電影後期場景怎麼製作的

Ⅰ 影視後期製作要學什麼

影視後期製作就是對拍攝完的影片或者軟體製作的動畫，做後期的處理，使其形成完整的影片，包括加特效，加文字，並且為影片製作聲音等。影視後期製作基本上是包括初剪-正式剪輯-作曲選曲-特效錄入-配音合成等一系列工作。

(1)初剪：也稱作粗剪。現在的剪輯工作一般都是在電腦當中完成的，因此拍攝素材在經過轉磁以後，要先輸入到電腦中導演和剪輯師才能開始了初剪。初剪階段，導演會將拍攝素材按照腳本的順序拼接起來，剪輯成一個沒有視覺特效、沒有旁白和音樂的版本。

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(2)正式剪輯：在初剪得到認可以後，就進入了正式剪輯階段，這一階段也被成為精剪。精剪部分，首先是要對初剪不滿意的地方進行修改，然後將特技部分的工作合成到廣告片中去，廣告片、畫面部分的工作到此完成。

(3)作曲或選曲：廣告片的音樂可以作曲或選曲。這兩者的區別是:如果作曲，廣告片將擁有獨一無二的音樂，而且音樂能和畫面有完美的結合，但會比較貴;如果選曲，在成本方面會比較經濟，但別的廣告片也可能會用到這個音樂。

(4)特效的錄入：這個階段是比較關鍵的一個階段，將本身拍攝不到或者拍攝效果不好的地方進行特效製作，這里將運用到十分專業的特效製作軟體，我們所看到的很多具有超強視覺效果的電影正是因為特效錄入這個環節做的十分好。

(5)配音合成：旁白和對白就是在這時候完成的。在旁白和對白完成以後，在音樂完成以後，音效剪輯師會為廣告片配上各種不同的聲音效果，至此，一條廣告片的聲音部分的因素就全部准備完畢了，最後一道工序就是將以上所有元素並的各自音量調整至適合的位置，並合成在一起。

(1)電影後期場景怎麼製作的擴展閱讀

市場上流行的影視後期製作軟體很多，例如After
Effects(簡稱ae)、Vegas、Combustion、VideoStudio、Premiere、EDIUS、DFsion、Shake、AvidXpress等，令人應接不暇。另外，影視技術更新也很快，如何選用合適的軟體確實讓人頭痛。

首先，影視後期製作分為視頻合成和非線性編輯兩部分，兩者缺一不可。視頻合成用於對眾多不同元素的進行藝術性組合和加工，實現特效、剪輯和片頭動畫，而非線性編輯可以實現對數字化的媒體隨機訪問、不按時間順序記錄或重放編輯。AE擅長視頻合成，支持從4*4到30000*30000像素解析度，可以精確定位到一個像素點的千分之六，特效控制等功能非常強大。而Premiere在非線性編輯領域同樣具有突出優勢。由於AE和Premiere來自同一個公司，協調性極好。

其次，必須緊跟市場的發展需求，應盡量選用最流行、潛力最大的軟體。國產的VideoStudio簡單易用，但是功能較弱;Vegas功能不俗，但在易用性、擴展性明顯不如Adobe風格的軟體。眾所周知，Adobe解決方案早已成為數碼成像領域的金科玉律，例如Photoshop、Flash、Dreamweaver、Acrobat等均為業界標准。作為Adobe旗下的軟體，AE和Premiere同樣具有IT人員所熟知Adobe風格界面，減低了學習難度。同時，它們在導入Photoshop、Illustrator等圖像文件時，具有得天獨厚的兼容性優勢。

