命和自然的敬畏与崇拜，表达对于自由的爱与鲜活奔放的生命的热烈追求。这部电影获得1988年柏林国际电影节金熊奖。这段时期获奖的电影还有《大红灯笼高高挂》获第48届威尼斯电影节银狮奖、《秋菊打官司》获第十四届威尼斯国际电影节“金狮奖”《香魂女》《喜宴》获第43届柏林国际电影节“金熊奖”。《霸王别姬》获法国第46届戛纳国际电影节“金棕榈奖” 《活着》 获第47届法国戛纳国际电影节评委会大奖 ,《春光乍泄》获第50届戛纳电影节最佳导演奖.......
当时的艺术电影的繁荣是有原因的。大陆当时还处在市场经济和计划经济的过度时代，主要的电影制片厂也不反对拍艺术片（当时电影厂主要由国家出资养活，所以如果在艺术上得到认可，即使拍的艺术片在票房上没什么收获也会得到支持）。而且当时处于改革开放的初部阶段，人们的精神生活远没有现在丰富，艺术电影容易得到观众的认可。在这中情况下拍出的电影很多都具有非常高的艺术性。所以许多电影在当时都取得了相当可观的票房收入，像《红高粱》是400万（这在当时是非常高的），《悲情城市》在台湾也有很高的票房收入（侯孝贤靠这还清了欠债），而《霸王别姬》的全球票房更高达2100万美元（很可惜国内被禁）。总之，这时期是话语电影中的艺术电影的全面繁荣的时代。
这段时间是中国艺术电影的丰收时代，产生了大量的优秀的华语艺术影片，它们在屡屡在国际电影节上获奖，它们使西方开始关注和重视华语电影,华语电影已经成为世界影坛上不可忽视的新兴力量,让华语电影在世界范围内产生影响,为20世纪后期的是世界影坛上写下中国（中华）电影的重重一笔。
随着市场经济的发展和一些电影创作上的累赘，艺术电影的生存空间越来越有限，具体表现在创作资金的缺乏，票房的低下，在西方电影节上的收获也相对稀少。如顾长卫获得银熊奖的《孔雀》票房仅为600万，而《青红》的票房才300多万，而同期许多生业大片票房都有上亿。而许多电影人,像贾樟柯,张元等第六代导演都寻求外部资金的支持来拍片,而它们的许多片子都难以在国内上映.华语电影的艺术电影进入了整体低潮的时代，只有少数电影人坚守着艺术电影的天空。
（三）商业大片的时代
在华语艺术电影逐渐低落的同时，商业大片开始在华语影坛展示风采，而且势头越演越烈。而且一些电影打入了西方主流院线，取得了非常可观的票房收入。华语影坛进入商业大片的时代。
所谓的商业大片一般有着较大的资本投入，由知名导演执导，聚集众多大牌明星，主要是为了商业目的（票房或获奖），而且大多都是由多国或多个地区的影视资源，瞄准国际市场制作和发行，而且一般都获得了票房上的丰收。
最早的成功的华语商业大片应该是2000年的《少林足球》和《卧虎藏龙》。主要有香港出品的〈少林足球〉制作成本5000万港元，取得了非常理想的票房成绩。其中香港票房6000多万港元，日本近1.5亿港元，韩国也有3000多万港元，它当时在多个国家和地区创造了港片的票房记录。同年由多个国家和地区投资《卧虎藏龙》制作成本高达1500万美元（这在的当时的华语片中是绝无仅有的），影片取得了很大的商业收益，它的全球票房更是高达2.13亿美元（这是华语片的最高票房记录），更唯一一次的为华语电影赢得了奥斯卡小金人。这两部电影在世界范围内商业上的成功大大刺激了中国电影人，仅接着，《英雄》《十面埋伏》《天下无贼》《功夫》《神话》《无极》《霍元甲》《夜宴》等商业大片纷纷出现，它们在国内几乎都取得了过亿的票房，在世界影坛上也掀起一阵华语电影的热潮。虽然它们在国内饱受批评，但似乎为呼吁电影的国际化找到了另一条道路。
由李安导演，周润发、杨紫琼、章子怡等主演的《卧虎藏龙》是一部武侠片，影片以"盗剑、夺剑"为契机，带出人物关系，逐步展开两男两女（一对中年男女和一对青年男女）之间的情感纠葛、江湖恩怨。其中，一对代表传统，一对代表现代。李慕白克己而又执着于对爱情的追求，岳秀莲洞明人情，时时为他人着想，始终无法放下对死去情人道义上的忠诚，虽然深爱李慕白却一直无法接受李慕白的爱。玉娇龙可以说是集现代少女的另类与反叛于一身的人物，她以自己的好恶作为分辨是非的唯一标准，罗小虎个性狂放不羁，却又是个重情重义的血性汉子，不惜放下大漠中的一切千里迢迢来寻找旧日的恋人。整部影片饱含着浓厚的侠义精神和深沉的人生哲理。它飘逸优美的武打设计、精心构造的传统中国韵味、江南的灵秀与沙漠的雄浑、引人入胜的剧情悬念征服了西方世界。很多人认为它是华语电影国际化的标志，但抛开关于《卧虎藏龙》在艺术和武侠上的争论不谈，我觉得电影在商业运作上的表现都不能算华语电影国际化的典范。《卧虎藏龙》的制作资金为1500万美元，主要来源与哥伦比亚电影制作公司的运作（其中国内仅为100万美元，还是投资人千辛万苦拉来了的），他们以剧本和演员和公司品牌获得保险公司的保险，再凭它得到银行的贷款，这种“空手道”的运作手法又使他们十分卖力的为影片做宣传，以提高票房。虽然《卧虎藏龙》在美国狂揽1.8亿美元票房，但由于国内运作的失败，国内的投资商并没有因此得到收益，所以《卧虎藏龙》仅是华语电影国际化中文化上的成功。
而另一部大制作的《英雄》在运作上成功得多。《英雄》成本3100万美元，多方共同投资（大陆为主，主要来源与银行贷款），在全球工取得1.88亿美元票房。从它开拍一直到上映关于电影的报道都不断出现在媒体上，它在中央电视台等多家电台上的广告宣传，它对盗版的预防，它对与《英雄》相关的各种产品的开发，在人民大会堂高调首映………可以说《英雄》的策划宣传和商业运作非常成功：在国内上映十天票房过亿，二十天票房过2亿，在北美两周票房近6000万美元（而且是连续两周票房榜首，这是绝无仅有的）它的DVD，VCD版权卖了1780万的天价（甚至据说用官方的压力才让《英雄》提早在美国上映）……它创造了很多华语电影的奇迹，当然，这与影片本身密不可分，包括有号召力的导演和大牌明星，唯美的影视画面，富有想象力的武打，等等，但我认为出色的商业运作也是一个不可或缺的因素。
