站在美術的角度怎麼看電影

㈠ 電影中很多大尺度鏡頭從藝術的角度看是必須的嗎你怎麼看

近年來，監管愈發嚴格，已經很久沒有出現像《色戒》這樣 「藝術感」 超強的電影了，更多的是靠借位、鏡頭切換這樣的拍攝手法來點到即止，而諸如此類的拍攝手法，也只能說有利有弊而已；

《色戒》應該算是劇情片中大尺度的鼻祖了，他以20世紀40年代的上海為背景，講述了一個有憤青主義的女大學生為了盡綿薄之力利用美色接近漢奸意圖行刺，結果接近之後發現對其動了真情，最終被漢奸發現意圖慘遭殺害的故事；但很顯然，這樣的劇情在年輕人眼裡並不吸睛，但他卻成了當時首屈一指的好片；

原因就是他的一些大尺度劇情：而一些大尺度情節也是根據大學生接近漢奸這一系列劇情展開的，這其中把漢奸易先生的貪婪、無情、暴躁、焦慮不安等情緒刻畫的淋漓盡致，也給大家展示了當時戰爭即將結束時漢奸的最真實寫照，這樣的情節和人物刻畫，不但成了影片的調味劑、增加了收視率，更能稱之為是藝術；

但這樣的一部藝術片最終卻沒能逃過 「封殺」 的結局，原因就是該影片的未刪減版尺度大到已經超出了傳統藝術的范疇，而這也是這類影片的有害之處；太過於追求極致，導致很多人看影片不單是為了體驗劇情、觀看劇情變化，這或許也是製片方不想看到的結局；

但很明顯，近幾年來出現的影片對尺度的把控做的非常到位，大家在觀影的同時，很少能看到太過露骨的畫面，這樣也給人以 健康 的觀影體驗，但結合現在一些小鮮肉的演技來看，似乎很多時候給人一種意猶未盡、人物刻畫太籠統的感覺，這或許也是缺少了調味劑的原因吧；

總之，尺度的大小對於影片收視有絕對的影響，更多時候，尺度是演技的一部分，而某些特定的劇情，需要體現淋漓盡致的演技也無可厚非；所以，並不是 「大尺度」 本身的問題，結合劇情設定尺度的大小才是最正確的；

情·欲戲，在某些導演手裡能拍出高於生活感的藝術性出來，而在有些導演手裡，那就純粹是低俗。

看過村上春樹小說的朋友，不難發現在他的故事裡，各種男女之間慾望纏綿場景非常多，但是你會覺得他的小說是色情小說嗎？

慾望，是每個人的本能，是生活中本來就有的東西，所以在恰當的時候展現慾望，其實更貼近真實，讓讀者或觀眾能感受到人物的體溫，能深入到人物的內心，也更能被帶入到故事中。

在現實生活里，人人都帶著面具。

而在床上，人赤裸相見，彼此更加坦誠，更容易把真實的自我展現出來。

電影里也一樣。

很多大尺度場面並不是可有可無，它對於推進劇情、增進人物之間的關系或激發人物之間的矛盾都非常重要，或許通過其他方式也能達到這種目的，但是沒有這種方式直接、徹底、節省鏡頭而且讓觀眾容易理解。

