❶ 想要寫一個時長一個半小時的電影劇本，劇本創作時，時間是怎麼計算的
電影劇本如果你是按照類型片的結構去寫，基本上不需要估算時長——因為類型片有基本的人物、事件、沖突等元素，按照基本的敘事節奏走下來，差不多就是120分鍾左右。然後在拍攝時會有取捨，剪輯時會有取捨，但只要敘事結構不動，最後成片差不多就是100到110分鍾左右。
根據我的經驗，以好萊塢英文劇本格式寫成的中文劇本，最後拍攝出來的成片，30分鍾以內的短片可以按照一頁一分鍾來推算，超過60分鍾以後，成片時長會少於頁數，但沒有具體規律可以推算。這要看導演最後的處理了。
❷ 請問要拍一部90分鍾的電影，劇本的內容及字數是如何來控制的也就是說一個劇本寫好了，
自己看劇本 例如：一位男士走過來對另一位女士說 我們分手吧 這一段劇本 該怎麼拍 從哪走過來 切不切特寫 停留幾秒 快節奏的慢節奏的 只能自己一點一點理解劇本以後 也就是腦子里有畫面以後 才能計算出大概時間 最後標准時間是後期剪輯時候控制的 長鏡頭可以切 短鏡頭可以插入空鏡 就是這樣 正規劇本完成後還需要畫分鏡頭劇本 也就是把劇本以漫畫類似的方法畫出來的 然後下面標注一個鏡頭幾秒 是這樣的
❸ 我想知道電影的流程,如編劇,選角,剪輯等的具體細節和順序
編劇Scriptwriter
編劇在整個影視劇或者舞台劇等藝術形式中，所起到的作用主要是編寫劇本，即創作出故事，台詞，主戲以及過場戲，突出故事中心，塑造人物性格。
編劇在大學開設的課程叫做「戲劇影視文學」。是負責寫劇本的。比如電影電視劇的故事構思，都是由編劇寫成劇本後，然後轉交到導演那進行二度創作。戲劇影視文學又分為兩大類專業，如理論類的（影視文化與傳播）和創作類的（電影電視編劇）等。兩者最明顯的區別就是，編劇是自己進行故事創作和構思，限制性很小。而導演責需要各部門的共同努力最終能使的電影和電視劇呈現給廣大觀眾。
剪輯：
影片圖像與聲音素材的分解與組合。即將影片製作中所拍攝的大量素材，經過選擇、取捨、分解與組接，最終完成一個連貫流暢、含義明確、主題鮮明並有藝術感染力的作品。它是對拍攝的一次再創造。剪輯與剪接不同，後者指對膠片的具體工藝處理。
早期電影只是將拍攝到的自然景物、舞台表演原封不動地放映到銀幕上。從美國導演D.W.格里菲斯開始，採用了分鏡頭拍攝的方法，然後再把這些鏡頭組接起來，因而產生了剪輯藝術。在很長一段時間里，剪輯是導演的工作。但隨著有聲電影的出現，聲音和音樂素材的剪輯也進入了影片的製作過程，剪輯工藝越來越復雜，剪輯設備也越來越進步，於是出現了專門的電影剪輯師。剪輯師是導演重要的合作者 ，參加與導演有關的一切創作活動，如分鏡頭劇本的擬定、排戲、攝制、錄音等。對剪輯的依賴程度，因導演的不同工作習慣而異，但剪輯師除了應完全地體現導演創作意圖外，還可以提出新的剪輯構思，建議導演增刪某些鏡頭，調整和補充原來的分鏡頭設計，改變原來的節奏，突出某些內容或使影片的某一段落含義更為深刻、明確。
從影片素材到一部完整的電影作品，在剪輯上往往要經過初剪、復剪、精剪乃至綜合剪等幾個步驟。初剪是根據分鏡頭劇本，把人物的動作、對話、相互交流的情景等鏡頭組接起來；復剪是在初剪的基礎上進一步修正；精剪是經過對畫面反復推敲後，結合蒙太奇結構進行的更為細致的剪輯 ；綜合剪是在全片所有場景都拍攝完畢，各片段都經過精剪之後對整體結構和節奏的調整。在整個剪輯過程中，既要保證鏡頭與鏡頭之間敘事的自然、流暢、連貫，又要突出鏡頭的內在表現，即達到敘事與表現雙重功能的統一。