包括《卧虎藏龙》《英雄》等商业大片让华语电影进入西方主流文化圈，并产生了较大的影响，但已经有专家指出这不是长久之计。记得看过一篇文章中有个德国观众看完《十面埋伏》后不解的说“真搞不懂这些人整天在天上飞来飞去有什么意思”，可以预见，以武侠片为代表的华语商业大片在西方视觉厌倦后又将淡出西方主流，那么，华语电影的国际化之路究竟在何方呢？
（四）关于华语电影国际化的思考
在艺术电影和商业大片中该如何选择？华语电影究竟该如何走向世界？我觉得该从多方面入手。
首先，要寻求艺术与商业的双赢。这个方向是可行的，从早期的《红高粱》《霸王别姬》就可以看出。像近年的《2046》在国内票房有3000多万，香港也有近3000万，也是处于赢利的状态。陈可辛的《如果爱》也有相当不错的票房。在这方面有国家政策的原因，我们都知道国家对影视的政策太紧了，很多十分受欢迎的好片子都由于一些原因不能在国内上映，这不能不说是中国电影业的损失和桎梏。像投资1200万的《世界》，光北美地区的发行权就卖了200万美元，可以说在商业上也是有利可途的，但进不了过内的电影院。在如《山峡好人》，得了威尼斯国际电影节“金狮奖”，但上映遥遥无期。我希望文化和电影的创作能有一个更加开放的环境，这一定有利与华语电影的繁荣。
其次，要挖掘传统文化中的东西。中国目前的电影在制作方面远不能和好莱坞相比，我们最大的优势就是五千年的文化传统，而且这在影视方面有着非常高的价值。一部取材于中国古代木兰从军的美国动画电影《花木兰》的成功就是典型的一例。这部动画片于1998年6月在洛杉矶首映，后在全美国取得了1.2亿美元的票房成绩，全球票房收入为3亿美元。既然西方用中国传统文化中的东西都能成功，为什么我们不能呢？
第三，更加深入的参与国际影视的制作与开发。可以说中国目前已经开始参与国际影视的制作中饿，而且是主流的，我们在很多电影中都可以看到中国电影人。但是目前中国参与的主要都在东亚国家和地区，离西方主流社会还很疏远，当我们的电影公司广泛的参与到西方主流电影的制作中时，我相信要让华语电影在西方主要院线上映应该不是什么难事（起码在技术上是），而且这可以提高我们自己的影视制作水平，对我们自己电影水平的提高也有帮助。
这只是我对与华语电影的一点看法，我希望华语电影能在世界上开出灿烂的花朵，我希望华语电影能有美好的明天。
Ⅱ 电影的起源，以及如何发展
世界电影的产生和发展
（一）十九世纪30年代，电影开始了它的诞生前的技术准备期，也叫做发明期。
早在1829年，比利时著名物理学家约瑟夫普拉多发现：当一个物体在人的眼前消失后，该物体的形象还会在人的视网膜上滞留一段时间，这一发现，被称之为“视象暂留原理”。普拉多根据此原理于1832年发明了“诡盘”。“诡盘”能使被描画在锯齿形的硬纸盘上的画片因运动而活动起来，而且能使视觉上产生的活动画面分解为各种不同的形象。“诡盘”的出现，标志着电影的发明进入到了科学实验阶段。1834年，美国人霍尔纳的“活动视盘”试验成功；1853年，奥地利的冯乌却梯奥斯将军在上述的发明基础上，运用幻灯，放映了原始的动画片。
摄影技术的改进，是电影得以诞生的重要前提，也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必备条件。早在1826年，法国的W尼埃普斯成功地拍摄了世界上第一张照片“窗外的景”，曝光时间8小时。而在初期的银板照相出现以后，一张照片缩短至30分钟左右，由于感光材料的不断更新使用，摄影的时间也在不断缩短。1840年拍摄一张照片仅需20分钟，1851年，湿性珂珞酊底版制成后，摄影速度就缩短到了1秒，这时候 “运动照片”的拍摄已经在克劳黛特、杜波斯克等人的实验拍摄中获得成功。1872年至1878年，美国旧金山的摄影师爱德华慕布里奇用24架照相机拍摄飞腾的奔马的分解动作组照，经过长达六年多的无数次拍摄实验终于成功，接着他又在幻灯上放映成功。即在银幕上看到了骏马的奔跑，受此启发，1882年，法国生理学家马莱改进了连续摄影方法，试制成功了“摄影枪”，并在另一位发明家强森制造的 “转动摄影器”的基础上，又创造了“活动底片连续摄影机”，1888年9月，他把利用软盘胶片拍下的活动照片献给了法国科学院。
在1888-1895年期间，法、美、英、德、比利时、瑞典等国都有拍摄影像和放映的试验。1888年，法国人雷诺试制了 “光学影戏机”，用此机拍摄了世界上第一部动画片《一杯可口的啤酒》。1889年，美国发明大王爱迪生在发明了电影留影机后，又经过5年的实验后，发明了电影视镜。他将摄制的胶片影像在纽约公映，轰动了美国。但他的电影视镜每次仅能供一人观赏，一次放几十英尺的胶片，内容是跑马、舞蹈表演等。他的电影视镜是利用胶片的连续转动，造成活动的幻觉，可以说最原始的电影发明应该是属爱迪生的。他的电影视镜传到我国后被称之为 “西洋镜”。
1895年，法国的奥古斯特卢米埃尔和路易卢米埃尔兄弟，在爱迪生的 “电影视镜”和他们自己研制的 “连续摄影机”的基础上，研制成功了“活动电影机”。“活动电影机”有摄影、放映和洗印等三种主要功能。它以每秒16画格的速度拍摄和放映影片，图像清晰稳定。1895年3月22日，他们在巴黎法国科技大会上首放影片《卢米埃尔工厂的大门》获得成功。同年12月28日，他们在巴黎的卡普辛路14号大咖啡馆里，正式向社会公映了他们自己摄制的一批纪实短片，有《火车到站》、《水浇园丁》、《婴儿的午餐》、《工厂的大门》等12部影片。卢米埃尔兄弟是第一个利用银幕进行投射式放映电影的人。史学家们认为，卢米埃尔兄弟所拍摄和放映已经脱离了实验阶段，因此，他们把1895年12月28日世界电影首次公映之日即定为电影诞生之时，卢米埃尔兄弟自然当之无愧地成为 “电影之父”。
（二）1896-1912年，电影从幼年期迅速成为一种艺术
