電影風格怎麼解讀

『壹』 著名導演謝晉的電影藝術風格，例證解析，欲求詳解，謝謝！如題 謝謝了

如果把二十世紀分成前後兩半，要舉出後半個五十年中影響最大的一些中國文化人，那麼，即使把名單縮小到最低限度，也一定少不了謝晉。 一代有一代的文化。在二十世紀，電影是無可置疑的文化強者。文 謝晉化的層次很多，但其中最令人神往的實現方式，則是社會大眾的群體性投入。一部優秀的電影上演，常常成為一種全民的節日，謝晉和其他傑出的電影藝術家，就是這種節日的執掌者。人無分老幼，地無分南北，誰都叫得出他們的名字，誰都可以評說他們的得失，因此，這片茫茫大地，給了他們最真實的文化地位。歷來向社會公開的文化，最少虛假性。 與其他電影藝術家相比，謝晉的特殊性在於他整整工作了五十年。按說工作五十年的人也不少，但謝晉從青年時代一出場就快速地成了主角，此後一直有聲有色地保持著指揮若定的主角地位，從讓人眼睛一亮的《女籃五號》到讓人熱淚盈眶的《鴉片戰爭》，始終讓萬人矚目，這種情況不多見。即使在國際文化界，這種以五十年的時間一直拳打腳踢地站立在一個行業的第一線的例子也是罕見的。 在《少年游》、《黃花崗》、《雞鳴早看天》等劇中任劇務、場記和演員，這時他確立了向導演專業發展的志向。 中國導演謝晉1947年至1948年開始電影導演生涯，從影後第一部擔任副導演的影片是吳初之根據同名話劇改編的諷刺喜劇《啞妻》。他的成名作是《女籃五號》與《紅色娘子軍》。由謝晉導演的許多影片曾頻頻在國際、國內獲獎，他是目前中國獲獎最多的電影導演。1983年、1985年和1992年法國、美國、印度分別為他舉行「謝晉電影回顧展」。他的作品得到國內外幾億觀眾的承認和喜愛，海外影評家們贊譽謝晉為「當今國際影壇上最有名望的中國人」！謝晉的影片充滿著人性、人情、人道主義精神，具有深刻的內涵和鮮明的個性。他說：「我深信一部影片必然傾注導演最大的激情，是藝術家人品、修養的結晶，也是一次生命的燃燒。」「我拍影片更多的追求美育作用、警世作用 ，希望對祖國、對人類貢獻美。」 謝晉曾三次擔任中國電影金雞獎評委會主任委員，還曾經擔任過威尼斯國際電影節、東京國際電影節、印度國際電影節、塔什干電影節、阿爾及利亞電影節、馬尼拉國際電影節評委。 謝晉還是美國電影藝術與科學學院會員、美國電影導演工會會員、謝晉曾擔任第一屆上海國際電影節評委會主席和中國第四屆長春電影節評委會主席。目前，謝晉為中國人民政治協商會議全國委員會常務委員、中國文學藝術界聯合會執行副主席、中國殘疾人聯合會副主席，復旦大學、交通大學客座教授。 1992年8月8日成立上海謝晉一一恆通影視有限公司，謝晉任公司總經理、法人代表。 1995年任董事長。 1993年3月任上海謝晉一一恆通明星學校校長（2000年正式加盟上海師范大學，成立上海師范大學謝晉影視藝術學院，並擔任院長）。1995年5月任上海大學影視藝術技術學院院長。1998年4月謝晉個人榮獲上海市文學藝術傑出貢獻獎。1998年6月獲香港「海外」文學藝術家協會頒發的中華文學及藝術家金龍獎。歷史拒絕瑣碎。