就像再《色戒》里，沒有那場聞名遐邇的床·戲，王佳芝和易先生的關系也不會出現跨越性的發展以及微妙性的轉變，這為後面的劇情轉折埋下了伏筆。

李安其實大可不必讓過程顯得那麼真實，在現實中產生那麼大爭議，但是你看過那個場面後難道不會覺得李安的安排絕妙嗎？

還有《泰坦尼克號》里，傑克為蘿絲畫的裸體畫。蘿絲真的有必要全裸入畫嗎？

還不是為了凸顯蘿絲和傑克的關系已經有了更深入的發展，還有什麼比畫裸體畫更能展現兩人之間純潔而熾烈的愛呢？

當然這也是為了之後兩人在車里那隻手印埋下伏筆。

正是這樣有層次、不斷加強地敘事方式，才能將觀眾引領進入故事，才能真正講好故事打動觀眾。

電影中的大尺度鏡頭，很多時候仁者見仁，智者見智，藝術這種高大上的東西，似乎只有一部分人看得懂，作為一個俗人，大尺度鏡頭最好避免未成年人觀看，容易誤導未成年人的三觀。 時，從導演和編劇來說，大尺度鏡頭可以更好的體現出電影中的藝術性，是必須拍出來，這樣也可以吸引不少眼球，也可以提高一定的票房。也會提供給大家對這部電影的爭議性，有些電影大尺度鏡頭既唯美又順應劇情的發展，讓人看了不僅還能最大限度的刺激荷爾蒙，比如外國的一些電影，就經常可以看到一些大尺度的鏡頭，正是這些大尺度鏡頭，讓這些電影成了經典，讓人看了如沐春風，值得回味。 以，個人認為，大尺度鏡頭不應該一棒子打死，應該根據電影的劇情需要和發展，應該有的時候就有，不應該需要的時候就不要，這樣，才能給觀眾更好的視覺體驗和精神上的滿足。

電影中激情戲到底是導演的需要，還是藝術的需要呢？

說起電影中的大尺度鏡頭，就讓人不得不想起韓雪，因為韓雪就曾經直言自己拍戲有幾個規定，其中不拍吻戲就是原則之一，金星也忍不住吐槽，不拍吻戲你來幹嘛？吻戲絕對算不上大尺度，但照樣有人不能接受！

可是有時候電影真的需要一些大尺度鏡頭，畢竟男女主角情到濃時，一個吻恰好就是 情感 的升華。特別是在某些生離死別的戰爭場景，男女主角發乎情止於禮，這是在很難讓觀眾達到 情感 的共鳴。就像《西西里的美麗傳說》，如果不展示醜陋，誰人又能夠體會到美好？

當然，除了男女之間，有時候也有男男之間，或者女女之間。比如王家衛的《春光乍泄》，這部電影中有不少鏡頭需要演員放得開，如果不是演員的努力，這部電影也很難出彩。

當然，有時候也有例外的情況，大尺度鏡頭僅僅只是為了吸引觀眾，最典型就是國產鬼片，劇情不行，大尺度來湊，有時候看見這些場景真是懷疑這屬於哪一種電影？

所謂的「必須」是指「一定，少了它就不行」的意思。而我們在看電影的時候，常常會看到一些令人羞羞的畫面，甚至是非常大尺度的。有些觀眾認為，這無非就是電影創作者為了帶動話題或者是滿足觀眾的好奇而加入進去的橋段。

其實不然，從編劇或者導演的角度出發，有些電影，尤其是偏向於作者電影（個人風格濃烈）的作品中，當男女主角乾柴烈火之時，會選擇保留部分片段甚至將過程直接呈現給觀眾，這是一種多方位得展現主人公 情感 與心理的設定。而這激烈的畫面之後，人物可能就會受到其他線索的影響，關系發生了變化。

如果沒有這一部分的畫面呈現，觀眾也能get到雙方的關系變化，但是一旦加入了，甚至事無巨細得展現出來，觀眾不僅能夠得知人物關系 情感 紐帶的濃烈，還能從這一關系中挖掘出更多有趣的人物心理。

就拿《色戒》來說，人物的 社會 地位和主動、被動的關系都在那場被刪的一干二敬的尺度戲里演繹了。尺度戲在這里不再是博眼球的噱頭或者話題炒作，而是真正為劇本和劇情推動服務的片段。

在有些經典的例子，比如《泰坦尼克號》里男女主角在一輛車里的尺度戲份，最後二人在玻璃窗上的手掌印，這個鏡頭至今經典無比。這讓人看起來充滿了情慾，但同時又不顯得低俗，是浪漫到極致的 情感 共融。在我看來，像這個鏡頭對於《泰坦尼克號》來說就是必須存在，而且是絕妙的存在。