傳統剪輯 也可稱為剪輯的基本功。其主要作用有兩個，一是保證鏡頭轉換的流暢，使觀眾感到整部影片是一氣呵成的 ；二是使影片段落 、脈絡清晰 ，使觀眾不致把 不同時間、地點的內容誤認為是同一場面 。因此 ， 這種剪 輯必須做到：①防止混亂。鏡頭銜接必須准確無誤，不脫節不重疊，人物動作的方向、空間關系必須一致。②鏡頭轉換協調。剪輯往往以動作形態、節奏為剪輯點，即「動接動」、「靜接靜」。「動接動」指在鏡頭或人物的運動中切換鏡頭，如一個搖攝鏡頭接另一個搖攝鏡頭或一人奔逃的鏡頭接一人追逐的鏡頭等等。「靜接靜」指從一個動作結束後（或靜止場面）接一個動作開始前（或靜止場面）。③省略實際過程。即省略不必要的、觀眾不看自明的過程，而仍能保持動作或情節的連貫。如一個飛機起飛鏡頭接一個飛機降落鏡頭可以省略旅行過程，一個桃花盛開的鏡頭接一個滿地落葉的鏡頭可以省略時間的變化過程等等。傳統剪輯，基本上是按著正常的生活邏輯進行，但又不是自然主義地記錄生活中的全部過程。
創造性剪輯 習慣上稱能提高影片藝術效果的剪輯方法為創造性剪輯，主要有以下幾種：①戲劇性效果剪輯。運用調整重點、關鍵性鏡頭出現的時機和順序；選擇最佳剪輯點，使每一個鏡頭都在劇情展開的最恰當時間出現。②表現性效果剪輯 。是在保證敘事連貫流暢的同時 ，大膽簡化 或跳躍，有選擇地集中類比鏡頭，突出某種情緒或意念。將一些對比和類似的鏡頭並列 ，取得揭示 內在含義 、渲染氣氛的效果。③節奏性效果剪輯。一般說來，鏡頭短、畫面轉換快，能引起急迫、緊張感；鏡頭長、畫面轉換慢，可導致遲緩或壓抑感。因此長短鏡頭交替，畫面轉換快慢結合可造成觀眾心理情緒的起伏。利用這一點，在剪輯上控制畫面的時間，掌握轉換節奏，就可控制觀眾的情緒，達到預期的藝術效果。這種剪輯節奏也稱剪輯調子。然而鏡頭的長短、轉換快慢不能超越觀眾對內容含義理解的限度，否則就會造成混亂。剪輯調子常常也表示出影片情節或情緒的段落，使影片起伏張弛有致。影片中一個段落的剪輯調子是由鏡頭的數目來計算的，稱剪接率。鏡頭數目多，稱剪接率高或快調剪輯；鏡頭數目少，稱剪接率低或慢調剪輯。
電影節奏因素;
❹ 影視中的節奏應該如何把握
影視的節奏有種，一種是由音樂帶來的節奏，按照音樂的節奏處理即可，一般MV都是這樣做的；
另外一種是情節的節奏問題，往往也是一個影視作品中最難把握的，通常的節奏處理手法：開篇即高潮，希望抓住觀眾，然後再進行敘事處理，慢慢再進入2、3個小高潮，最後的高潮部分通常在結束前，高潮之後即可戛然而止，不過，現在的電影都會在最後留點開放式的結局，因此高潮之後，會有一個舒緩的情節，最後給一個意猶未盡的懸念鏡頭而結束。這樣的影片很多，想馮小剛的《夜宴》，還有《盜夢空間》都是這樣的節奏處理。
節奏的處理都是影視最高境界了，如果你能做好這個節奏，你已經是很好的導演。在影視製作中，我們往往會在節目中設定一個主要的線索，這個線索最後的部分就是我們要的節奏高潮，之前也會安排一些小的支線線索，這些的線索匯聚到主線上的節點，可以做成小高潮。如果沒有這些小高潮，影片就感覺沉悶了。
節奏的處理，即是對於故事情節的梳理，考的就是你對講故事的能力，因此，在製作前，你得先考慮清楚這個節奏，然後才去進行編劇整理，否則你會陷入過於關注細節而忘記了整體節奏，出來的節目肯定好不了，最多是一個小品合集。