在中國人好不容易過完一個世紀的時候，一切細微的光點都已黯然失色，只有那些連貫的努力、不懈的追尋、密集的成功，才能被歷史認知。謝晉己被歷史認知了，因為他結結實實的擁有半個世紀。他給了人們一種信心：即使在艱難困苦的情況下，中國文化也可能出現以生命歷程組接成的大手筆，下一個世紀的中國文化，正可由此開啟。學者認為，對女性形象的塑造是謝晉電影的一大特色。 1948年，《啞妻》（副導演）從影後第一部擔任副導演的影片是吳初之根據同名話劇改編的諷刺喜劇 1948年，《幾番風雨》、《二百五小傳》（副導演） 1957年，《女籃五號》，成名之作！ 1961年，《紅色娘子軍》，關於《紅色娘子軍》的故事內容，每個人都刻畫在心上，尤其是謝晉導演的這部電影作品，更是成為一代人的記憶。該片以縝密獨特的導演構思、嫻熟冷靜的鏡頭技巧以及曲折的故事情節在新中國電影史上佔有重要的地位。此片獲得了第一屆大眾電影百花獎最佳故事片、最佳導演、最佳女演員和最佳男配角四項大獎。在國內外產生了廣泛的影響。 1962年，《大李，小李和老李》 1965年，《舞台姐妹》，《舞台姐妹》講述了兩個結拜金蘭的越劇女演員經歷了殊途同歸的人生命運。導演謝晉聯手演員謝芳、李緯、上官雲珠與當紅越劇小生曹銀娣，將新舊社會越劇藝人悲苦與自新的舞台生活故事用曲調式的人情話語道出。 1974年，《海港》（與謝添合導） 1975年，《春苗》 1977年，《青春》 1979年，《啊！搖籃》 1980年，《天雲山傳奇》，影片講述了剛從學校畢業的女學生宋薇和馮晴嵐參加了天雲山考察隊後發生的故事，著重刻畫羅群和圍繞他的幾個女性的不同性格，將人物的個性、情感變化與政治風雲、社會矛盾、歷史發展融合在一起，突出了影片主題。本片於1981年獲第一屆中國電影金雞獎最佳故事片獎、最佳導演獎、最佳攝影獎、最佳美術獎，第四屆電影百花獎最佳故事片獎，文化部1980年優秀影片獎，並且在1982年獲得了香港第一屆電影金像獎最佳影片獎。 1982年，《牧馬人》 。1982年，謝晉拍攝了影片《牧馬人》，影片講述了許靈均一個人的成長故事，故事裡充滿了坎坷曲折。《牧馬人》獲得了1983年第3屆中國電影金雞獎最佳男配角獎、最佳剪輯獎；1983年第6屆《大眾電影》 電影《牧馬人》(1982) 百花獎最佳影片獎、最佳男配角獎。影片在上世紀80年代曾紅極一時，在片中出任男、女主角的朱時茂、叢珊也因此脫穎而出。 1983年，《秋瑾》，影片講述了清末，喪權辱國的《辛丑條約》簽訂後，秋瑾隨丈夫王子芳進京上任。她沿途目睹受八國聯軍踐踏的凄涼景象，心情極為沉重。王子芳混跡於清王府內，與一班宦家子弟觥籌交錯，過著醉生夢死的生活。秋瑾不堪忍受，展讀陳天華的《警世鍾》，賦詩抒懷，遭到王子芳的責罵。秋瑾決心步章太炎、鄒容、陳天華等志士的後塵，忍痛拋下一子一女，東渡日本留學。在日本，秋瑾與徐錫麟、陳天華結為同志，誓為革命拋灑熱血。日本政府宣布「取締不法留學生規則」後，中國留學生提出強烈抗議，但留學生中也有人主張妥協。陳天華為此憂憤填膺，蹈海殉國。