早期的电影，还没有脱离刚刚诞生的痕迹，它以杂耍和魔幻术的姿态，使人们感到新奇。从《火车到站》、《膝行的人》到《水龙出动》、《水龙救火》、《扑灭大火》、《拯救遭难者》等影片，卢米埃尔创造了最早的新闻片、旅游片、纪录片、喜剧片等影片样式。卢米埃尔电影最突出的特点是纪实性，它直接拍摄真实的生活，给人以身临其境之感，成为写实自然主义电影风格的开路先锋，形成了电影的纪实性传统。卢米埃尔的生活纪实短片在持续放映了一年半时间以后，人们的兴趣就在明显的减弱，以至最后再也无人问津了，这不能不说是时代的局限和自然主义的局限造成的。但刚起步的困境，并没有影响电影的大势所趋，另一位法国电影先驱乔治梅里爱应时而出，他使电影从一种纪实性的“活动照相”(亦称运动画面)导向了艺术电影，为电影的发展作出了许多创造性的贡献。
作为机械师，梅里爱制造了一整套机关、机器和舞台道具；作为画家，他制造了无数个布景和服装；作为魔术师，梅里爱运用了丰富的想象力，创造了许多新的特技；作为作家，他不断创造出新的剧本；作为演员，他是他节目中的重要角色；作为导演，他懂得怎样设计和调动一个小剧团。乔治萨杜尔在《世界电影史》中说：“梅里爱天才的特征，在于有系统地将绝大多数戏剧上的方法如剧本、演员、服装、化妆、布景、机关装置以场景的化分等等，应用电影上来。”他在这方面所取得的经验，直到今天还以各种形式保留在电影中。
梅里爱以照相的特技代替了舞台上的机械装置，同样，由于无声电影的需要，梅里爱也特为演员们发明了一种新的演技。这种演技虽和哑剧的演技有所不同，但着重夸张，突出手势，因为它非常注意动作，而对面部表情极不重视。影片《灰姑娘》是梅里爱戏剧电影的代表作，这部取材于欧洲著名童话故事的影片，巧妙地运用了诸种特技手法，把南瓜变成车子；把老鼠变成了马车夫，对于特技摄影的开创性运用，是梅里爱对于电影的又一个贡献。
1902年，梅里爱根据儒勒凡尔纳和HG威尔斯的两部有名科幻小说编导了著名的科学幻片《月球旅行记》。这是他的高峰作，在电影史上产生了深远影响。影片描述了一群身着星相家服装的天文学家到月球上去旅行的奇幻故事。他们来到一座奇怪的机器制造厂，一些漂亮的女海员搬来一个大炮弹状的飞行器，当天文学家坐进去后，他们被反射到了月球。天文学家们从飞行器里出来，欣赏了月球火山口附近平原的奇妙风光；他们还受到了由美女扮演的星神们的欢迎。天黑以后，他们从梦中被冻醒，就钻进了一个大洞窟里，在里面看到了月亮神、巨型蘑菇和各种稀奇古怪的东西。几经危险周折，他们又乘炮弹飞行器飞回地球，经过海底奇异的旅行，在一座雕像的揭幕典礼中结束。梅里爱对电影艺术的贡献，使电影在成为一门独立的影像视听艺术的道路上向前迈进了一大步。
在这一时期，不能不提到的是拍摄了《火车大劫案》的鲍特。鲍特在《火车大劫案》中第一次用14个场景来构成一部电影，而在此之前的梅里爱的影片都是从头到尾一个镜头。《火车大劫案》第一次使用多场景来构成电影(严格说来它还不算真正的电影，因为那时候没有镜头变化)。鲍特的影片里有了特写，电影史上很有名的镜头就是让手枪对着观众，在影片里已经初步尝试，但是，对这种镜头的美学功能，它的作用还根本没有任何有意识的认识，所以这只是一种自发的开始走向电影艺术的一个阶段。
在无声电影阶段，对电影发展做出了巨大贡献的是美国的格里菲斯、卓别林和苏联的爱森斯坦。
1908年，大卫格里菲斯加入了爱迪生公司，一开始时当演员，后来当导演。从1908年到1912年间，他共导演了大约四百部影片。在《孤独的别墅》中，他创造了“平行蒙太奇”，标志着电影已完全摆脱了舞台剧的束缚，电影的时空得到了极大的扩展。
这时期美国出现的布赖顿学派对电影艺术的发展也起到重要的作用。布赖顿学派的代表威廉保罗在《彼卡德里马戏团的摩托车表演》中成功运用了移动摄影。威廉逊还在《中国教会被焚化》首次成功使用了追逐和救援的戏剧式场面，以划分两头的交切手法造成剧情的渐次紧张，给其后的惊险片特别是美国的 “西部片”开了先河。布赖顿学派的另一位代表人物GA史密士在《祖母的放大镜》和《望远镜中的景象》中，同一场景交替使用了最初的真正的蒙太奇形式，特写和远景相结合手法的交替使用对电影语言的开拓与应用作出了贡献。此外，布赖顿学派的柯林斯和哈桥梁尔分别拍摄了《矿工的生活》与《煤矿爆炸惨案》、《囚犯的越狱》等真正描写现实生活的影片。这一时期，被称为世界上第一座电影城的法国万森市，被誉为“世界电影首都”，拥有“百代”“高蒙”两大电影制片公司。1903至 1909年也因而被称为世界电影史的“百代时期”。
1908年，世界上第二座影城——好莱坞也在拍摄《基度山伯爵》时初具雏形。其时，只不过是摄影师汤马斯伯森斯和导演弗兰西斯鲍格斯共同搭建的一个小小的摄影棚，直到1913年才形成规模。
（三）1913-1926年，无声电影走向成熟
梅里爱在完成他第430部影片之后，于1913年退出影坛，最后惨死在街头。一代巨匠在为电影艺术的发展做出巨大的贡献之后，就这样靠别了世界。梅里爱的衰落和好莱坞的兴起，标志着电影已告别了它的幼年时期，而进入了成熟期阶段。
格里菲斯在1915年以艺术家的勇气拍摄出了世界电影史上的经典无声片《一个国家的诞生》，在1916年又拍摄了《党同伐异》。这两部被誉为电影艺术的典基之作，标志着电影成为艺术的起始，是美国电影史上的里程碑，是当时电影水平的最高境界，也是世界电影史上的两部经典之作。
格里菲斯的不朽功绩是突破了梅里爱时期戏剧电影若干陈旧的陋习。作为第一人，在拍片时，他让摄影机移动起来，极大地丰富了电影语言，开创性地使用了“特写”、“圈入”和“切”的手法，又使蒙太奇成为电影艺术的重要组接手段。在梅里爱的特技摄影和英国布赖顿学派对蒙太奇的早期发现的基础上，格里菲斯创造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一个国家的诞生》里，他充分运用了他发展的特技和蒙太奇语言，影片集中体现了当时欧美电影艺术探索的成果。这部影片在广阔宏伟的历史场景中，较好地发挥了电影艺术时空的跳跃自如的特性，同时体现了蒙太奇多线对比、交替的作用。全片由一千多个镜头组接而成，不同景别的转换使用，灵活多变的摄影技巧，是格里菲斯在电影史上的大胆创造。在影片中，近景及特写等不同景别的组合运用，和谐、变换，各得其所。如大远景，他用来表现两军对峙交火的战争场面；特写，他用来表现人物的细部动作。在拍摄三K党信马飞驰的场面时，格里菲斯将摄影机安装在卡车上，追逐奔马进行跟拍，取得了紧张、逼真、生动别致的画面效果。一年后的《党同伐异》也是标志格里菲斯毕生成就的影片，冲破了古典戏剧的“三一律”限制，创造了开拓银幕时间、空间的“多元律”。影片将不同时代的事件加以排比和集中，极大地丰富了电影语言，又丰富并发展了平行蒙太奇语言。这部精典巨作，以其疏密相间的节奏，溢彩流光的画面，移动摄影的美感，宏伟开阔的大胆构思，在电影史上占有重要地位，促进了电影艺术的发展。