❺ 做一個編劇，要具備什麼，應該學習什麼，怎麼樣去做
編劇，一劇之本。每一部好的影視作品的誕生，少不了一部優秀的劇本。
劇本是一種特殊的產品，每一部作品背後都包涵、潛藏著極大的社會效益和經濟效益。隨著中國影視行業從業人員隊伍的日趨壯大，影視編劇創作人才比例的不足已成為影視產業發展的一大瓶頸。大多來自民間作者所創作的作品，雖有原汁原味、真實可信的故事，但在矛盾沖突、台詞構造、藝術手法及商業運作經驗上並不成熟，此外還缺乏劇本的流通渠道與操作經驗。
寫小說和寫劇本的差異很大。要想寫好劇本，就必須懂得劇本的基本知識和理論，要了解影視劇拍攝過程中的制約因素,要搞明白電影的創作規律。劇本寫作和小說寫作的目的是不同的，寫劇本的最終目的不是要得到一串文字,而是文字背後的一組組畫面,是要用文字去表達一連串場景，要讓看劇本的人能夠實時聯想到一幅幅畫面，將他們帶回到生活的場景里。因此，小說中常用的抒情手法，修辭手法和角色內心世界的描述等很難轉化為視聽語言,在劇本創作中慎用。
經調查，現今最需要的是商業片編劇，而剛入行的新人雖有生活閱歷、有故事素材，但很難准確把握市場信息，不知道觀眾喜歡什麼，也談不上針對市場進行創意設計、調整創作重點。影視作品是商業運作的產物，只有順應市場需求去創作劇本，才能寫出讓大眾愛看的作品，才能在經濟效益和社會效益上獲得雙豐收。倘若一時興起而為之，不顧市場需求，寫完後只能獨自樂悠、孤芳自賞卻無法面世。
成長為一名出色的編劇要有一段艱辛的旅程，要在生活中汲取營養，要在拍攝和商業運作中淬礪。很多初涉影視行業的作家們，在成稿後，對作品的投寄去向和對市場信息了解不足，往往是近乎盲目地亂投。其結果是作品如泥牛入海，但經過意圖不軌的人篡改後，卻發表在另外的報刊雜志上，這是對廣大創作者極大的不公和不尊重，但也反映出很多作家對劇本的交易缺乏操作經驗和把握能力。
為幫助初涉編劇行業的創作者縮短轉型期盲目摸索的過程，中國傳媒大學北廣在線結合中傳自身優勢,策劃並推出「編劇實踐入門訓練營」、「導演實踐入門訓練營」等一系列以實踐為特色的進修課程。旨在引領孤軍奮戰的劇作者們認清市場形勢、把握創作規律、深入理解影視產業運作規律、結識潛在合作夥伴，讓學員獲得一個最直接深入影視圈的機會。該課程依託中傳自身教育資源，邀請影視製片方代表、一線影視導演等，為學員深入講授劇本的創作技巧、劇本商業運作規則，為學員揭示劇本成功與否的要素，揭密影視行業的生存法則。使已有文學創作基礎的學員們，深刻領悟劇本創作規律、技巧。
編劇的成長是一條艱辛的旅程，並非如傳言中某某人在草原上弄個蒙古包，每日放放馬寫寫字,白手獲巨財，名利雙收。成功的劇作家不但需要有對生活的深刻體驗，還要有對影視劇市場規律及影視製作技法的深刻理解與把握。建議喜歡做編劇的朋友多跟劇組參與拍攝製作，或聯系志同道合者用DV拍些短片出來練手。唯有多拍攝、多實踐、參與規范化影視製作，才能加深對影視創作的認識，才能進一步了解怎麼寫出好作品、把自己的作品推向市場、找到能善待自己作品的製作人、投資方和導演。
❻ 做電影劇本的編劇難嗎
劇本，有三個月寫好的，有花三年寫好的，也有突然靈光乍現三天一氣呵成的。
價格自然是隨著個人的知名度水漲船高。