秋瑾為實現陳天華未竟的事業，決定回國。臨行前，她拜會了孫中山。孫中山委託她回國後挑起浙江主盟人重任。秋瑾回國後，創辦《中國女報》，並接替徐錫麟出任大通學堂督辦。徐錫麟為打開安徽的局面，前去安慶。秋瑾機智地聘請知府貴福擔任學堂的名譽董事，暗中購置武器，組織武裝，同光復會骨幹王金發等人聯絡各地會黨，准備配合徐錫麟在浙皖兩省同時舉行起義。此時，徐錫麟在安慶刺殺了巡撫恩銘，不幸壯烈犧牲。浙江官府接到密電，立即下令捉拿同黨秋瑾。秋瑾面對危局，拒絕撤離，決心一死以醒國人。被捕後，貴福百般逼供， 拍攝《高山下的花環》(1984) 秋瑾威武不屈 ，揮筆在供詞上寫下「秋風秋雨愁煞人」的詩句，神色自若地在軒亭口就義。 1984年，《高山下的花環》，《高山下的花環》獲得了第5屆中國電影金雞獎最佳編劇獎、最佳男主角獎、最佳剪輯獎；第8屆《大眾電影》百花獎最佳故事片獎、最佳男演員獎、最佳男配角獎、最佳女配角獎；文化部1984年優秀影片一等獎；《文匯報》、《中國電影時報》新時期十年電影獎（1977—1987年）故事片獎、導演獎。如此眾多獎項的肯定，依然延續著謝晉的奇跡。 1986年，《芙蓉鎮》。《芙蓉鎮》讓姜文、劉曉慶大紅特紅，並且獲得無數獎項。包括第7屆中國電影金雞獎最佳故事片獎、最佳女主角獎、最佳女配角獎、最佳美術獎；第10屆《大眾電影》百花獎最佳故事片獎、最佳男演員獎、最佳女演員獎、最佳男配角獎。或許，沒有一部影片比謝晉導演的《芙蓉鎮》更加能夠稱得上是獲獎大戶。 1989年，《最後的貴族》 謝晉 1991年，《清涼寺的鍾聲》 1992年，電視劇《陶行知》，尚未公開放映的 1993年，《老人與狗》 ，1993年，謝晉拍攝了影片《老人與狗》。影片詳細敘述了一個僅因為出身富農就受到迫害的女性，因為家境貧寒而出去乞討，結果與一位貧窮老人相遇的故事。影片細膩地描寫了她和初次體會到與女人共同生活樂趣的老人之間心靈的相通。女主角由斯琴高娃扮演，男主角的扮演者是謝添。 1994年，電視劇《三言二拍》總導演。 1994年，電視劇《大上海屋檐下》任總監制、總策劃。此劇被禁，後修改後解禁。 1996年，《女兒谷》 1997年，《鴉片戰爭》，關於影片《鴉片戰爭》，根本不需要用更多的語言來解釋，這部歷史巨片從開拍起就受到全國的關注。影片推出以後深受海內外觀眾的歡迎，又獲得加拿大蒙特利爾電影節「美洲特別大獎」。此外，《鴉片戰爭》也是國產片中在東南亞發行成績最好的影片。《鴉片戰爭》獲得了第17屆中國電影金雞獎最佳故事片獎、最佳攝影獎、最佳錄音獎、最佳道具獎、最佳男配角獎；1997年度中國電影「華表獎」優秀故事片獎；上海影評人獎「永樂懷」1997年「十佳影片」榮譽稱號。 2000年，《女足九號》，《女足九號》是謝晉生前拍攝的最後一部作品，他拍攝這部作品的時候已經是77歲的高齡。《女足九號》講述的是上世紀90年代初，年輕力強的足球教練高波從日本回國重組女足，並帶領女足重振中國女足事業的故事。影片著重刻畫了高波重組女足遇到的種種困難和坎坷，並且帶領隊員們頑強克服困難，最後獲得世界盃亞軍。

