Ⅰ 世界電影的發展階段及代表作
1、開端,1888年10月14日,路易斯·普林斯使用改進版的單鏡頭攝影機(即MkII)拍攝了電影《朗德海花園場景》。是IMDb認證的人類歷史上第一部電影。該片記錄了一群人在花園里做著一些滑稽的動作。
2、電影初期成長為藝術,1896-1912年,代表作——《火車到站》、《膝行的人》到《水龍出動》、《水龍救火》、《撲滅大火》、《拯救遭難者》等影片,盧米埃爾創造了最早的新聞片、旅遊片、紀錄片、喜劇片等影片樣式。
3、電影藝術初期,格里菲斯在1915年以藝術家的勇氣拍攝出了世界電影史上的經典無聲片《一個國家的誕生》,在1916年又拍攝了《黨同伐異》。這兩部被譽為電影藝術的典基之作,是電影史上的里程碑。
4、電影藝術重要發展期,1946-1959,蘇聯的一些電影工作者拍攝出了一批有感情沖擊力的戰爭片和有一定形象感染力的人物傳記片。如《青年近衛軍》、《攻克柏林》、《易北河會師》等。
5、電影多樣化,1960年,以非理性為基本特徵,是對戲劇化電影更大的一次沖擊。這次電影運動以夏布羅導演的《漂亮的塞爾傑》和《表兄弟》公映起始,特呂弗《四百下》,阿侖雷乃《廣島之戀》在戛納電影節引起轟動為開端。
Ⅱ 關於電影史的
第一部電影影拍攝描述的是:日常生活
第一位偉大導演:麥利遜
早期電影經典演員:卓別林、范倫鐵諾
早期的電影都是「無聲電影」。然而,電影發行商發現,在播放電影時有一個講評人來敘述故事、補上角色間的對話,可以更吸引觀眾。沒過幾年,播放的電影都會在下邊附上字幕,這樣就可以在演員「說話」時,表示出他說的內容。這使得講評人的必要性大打折扣。
早在1829年,比利時著名物理學家約瑟夫普拉多發現:當一個物體在人的眼前消失後,該物體的形象還會在人的視網膜上滯留一段時間,這一發現,被稱之為「視象暫留原理」。普拉多根據此原理於1832年發明了「詭盤」。「詭盤」能使被描畫在鋸齒形的硬紙盤上的畫片因運動而活動起來,而且能使視覺上產生的活動畫面分解為各種不同的形象。「詭盤」的出現,標志著電影的發明進入到了科學實驗階段。1834年,美國人霍爾納的「活動視盤」試驗成功;1853年,奧地利的馮烏卻梯奧斯將軍在上述的發明基礎上,運用幻燈,放映了原始的動畫片。
攝影技術的改進,是電影得以誕生的重要前提,也可以認為攝影技術的發展為電影的發明提供了必備條件。早在1826年,法國的W尼埃普斯成功地拍攝了世界上第一張照片「窗外的景」,曝光時間8小時。而在初期的銀板照相出現以後,一張照片縮短至30分鍾左右,由於感光材料的不斷更新使用,攝影的時間也在不斷縮短。1840年拍攝一張照片僅需20分鍾,1851年,濕性珂珞酊底版製成後,攝影速度就縮短到了1秒,這時候 「運動照片」的拍攝已經在克勞黛特、杜波斯克等人的實驗拍攝中獲得成功。1872年至1878年,美國舊金山的攝影師愛德華慕布里奇用24架照相機拍攝飛騰的奔馬的分解動作組照,經過長達六年多的無數次拍攝實驗終於成功,接著他又在幻燈上放映成功。即在銀幕上看到了駿馬的奔跑,受此啟發,1882年,法國生理學家馬萊改進了連續攝影方法,試製成功了「攝影槍」,並在另一位發明家強森製造的 「轉動攝影器」的基礎上,又創造了「活動底片連續攝影機」,1888年9月,他把利用軟盤膠片拍下的活動照片獻給了法國科學院。
在1888-1895年期間,法、美、英、德、比利時、瑞典等國都有拍攝影像和放映的試驗。1888年,法國人雷諾試制了 「光學影戲機」,用此機拍攝了世界上第一部動畫片《一杯可口的啤酒》。1889年,美國發明大王愛迪生在發明了電影留影機後,又經過5年的實驗後,發明了電影視鏡。他將攝制的膠片影像在紐約公映,轟動了美國。但他的電影視鏡每次僅能供一人觀賞,一次放幾十英尺的膠片,內容是跑馬、舞蹈表演等。他的電影視鏡是利用膠片的連續轉動,造成活動的幻覺,可以說最原始的電影發明應該是屬愛迪生的。他的電影視鏡傳到我國後被稱之為 「西洋鏡」。