这一时期，电影成为艺术已有公论；另一方面，这一时期，电影已经成为一种企业，电影到此时才有了真正的艺术作品。美国喜剧电影大师查尔斯卓别林，也是无声电影时期杰出的电影艺术家。1914年，编导了第一部影片《二十分钟的爱情》。接着，《阵雨之间》又问世，在这部影片中，第一次出现了流浪的夏尔洛的形象。1917年的《安乐街》里，夏尔洛形象显示了逼人的光辉。《夏尔洛从军记》一片标志着卓别林表演艺术的成熟。1919年，他自己集资建厂，成了好莱坞第一个真正独立制片的艺术家。20年代，他拍摄了一批以《淘金记》为代表的著名影片。卓别林一生有80部喜剧电影作品，其中《王子寻仙记》、《大独裁者》、《凡尔杜先生》、《摩登时代》和《淘金记》等代表作具有永久魅力。卓别林电影的最大特色是：具有鲜明的现实感和尖锐的讽刺性及雅俗共赏的大众化特色。萨杜尔先生对其作品作了如下评论：“卓别林的影片是唯一能为贫苦阶级和最幼稚的群众所欣赏。同时又能为水准最高的观众和学识渊博的知识分子所欣赏的影片”。
苏联的著名电影大师谢盖爱森斯坦是无声电影时期为蒙太奇理论的建立与发展作出举世瞩目的重要贡献的杰出代表。 1924年，他导演了第一部影片《罢工》，创造性地使用了杂耍蒙太奇，把沙俄军警屠杀工人镜头和屠杀牲畜的镜头组接在一起，使之交替出现，造成了怵目惊心的隐喻。1905年，他导演了世界电影史上最杰出的史诗式的无声片《战舰波将金号》，成功地在影片里表现了俄国1905年革命。该片曾多次在国际电影评选中获奖。影片中著名的敖德萨阶梯的场面、段落，已成为影响几代电影艺术家的经典性范例。1927年，他还导演了《十月》。 爱森斯坦的贡献在于对蒙太奇理论地阐述和艺术实践，使之成为一个完整的美学体系。爱森斯坦的艺术特点在于将格里菲斯创造的平行蒙太奇技巧向前推进了一大步；善于运用特写表现事物的内涵；利用镜头的交切形成蒙太奇节奏，揭示人物的内在情绪；充分发挥了蒙太奇的隐喻功能 ，形成“诗电影”的传统。
（四）1927-1945年，电影作为一种艺术走向成熟
1927年是电影史上具有划时代意义的一年。《爵士歌王》影片的诞生标志着有声电影时代的来临，同时也是电影走向成熟期的标志。声音使电影由单纯的视觉艺术，发展成视听结合的银幕艺术，实现了电影史上的一次革命，极大发展了电影的本性，为电影艺术开拓了新的天地。有声电影从问世到推广，大约用了五、六年的时间，原因有认识上的、经济上的和技术上的。特别是一批有名的电影艺术家，留恋无声电影时期的美学原则，过多挑剔了刚问世的有声电影的一些弱点。但是，随着电影艺术家对声音控制运用能力的增强，以及录音设备、技术条件的改善，有声电影才得以正常的发展。
声音进入电影之后，蒙太奇不仅是画面组合，同时也扩展至声画的对位或对立，因而丰富了蒙太奇的内涵手段。有声电影取代无声电影，是符合电影发展的客观规律的，也是有其客观必然性的，因为有声电影的诞生标志着电影走向艺术真正发达的时期。1933年以后，由于技术的进步，电影制作中同期录音得以改为后期录音，电影摄影又变得灵活而富有生气了。同时，蒙太奇理论和手法都有了较大的发展。苏联电影大师普多夫金在拍摄《逃兵》一片时，就曾用声画对位和对立的配音方法来加强影片效果，使观众耳目一新。
1935年，马摩里安摄制了世界上第一部彩色故事片《浮华世界》。彩色胶片的发明，使得电影艺术又进入了一个新的发展阶段。声音和色彩促使电影更趋近于自然。有的电影创作家，在一部影片中交替使用彩色片和黑白片，因而收到了特殊的艺术效果。
彩色电影的问世，标志着电影从诞生发展达到了完善成熟的发展时期，从此电影艺术进入了新的发展阶段。
（五）1946-1959年，电影艺术进入了重要的发展时期
这一时期，世界电影呈现多头并进的曲折发展时期。美国电影在战后一段时间里，在世界各地受到了冷遇；战后的苏联及其东欧国家形成四足一方，大体沿着社会主义现实主义的传统轨道缓慢发展。艺术创作受教条主义和庸俗社会学的影响，少有突破和进展。这一时期，苏联的一些电影工作者拍摄出了一批有感情冲击力的战争片和有一定形象感染力的人物传记片。如《青年近卫军》、《攻克柏林》、《易北河会师》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海军上将乌沙科夫》。在斯大林逝世后，苏联电影在"解冻文学"的思潮影响下，开始走出僵化的模式。继1957年卡拉托卓夫《雁南飞》以后，苏联电影便出现了再度大发展的局面。西欧的电影大国，如英、法、德、意，构成当时四足并立的另一极。战争留下的阴影和经济困难的制约，西方电影进入特殊的时期，在困难和对手挑战下，不仅没有委缩，反而刺激了西欧现实主义电影的繁荣发展。在东方，主要是日本、中国、印度的电影出现了长足的新发展，并先后进入了世界大国之列。日本电影在东方起步较早，二战期间日本电影步入歧途，而战后不久便获得新生。尤其在1950年黑泽明的《罗生门》以后，日本电影引起了世界的关注。印度电影在三十年代开始也有了较好的狭窄的发展。进入本时期后，印度电影因受意大利、法国和苏联电影的影响，逐渐从追求豪华的音乐歌舞片而转向现实。1953年，拉基卡普尔导演的《流浪者》和比麦尔洛埃的《两亩地》等影片标志着印度电影的新面貌。在1955年，印度影片产量达285部，仅次于日本成为世界第二位。现在，印度电影每年产量多达700部左右，成为世界电影产量第一大国。