求採納

『貳』 如何賞析一部電影賞析電影時要從哪些方面去理解電影所要表達的內容呢

• 正所謂，看電影，所以當然是從「看」，眼睛開始。動作片，那就緊緊的盯住他們的動作，情節片，那就要看他們的表情。但是，還要看到一點，那就是他們每個人物心。看上去很深奧，可其實並不難。電影為了表達出人物，演員們都會把表情盡可能的真實。好的演員，會把那個人物塑造得就像你身邊一個朋友一樣。通過他們的表情，就可以看得出人物的內心。是痛苦？掙扎？還是開心？幸福？跟著人物的內心，一起體驗電影的精彩，是再美妙不過的事了。

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  電影，不僅僅只是想讓我們看，還需要我們聽。傾聽什麼呢？配樂，人物說話的語氣，還有出現在其中細微的聲音。配樂可以說是一部電影的一大亮點，（比如宮崎駿電影中就出了很多大家都很喜歡的配樂，也讓我們記住了久石讓。）配樂，主要為了烘托氣氛的，成功的電影中成功的配樂，總能帶著大家一起進入電影，配合著人物說話的語氣，混合出或者悲傷，或者搞笑的情境。

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  我們要帶著我們的心去看電影，說的高雅些，就是欣賞。看懂了情節，聽著音樂，了解每個人物的心之後，總會有一些感慨。走馬觀花的同志會評價這是部好片還是爛片，而真的用心去體會的，會從電影中的人物看到一些社會現實，或者——自己的影子。也許是自己從前的夢想，也許是和其中某個人物相似的生活經歷。接著——會感情洶涌。那看電影的目的就達到了，給我們有些麻木的生活一些波瀾，一些感動，或鼓舞，或安慰的情感。記住一些事，忘記一些人，然後輕裝信心滿滿的繼續生活。

『叄』 電影的影像風格如何解釋

.情節的發展結構（敘事方式）是形成一部電影風格最重要的因素，其次是蒙太奇的運用（就是場景與場景之間的轉化方式，鏡頭與鏡頭之間的連接方式，情節與情節之間的銜接方式等等）再其次才是視角，構圖，運動，色彩，角色的表現方式，還有就是節奏的把握了。

『肆』 王家衛的電影到底是什麼風格

對於這個問題，王家衛得電影就是他自己的風格，這個世界上就是他的電影就是屬於他的風格。這樣級別的導演拍出來的電影。肯定就是他自己內心的表達。關於王家衛的電影，幾乎每部都是贊美與批判並存的，批判的人覺得他情節散漫無病呻吟節奏拖沓，而喜歡他的確大抵也不否認這些，但沒關系，我就是喜歡他的電影中的情緒和感覺，而王家衛電影中令人著迷的一點就在於他的不確定性，這個不帶有導向主題往往能引起觀者去獨立思考這部電影，這也是為什麼王家衛的電影會讓人無限回味的一點。
總而言之，王家衛的電影從來不需要看懂，影像和聲音成為敘事工具，喜歡也不需要太多理由。
王家衛電影中的對白是奠定了整部電影的情緒與基調，它或許會讓你覺得晦澀難懂或許讓你引發共鳴覺得「啊，這不正是我么！」。不管怎樣，台詞在王家衛電影里佔了極大比重，它和色調，鏡頭語言與配樂構成了一個屬於王家衛的電影世界。
1960年代的香港，阿飛旭仔從未見過自己的生母自幼由養母養大，所以講將自己比喻為「無根鳥」。
開場《Always in My Heart》，溫柔的旋律輕輕轉著，彷彿看到人們面無表情，天氣低沉，一隻無腳鳥在天空上疲倦的飛著。
「我聽別人說這世界上有一種鳥是沒有腳的，它只能夠一直的飛呀飛呀，飛累了就在風裡面睡覺，這種鳥一輩子只能下地一次，那一次就是它死的時候。」
「以前我以為有一種鳥從一開始飛就可以飛到死的一天才落地，其實他什麼地方都沒有去過，這只鳥從一開始就已經死了。」
看《阿飛正傳》印象最深的便是張國榮在那個昏暗小屋獨自跳曼波舞的鏡頭，他在鏡子面前搖曳，扭動，好像一切都是那麼渾然天成，
時光彷彿就停止在那間小屋裡。
這段鏡頭的配樂是西班牙著名音樂人庫卡的曲子，它跟著張國榮的舞姿，慢慢將你帶入旭仔那個頹廢又撩人的情緒里，下降又下降，低沉又低沉。
講到這里不得不在提一下Leslie，Leslie在參拍阿飛正傳的時候，曾對王家衛說，拍電影即使沒有錢也可以找他拍，彷彿已經預料到文藝片票房會撲街的慘淡境況。他真的是一個很神奇的人，即使你不生於他那個時代，也能從流傳下來的影像故事感受到他獨特的魅力，情緒與真誠。他的人生就像是一部令人唏噓的電影，即使這么多年過去了，還是有很多人會時常懷念他，感慨他。再提一句，張國榮全息演唱會正在籌備，應該過不了多久就會和大家見面了。
所以，這個就是王家衛的電影。