因此，綜合考慮，可以採用AE+Premiere模式開展影視後期製作的學習。

Ⅱ 電影後期製作問題

我來為你提供一個專業的解答吧：
在傳統膠片電影拍攝的時候，如果在安全框內露了工作人員或者話筒、燈架等一概視為穿幫，嚴格意義上此鏡頭一概需要重拍。而現在數字拍攝電影越來越廣泛之後，有些小的穿幫可以在後期中解決，例如漏線、話筒等等，同時數字拍攝的好處是導演可以實時監視，所以穿幫甚至漏出人的現象幾乎是不可能有的，即使漏了話筒也會給後期帶來很多不必要的麻煩。樓主提到的花絮中的所謂漏人現象，其實是次要攝像機所拍攝的，甚至是專門用於現場紀錄的機器，根本不會出現在最終影片中。
至於如何扣像，鋼絲、話筒等都是很容易去掉的，即使當初沒用綠（藍）背景，也可以在後期中做一個追蹤，鎖定穿幫的畫面指定到一個替換的位置，便可以輕松搞定。其他的數字特技，普遍用扣像（也叫扣藍）技術，再在後期中加入適當的粒子、BLUR、數字抗鋸齒等特效來使合成後的效果更逼真。

Ⅲ 影視製作後期特效都有哪些步驟

【導讀】CG在現代電影中如此普遍，以至於觀眾經常忽視由電腦加強過的鏡頭中，蘊含諸多過程。雖然幕後解析視頻愈發多見，卻少有展現VFX過程究竟如何組成。那麼，影視製作後期特效都有哪些步驟?今天就跟隨小編一起來看看吧!

1.預製作

研發

任何視覺特效流水線的第一步通常是研究和開發。在此期間，工作人員會專注於軟體偏好和技術，決定使用什麼技術方法來製作特效。

預覽

可視化預覽本質上就是將故事板和腳本轉換為低質量、三維動畫形式的特效鏡頭。雖然這並不總能准確反映最終結果，但導演可以知道鏡頭大概是什麼樣子，更好准備攝影風格。

2.製作

三維建模

CG最廣泛使用，最關鍵的用途之一就是三維建模。三維建模發生在整個製作過程的三個階段，因為不同目的而變成有著不同細節的迭代。例如，預可視只要求展示最終產品的低細節版本。

遮罩繪畫

雖然3D模型構成了大部分環境，但很多背景仍是用遮罩創造的。在數字特效崛起之前，遮罩就常用來創建背景，時至今日，它們仍然和以前一樣重要。

主要攝影和參考攝影

在實際拍攝過程中，特效團隊的某些成員通常會呆在現場。雖然他們對於主要攝影沒什麼影響，但會拍攝從環境到個人到看似不重要的道具的大量照片。這些照片用於創建3D模型的紋理，並且對場景的真實屬性如照明，對象的大小等等提供參考。

3.後期製作

現場准備

現場准備涵蓋多種過程，但服務於同樣的目的：准備素材以供要插入的元素使用，其中包括運動跟蹤、遮罩、摳像和色彩校正。

綁定

是綁定使3D模型(如角色和車輛)移動。比方說，一個動物的3D模型最初是靜態的，但一旦被操縱，它的四肢和身體可以進行調整並且做出給定的動作。

動畫

動畫師把運動添加到綁定的模型，並負責大部分CG的物理性。動畫師往往會測試綁定，並試圖「破解」它們，把它們送回綁定部門進行細化，直到完美。

效果/模擬

爆炸，水流和煙霧都是基於模擬才能實現的效果。拋光效果(從鏡頭光暈到虛假的香煙煙霧)被加入現有的場景，在此時最終成品已經隱約可見。

紋理

紋理化是為3D模型增加表面顏色和紋理，使它們可識別並且接近完成。在這個過程中，金屬物體有了光澤，人類有了皮膚。

燈光

現實CGI中最重要因素之一是燈光有多逼真。優秀的照明將准確地模仿設置，而蹩腳的照明往往是虛假感的罪魁禍首。

合成

最後階段已經來臨!在視覺特效解析中，你會經常看到合成，是合成把所有東西結合為成品。

關於
電影製作特效都有哪些步驟，小編就和您分享到這里了。如果您對影視後期有濃厚的興趣，希望這篇文章可以為您提供幫助。如果您還想了解更多關於攝像技巧、後期剪輯的方法及素材等內容，小編整理了影視後期製作技巧匯總，可以點擊本站的其他文章進行學習。