所以，這些大尺度的片段也要看創作者的需求和觀眾心理是如何把握的，沒有絕對的必須之說，只有放在當時的環境下是否合適或者說是否有增加效果的說法。

不能說必須的吧，應該是許多電影藝術作品用大尺度鏡頭表現會更完美。

比如婁燁的電影。

婁燁是一個很擅長用情慾鏡頭敘事的導演。

婁燁對於暴露鏡頭的執著應該跟他本人想向觀眾傳達的觀點思想有自己的理解有關。就像弗洛伊德對美學的認識，它認為人性的一切行為都跟性意識有關。

人出生的時候是裸露著的，這是最真實，最初的模樣。我想裸露應該表達著一種還原、真實。

人性的慾望、貪婪、卑劣、卑微在現實生活中苦苦掙扎，謀求生存。這些通過裸露鏡頭來表達，最合適不過。

裸露鏡頭，是一種很大膽深度挖掘人性，呈現還原人性最真實的一面的表現手法。

在電影中拍裸露鏡頭不是難事，也不再少數，但是能通過裸露鏡頭傳達某種觀點，引發思考，就不是件容易的事情了。

不是必須的，卻是必要的，然而也只是針對部分創造者而言。是否使用大尺度，和導演的創作風格有關。

比如，想要表現一個女子的肉體美，有些導演直接用裸體鏡頭表現，或正面或背面，通過直觀的肉體展示，表達美；有些導演通過朦朧的方式表現，比如女子的身體上蓋著一層薄紗，但是曲線畢露；有些導演則喜歡留白，比如只拍脖頸部位，或者拍腳，讓觀者去想像。

比如，想要表現男女之間的情慾，有些導演直接完整呈現，赤裸裸的視覺沖擊；有些導演給一個遠景鏡頭，觀者知道男女演員在演繹什麼內容，卻無法看的真切；有些導演也是點到為止，接吻之後便移開機位，用光線或者聲音告訴觀者發生了什麼事。

比如，想要表現劇中人的悲傷或者沮喪，讓其在花灑下淋浴。有些導演既拍全了肉體又拍全了表情，有些導演只拍表情，將鏡頭定在脖子以上，有些導演拍全景，演員蜷縮在一處，看的見肉體卻也看不清肉體。

諸上種種，都可以傳達出導演的意圖，觀者都可以領會到劇中的情節在說什麼。那麼，是不是說大尺度的震撼力更強？也不盡然。視覺沖擊上來講，大尺度的刺激量更大。但是如果從震撼力的角度說，一個眼神的特寫不見得就弱於一個肉體的特寫，比如《泰坦尼克號》中傑克給柔絲畫人體畫的一組鏡頭，國內公映的版本里刪除了柔絲全裸的畫面，只保留了傑克畫畫時柔絲看他時的那種眼神以及傑克畫的時候他看柔絲的眼神，只看兩個人互相對視的眼神，你便感知到了愛意在視線中的流淌，即便後來看到了未刪節的鏡頭，你不過是輕嘆一下柔絲的美，而當初最打動你的，卻是他們的眼神，不是肉體；然而，必要的時候，大尺度的震撼力又絕對佔了上峰，比如《色戒》裡面的激情戲，王佳芝如何吸引住易先生？或者說，王佳芝憑什麼可以吸引住易先生？如果僅僅是通過眉目傳情，就讓心理極度扭曲極度缺乏安全感的易先生看上王佳芝，那就沒有什麼說服力。通過那段大尺度床戲，觀者既明白了易先生為什麼和王佳芝上床，也明白了易先生的不尋常心理。李安很會選人，王佳芝的角色必須要身材好同時演技在線，以便讓觀者意識到，那是什麼樣的女人才能吸引住殺人魔易先生。這一段，風花雪月的表達手法還真是不行。

大尺度鏡頭的目的是為了塑造人物的真實性，它之所以被談論，是因為和人倫道德的束縛相沖突，即便那些電影審查寬松的國家，對大尺度電影是否適合公映也是謹慎得很，畢竟，真實最傷人。真實性的表達不一定要藉助大尺度，它可以是隱晦的朦朧的，但是，當大尺度出現的時候，觀者應該感謝創作者的勇敢。你可以疑惑他們為什麼非的脫？可以不用脫，有的時候甚至沒必要脫，可還是脫了。脫了，就有它的道理，不僅僅是過了一次眼癮的事。