『伍』 電影的風格特點都有哪些

1、實驗電影

實驗電影一般是指拍攝風格和製作方式與那些主流的商業和紀錄片相異甚至對立的影片，或者以一種新的視聽語法出現，或者新的類型。

這種電影早期主要是用16毫米膠片拍攝，大部分沒有傳統的敘事情節，主要表現風格是超現實主義和抽象主義。1960年代中期地下電影運動蔓延到西歐之後，人們便絕少使用「實驗電影」一詞，而代之以「地下電影」。

2、超現實主義電影

現代電影的一種運動，1920年興起法國，主要是將意象做特異、不合邏輯的安排，以表現潛意識的種種狀態。

3、室內劇電影

室內劇電影是二十年代出現在德國的一種與表現主義電影相對立的電影。 "室內劇"原來是德國戲劇導演馬克斯·萊因哈特創造的一個術語，專指一種供小型劇場演出的，恪守時間、地點、動作三一律的舞台劇。

4、街道電影

街道電影(st reet film)是室內劇電影影響下出現的一些以街道為主要動作背景的德國電影。齊格弗里德·克拉考爾在《從里加里到希特勒》一書中創造這個詞。

5、黑色電影

黑色電影不是指一種類型，而是指主要歸屬在偵探片或犯罪片中的一種特殊電影風格，往往關注於道德的腐化。東亞黑色電影的開端是1979年著名影星趙雅芝主演的經典電影《瘋劫》。一般認為嚴格意義上的黑色電影應該是好萊塢出品的黑白電影，年代在1940年-1958年之間。也有人將少量歐洲電影或彩色片稱為黑色電影。60年代以後具有黑色電影風格的影片，被稱為新黑色電影。