这一时期世界电影史上有着重要影响的是意大利的新现实主义电影。新现实主义电影中心代表人物是意大利《电影》杂志反法西斯影评家巴巴罗桑蒂斯和柴蒂尼等。出身于新闻记者和作家的年青导演是他们的响应者，主要包括：德西卡、罗西里尼、维斯康蒂、利萨尼、莫切里尼等。他们要求建立一种现实主义的、大众的和民族的意大利电影。他们的口号是：“还我普通人”；“把摄影机扛到大街上去”。他们十分重视作品的真实，尽可能使场景和细节具有照相性的逼真诚，基本上利用外景和实景拍摄；不大注重讲究文法，不强调蒙太奇剪辑；主张启用非职业演员，演员在表演中可以即兴对话。其代表作品主要有：《罗马11时》、《偷自行车的人》、《游击队》、《警察与小偷》、《大地在波动》、《橄榄树下无和平》、《米兰的奇迹》等。新现实主义电影的特点是取材大都是意大利的真实生活的纪实性写照。新现实主义电影在五十年代中期衰落，但对推动电影艺术的发展，是起到极其重大的作用的。
（六）1960年至今，世界电影从突破创新中走向多样化发展
继意大利“新现实主义”电影之后，世界电影史上又出现了规模巨大的第三次革新运动。这次电影运动始于法国，自1959年新浪潮兴起，法国电影出现了一条全新的、有效的打破商业电影垄断制片的道路。新浪潮的口号就是不要大明星，打破明星制度，不要花大价钱拍豪华影片，影片要接近生活等等。这股浪潮蔓延到了全世界，许多国家都出现了新浪潮。“新浪潮”电影运动是一个留下较多实绩，在世界电影发展过程中产生深远影响的电影运动。这次电影运动以反传统为旗帜，以非理性为基本特征，是对戏剧化电影更大的一次冲击。这次电影运动以夏布罗导演的《漂亮的塞尔杰》和《表兄弟》公映起始，特吕弗《四百下》，阿仑雷乃《广岛之恋》在戛纳电影节引起轰动为开端。其电影艺术特征是：影片呈现全新风格、意识流和闪回镜头为一些创作人员常运用的表现手段，情节松散，众多生活事件无逻辑地以无技巧手法编辑在一起，表现人物的潜意识活动，缺乏结构上的完整性。
新浪潮后期影片，现实主义完全被抛弃，影片陷入到狂乱、神秘和颓废的泥坑。其非理性、非情节化的倾向愈演愈烈，导致不久就衰落了，但由于声势浩大，且敢于突破创新，所以，在电影史上的影响是巨大的。它既确立和强化了导演的中心地位，又进一步发掘了电影的特性，丰富了电影的语汇，推动了这一时期电影的全球性的大发展，真正形成了电影题材的多样化、电影样式的丰富化和电影思潮与流派的多样个性化。
这一时期全世界的电影事业出现较大的发展。就连拉丁美洲、远东、阿拉伯世界和黑非洲电影都有了可观的发展，而过去巴西、阿根廷、墨西哥在世界电影史已占有一席之地，在这段时期，又有了新的发展，智利、古巴、玻利维亚等国电影也有了新的发展。这一时期，香港电影发展到充斥着整个中南亚电影市场，并影响着整个大陆的局面。所以，本时期世界电影已由过去的四足分立并进变成了全球性大发展。
世界电影发展中有两个名词必须要谈，一是好莱坞，一是奥斯卡。
上文谈到1913年好莱坞电影城初具规模，实际上当1908年摄影师汤马斯伯森斯和导演弗兰西斯鲍格斯来到这儿拍摄《基度山伯爵》时，这里还只是美国西海岸洛杉矶郊外的一个小村，这个小村风光秀丽，景色宜人，之所以被称为好莱坞，意即常青的橡树林。
自1913年建立以来，这里聚集着派拉蒙、米高梅、福斯、环球、华纳等大制片公司，支配着影片的生产以及全世界影片的上映和发行，同时，也吸引着世界各地的导演和演员去那里拍片和表演，成为美国繁华的电影城市。
好莱坞是美国电影出品的主要基地，据有人统计，生产的影片可以分为75种类型，其中我们较熟悉的有侦破片、西部片、歌舞片、喜剧片、惊险片、科幻片、抒情片，这些制片公司在电影方面大量投资，使电影事业在美国成为一种大规模的工业，取得了世界电影的霸主地位。
好莱坞摄制的影片完全是以票房价值收入为指导原则，制片人关心的是如何多赚钱，要求“把光打在有钱的地方”，“把镜头对准观众崇拜的面孔”。因此，好莱坞的影片一般都能在商业上获得巨大成功。这些影片十分讲究戏剧性，编织各种人在各种生活中的各种遭遇，结构紧凑、曲折，人物性格复杂、独特，情节常有误会、巧合；富有传奇、浪漫色彩，具有极大的刺激性和观赏性，能够满足要求娱乐的感官体验和心理需求。
第一部在好莱坞拍摄的电影史根据大仲马的原著改编的无声影片《基督山伯爵》，那是1908年在好莱坞的荒野上搭建的一个简陋的棚子里拍成的。有些人把1913年影城好莱坞的奠基年，这年由派拉蒙公司在好莱坞建立了一个初具规模的摄影棚，并有当时美国东部大导演西帛.地迷尔来此拍摄《通婚着》一片，摄影棚也由此再次扩建，所以人们将这作为好莱坞的诞辰载入史册。
三四十年代是好莱坞的黄金时代，其间推出了不少传世佳作，如《乱世佳人》、《蝴蝶梦》、《魂断蓝桥》以及喜剧大师卓别林的杰作《摩登时代》、《大独裁者》等，这些影片不仅被奉为好莱坞的经典之作，而且也为世界电影史册增添了辉煌的一页；世界观众并由此熟悉了那些在银幕上塑造了一个个性格鲜明的人物形象的明星：卓别林、鲍嘉、盖博、泰勒、劳伦斯、琼.芳登、英格丽.褒曼等。
随着资本主义经济的畸形发展，好莱坞也受过种种危机，通货膨胀，制片成本大幅度提高，以及电视业的竞争，观众审美观的改变，一度使好莱坞走向低谷。有的公司因此亏损，有些公司干脆搞多种经营，变摄影棚为旅游、展览区。直到70年代，制片商们采用了欧洲的制片人制度，才使好莱坞走出低谷。同时，制片商还引进新的科学技术，创造了立体声、宽银幕等电影形式；有的厂家与电视化敌为友，使好莱坞也跻身于电视界，并由此使影视事业走向繁荣。
至于奥斯卡，众所周知，每年的三四月间，太平洋之滨的美国名称洛杉矶音乐中心影星荟萃，他们在这里参加由美国电影艺术与科学学院举办的奥斯卡金像奖的颁奖典礼。这一年一度的颁奖盛典，不仅是美国电影界的一件大事，也是世界影坛上的一件令人瞩目的事情。