目前國內的編劇價格大概有幾個檔次——非專業出身的新手，一般最多也就三千(一集的價格，後面說的都是一集的價格)，幾百塊甚至白乾的也比比皆是；專業科班出身的新手，一般最多也就五、六千，如果機會好，兩、三千價格的都干，而他們的水平一般都不低，只是缺乏經驗和機會；出道幾年的科班編劇一般在一萬上下，他們有能力有經驗，是目前國內編劇市場的主力，其中有些編劇價格會更高些，達到一萬五左右，但條件是有不少於三部非常成功的作品（拍攝完成且收視率高的）。當然更高的也有，兩萬三萬甚至更多，但對這類編劇的要求非常高，或者是題材宏大分量極重（如《漢武》、《康熙王朝》等大劇），或者其本身就有賣點，比如鄒靜之老師。
你也許會奇怪為什麼我向你介紹的價格檔次和你跟國內同行打聽到的有出入，這不難理解，因為對外的喊價和實際可接受價格中間會有很大差距的，就像任何生意一樣。
一句話，有志者事竟成吧，你要是真的愛好，不妨試試。提前預祝你成功。
❼ 電影劇本短時間完成指南
一直覺得好的編劇是一種很牛掰的存在，也一直想嘗試一把，雖然我想嘗試的還有很多，但是做編劇和寫作是一樣的，都需要很多技巧和很多毅力。如果你是一個小白，從事一個新的無論是什麼事物都無從下手，所以需要一些對口的課和書，所以最近我讀了《21天搞定電影劇本》。
先分享一下我的感受，作者的文筆很好，裡面有我很喜歡的一個詞，幸運襪，我希望每個從事編劇或者任何行業的人都有一雙幸運襪，而且作者的想法很細致並且大膽，裡面的問題也很詳細。
說了那麼多，還是來點干貨吧！
1.寫作是一種分裂狀態，因為它需要動用你的不同部分。你的心，它已經感受到你的電影，而你的腦，則要把它呈現到紙上。
人類其實一直處於這種分裂狀態:我們就像一個高超的雜耍高手，必須同時兼顧我們的左腦和右腦、意識和潛意識、分析力和直覺力。
創作的時候，我們就運用了四種不同模式:
研究: 將對想像全部吸收，進行研究，提出問題，找到聯系，從無意義中發現意義。
創造:來場頭腦風暴吧。和素材嬉戲，搖晃它，嗅聞它，倒過來打量它，突破思維的界限，用新的方式從一切角度揣摩它。
決定:一旦你決定以何種方式看它，就要排除任何不能服務於你這種視角的可能，並將你決定採取的方式看它，就要排除任何不能服務於你這種視角的可能，並將你決定採取的方式運用到極致。
行動 :將它變成事實，安排，計劃，執行。
2、你需要練習以保證你的寫作水平不斷提高。
分配給大腦的工作:
一、9分鍾電影路標（the9-minute movie）
在你動筆之前，就應該知道你的劇本的1、3、10、30、45、60、75、90和120頁都有什麼。這好比一張地圖，有了它你才能穿越第2幕的沙漠，不至於失去目標，迷失在白紙的海洋里。
二、2頁圖示（the 2–page picture show）
第一次寫劇本的人一大擔心就是劇本的格式。事實上，劇本格式是所有事情中最簡單的一間了。通過列印這2頁圖示，我們會讓你成為劇本結構的專家。一旦你搭起了結構的骨架，就可以輕松添入內容的血肉。
分配給心的工作:
8分鍾作者（the 8-minute anthor）
不必再去搜腸刮肚，苦思冥想如何進行描述、分析或猜測，這個方法能讓我們發現你的心裡有什麼。
我們的方法簡單之極，只要問問題就好。通過這種方法，可以快速讀出你的心意。因為一旦我們繞開大腦，感覺就會有如源泉，不斷湧出。正是這些感覺幫助你把電影劇本創作出來。
作為8分鍾作者，你要自始至終和心底里的自己保持聯系、息息相通，從而讓你在最短時間內獲得重大發現，明白自己真正想要什麼、真正希望什麼、真正願意說什麼。