『陸』 誰能解析下顧長衛的電影風格拜託了各位 謝謝

作為對長鏡頭信息量的補償，導演顧長衛非常重視鏡頭內的人物和場景調度。 影片中弟弟的部分因為涉及一些現在看來有點敏感的話題而被大幅度刪減，比如他的好朋友是同性戀。 看這部電影以前，我不止聽到一個人說《孔雀》是和《陽光燦爛的日子》一樣出色的電影，堪稱近十年來中國電影的傑出代表作之一。但在看過之後，我覺得這個評價對顧長衛在導演處女作中表現出來的才華估計過高。 雖然《孔雀》是一部不錯的電影，甚至已經獲得了今年柏林電影節評審團大獎的肯定，但從整體而言，這種出色大部分來自劇本而非導演本身的功力———而我們考察一部電影優秀與否，絕不能拋棄視聽語言，僅僅看重劇本。 攝影：謹小慎微中的經典 一部電影的影像和導演想要傳達的主題和情緒有著密切關系，所以顧長衛本人雖然可以說是中國目前最好的攝影師，但為了表現人物的憂郁和壓抑，《孔雀》中的攝影手法非常節制、保守，甚至讓人感到僅在「維持最低消耗」。在絕大部分時間里，鏡頭的移動都謹小慎微，基本排除了所有「不必要」的運動鏡頭。也許這會讓大家指認出侯孝賢電影的長鏡頭風格，但我個人覺得如果不是在情緒和敘事上一貫到底，單一鏡頭的時間長短並不能作為長鏡頭適合與否的惟一標准。 影片問題就在於這些鏡頭的使用可能會給觀眾帶來一種零碎而跳躍的感覺，因為在鏡頭和鏡頭之間很少存在電影語言上的關系，幾乎完全是場景之間的單純轉換。作為對這種風格的鏡頭信息量的補償，導演顧長衛非常重視鏡頭內的人物和場景調度，試圖依靠這些元素來彌補鏡頭敘事方面的單一和沉悶。暫且不論觀眾是否喜歡，單從視覺角度而言，本片的大部分室內鏡頭，其構圖和鏡內調度基本上都堪稱經典。 當然，即使在一般觀眾看來，本片的攝影也一定會給他們留下深刻印象，因為觀眾很少能在國產電影中看到那麼通透的畫面和真實細膩的質感。在一部以灰色為主要基調的影片中，觀眾如果細心觀察會發現影片仍然保留了驚人的層次和細節，這是非常難得的。所以雖然有人把《孔雀》和賈樟柯的《小武》、《站台》等影片相提並論，但就攝影層面而言耗資1600萬元人民幣的《孔雀》還是具有不可比擬的技術優勢。 本片的攝影是楊樹，當顧長衛他們這一撥具有相當水準的攝影師紛紛改行當導演後，他應當是中國電影在今後一段時間內坐上頭把交椅的最有希望人選。在《孔雀》中，楊樹表現出了令人嘆服的技術水準，影片畫面傳達出來的詩意韻味，使得觀眾必須要在電影院中看膠片拷貝才能完整領略和體會雖然我相信本片在畫面控制上多少會有一些顧長衛的影響，但總體來說楊樹還是成功地樹立了自己的風格。 □張小北 剪輯：成片劇本各有千秋 雖然公映版本已經長達140分鍾，但我們所能看到的《孔雀》仍然是相對殘缺的一部作品。我看過某個版本的《孔雀》劇本，雖然和最初的原始劇本會有所不同，但仍然和電影呈現出不同的感覺。相比之下，我相信顧長衛基本上就是照著劇本塌塌實實地拍了一個片子。很遺憾的是，他可能大部分時候都在做減法，就是從劇本中裁掉他不用的部分，然後拼湊出需要的東西。 從剪輯角度來說，雖然成片和劇本在處理時間和人物順序上有所不同，但很難說哪個更好一些。影片更側重以自然時間順序進行表達，雖然也是分別講述三人的故事，但在結尾部分就合三為一；而劇本則完全是按照單個人物的線索進行講述，更像一個時間有所重合的三段式故事。 具體到單一場景上，顧長衛在鏡頭分切上顯然很能沉得住氣，大部分場景的鏡頭數都只有一兩個。這樣做毫無疑問會拖慢影片節奏，但因為故事本身的張力，觀眾並不會明顯覺得影片節奏受到了影響。不過可以肯定地說，這樣一部影片如果用看碟的方式欣賞，手裡有遙控器的觀眾會感到比在電影院里難熬得多。 這里又要說到一個老生常談的問題，那就是影片中弟弟的部分因為涉及一些現在看來有點敏感的話題而被大幅度刪減。這樣就導致影片中弟弟的部分有點莫名其妙，很多行為的動機不能得到合理的解釋，也就使得這個部分成為影片中最薄弱的環節。因為前後的不平衡，本來很舒暢的敘事到了這里就不得不停滯下來進行梳理，所以這也可能是導演採用了和劇本不同的結構的原因。 但我個人比較欣賞的一點改動，是將姐姐多年後在街頭偶遇當年解放軍情人的場景，移到影片的結尾。在公映版本中，這個頗為震撼的場景終於將那些因為時間、成本等原因而不得不舍棄的鏡頭所未能傳達出的感覺提了上來。當觀眾看到姐姐在西紅柿攤前無聲飲泣時，我們終於可以和導演、編劇一同感受到「勞苦無常的命運的證據，不被訴說的沉寂衰敗的時光」。□張小北 其他技術環節 美術：傷花靜放，難能可貴 在美術方面，《孔雀》風格鮮明地突出了細膩與真實，作為第五代的中堅攝影師，顧長衛控制畫面與色調的能力使該片默默呈現出平易近人的傷痕美感。 《孔雀》表現的是1976年至1984年普通五口之家的瑣碎生活，那也正是經過浩劫人性復甦的一段時光。影片始終用淡淡的藍綠灰色調真實還原當時的歷史環境下人的無奈與感傷。據說為了追求真實，導演不惜花重金讓美術師做出一條真正70年代風格的小街，這一浩大工程我們在電影中竟看不出半點痕跡，就如同整個片子的美術設計都已經完全融入到觀眾難以察覺的「平淡」之中，看似輕描淡寫、不加修飾，但正是這種不張揚的歷史真實感重塑了最能打動人心的現實生活。 國內很多影片的美術設計都突出花哨華麗的服裝造型或匠氣怪異的燈光畫面，而《孔雀》卻走了一條完全不同的道路，那種清淡而略帶象徵意味的氣質竟和1976年至1984年間藝術界所倡導的「傷痕美術」與「自然主義」如出一轍。這一點在第一部分姐姐的故事中最為明顯，如當姐姐躺在掛滿白色床單的天台上看漫天落下的降落傘，以及徵兵失敗後獨自躲在房間窗檯上絕食的畫面等等。其平淡的構圖與色彩構成可謂精當合理，而且用影片中難得的白色與藍色在這個充滿夢想的女孩身上傾注了詩意；而當她走入家中便陷入昏黃的燈光，干凈純潔的理想被殘酷的現實生活無情打破。如此「傷花靜放」的設計傳達出隱隱的疼痛與悲涼，也更能與該片含蓄沉重的人文關懷融為一體。□駁疑思