個人電影的大尺度鏡頭不是從藝術角度，而是審查和傳播角度的一種標准。藝術這種純感知的東西，外延應該和人類的想像力等同，可以無限擴張的，但從藝術傳播的角度來說，必須用尺度作為圍欄，否則任由藝術家放飛思想，各種突破普通人認知下限的東西就會蜂擁而出了。

比如世界十大X片，看完後心理陰影面積比中國還大。

而現在我們看到的電影領域的「大尺度」，包括很多方面的內容，比如裸露、血腥、粗口、政治明敢詞等，這些內容在審查者眼裡，都有可能構成他們認知裡面的「大尺度」，甚至「超尺度」。所以有時候作為電影指揮棒的導演，他的藝術審美角度可能需要一些「大尺度」的鏡頭傳遞自己的理念，但未必能夠如願以償的實現。

之前何平導演在鏘鏘三人行裡面講過，導演最難的一點就是如何完整展示自己想表達的東西，每個人對於藝術的認知和審美高度不同，可能對同一個鏡頭產生完全不同的解讀。這還不是審查的問題，即使是拍攝製作過程中，導演和演員都會有很多關於「大尺度」的沖突。

當時曹穎和竇文濤聊到一些影視劇中裸戲的問題，曹穎就坦白有時候一些導演和劇組就為了博眼球，刻意加一些毫無意義的裸戲在劇情中，這種情況她會堅決抵制，寧願少拍一部戲也不能助長這種風氣。

何平導演這時候表示反對，他說其實有時候演員在用自己的世界觀去評估導演的一些鏡頭設計，比如說我們想拍一個女性在出門前換衣服的鏡頭，導演設計了很多細節來反映女主角的性格和情緒變化，比如脫衣服的一些細節、穿衣服的一些動作和表情，其實都是有自己的藝術表達的。但有時候到了演員眼中，變成「你就是想看我換衣服」，其實不是這樣，純粹是雙方對於藝術的理解和溝通不到位的結果。

我個人比較支持何平導演的立場，其實那些所謂的「大尺度」鏡頭的沖突，其實就是各方協商失敗的產物，真正的藝術領域應該更加有突破和挑戰，才能讓電影藝術的價值得到升華。

我覺得從藝術的角度來看，有些大尺度鏡頭是必須的。

首先，先說劇情。如果一部好的電影缺失一些大尺度鏡頭會喪失劇情的完整性，無法精確的表達導演或編劇想要達到的熒幕效果。所以我一向更青睞未刪減的影片，不管整部影片最終呈現的效果是褒是貶，都需要最大限度的保留原作的完整性，只有這樣才能以最純粹的視角和思考來理解導演的意圖。當然有些影片還是會超出我的認知，而其中的大尺度鏡頭對劇情理解的幫助也是因影片而異。

其次，我們來舉幾個例子。比較早的一部限制級影片《發條橙子》，這部影片自拍出來就爭議不斷，當年更是刪掉了多達30分鍾的大尺度鏡頭才得以公映。我也不知道具體看的是哪個版本，至今有些鏡頭所表達的劇情仍然不好理解。但即使這樣，人性的丑惡、貪婪、情慾、荒誕都一定程度得到了完整的展現。電影有時就是真實的人生，無論《發條橙子》遭受了多大的爭議，敢在1971年拍出這樣的電影，足以讓我對整個劇組表示致敬，尤其是片中飾演被侵犯的幾個女性演員，感謝她們為電影所作出的極大犧牲。

再說說我們的功夫巨星李小龍。李小龍的功夫片無論對香港電影還是世界電影的發展都具有里程碑式的意義。之後的很多年，很多影視作品都能看到有模仿當年李小龍電影的影子。包括著名演員和導演周星馳，如果不看李小龍的電影，就沒法理解周星馳在《功夫》中致敬李小龍的一些小的設計。說回正題，李小龍的《猛龍過江》，其中唐龍在義大利外出遊玩時碰到一個香艷的義大利女性，唐龍對女主的告誡還記憶猶新，對這個義大利女性報以微笑，以示友好，誰知剛剛進入公寓該女性就開始脫衣服…原來唐龍不幸偶遇了一個義大利風塵女子。這個小插曲我在刪減版的《猛龍過江》並沒有看到，觀眾當然沒法理解那個漂亮的義大利女性出現要表達什麼樣的意思。