你看到的這條線——是需要你自己去填的。首先我們需要做一些小練習，其用意是為了讓你每次都在8分鍾內完成讓你的電影從心裡醞釀到紙上書寫的旅程，漸漸地它就會成為你正式寫電影時運用的技巧。
3.只管去做吧
達斯汀.霍夫曼的表演方法是把人物從自己體內提取出來。
勞倫斯.奧利弗的表演方法是把人物像面具一樣戴起來。
兩位不同年代的演技之神卻惺惺相惜，彼此敬重。
他們一塊拍攝《霹靂鑽》時，達斯汀始終找不到演繹角色的突破口。
幸虧奧利弗一語點醒:「孩子，你為什麼不試試別想太多，就是去表演呢？」
是不是因為你已經偏離了你的道路，才平添這諸多障礙？直奔終點才是最快路徑。去做吧。
讀完了這本《21天搞定電影劇本》我想寫電影劇本的心思已經蠢蠢欲動了，如果你看完也有這種想法。但還是沒有要行動的意思，我在送你一條錦囊，在《21天搞定電影劇本》這本書中，作者寫到:你的所有障礙都歸咎於一個原因:你對自己認識不夠。現在走到鏡子前面說:「我愛你。」我是說真的。你會好的。（我也相信我會好的。）
❽ 如何寫電影劇本(格式 結構等)需要掌握什麼知識
1：把劇本寫成了小說
剛剛上面提到有的朋友把劇本寫成了小說，不是不可以，但那個是文 學劇本，根本不能用來指導拍攝和製作。舉個例子，你可以在小說里花幾頁的筆墨來寫一個人的身世，背景，家庭組成，或是用幾頁的筆墨來描寫主角的心理斗爭過程，但這些東西是無法表現在電影屏幕上的。你的劇本就是一個屏幕，你所要表現的是電影屏幕上能被觀眾直接看到感受到的東西。像心理活動這類東西是無法很好 的表現出來的。加旁白？當然可以，除非你能忍受主角的畫外音在一動不動的鏡頭里讀幾頁小說。電影*畫面表達情緒，你的劇本就是電影畫面，要通過攝像機的角度來寫，這可能引起第二個問題。
2：不必要的攝象機標注
如果你這樣寫劇本：在5號升降台，用盤納為升70型相機，60mm鏡頭，由 8.5m搖至2m對焦…………如果你這樣寫，就算過了審稿人這一關，你的劇本也會被導演扔掉。你不需要教他怎麼拍，這不是你的事。你在寫劇本的時候完全不用擔心相機的事。但是不是劇本就不要考慮相機了呢？也不是，你需要考慮相機的關系而不是位置。劇本里有自己的專用相機術語，多多使用這些術語，能讓你的劇 本很專業，至少看上去很專業。
1.Angle on 角度對准：比如BILL走出便利店，相機對准BILL。
2.Favoring 主要表現：BILL在一個大廣場，人很多，但主要表現BILL。
3.Another angle 另一個角度：換個角度的相機表現BILL在大廣場玩的很開心。
4.Wilder angle 更寬的角度：先表現BILL在廣場的一角喝可樂，然後鏡頭拉遠，表現BILL所在的廣場。
5.New angle 新角度：換個角度表現BILL喝可樂，使鏡頭豐富。
6.POV 視點：從BILL的視點看東西。就是第一人稱視角。
7.Reverse angle 反拍角度：BILL和SALLY在一起跳舞，先拍BILL看到的SALLY，再拍SALLY看到的BILL，通常是兩人的POV互反。
8.Over shoulder angle 過肩鏡頭：相機越過BILL的肩頭看到SALLY，BILL的肩頭能把畫面自然的分割，很常用的類型。
9.Moving shot 運動鏡頭：包括跟拍，搖移，追隨等等，反正鏡頭是運動的，至於具體怎麼動，還不是現在考慮的問題。