『柒』 高手們！請幫忙！電影風格

首先，電影風格 就像飯菜，有清湯寡水、有濃郁肥厚等比較專一的味道，即使也有東北燉的風格、大雜燴等，他們湊在一起所表現的味道就是這道菜的味道。個中味道再慢慢品嘗。但是一道菜中所固定的味道里突然出現一個很不和諧的味道，想必是很難吃的。當然不排除改良的味道，但是菜餚可能已經變成了另一個風格。這是菜餚的進步。
電影如是，有平緩細膩風格的，有緊張急促的、有摩登時尚的、有古樸淡雅的，但是也有無論是拍攝手法還是影片風格，其總體的風格是一致的，違背了其中的風格而大相徑庭，除非是改良,否則是敗筆的。到底怎麼樣才算改良，這還要深究藝術的原則吧。
個人淺談。

『捌』 關於電影風格

首先，我不是很懂這個，我只能隨便說說我的看法，希望不要生氣。
我覺得你說的這些，為什麼說出現一次就是敗筆呢？
我想你給我解釋一下。
你說風格統一，我覺得，這是對，但是有些方面不一定就需要統一。不統一不代表不受歡迎。
就象有的電影開始是一種風格，結尾又是一種風格。都是很難說的。
不過象你說的，較普遍一些/。
其實，我也沒什麼可說的。只是瞎說，希望別生氣/。

『玖』 電影風格和電影特點的區別

電影風格是就像一個人的性格一樣，說白了就是一個導演的風格，電影特點就是電影特鏡頭一樣，就像某個人有什麼特別之處，兩者就像一個整體和個體的區別。

『拾』 電影『剪輯風格』怎麼理解

剪輯作為影視創作中的最後一道『工藝』，是一次重要的藝術再創作過程，對電影的最後形成質量起著舉足輕重的地位. 就是把各種精彩的片段剪輯然後重組在重組。