接下來我們來看一個比較極端的電影《巴黎最後的探戈》，一部成就和爭議都十分巨大的電影。導演貝托魯奇和馬龍·白蘭度雙雙獲得了奧斯卡提名，但也由於瑪利亞·施耐德的死，這部影史巨作再次被人們推向風口浪尖。其中，馬龍·白蘭度和瑪利亞·施耐德的一場激情戲並未事先告知女主瑪利亞·施耐德，從而造成了真實的身體接觸，19歲的年紀在不被告知的前提下被侵犯的真實反應有些過於「真實」了，已經超出了一個職業演員的職責所在，最終瑪利亞·施耐德的一生都被性愛的標簽所困擾，她的生活也被自毀的面目全非，感情糾葛和毒品時常為伴，最終在2011年2月5日不幸去世，結束了波折的一生。當然這樣極端的例子無論從人權還是女權，或者尊重女性的角度都不應該得到推崇，哪怕是受到再多的專家和觀眾的肯定。這種電影即使不拍也不能違背女性演員的真實意願。

最後，我覺得如果是劇情的需要，一些大尺度的鏡頭是需要的。而觀眾觀影的動機是有很大區別的。一方面，如果是沖著電影本身，還是應該端正態度，把這些大尺度鏡頭當作客觀的真實存在就好了；另一方面，如果是好奇心的驅使，專門為了看大尺度鏡頭，很多時候不如去看成人電影那樣直接。由此我想到一個同樣飽受爭議的行業——人體模特，他們或為藝術或為生計，給美術學院的學生們做人體模特，只是職業的需要，不應該受到 社會 的歧視。借用范偉早年的小品來說「低檔商品用假人，高檔商品真人展示」。回到電影本身，隨著電影的發展很多大尺度鏡頭都會盡可能保護演員的隱私而得到更科學合理的處理，這一點還是十分提倡的，因此，單純為看大尺度鏡頭的觀眾們可要失望了。

我覺得是需要的。

故事只有真實才能引發共鳴，產生思考。

如果將一些大尺度的情節刪掉，後續用什麼來彌補故事性。電影的每一幀都是有存在的理由的，每一個畫面都是為了強調和解釋它想告訴你什麼。

如果沒有的這些畫面，大家去感受的時候共鳴要如何產生。

就像《悲傷逆流成河》，大家都知道校園霸凌不對，就像《霸王別姬》，大家都知道應該尊重同性戀，就像《我不是葯神》，大家也知道就醫難是一個嚴重的問題。

如果我直接用言語告訴你該怎麼做，大家會聽嗎！

要知道從小到大聽父母言的人真的很少。

甚至一篇新聞文章《國旗為誰而降》，它每一個字都是在講述的一個問題，而引起共鳴之後，大家回會用什麼方式去解決。

一旦讓人感覺到假，不夠真實，脫離了現實，共鳴如何引起。

所以說存在便是合理的。

㈡ 從美術的角度評價小豬佩奇

小豬佩奇是一部充滿濃濃愛心的動漫劇，它對培養孩子的愛心，值得肯定。在劇中，媽媽溫柔平和，父親體貼能幹，佩奇和弟弟喬治頑皮聰明，喜歡動腦筋，這都是孩子生命中，最不可缺的元素。如果從美術的角度評價，我以為，這部動漫，以簡筆畫的形式，建構了小豬佩奇及他的爸爸、媽媽、弟弟、爺爺、奶奶等的不同形象，並賦予這些動畫形象以詼諧幽默的風格，使孩子看時趣味橫生，笑聲不斷。畫面線條簡潔凝練，清新自然，色彩單純，富有韻味，畫面生動有趣，富有生活趣味。看似雞毛蒜皮的一些瑣事，在動漫家的筆下，卻具有了開心活潑的視點，使兒童從中得到歡笑。本劇形象突出，豬格各異，性格鮮明，生動有趣，這完全依賴於動漫家對生活觀察的細微，對生活瑣事的體察入微，使他們從不同的生活小事中，提煉出佩奇與生活中的豬物們的鮮明個性，從而彰顯出劇作家對生命認知的深刻，原本就藏在一些雞毛蒜皮的小事中，而不是那些空洞的、虛假的、看似高大上的了無靈魂的行屍走肉上。