10.Two shot 雙人鏡頭：BILL和SALLY在邊喝可樂邊交談，這種鏡頭的相機不要隨意移動，防止「越軸」。把BILL和SALLY兩人連起來有一條軸線，相機只能在軸線一側運動，如果越過這條軸線，在畫面上BILL和SALLY的位置就會左右互換，引起觀眾視覺上的邏輯混淆。
11.Close shot 近景：強調SALLY美麗的眼睛，但一般少用為妙。
12.Insert 插入鏡頭：某物的近景，比如天色已晚，SALLY問BILL幾點了，BILL抬起手來，接下來可以接一個BILL手錶的特寫，當然你還可以用此種鏡頭來換景，比如BILL移開手錶時攝象機里看到的已經是夜晚的舞會了。
以上就是劇本里的鏡頭描寫格式，看個例子就明白了。
這是具體的寫作格式：
場景說明要黑體，時間地點要黑體，居左
場景中出現的音效要黑體標出
第一次出現的人物名要黑體居中
人物的對話要居中，兩邊留空，不同人物的對話要另起一行
標明攝象機的關系
標明場景的切換，「切至」就是硬切，「化至」就是加轉場的效果，全部居右
如有特效運用，也要用黑體標出
二、劇本寫作入門
這是我在大學修讀劇本寫作課程時所得到的體會。記得當年導師和我們說：「要想寫好劇本，就必須懂得劇本的基本知識和理論，搞明白電影的規律！」
今天，身為其中的一員，有幸和大家分享一下我所懂得的劇本理論知識，如有錯漏，還望大家多多包容。
簡單來說，要寫好一個故事，首先要構思好你的故事走向，人物關系，情節高潮，主題思想等…… 美國好萊塢有一套編劇規律：即開端、設置矛盾、解決矛盾、再設置矛盾，直至結局。中國也有自己的編劇規律：起、承、轉、合。
在下面的文字，本人會分類將寫作劇本的基本和重要的元素詳加論述，並會舉出實例加以說明。
< 第 一 節 > 劇本基本理論 ：態度、主題
態度 (Attitude)
寫 故事最重要的是對故事的態度，不同的態度會產生不同的效果。舉一個簡單的例子，同樣是寫一個青樓女子的故事，如果作者是以一個淫穢、色情的態度去寫，故事 自然集中於男女之間歡愛的部份。相反，如果作者是以一個同情、尊重的態度去寫，故事便會集中於描寫青樓女子被迫賣身，身不由己的可憐、無奈……
主題 (Theme)
在 下筆寫故事之前，你必須要問自己：你要講一個怎樣的故事？是朋友之間的友情(如電影午夜牛郎—midnight cow boy)，男女之間的愛情(鐵達尼號—Titanic)，外星人入侵地球的故事(天煞地球反擊戰)，還是一個控訴戰爭的故事(殺戮戰場—platon) 等。這就是主題。
主題必須十分明確、貫徹、毫不懷疑。你不能寫一套戰爭片段，一時就懷疑戰爭，一時就歌頌戰爭。主題有如一支指南針，它會引導 你創作故事，和貫穿故事中的枝節。而最重要的是它能避免你在寫作中偏離主道。試舉一例，清朝皇帝雍正在野史是一個殺弟、殺父奪位，強奸弟弟妻子的禽獸。但在雍正皇朝(早期亞視播出的電視劇)作者筆下的雍正，卻是一個好皇帝。因為作者的主題是要寫一個好皇帝，所以在故事中只會見到雍正徹夜不眠批奏章、視察農 民、減稅、推行德政等場面，並沒有殺弟、殺父等場面。
所以，一套成功的劇本是要讓觀眾看完後，清楚明白作者想表達的思想和主題。
< 第 二 節 > 創造角色沖突 (create character conflict)
角色沖突是吸引觀眾的不二法門。這包括故事角色和角色之間的沖突，角色和他自身價值觀的沖突等。
方法一： Potogonist Vs Antogonist