Ⅳ 應該如何進行影視後期製作

【導讀】對於影視後期製作大家想必都不陌生，我們日常看的電影、電視劇，乃至一些小視頻等等，都屬於其范疇之內，其中不乏有很多的特效場景、特效製作等等，今天要給大家介紹的就是一些影視後期製作技巧，下面我們就一起來看看吧。

1、顏色和焦距：顏色和焦距很容易調節過多，造成影片明顯偏重某一色彩或景多方面過份明，粗看一眼感覺漂亮，多看看幾次也不好看了。視覺非常容易疲憊，因而提議影片最少要第二天再查驗下，通常在你感覺OK的情況下，主要參數再回家點，才算是好的。
2、心態調整，積極主動累積：完善的影片應當沒有顯著的缺陷。在視頻後期製作剪接的後期合成環節通常會有那樣或是那般的缺陷，因此應當多總結經驗，多累積。
3、重視顧客：顧客才最掌握哪些的影視傳媒是合乎、接近她們心理狀態要求及其突顯感染力的，這並不是人們製作人的專業技術人員的單一難題。因而針對品牌宣傳點和觸動目標消費群體造成消費力層面，應重視顧客的建議，可是在界面和表現力上，能夠堅持不懈自己的見解。
4、激起寫作設計靈感：好的影視傳媒藝術創意和造型藝術主要表現能提高觀賞價值，吸引住受眾群體的視覺感觀。根據視頻、照片乃至是一句段子、一張圖騰圖片，通常會產生很好的藝術創意設計靈感。
5、擅於溝通交流：溝通交流能夠使自己的專業知識不斷創新，能夠從他人的成功案例和不成功經驗教訓中發覺自己的不夠，對迅速提升視頻編輯製做水準有挺大的協助。
6、高度重視搜集和紀錄：平常有好的藝術創意和念頭要有做紀錄的良好的習慣，高度重視素材圖片的搜集，為影視傳媒剪接出示優良的效仿。
7、不斷提升專業技能：做為專業技術人員，特別是在在造型藝術行業的含有藝術創意性、藝術美、詩意的主創人員製作人，必須不斷提升本身專業技能;根據專業技術培訓、通過自學等方式，時刻掌握業內最新動向及其顧客的高檔要求，可以展現出合乎時代特點乃至是跨越最前沿的影視傳媒是視頻後期製作剪接動畫特效工作人員的重要職責。
以上就是一些影視後期製作技巧的有關介紹，如果你想要從事此行業，這些技巧就要全面掌握，後面還會給大家整理影視後期製作技巧匯總內容，更多關於影視後期製作有關內容，歡迎及時關注環球快問，或者直接去環球網校進行對應課程學習，很多免費資源供大家選擇。