在美国，最为著名的电影艺术奖由两种，一是外国记者颁发的金球奖，另一种是奥斯卡金像奖。比较而言，金像奖更为人们所津津乐道，因为它是美国电影界的最高荣誉，一旦独占鳌头，便马上身价百倍，因此，此项大奖的竞争颇为激烈。
为什么金像奖命名为“奥斯卡”呢？这还得从金像的设计说起：金像的造型本由米高梅公司的美工师塞德里克.吉木斯构思而成，后由青年雕塑家乔治.斯坦利于1928年完成塑像的制作。这尊金像的主体是一个男人站在一盘电影胶片上，手中紧握战士的长剑，身长34.5厘米，重3.45公斤，由铜为主的合金铸成。因塑像呈金色，故称之为金像奖。得名奥斯卡是在1931年，颁发金像奖之时，说来也纯属偶然：当年颁奖前夕，评审委员会的成员在一起评论金像，当时的艺术与科学院的图书管理员玛格丽特.赫里奇仔细地端详了金像后，情不自禁地叫到：“呀！他看上去真象我的叔叔奥斯卡。”于是，艺术与科学院的工作人员便称金像为奥斯卡，这个名称也从此闻名全球了。
奥斯卡金像奖诞生至今已有73多年的历史了。我们从中可以看到美国乃至世界电影事业的飞跃发展。奥斯卡金像奖原定为两年评选一次，自1934年起，扩大到每年一次。最初规模不太大，活动只限于电影界内部，且评选消息只在《洛杉矶时报》上发表，直到1953年，评奖的全过程才第一次通过电视媒介向全国实况转播，同时还增设了一项外国影片金像奖，至此，奥斯卡奖评选成为世界瞩目的一件大事。如今，有了卫星作为传送媒介，奥斯卡金像奖的评选更是家喻户晓。1989年3月30日，在好莱坞举行盛况空前的第61届奥斯卡奖揭晓盛典，主持人当场宣布：世界上有91个国家的十亿观众，包括第一次收看实况转播的前苏联观众通过卫星收看这次颁奖仪式。
总之，从第二次大战结束以来，电影在技术上是相当完善了，在艺术表现方面也是已经成熟了。我国的电影理论家邵牧君在《西方电影史概论》一书中提出，电影在其百年的发展历程中，大致可以从四个阶段进行研究：
一是形成期(1895年——1927年)，从爱迪生、卢米埃尔在美国和法国发明电影之日起，经历了从短片到长片，从单镜头到多镜头剪接，从而形成视觉语言的二十多年历史。
二是发展期(1927年——1945年)。在这不到二十年的时间里，电影获得了声音和色彩，具备了电影艺术的一切必要的表现元素。人们对反对无声电影的经验开始了总结，并且在运用音响和色彩方面，在探索电影形象表现潜力方面都展开了认真的研究和实验。
三是成熟期(1945年至今)，电影在第二次世界大战结束后已在技术上达到了完善的地步，此后的技术发展不再对艺术表现有重大的影响。电影从此进入了在艺术上精益求精的阶段，并在同其他艺术的关系上，从过去单纯的摹仿吸收进行到有取有舍的阶段。此外，更值得重视的是，电影这时的不再是单纯的娱乐品，而是具有极大的社会影响的艺术门类了。
Ⅲ 中国喜剧电影该如何发展下去
将媚俗进行到底即可。
Ⅳ 中国电影的发展历程
Ⅳ 什么是本土电影
所谓本土电影就是本国的电影，我们中国称在中国拍的为本土电影。
如果在美国，美国电影就称之为本土电影
Ⅵ 你认为中国电影应该怎样发展才能走向世界
国际电影节奖项一直被视作衡量一国电影水平的重要标准。某些类型的中国电影更容易在国际电影节上获奖，这似乎已经形成了一个模式。
中国导演王小帅的新作《闯入者》是角逐本届威尼斯电影节“金狮奖”的唯一华语影片。他说，外国人通常喜欢在中国电影中看到“景象奇观”和一些“边缘化的景象”。
针对这种“潜规则”，一些中国电影人认为，中国电影要让世界买账，需要更多地考虑外国观众的心理。
不过，在威尼斯电影节首届中国电影论坛上，王小帅直言，他不会去揣摩国外观众怎么想，而是坚持自己的态度和方式，立足于中国人自己的生活、传统和文化。他的电影中也没有“景象奇观”，而是关注人的基本情感。因为人的情感超越文化差异，是全世界共通的。
王小帅的想法与意大利电影人乔治·戈塞蒂不谋而合。他认为，中国电影要想赢得世界，必须坚持自己的传统和特色。
戈塞蒂接受记者采访时说，中国电影最吸引欧洲人的地方就是它的独特性。在他看来，中国电影最吸引自己的地方是强烈的情感表达。中国电影人如果试着去做和欧洲相同的东西，那就一定会失败。所以，他说：“中国电影，请不要改变你的传统。”
合拍？找好伙伴
中外合拍电影被不少人看做中国电影走向世界的捷径。威尼斯电影节期间，不少中欧制片人表达了合作意愿，认为专业的合作有助双方克服各自的劣势，互通有无。
意大利制片人孔奇塔·艾罗尔迪在由“新华国际”主办的威尼斯电影节中国电影论坛上说，意大利对合拍电影有各种优惠政策，对这些，中国制片人不一定了解得非常清楚。
本届电影节闭幕华语影片《黄金时代》制片人覃宏说，外国导演刚进入中国时常常摸不准中国电影圈的“潜规则”，这恰恰说明找到好合作伙伴的重要性。覃宏说，中国现在有很多具备契约精神的合作方。
市场？需要桥梁
尽管中国电影人为走向世界做出各种努力，但一个事实是，中国电影进入国际主流市场仍面临不少困难，所占市场份额不大。
覃宏说，汉语毕竟没有英语使用范围广，而在商业电影方面，中国电影业在特技技术、导演理念和视觉特效等方面还不够先进。
而意大利电影人戈塞蒂认为，中国不缺好的电影，但不少好电影被欧洲市场忽视，中国电影走向世界需要“桥梁”。在他看来，这座桥梁就是专业的合作方和更好的推广策略。
他说，意大利曾经设立世界上第一个推广本国电影的联合机构，其他国家纷纷效仿，打开了本国电影通向世界的大门。中国也需要制定相应策略，向世界推销中国电影。
Ⅶ 中国电影业如何发展起来的