㈢ 假如你是導演，如何在電影中借鑒美術創作的經驗

美術中的色彩語言，在電影中很有用處，比如：《希特勒的名單》一切都是灰調子，只有一個小女孩的衣服透出血紅色異常眨眼。再比如，鬼片與喜劇片的色調、場景布置截然不同，以此類推。

㈣ 電影經典的賞析應該怎麼做主要是從音樂和美術（繪畫）的方面來考慮，大學選修課的考試

從美術角度賞析的話主要從演員的服飾搭配色彩是否統一美觀協調。然後就是出現的一些場景比如公園，餐廳，街景是否能符合電影所需要的環境，他們的裝修風格是否協調，演員所穿的衣服能否融進去，這點在張藝謀的電影里有所體現。然後再看看電影所用的鏡頭是否給的合乎情理，該是廣角的時候是否用到了，近景的鏡頭是否給的合理。
在音樂方面主要看音樂的節奏是否合乎電影的情節，給的特效是否及時，音樂能否打動人顯得尤為關鍵，很多音樂因電影而被人們所銘記，或者相反這些都能夠體現電影音樂是否配的很好。
大體上就這些。這是我個人的觀點，希望能幫助到你。我是學美術的。

㈤ 急急急 求從繪畫色彩的角度來解析電影張藝謀的《我的父親母親》中的色彩效果的論文一篇

這個……我覺得老謀子是美術設計出身，在他的電影里，顏色似乎比情節更加出眾，只不過電影是要講故事而不是看顏色，雖然他的大片不少，不過爭議也不少。
你就從顏色情感入手唄~畫面顏色體現當時演員什麼心情，表達導演或者編劇的什麼用意。

㈥ 求《冰河世紀4》影評，從專業美術角度，500字以上，急需，謝謝

今年的聖地亞哥動漫展上，藍天工作室坦言計劃將接著拍《冰川時代》的第五、六集，組成一個新的三部曲。只是當年以慢工出細活聞名的藍天動畫，如今也追趕上好萊塢一年一部的慣常流水線製造速度，這部續集整體上沒什麼獨特的優點，色彩養眼，動物賣萌，插曲動聽，不知道這些能不能算？至於本片一流的硬體水準就更不值得一提了，如今整個好萊塢技術方面一家親，就連曾經以技術稱霸好萊塢的皮克斯如今都難以讓人感覺驚艷了。這雖然是一部有點蠢的電影，但有品牌續集的招牌在，評論和口碑已經無法阻止它吸金的速度了，那些和這一系列一起成長的孩子就是票房的保證。

這一集的故事主題是親情，大陸漂移讓猛獁象一家分開了，猛獁象曼尼、劍齒虎迪亞哥、樹懶希德、樹懶希德的奶奶組成的小分隊遭遇了海盜幫的襲擊，冒險之後動物們懂得了「我們是一個大家庭」的道理。這就像一出動物版的《奧德賽》，主題變得淺顯易懂，其實低齡化的故事倒不是影片的問題所在，重點在於新鮮創意的缺失，整部電影里，你很難找到獨特的亮點和有趣的段子。動物們還是延續了前三部的性格特點，希德的惡意賣萌，松鼠史奎特和松果的難舍情緣，這都有點讓人審美疲勞了。創意的新鮮感其實早在第二部的時候就已經消費了，第三部就已經顯得像狗尾續貂，如今倒好，還要續一個新的三部曲。敢情藍天工作室是要學習《哈利波特》系列啊，讓觀眾群和電影一起成長，只是人家魔法少年是隨著成長越來越越黑暗；這群動物倒好，反而越來越低幼。就算是動畫片，也要稍微的考慮一下成年觀眾吧？觀眾群如果真的如藍天所願，最好都是弱智，否則真的很難一直從中找到什麼樂趣。想當年第一部的時候，我們看到松鼠和松果「我的眼中只有你」的難舍姻緣，我們發自內心的一句「哇哦」！如今第四部了，我們看到松鼠依舊為了它的松果上天入地，惹出各種麻煩，我們只能邊扶額邊納悶「原來這都可以啊」！不是你們的創意變得多麼癲狂了，是我們已經審美疲勞傷不起了。缺少新鮮的想像力是個問題，太有想像力，以至於徹底癲狂了也是個很嚴重的問題，總之新的貂牌三部曲重新起航了。