Ⅳ 影視後期製作鏡頭技巧

在影視製作中，尤其是在前期的拍攝中，我們需要對鏡頭的表現技巧非常熟悉，什麼樣的鏡頭技巧表現什麼樣的主題內容，我們都要熟知於心。
在通常，我們提起鏡頭技巧，都能說出幾個耳熟能詳的來，其實鏡頭的基本技巧無非也就這么幾個，一句話概括就是推拉搖移跟甩。當然這說的是鏡頭技巧在運動鏡頭中的技巧，也就是我們通常所說的鏡頭技巧。其實在拍攝中還有相當多的技巧也被稱作為鏡頭技巧，在下面的內容中，我們就將做詳細介紹。運動攝像，就是利用攝像機的推、拉、搖、移、跟、甩等形式的運動
方法/步驟
鏡頭推拉技巧
鏡頭的推拉技巧是一組在技術上相反的技巧，在非線性編輯中往往可以使用其中的一個而實現另一個的技巧。推鏡頭相當於我們沿著物體的直線直接向物體不斷走進觀看，而拉鏡頭則是攝像機不斷地離開拍攝物體。當然這兩種技巧都可以通過變焦距的鏡頭來實現這種技巧效果。推鏡頭在拍攝中起的作用重點是突出介紹在後面的影片中出現的起重要俄人物或者物體，這是推鏡頭最普通的作用。它可以使觀眾的視線逐漸接近被拍攝對象，是逐漸把觀眾的觀察同整體引向局部。在推地過程中，畫面所包含的內容逐漸減少，也就是說，鏡頭的運動擯棄了畫面中多餘的東西，突出重點，把觀眾的注意力引向某一個部分。
用變焦距鏡頭也可以實現這種效果，就是從短焦距逐漸向長焦距推動。拉鏡頭和推鏡頭正好相反。這是攝像機不斷地遠離被拍攝對象，也可以用變焦距鏡頭來拍攝（從長焦距逐漸調至短焦距部分）。作用是有兩個方面，一是為了表現主體人物或者景物在環境中的位置。拍攝機器向後移動，逐漸擴大視野范圍，可以在同一個鏡頭內反映局部與整體的關系。二也是為了鏡頭之間的銜接需要，比如前一個是一個場景中的特寫鏡頭，而後一個是另一個場景中的鏡頭，這樣兩個鏡頭通過這種方法銜接起來就顯得自然多了。
鏡頭的推拉和變焦距的推拉效果是不同的。比如，在推鏡頭技巧上，使用變焦距鏡頭的方法等於把原來的主體一部分放大了來看。在屏幕上的效果是景物的相對位置保持不變，場景無變化，只是原來的畫面放大了。在拍攝場景無變化的主體，要求連續不搖晃地以任意速度接近被拍攝物體的情況下，比較適合使用變焦距鏡頭來實現這一鏡頭效果。而移動鏡頭的推鏡頭等於接近被拍攝物體來觀察。在畫面里的效果是場景中的物體向後移動，場景大小有變化。這在拍攝狹窄的走廊或者室內景物的時候效果十分明顯。移動攝像機和使用變焦距鏡頭來實現鏡頭的推拉效果是有著明顯區別的，因此我們在拍攝構思中需要明確的意識，不能簡單的將兩者互相替換。
搖鏡頭技巧
這種鏡頭技巧是法國攝影師狄克遜在1896年首創的拍攝技巧，也是根據人的視覺習慣加以發揮的。用搖鏡頭技巧時攝像機的位置不動，只是鏡頭變動拍攝的方向，這非常類似與我們站著不動，而轉動頭來觀看事物一樣。
搖鏡頭分為好幾類，可以左右搖，也可以上下搖，也可以斜搖或者與移鏡頭混合在一起。搖鏡頭的作用使得觀眾對所要表現的場景進行逐一的展示，緩慢的搖鏡頭技巧，也能造成拉長時間、空間效果和給人表示一種印象的感覺。
搖鏡頭把內容表現得有頭有尾，一氣呵成，因而要求開頭和結尾的鏡頭畫面目的很明確，從一定被拍攝目標搖起，結束到一定的被拍攝目標上，並且兩個鏡頭之間一系列的過程也應該是被表現的內容，用長焦距鏡頭遠離被拍攝體遙拍，也可以造成橫移或者升降的效果。
搖鏡頭的運動速度一定要均勻，起幅先停滯片刻，然後逐漸加速，勻速，減速，再停滯，落幅要緩慢。
移鏡頭技巧
這種鏡頭技巧是法國攝影師普洛米澳於1896年在威尼斯的遊艇中受到的啟發，設想用「移動的電影攝影機來拍攝，使不動的物體發生運動」，於是在電影中他首創了「橫移鏡頭」，即是把攝影機放在移動車上，向軌道的一側拍攝的鏡頭。
這種鏡頭的作用是為了表現場景中的人與物，人與人，物與物之間的空間關系，或者把一些事物連貫起來加以表現。移鏡頭和搖鏡頭有相似之處，都是為了表現場景中的主體與陪體之間的關系，但是在畫面上給人的視覺效果是完全不同的。搖鏡頭是攝像機的位置不動，拍攝角度和被拍攝物體的角度在變化，適合於拍攝遠距離的物體。而移鏡頭則不同，是拍攝角度不變，攝像機本身位置移動，與被拍攝物體的角度無變化，適合於拍攝距離較近的物體和主體。