可以理直气壮地说，中国的电影导演是与时代同步的。 但是我们不能不看到中国电影导演，特别是第四代电影导演，对于电影市场化的不适应，面对眼花缭乱的市场一时不知所措，一些看起来挺不错的作品却受到了市场的冷淡，一些挺不起眼的东西却受到了市场的青睐。市场说，电影虽然是艺术但它首先是商品，要求即时消费即时赚钱，你可以弘扬民族文化，但在市场上即时找到买主才能站得住脚，市场不承认文化功能，只注重商业价值。例如，广大农村是中国电影最具发展力的市场，据文化部一项专门调查显示，全国县乡镇的电影院百分之七十以上都以停映或租借改作其他行当，几年看不到一场电影。虽然政府努力想改变这个局面也出了不少资金拍摄给农民看的电影，但是这局面还是没有根本改变。 一位朋友劝我拍拍武打片或者城市片吧，拍农村片观众少，同样费力却不讨好。当时我不得其解，我认为不论什么题材的电影，只要拍得好看就会有观众。转而一想，朋友说的也不无道理，这大概是中国进入新时期以来，中产阶层的迅猛崛起所带来的强劲的中产阶级文化氛围所致吧，这个阶层所面对的是一个物质化了的世界，他们讲娱乐，讲休闲，什么“好看”看什么，什么“好吃”吃什么，消遣成了他们看电影的主要目的。为此，一些影视快餐挺适合他们的口味，他们与“思想” 的节目无缘，大凡涉及到的所谓“思想”也是金钱的概念。也难怪，投资人是讲回报的，制片人是讲利润的，他们认为投资农村片是无利可图的。特别是前一个时期，整个社会都比较浮躁，一个基本的心态就是想发财想暴富，都想尽快改变自己的生存状态。这不是说我们民族的心理出现了什么问题，从另外一个角度看还是社会的进步呢。我是说，我们当电影导演的，必须直面这个社会现实。我想，随着市场经济的秩序化，使得这样一些投资人对农业农村农民会有新的、深刻的认识，会逐渐地对农村题材的作品感兴趣，他们面对自己经营的艰难，开始重新审视自己的心态，因为他们在成功之前也是平民百姓。尽管强大的中产阶层可以给平民百姓带来利益，但实现中国的全面小康生活的关键，还是在农业农村农民，他们的事情解决不了，中国社会的全面繁荣就无从谈起。 由于市场经济，许多制片人和艺术家受到利益的驱动，纷纷去拍赚钱片，这无可非议，好莱坞的电影产业，目的就是赚钱。可我们是中国，中国有中国的国情，硬去效仿美国并不见得会给你带来什么益处。不要迎合“商业”而去拍“商业”，不要迎合观众而去拍“趣味”，那样反而失去了商业和观众，要调整好自己的心态，理顺自己的思路，更多的关注现实题材，因为现实是观众最为关注的，可以这样说，谁最关心平民百姓谁就拥有了观众，这是古今中外大量的名著名片所证明了的。当然，现实题材的创作不能浮躁，不论市场怎样喧嚣，我们不能为蝇头微利所惑，不能丢掉我们对电影的热爱之情，需要真情投入，需要一种崇高的责任感。现在一提责任感，许多影视人都呲之以鼻，好像这是过了时的话题。如今时兴的说法是按着艺术规律和经济规律办事，这话没错。我所说的责任感是创作者内心深处的东西，真正的责任感是诞生优秀作品的基础，特别是导演，一个导演连一点责任感都没有，很难想象他能拍出有人生况味、有深度的作品。我在拍戏的时候，就要求大家心中都要有一种责任感，一个盲人过马路，你去扶他一把，你就崇高，你去嘲笑他，你就浅薄，而我们摄制组要的就是这种崇高，把这种崇高作为拍好戏的目标，我相信会有好结果。我觉得，创新和审美品格，都是在剧中人物身上体现的，千万不要从概念出发。谁都知道人有千面，人各成章的道理，做文章也是文无定法，可为什么偏偏在创作电影作品的时候，一涉及现实题材的主人公便概念了呢？这当然有各方面的原因，就创作者来说，是一个想象力的问题，究其根本，是能不能真正的深入生活，在生活里发现令你眼睛一亮的东西。这也是一个艺术家的社会责任感的问题，艺术家的责任，就是揭示真理，说真话。 电影是20世纪受大众喜爱的一门艺术，中国电影至今也快百年了，历史己经证明，电影自身的发展在一个世纪中超出了任何人的想象。有人认真地研究和考查了中国电影，说从电影的历史现状和未来发展的角度看，叙事电影将可能形成六种电影形态，即影院电影、电视电影、网络电影、电视剧、网络剧、电影剧。我们很快就会进入一个不用胶片的数字电影时代，21世纪的中国电影在制作上将完成一个由拍电影到书写电影的转换过程，用计算机绘图技术可以设计出与演员一样的数字演员，随着计算机的不断完善，数字演员的表情和姿态将会和真人一模一样，日本已经有人写文章，说应当考虑被拍摄对象从摄影机前面消失的问题了。到那个时候，电影美术师和摄影师的概念，电影剧作和电影导演的概念就难以确定了，那样的电影很难说是拍出来的，因为它不是拍电影的概念。不管你喜欢不喜欢，也不管你愿意不愿意，随着科技的发展，这种状态的电影时代很快就要到来。我们电影导演应该有这方面的准备。 就我个人来讲是非常不愿意看到这样的电影时代的到来，那种电影很难定义为电影，那是另一种东西，肯定不是电影。电影就应当是人拍出来的，而不是科技出来的，任何科技都应当是电影的辅助手段而不应当成为目的，数字人毕竟是科学而不是真的人，它的情感体验是数字化了的，模拟得再逼真它也是虚拟的世界，就像电脑游戏机。如果作为电影的一个品种出现是可以的，如果完全替代电影则是不可以的。叙事电影是人的情感体验，情感这东西科技怎么能替代？就像人不可以克隆一样。为此，不论电影变化多少媒介方式和艺术形式，我相信用真人扮演的电影是不会消失的，会长久地活跃在中国人的精神生活和社会生活当中。 未来是预测，重要的还是现在。
Ⅷ 澳大利亚的本土电影发展怎么样
1896年 8月在墨尔本的歌剧院首次放映了英国人R.W.保罗摄制的关于伦敦威斯敏斯特桥的纪录短片。同时，法国卢米埃尔兄弟派出的摄影师在墨尔本拍摄了一部纪录片，反映盛大的墨尔本杯赛马活动。这部影片在墨尔本和悉尼上映达 3个月之久，是外国人在澳大利亚拍摄的最早的一部影片。20世纪初，英国人类学家C.斯潘塞来澳拍摄了关于土著居民的风俗习尚的纪录片，开创了以研究土著居民文化生活为目的的人类学纪录片之先河，救世军也在这个时候开始拍摄宣传宗教的短故事片，如《早期的基督教殉难者》（1899）。第一部澳大利亚人摄制的影片《凯利帮的故事》是1906年上映的，它标志着澳大利亚电影的诞生。影片是由C.泰特摄制的，内容描写侠盗凯利兄弟和警察之间的斗争故事。这显然是受到当时美国畅销影片《火车大劫案》（1903）的影响。《凯利帮的故事》放映时间为66分钟，并用演员在银幕后配音，这很可能是世界上第一部长故事片。这部影片的畅销导致了这种类似美国西部片电影的泛滥。