海盜幫里新角色倒是不少，卻只有史前猿格特和母劍齒虎希拉兩個角色戲份較多，性格平庸也沒什麼值得一提。什麼？劍齒虎戀愛了？這算什麼驚喜，當我看到母劍齒虎三個字的時候，我就知道它們在一起了。前幾部的癲狂和諷刺似乎不見了蹤影，台詞很水很愚蠢，邏輯很傻很天真，創意再消費就算了，想像力欠奉也就算了，關鍵是連搞笑的段子都沒幾個。如今在好萊塢，凡是和喜劇倆字沾邊的，不多帶幾個搞笑段子，有人好意思出門見人嗎？

當然這部電影也是有不少亮點，比如片頭和片尾的那幾分鍾，比如最後看著配音演員齊齊亮相，還有那麼多熟臉。片中希德的奶奶和海中女妖倒成了這部最大的亮點，雖然無法和當年的松鼠和松果的驚艷感相比，但麻辣奶奶和她的寵物，以及女妖們的醜陋外型還是會讓觀眾精神為之一陣。

雪上加霜倒是影片的3D效果，它的3D也就比《畫皮2》稍微強那麼一點點，絕對稱得上今年到目前為止，3D效果最差的一部好萊塢進口大片。無論比拼賣萌賣腐，比拼溫馨或創意，還是比拼低幼或全家歡鬧劇，《冰川世紀4》都會輕易被同類型的動畫片甩出幾里地。如果你家剛好有五六歲的孩子倒是可以選擇一起去看看，估計那個年齡段的孩子還能樂上一會兒。

㈦ 如何確定影片與眾不同的美術風格

你的提問太抽象了，你首先需要定位影片自身屬於什麼風格，影片的美術風格是由劇本來決定的，比如古裝戲，什麼年代，什麼國界...
如果你是一名導演，你需要的不單是找回時代感，還有相應的無數細節，如果你是美工，你必須把一切細節處理的惟妙惟肖。如果你是攝影，你必須讓你的構圖光效完美無缺。立場不同「美術風格」的角度也不同。

可以大致分，關鍵在於你看片的感覺，比如詩意電影，俄羅斯的風格就很突出，像《西伯利亞的理發師》，《安娜，卡吉林那》...
性幻想的片子法國很牛逼，風格突出，比如《羅曼史》，《我的母親》...一看就是法國貨
不過有導演風格很強的片子，比如王家衛。所以這東西真不好說。
固定風格沒有，大致的需要你看電影的累積，慢慢來吧，確實記不了。