移動拍攝多為動態構圖。當被拍攝物體呈現靜態效果的時候，攝像機移動，使景物從畫面中依次劃過，造成巡視或者展示的視覺效果；被拍攝物體呈現動態時，攝像機伴隨移動，形成跟隨的視覺效果。還可以創造特定的情緒和氣氛。
移動鏡頭時除了藉助於鋪設在軌道上的移動車外，還可以用其他的移動工具，如高空攝影中的飛機，表現曠野時候的火車汽車等。其運動按照移動方向大致可以分為橫向移動和縱深移動。在攝像機不動的條件下，改變焦距或者移動後景中的被拍攝體，也都能獲得移鏡頭的效果。
跟鏡頭技巧
指攝像機跟隨著運動的被拍攝物體拍攝，有推拉搖移升降旋轉等形式。跟拍使處於動態中的主體在畫面中保持不變，而前後景可能在不斷的變換。這種拍攝技巧即可以突出運動中的主體，又可以交代物體的運動方向，速度，體態以及其與環境的關系，使物體的運動保持連貫，有利於展示人物在動態中的精神面貌。
升降鏡頭
這種鏡頭技巧是指攝像機上下運動拍攝的畫面，是一種從多視點表現場景的方法，其變化的技巧有垂直方向，斜向升降和不規則升降。在拍攝的過程中不斷改變攝像機的高度和仰俯角度，會給觀眾造成豐富的視覺感受，如巧妙的利用則能增強空間深度的幻覺，產生高度感，升降鏡頭在速度和節奏方面如果運動適當，則可以創造性地表達一個情節的情調。它常常在用來展示事件的發展規律或處於場景中上下運動的主體運動的主觀情緒。如果能在實際的拍攝中與鏡頭表現的其他技巧結合運用的話，能夠表現變化多端的視覺效果。
鏡頭甩技巧
這種技巧對攝像師的要求比較高，是指一個畫面結束後不停機，鏡頭急速「搖轉」向另一個方向，從而將鏡頭的畫面改變為另一個內容，而中間在搖轉過程中所拍攝下來的內容變得模糊不清楚。這也與人們的視覺習慣是十分類似的，這就非常類似於我們觀察事物時突然將頭轉向另一個事物，可以強調空間的轉換和同一時間內在不同場景中所發生的並列情景。
甩鏡頭的另一種方法是專門拍攝一段向所需方向甩出的流動影像鏡頭，再剪輯到前後兩個鏡頭之間。
甩鏡頭所產生的效果是極快速度的節奏，可以造成突然的過渡。剪輯的時候，對於甩的方向、速度和快慢、過程的長度，應該與前後鏡頭的動作及其方向、速度相適應。
旋轉鏡頭
被拍攝主體或背景呈旋轉效果的畫面，常用的拍攝方法有以下幾種：一、沿著鏡頭光軸仰角旋轉拍攝；二、攝像機超360度快速環搖拍攝；三、被拍攝主體與拍攝幾乎處於一軸盤上作360度的旋轉拍攝；四、攝像機在不動的條件下，將膠片或者磁帶上的影像或照片旋轉，倒置或轉到360度圓的任意角度進行拍攝，可以順時針或者逆時針運動。另外還可以運用旋轉的運載工具拍攝，也可以獲得旋轉的效果。
這種鏡頭技巧往往被用來表現人物在旋轉中的主觀視線或者眩暈感，或者以此來烘托情緒，渲染氣氛。
晃動鏡頭技巧
這種鏡頭在實際拍攝中用的不是很多，但在合適的情況下使用這種技巧往往能產生強烈的震撼力和主觀情緒。晃動鏡頭技巧是指拍攝過程中攝像機機身做上下左右前後搖擺的拍攝。常用作主觀鏡頭，如在表現醉酒、精神恍惚、頭暈或者造成乘船、乘車搖晃顛簸等效果，創造特定的藝術效果。這種技巧在實際的拍攝中所需要多大的搖擺幅度與頻率要根據具體的情況而定的，拍攝的時候手持攝像機或者肩扛效果比較好。哈爾濱完美動力小編提醒大家上面講述的這些鏡頭技巧是實際的拍攝中不是孤立的，往往也是千變萬化的，並且可以相互結合，構成豐富多彩的綜合運動鏡頭效果。但我們要採用鏡頭表現技巧的時候，需要根據實際的需要來確定。拍攝的時候鏡頭運動應該保持勻速、平穩，穩定果斷。切忌無目的的濫用鏡頭技巧，無故停頓或者上下左右前後晃動，這樣不但影響內容的表達，而且使得觀眾眼花繚亂，摸不著頭腦，鏡頭運動的方向、速度，還要考慮到的就是前後鏡頭節奏和速度的.