故事裡的人物想做一些事，但有一股力量抗衡他，這就是Potogonist /Antogonist
例 如電影怒火風暴(Falling Down)故事中，主角剛剛經歷完痛苦的勞獄生涯，當他出獄時，他一心想見回自己的妻子，重過正常人的生活(Potogonist，他想追求的事)。但他的妻子逃避他，不認他，而四周的人也因他的犯罪紀錄而歧視他(Antogonist，阻止他達到目的的力量)。
方法二： 不能分解的關系 (unbreakable bonding)
當 角色和角色之間存在沖突，而且有一個不能分開的結把他們拉在一起，好戲便來了。舉一個簡單的例子，男主角的妻子是個三姑六婆、八卦的女人，而男主角的母親 則是個守禮節的傳統婦女。因為環境的因素，主角和他的妻子必須搬進家裡和媽媽一起住。試想兩個完全沖突的人：媳婦和奶奶被一個 unbreakable bond 拉在一起時，會是怎樣。
< 第 三 節 > 創造表面張力 (create dramatic tension)
方法一： 讓你的觀眾知道一些事而故事中的角色是不知道的
例如故事中的主角闖進了敵人的基地，有支槍在黑暗處伸出來瞄準著他(觀眾知道但主角不知道)，敵人就快要開槍了，觀眾也為主角擔心。
方法二： 讓你的觀眾感到故事中的角色是走在一條錯誤的路上
主 角的母親病了，他全身家只有一百元，於是他便去睹場碰碰運氣。很好運地，主角不停地贏錢，已有幾千元，有足夠的醫葯費了。但他竟然貪勝不知輸，繼續賭下 去，結果輸了一局又一局(觀眾已知他已走在一條錯誤的路上)。最後連手上的一百元也輸了，竟然還去問大耳窿借錢(他用錯誤的方法企圖達到目的)。
方法三： 時間限制 (deadline)
故事中某些事件若存著時間的限制，或計時炸彈，能夠給觀眾一股緊張的情緒，並且這股緊張情緒能維持一段長時間。
還有十二個小時，隕石便會撞擊地球，地球上超過一半的生物會死亡。(電影--隕石撞地球)
這輛巴士必須維持在時速一百二十公理，否則車上的炸彈便會爆炸。(電影--生死時速)
方法四：轉折點 (Turning Point)
使用轉折點能製造意外的效果，引起觀眾的預期心理，加強情節張力，從而持續觀眾對故事的興趣。轉折點最常出現於故事的前段和後段。劇本前段的轉折點一般用於開啟故事和陳列出主角即將面臨的各項選擇。至於後段的轉折點則指向主角解決危機，收攏故事。
例 如著名電影「生於七月四日」(Born on the fourth of July)，主角在故事開始面臨第一個轉折點：是否要參加越戰。主角最後選擇參戰，走上戰場。但好景不常，在戰爭中主角被打破了雙腳，要終生坐輪椅。原本愛國主戰的他經歷了多件事件後，改變了他的想法。導致故事結局出現了很出人意表的轉折點，他由主戰派變成反戰派，從而帶出反戰的主題。
< 第 四 節 > 其它技巧
伏筆 (Planting)
相信有作文的人都會知道什麼叫做伏筆吧！埋下伏線可以吸引觀眾追看劇情。例如在電影心計中，主角湯美一早便表露了他有模仿人簽名和行為的能力(伏線)，到故事發展到他殺了有錢人迪奇後，觀眾憑借伏線已經估到主角會假冒迪奇。
關鍵匙 (Payoff)
所謂 Payoff，就是最能象徵整個故事的對象。例如在電影」Apartment」中，那條門匙就是Payoff。又如著名電影「舒特拉的名單」中，那張猶太人的名單也是Payoff。
蒙太奇 (montage)