1895年,法國的奧古斯特盧米埃爾和路易盧米埃爾兄弟,在愛迪生的 「電影視鏡」和他們自己研製的 「連續攝影機」的基礎上,研製成功了「活動電影機」。「活動電影機」有攝影、放映和洗印等三種主要功能。它以每秒16畫格的速度拍攝和放映影片,圖像清晰穩定。1895年3月22日,他們在巴黎法國科技大會上首放影片《盧米埃爾工廠的大門》獲得成功。同年12月28日,他們在巴黎的卡普辛路14號大咖啡館里,正式向社會公映了他們自己攝制的一批紀實短片,有《火車到站》、《水澆園丁》、《嬰兒的午餐》、《工廠的大門》等12部影片。盧米埃爾兄弟是第一個利用銀幕進行投射式放映電影的人。史學家們認為,盧米埃爾兄弟所拍攝和放映已經脫離了實驗階段,因此,他們把1895年12月28日世界電影首次公映之日即定為電影誕生之時,盧米埃爾兄弟自然當之無愧地成為 「電影之父」。
你若問美國電影界的人,他們會異口同聲地回答:「是愛迪生發明的。」但你如果去問法國人,他們則會說:「是盧米埃!」那麼誰才是電影真正的發明者呢?答案:兩個人都是!根據記載:在1888年,愛迪生開始研究活動照片,而當伊斯曼發明了連續底片後,愛迪生立刻將連續底片買回來,請威廉甘乃迪和羅利狄克生著手進行研究。到了第二年的十月,迪克生提出研究的結果,他將之拍攝成會活動的馬,這就是電影史上最早攝影的成功。成功之後的迪克生,繼續埋首更深的研究,一八九〇年,他用能活動的圖片申請到專利,這些活動圖片每秒鍾能拍四十張,這就是現代影片的鼻祖。一八九一年,托馬斯·阿爾瓦·愛迪生申請影像映出管和攝影裝置的專利權,這是「西洋鏡」電影的鼻祖。托馬斯·阿爾瓦·愛迪生發明「西洋鏡」電影的想法是,由於西洋鏡一次只能由一個人去」窺看」,藉著人們的好奇心,如此便可以增加利益,於是這種電影在一時間非常流行。不久,托馬斯·阿爾瓦·愛迪生又創造了世界最早的攝影棚,大有助於電影的發展。起初,在歐洲,也有人在對這些活動照片作研究。一八九五年,倫敦有兩位名叫巴德艾卡和R.W.保羅的人,把初步的攝影棚改良後,在大庭廣眾之前舉行表演。同時間,在法國有兩位名叫路易盧米埃和奧古斯特盧米埃的兄弟,他們將照片映射在布幕上,因而吸引了大批好奇的觀眾。放映電影就此展開序幕。盧米埃兄弟接著巴黎工業獎勵學會上試映了一部名叫「盧米埃工廠了大門」影片,同年十二月,在巴黎布辛奴街「大咖啡館」的地下大廳,正式公開上映十二部影片,並出售門票。同年九月,在美國亞特蘭大所舉行的世界博覽會,放映這種射映式影片時,也出售門票。如此可知,早在電影產生的同時,就已和營利結下了不解之緣。先驅 (盧米埃)法國化學家,與其北路易共同發明電影攝影機和放映機,為電影實驗的先驅。
奧斯卡終身成就獎
1936年 - D·W·格里菲思(D. W. Griffith) - 為他作為導演和製片人對電影藝術長期的傑出的貢獻。
1937年 - March of Time - 為它開創了電影的一個重要分支-新聞影片
1937年 W·霍華德·格林(W. Howard Greene)、哈羅德·羅森(Harold Rosson) - 為塞爾茲尼克國際電影公司出品的《阿拉的花園》(The Garden of Allah)的彩色攝影技術。
1938年 - 現代藝術博物館電影館 - 為它收藏了從1895年至今的電影資料,確定電影是藝術的重要部分,並向公眾開放從而讓更多的人了解電影的歷史。
1938年 - 埃德加·伯根(Edgar Bergen) - 為他卓著的喜劇天才。