㈧ 從美術角度寫《獅子王》的觀後感

「《獅子王》為什麼好看？」
無可救葯地重溫了《獅子王》一下。被感動了兩次。
第一次：木法沙之死。
第二次：成年辛巴著這夜空說：你說過會一直在我身邊的！可是你沒有！
小時候，看獅子王不下20遍。父親知道我喜歡，便問我，為什麼《獅子王》好看？
當時我一點都回答不上來，我以為父親希望我回答得想觀後感一樣頭頭是道。後來我一直沒有回答這個問題。直到今天，我越發覺得我回答不了。
父親勞碌一生，十年前他這樣問他還很不懂事惹他生氣的孩子。不知道十年後的今天，他還記不記得他問過這樣的一個問題。我無法了解當時他期盼我什麼樣的答案。十年前我特別敬畏我的父親，敬佩他的才幹，畏懼每次他對待事情的鋒利的眼神。十年過去了，父親已經老了，但是他的才乾和眼神從沒有改變。
當然了，我父親非常愛惜這個家庭，身邊也沒有小人要陷害他，我這個小辛巴一直在大木法沙的環抱下長大。記得小時候看到小辛巴和木法沙玩在一起，扯頭發咬耳朵的時候，我心裡很是復雜。那時候的我或許剛剛才開始探討父愛問題。我想為什麼我從來沒有和父親如此接觸。我們之間的感情在哪裡？
其實，十年過去了，這十年到今天我能夠健健康康高高興興地在電腦面前打字，就是因為有他的愛啊。
木法沙似乎太早地就告訴辛巴輪回啊宿命的東西了，並且要辛巴時刻記住自己誰。辛巴無憂無慮地生活到壯年，或許是到了人類四十而自知的階段，深刻領悟到自己的皇族血統，要回去奪回江山了。（在這里，辛巴逃避過去的生活似乎遭到批判的，因為他在逃避。然而不可否認，這樣的生活讓他認識到了丁滿和彭彭。這段友情和辛巴的成功是分不開的。或許還是那一句，生命就是一盒有各種口味的巧克力。）
而我的父親，也告訴過我，生命中，是你的就是你的。但是他改了後半句，要學會判斷哪些不是你的。父親也告訴我，我們這個家給你強有力的後盾，你盡管去闖，去尋找你自己。他親口說：你多看電影，看一部電影寫一點東西。多看，多看點好，對你以後肯定有幫助。
我愛我的木法沙爸爸。我要他快快樂樂，健健康康的。
然而這個動畫片的經典在影片中是隨處可見的。
首先是故事改編自哈姆雷特，充滿了古典主義的氣息，只是舞台變成了非洲大陸上。故事結尾是刀疤和土狼把the
land
of
pride變得浪跡遍野。辛巴挑戰的時候到來了。那個夜晚，烏雲密布，閃電點燃了枯樹，火光沖天。辛巴取得了勝利，天降甘露，雨水沖走了骷髏，隨著辛巴的代表皇室的怒吼，大地重燃了生機。這些大自然的一草一木、一禽一獸，將古典主義文學作品中的標志性意象展現得淋漓盡致。
時隔快十年時間了，現在再看這部動畫片，感慨萬千。看看成年的辛巴，有一點Tom
Cruise的感覺。成年的娜娜與Scarlett
Johanson有幾分相似。刀疤像極了Al
Pacino，Sarabi就有點Julie
Andrews的風范。
不得不提的是，這是我第一次看的英文原版。十年前的那個中文版VCD的A、B盤或許還在被我遺忘的某個角落裡面。

㈨ 怎樣從美術角度評析電影

你可以看它的畫面的用色跟電影的主題是怎麼協調的,比如,千與千尋就是比較憂郁的用色,畫面製造的氣氛配合情節的艱難.我前面在網上看過一個動畫片段,做的很漂亮,幾乎隨便剪輯一個鏡頭就是一張唯美的畫面.
可以從用線的流暢上來分析.千尋的形象比較質朴,用線很簡潔.比如阿貴做的那些獻給80後的人的那幾部小FLASH就用的很粗糙了，但那是他的需要,他就是用粗糙反映出他的手繪功底!但韓國的那部花木蘭就用線很流暢,又簡潔.
還有你必須看裡面的人物最突出的地方,也就是視覺中心.小新是靠語言和四肢的動作,這樣他的五官就可以不用那麼清晰,但千尋啊,龍貓啊,回憶點點滴滴(都是宮綺駿的)他塑造的人物有很豐富的面部表情,而且,眼睛鼻子和嘴巴在表達一個表情的時候互動性很強,讓人看了覺得真有肌肉在配合表情!
先這么多吧,你自己組織下語言,然後根據這樣的方法再找些角度寫!

㈩ 如何從文藝美學角度賞析電影

正常人看電影是看電影的劇情好不好？人物演技好不好，而你要是從文學藝術的角度來講，就是看他鏡頭拍的好不好景色采景怎麼樣然後這個電影派所有想表達的中心思想是什麼？有沒有一個較高的利益，更多的偏向於專業方面的一些東西了。我們如果僅僅是作為一個普通的牽掛群眾，看電影為了一個樂趣，沒有必要從文學藝術的角度去深究這部電影到底好不好。