当时没有随波逐流的导演只有R.朗福特他出身演员，自当上导演以后，一贯注意影片的质量，作品具有现实主义风格。他拍摄的《邦蒂号的叛变》（1915）、《我们的选择》（1919）和《多愁善感的家伙》（1920）都得到了较高的评价。特别是后者，成功地塑造了澳大利亚人的性格。在第一次世界大战前，美国、英国的影片开始进入澳大利亚，与新生的澳大利亚电影展开竞争。从20年代起，廉价的英美影片逐步侵占了澳大利亚电影市场。澳大利亚的民族电影因成本高、题材贫乏等问题，陷于一蹶不振的境地，很多电影工作者被迫放弃故事片的拍摄，转向新闻纪录片。这种情况一直持续到第二次世界大战后的50～60年代，以美国影片独霸澳大利亚银幕而达到极点。在这段时期内，只有少数几位导演在为繁荣本国电影而辛勤地进行创作。他们中影响较大的是G.E.乔维尔。从1925年的《蒙比的蠢虫》一片开始，到他1959年死于贫困为止，乔维尔摄制了许多真正澳大利亚题材的影片，如反映澳大利亚军队在第一、二次大战期间英勇作战的《四万骑兵》（1941）和《托勃鲁克人的老鼠》（1948）等。他最后一部重要作品是《杰达》（1955），由于他在影片中处理种族问题不当，这部影片遭到失败。
第二次世界大战时期，由于新闻宣传的需要，澳大利亚的新闻纪录片有长足的进步，同时也吸收和培养了很多电影工作者。大战以后，斯坦利霍斯于1946年建立了拍摄新闻纪录片的联邦电影机构（即现在的澳大利亚电影公司），K.G.霍尔也在他的公司中设立了拍新闻纪录片的部门。这时，在悉尼大学学过人类学的I.邓洛普进入了电影界。从1957年开始，他多次进入澳大利亚西部的沙漠，拍摄了不少关于土著居民生活的纪录片，逐步成为澳大利亚人类学电影的权威人士。
从70年代开始，由于政府的重视和鼓励（如建立电影委员会，对影片进行资助，开办电影、电视学校，创办电影资料馆等），民族意识的进一步觉醒，澳大利亚电影进入了复兴时期。这首先表现在长故事片产量的稳步上升。澳大利亚1969年只发行了5部国产片，而到1971年则上升为11部。整个70年代，平均每年发行15.2部国产片，之后这个数字又有所上升。其次，电影创作人员和技术人员队伍不断扩大并日趋成熟，特别是一批中青年编导人员在70年代初陆续走上影坛，促进了国产影片的发展。这些新生力量中有：T.伯斯塔尔、P.韦尔、B.贝雷斯福德、J.杜伊甘、D.克龙比、F.谢皮西、戴维威廉森、艾戈尔?奥津斯、G.阿姆斯特朗等。这批编导的大部分作品，从内容到形式都是澳大利亚的，例如，由P.韦尔导演的《悬崖上的野餐》（1975）和《加利波利》（1981）；由B.贝雷斯福德导演的《获得智慧》（1977）和《驯马手》（1980）；由G.米勒导演的《从雪河来的人》（1981）等影片，都是新生的澳大利亚民族电影中的佼佼者。这些影片的内容虽然取材于历史，不直接反映现实，但却往往能引起观众对今天社会问题的联想和思考。有些影片的内容层次较多、涉及面较广，耐人寻味。这些影片一般来讲构图讲究，光和色彩的运用恰到好处；镜头流畅，善于利用大自然的景色作背景。随着国产片的发展，在澳大利亚银幕上也出现了一批有影响的本国电影明星：梅尔吉布森、约翰哈格里夫斯、杰克汤浦森、布赖恩、布朗、海伦莫斯等。
80年代以来的澳大利亚影片在发挥上述特点的同时，还在某些方面有新的突破。这首先表现在内容已不仅限于历史，也采用了现实题材，如反映吸毒问题的故事片《冬天的梦》（1981）等。更重要的是反映土著居民的影片再度出现。它们已从早期的纪录片发展到以故事片形式来反映他们的生活和问题，一般都有较强的感染力。如约翰?霍尼的《曼加妮妮》（1980）和艾戈尔?奥津斯的《我们的偏僻地区》（1982）。80年代，澳大利亚电影的复兴处于开始阶段，这首先是因为在澳大利亚影坛上，国产片还处于少数地位，外国影片仍占绝对优势，其中主要是美国片，一般每年进口 200部左右；另据澳大利亚发行商协会的统计，1963～1981年，在澳大利亚公演的100部最畅销的影片中，国产片只占8部。其次，上述有特色的影片在整个国产影片的产量中也只占少数。毫无特色的平庸之作、充斥着性的内容的影片，还大量存在。就是一些较好的作品中，间或也出现色情镜头。
澳大利亚年产影片约20部，有影院900余座（包括汽车电影场），年观众3500万人次，票房收入1亿美元。联邦政府设有电影委员会，主要职责是出资援助编写电影剧本和摄制影片，管理澳大利亚妇女电影基金、澳大利亚制片公司，和国家图书馆一起负责维护电影资料。联邦政府还设有电影电视学校、新南威尔斯电影公司、电影检查委员会和属于国家图书馆组成部分的电影资料馆。电影检查委员会负责对在影院公开上映的国产片和进口片检查，其重点除了政治问题外，还包括性与暴力。
澳大利亚电影界的群众组织很多，其中影响最大的是澳大利亚电影学会。它除了设置电影资料馆、研究中心和出版刊物以外，每年还举办澳大利亚电影奖活动，这是每年举办的六、七个电影奖中最重要的一个。澳大利亚每年约举办10余个电影节，其中较有影响的是：已举办过40余次的悉尼国际电影节和已举办过30余届的墨尔本国际电影节。
Ⅸ 想做本土动画电影 加入电影幕后制作团队 无基础 现在我该怎么努力
努力学习啊，，以前的动画是手绘的 ，手绘是静态的，变成动态就是要一秒24帧的画出来，但是现在有了数位板 基本都是数位板创作，，在电脑上的直接绘画，，这是2d的，，3d就要涉及建模软件 还有行动 肌肉运动和毛发等等的，比如精灵旅社-----这个就是很难得，不仅仅涉及角色动作还的像（物理运动）-比如2d角色米奇走路的姿势 这就是迪士尼首创的 让动画虚拟角色走路有重力感---大学有动漫设计啊，可以选专业啊，不管是软件还是手绘和绘画基础必须要有，从素描学起吧 转行漫画，再到软件---专业的就是工业光魔的变形金刚的制作--蜘蛛侠的沙人（集成仿微）3d可以参与真人特效了--国产的你仔细看 高清图 细节并不是很好的---------广告是传媒营销吧，跟制作是两回事----