有兩個畫面，梅花間竹地播出，這就是蒙太奇。例如在電影教父中，畫面一邊播出教會里正在舉行的神聖儀式，如神父替孩子洗禮，向天主祈禱等。但另一邊畫面卻轉接地播出教會中邪惡的一面，例如教會中的領袖為求奪權，去反對他的人的住所，不停地大開殺戒。
蒙 太奇亦可以指一些不同而沒有關系的畫面,當他們剪接在一起的時候,會產生另一種意義,簡單來說,如第一畫面中有一隻手正在投球,而另一畫面是另外一隻手接 到一個球,然而球不見得是同一個,但當兩個畫面前在一起的時候,就是一個人把球投給另外一個人,注意/若中間再加入另外的畫面,這意思就完全不一樣了!! (註：這一段蒙太奇的文字解釋由網友「貝戈」提供)
< 第 五 節 > 劇本三大忌
寫劇本變寫小說
劇 本寫作和小說寫作是兩樣完全不同的事，要知道寫劇本的目的是要用文字去表達一連串的畫面，所以你要讓看劇本的人見到文字而又能夠實時聯想到一幅圖畫，將他 們帶到動畫的世界裡。小說就不同，他除了寫出畫面外，更包括抒情句子，修辭手法和角色內心世界的描述。這些在劇本里是不應有的。舉一個簡單的例子，在小說里有這樣的句子：
「 今天會考放榜，同學們都很緊張地等待結果，小明別過父母後，便去學校領取成績通知書。老師派發成績單，小明心裡想：如果這次不合格就不好了。
他十分擔心，害怕考試失敗後不知如何面對家人……』
試想，如果將上面的句子寫在劇本里，你叫演員看了怎樣用動作去表達。
如果要用劇本去表達同樣的意思，就只有寫成如下：
「 在課室裡面，學生都坐在座位上，臉上帶著緊張的表情，看著站在外面的老師。老師手上拿著一疊成績通知書，她看了看面頭的一張，叫道：「陳大雄！」大雄立刻 走出去領取成績單。小明在課室的一角，兩只手不停地搓來搓去。他看出課室外面，畫面漸漸返回當日早上時的情景。小明的父母一早就坐在大廳上，小明穿好校服，准備出門，看了看父親，又看了看母親，見到他們嚴肅的臉孔，不知該說些什麼。小明的父親說：「會合格嗎？」小明說：「會……會的。」
「陳小明！」老師宏亮的聲音把小明從回憶中帶回現實。老師手上拿著小明的成績單看著他，小明呆了一會，才快步走出去領取……』
用說話去交待劇情
劇 本里不宜有太多的對話(除非是劇情的需要)，否則整個故事會變得不連貫，缺乏動作，觀眾看起來就似聽讀劇本一樣，好悶。要知道你現在要寫的是電影語言，而 不是文學語言。只適合於讀而不適合於看的便不是好劇本。所以，一部優秀的電影劇本，對白越少，畫面感就越強，沖?力就越大。
舉一個簡單的例子，比如你寫一個人打電話，你最好不要讓他坐在電話旁不動，只顧說話。如果劇情需要，可讓他站起來，或拿著電話走幾步，盡量避免畫面的呆板和單調。
故事太多枝節
很多人寫劇本都寫得太多枝節，在枝節中有很多的角色，穿插了很多的場口，使故事變得復雜化，觀眾可能會看得不明白，不清楚作者想表達什麼主題。試想如果在一幕電影中同時有十幾個重要的角色，角色之間又有很多故事，你叫觀眾在短短時間里那能把每一個角色記得這么清楚。
其 實，寫劇本有一句格言：「 Simple is the best! 」愈簡單的故事就愈好。大家想想你們所看過的好電影中，它們的劇情是不是都很簡單。例如電影鐵達尼號(Titanic)只是講一艘大船下沉，而下沉當中男女主角產生了愛情。其它電影也一樣，簡單到報紙短評用短短幾十個字就能講出故事大綱。
但是，簡單永遠是最困難的：「 Simple is difficult。」