Ⅵ 怎樣自學影視後期製作

一、PR剪輯的學習

1、初步接觸(1~2個月)

要熟練掌握影片的基本剪輯技巧、素材的組織與管理、素材的剪輯處理、各種過濾效果製作、濾鏡製作效果、疊加疊印的使用以及影視作品的輸出。

2、進階練習(1個月)

多機位剪輯 、 轉場技巧、批量字幕、 調色 、混剪輯類的剪輯技巧的練習。找一些自己喜歡的視頻進行練習，不同的轉場技巧多去嘗試。調色就多找一些美食、風景、人物等不同的素材去練習，不要眼高手低。

3、高端案例學習(不斷學習進步)

剖析各類宣傳片、婚慶片等商業高端案例的剪輯思路，根據電影、網劇等熱播案例學習剪輯思路和塑造電影感。另外，剪輯師需要收集各種音效和經典配樂，多研究研究大師的作品。這個肯定是少不了的。

二、AE特效學習

1、初步接觸(2-3個月)

從功能界面、圖形動畫、內置插件、設計理念、表達式認識等基礎知識點著手，快速入門AE軟體的使用。

2、進階練習(1個月)

掌握AE的文字動畫、相冊製作、片頭製作、三維動畫、扁平動畫、真人特效、場景合成等案例製作，為今後深造做准備。

一定要在熟悉軟體基礎的前提下開始進行簡單案例的製作，現在你可以肆無忌憚地套模板了，可能有些朋友會對我產生質疑，你以為套模板很容易嘛?能夠成為模板一定都是大師級設計師做出來的。成功學會套用各種模板，你會在小有成就感的過程中逐漸學會特效製作的思路、圖層的設置，不要不信，這是最高效的辦法。

三、三維軟體學習

如果你已經掌握3DMAX，那就繼續做下去，先不用學習其他軟體，要是還沒有開始學，建議選擇C4D來做影視後期。C4D能做出強大的建模和渲染效果，這個是行業所公認的。

Ⅶ 影視後期製作都包括什麼工作！

影視後期製作就是對拍攝完的影片或者軟體製作的動畫，做後期的處理，使其形成完整的影片，包括加特效，加文字，並且為影片製作聲音等。影視後期製作基本上是包括初剪-正式剪輯-作曲選曲-特效錄入-配音合成等一系列工作。

（1）初剪：也稱作粗剪。現在的剪輯工作一般都是在電腦當中完成的，因此拍攝素材在經過轉磁以後，要先輸入到電腦中導演和剪輯師才能開始了初剪。初剪階段，導演會將拍攝素材按照腳本的順序拼接起來，剪輯成一個沒有視覺特效、沒有旁白和音樂的版本。

（2）正式剪輯：在初剪得到認可以後，就進入了正式剪輯階段，這一階段也被成為精剪。精剪部分，首先是要對初剪不滿意的地方進行修改，然後將特技部分的工作合成到廣告片中去，廣告片、畫面部分的工作到此完成。

（3）作曲或選曲：廣告片的音樂可以作曲或選曲。這兩者的區別是:如果作曲，廣告片將擁有獨一無二的音樂，而且音樂能和畫面有完美的結合，但會比較貴;如果選曲，在成本方面會比較經濟，但別的廣告片也可能會用到這個音樂。

（4）特效的錄入：這個階段是比較關鍵的一個階段，將本身拍攝不到或者拍攝效果不好的地方進行特效製作，這里將運用到十分專業的特效製作軟體，我們所看到的很多具有超強視覺效果的電影正是因為特效錄入這個環節做的十分好。

（5）配音合成：旁白和對白就是在這時候完成的。在旁白和對白完成以後，在音樂完成以後，音效剪輯師會為廣告片配上各種不同的聲音效果，至此，一條廣告片的聲音部分的因素就全部准備完畢了，最後一道工序就是將以上所有元素並的各自音量調整至適合的位置，並合成在一起。

(7)電影後期場景怎麼製作的擴展閱讀

市場上流行的影視後期製作軟體很多，例如After Effects（簡稱ae）、Vegas、Combustion、VideoStudio、Premiere、EDIUS、DFsion、Shake、AvidXpress等，令人應接不暇。另外，影視技術更新也很快，如何選用合適的軟體確實讓人頭痛。

首先，影視後期製作分為視頻合成和非線性編輯兩部分，兩者缺一不可。視頻合成用於對眾多不同元素的進行藝術性組合和加工，實現特效、剪輯和片頭動畫，而非線性編輯可以實現對數字化的媒體隨機訪問、不按時間順序記錄或重放編輯。AE擅長視頻合成，支持從4*4到30000*30000像素解析度，可以精確定位到一個像素點的千分之六，特效控制等功能非常強大。而Premiere在非線性編輯領域同樣具有突出優勢。由於AE和Premiere來自同一個公司，協調性極好。

其次，必須緊跟市場的發展需求，應盡量選用最流行、潛力最大的軟體。國產的VideoStudio簡單易用，但是功能較弱；Vegas功能不俗，但在易用性、擴展性明顯不如Adobe風格的軟體。眾所周知，Adobe解決方案早已成為數碼成像領域的金科玉律，例如Photoshop、Flash、Dreamweaver、Acrobat等均為業界標准。作為Adobe旗下的軟體，AE和Premiere同樣具有IT人員所熟知Adobe風格界面，減低了學習難度。同時，它們在導入Photoshop、Illustrator等圖像文件時，具有得天獨厚的兼容性優勢。

因此，綜合考慮，可以採用AE+Premiere模式開展影視後期製作的學習。

Ⅷ 影視後期製作需要用到哪些軟體

1、premiere(簡稱PR)

premiere，主要用於視頻的剪輯，畫面編輯質量感好，是最常用的視頻剪輯軟體之一，廣泛應用於廣告製作和電視節目製作中。

2、After Effects(簡稱AE)

After Effects是一款圖形視頻處理軟體，適用於從事設計和視頻特技的機構，包括電視台、動畫製作公司、個人後期製作工作室以及多媒體工作室。

3、Final Cut Pro (簡稱FCP)

Final Cut Pro是Final Cut Studio中的一個產品，Final Cut Studio中還包括Motion livetype soundtrack等字幕、包裝、聲音方面的軟體。

4、3DSMAX

3d s max(簡稱max)軟體，由國際著名的Autodesk公司的子公司Discreet公司製作開發的，它是集造型、渲染和製作動畫於一身的三維製作軟體。

5、C4D

cinema 4D是德國Maxon Computer研發的3D繪圖軟體，以極高的運算速度和強大的渲染插件著稱，並且在用其描繪的各類電影中表現突出，而隨著其技術越來越成熟受到很多影視公司重視，在電視欄目包裝領域同樣表現非凡。

Ⅸ 優秀的後期電影製作需要哪些因素

做出優秀的宣傳片是需要製作公司的員工做大量的投入的。當我們觸及一個企業時，首先看到的是經營戰略、發展目標、企業文化、企業規模、產品營銷以及一系列的數字，我們能把這枯燥的數字變成美麗的詩嗎?
美騰互聯認為，製作宣傳片的人，應當具有較高尚的人格情操和絕不低俗的審美情趣;具有雄厚的思辨色彩，說服能力和思想的塑造力;具有刻骨銘心，發人深省的精神震撼力;具有引人向上，催人淚下的道德情感力量。才能將理性和感性，枯燥數據和溫暖記憶融合在一起，曉之以理，動之以情，達到宣傳片的目的。

Ⅹ 建議收藏!影視後期製作的5大技巧

剪輯

1.有時候剪輯師因為要調整時間、空間的關系，或者為了延長時間而擴大空間，為調整節奏、加重戲劇渲染，採用分剪多用、反復插接和移植借用的手法。

2.畫面中間挖格省略法、畫面拼接延長法。

3.聲帶的刪、挖、串、改移位法。

4.利用動作銜接鏡頭、利用動作錯覺轉換鏡頭法。

閃白

剪輯師在視頻製作後期合成時，如果沒有直接用白幀疊化，反而是在原素材上提高gamma和亮度，然後再疊化，這樣畫面的亮部會先泛出白色，然後整個畫面才會顯白。

這樣就會感覺就像光學變化一樣，不會那麼單調，並且最好保持即使在最白的時候也隱約有東西可見，也就是說不採用純白的單色。

構圖

除了嚴肅、力量等表現場景以外，其餘表現場景是盡量採用不對稱構圖的，盡量從視頻製作剪輯、銜接的角度去考慮構圖，不要太執著於單畫面的構圖。

與電視的長寬比，單個鏡頭的構圖是非常困難的。構圖的時候我們通常考慮的不僅僅是在電視上展現出來的那一部分，而是應該全面考慮時間與空間都有變化的、動態的立體構圖。

畫面色彩

畫面中盡量避免純黑，純白色，即使是黑色，採用壓到非常暗的紅色，藍色等來代替，將會使整體的色彩更協調，由整體色調來決定具體的色調。

如果感覺片子不夠亮或不夠暗，盡量盡量避免整體加亮或減暗的絕對方法處理，代之以增大亮部面積和比例之類的相對方法解決。使用曲線工具更易控制畫面局部的調整。

聲音與畫面

對於是環境聲，不必和視頻畫面的製作剪輯嚴格對應，一般來說環境聲先入後出。根據波形圖和畫面的剪切點錯開1-2幀感覺比較好，用眼睛和耳朵去感覺，不要太執著與波型圖和剪切點的一致。

有的時候要考慮聲音傳到您的機器裡面所對應的環境聲比“環境場景”可能要稍有延遲。對於一些大的場景的現場收音與後期製作，我們要注意這點，畢竟光速與聲音的傳遞速度相差很多。

關於影視後期製作的5大技巧內容，青藤小編就和您分享到這里了。如果您對影視後期有濃厚的興趣，希望這篇文章可以為您提供幫助。如果您還想了解更多關於誰信那個技巧、後期剪輯的方法及素材等內容，可以點擊本站的其他文章進行學習。