1938年 - 馬克賽·納特(Mack Sennett) - 為他對喜劇電影持久的貢獻,學院提出一個特別褒獎給這位充滿了樂趣、挖掘新人,富有同情心的喜劇天才。
1938年 - W·霍華德·格林(W. Howard Greene) - 為他在《一個明星的誕生》(A Star Is Born)的彩色攝影技術。
1939年 - 亞瑟·保爾(Arthur Ball) - 為他在彩色電影攝影中的傑出貢獻。
1939年 - 哈里·M·華納(Harry M. Warner) - 為他記錄了美國人早期為自由而奮斗的歷史。
1939年 - 華特·迪士尼(Walt Disney) - 為《白雪公主》開創了一個新的娛樂領域。
1939年 - 高登·詹寧斯(Gordon Jennings,特別效果)、簡·多梅拉(Jan Domela,特別效果助理)、德弗羅·詹寧斯(Devereaux Jennings,特別效果助理)、艾爾明·羅伯特(Irmin Roberts,特別效果)、阿特·史密斯(Art Smith,特別效果)、法喬特·埃多特(Farciot Edouart,透明效果)、洛亞爾·格里格斯(Loyal Griggs,透明效果助理)、洛倫·L·里德(Loren L. Ryder,聲效)、哈里·D·米爾斯(Harry D. Mills,聲效助理)、路易斯·梅塞科普(Louis Mesenkop,聲效助理)、沃特·奧伯斯特(Walter Oberst,聲效助理) - 為《Spawn of the North》里傑出的畫面和聲音效果。
1939年 - 奧利弗·T·馬什(Oliver T. Marsh)、艾倫·M·戴維(Allen M. Davey) - 為米高梅公司出品的電影《甜心》(Sweethearts)的彩色攝影技術。
1940年代
1940年 - 吉恩·赫肖爾特(Jean Hersholt,總裁)、拉爾夫·摩根(Ralph Morgan,主席)、拉爾夫·布洛克(Ralph Block,第一副總裁)、康拉德·內格爾(Conrad Nagel)、美國電影電視基金會 - 表彰基金會卓越的工作推動了電影的發展。
1940年 - 特藝七彩公司 - 為它成功地將三色技術應用到銀幕上。
1940年 - 道格拉斯·范朋克(Douglas Fairbanks) - 作為第一位美國電影藝術與科學學院主席,道格拉斯·范朋克為全球電影的發展做出卓越的貢獻。
1940年 - 威廉·卡梅隆·曼澤斯(William Cameron Menzies) - 為表彰他在《亂世佳人》中成功運用彩色技術。
1941年 - 鮑勃·霍普(Bob Hope) - 為他對電影事業無私的奉獻。
1941年 - 內森·萊文森(Nathan Levinson) - 為他過去9年來為電影事業和軍隊的服務,從而可以方便地拍攝軍隊題材的電影。
1942年 - 華特·迪士尼(Walt Disney)、威廉·E·格雷提(William E. Garity)、J·N·A·霍金斯(J. N. A. Hawkins)、RCA製造公司 - 為表彰他們在《幻想曲》中運用聲音的先進技術。
1942年 - 列奧波德·斯托科夫斯基(Leopold Stokowski)和他的同事 - 為表彰他們在華特迪士尼公司公司出品的電影《幻想曲》中充滿創造力的音樂。
1942年 - 斯科特·雷(Scott Rey) - 為他在艱難危險的環境下用16毫米的膠片攝制了一部關於中國戰爭的紀錄片《Kukan》。
1942年 - 英國信息部(United Kingdom Ministry of Information) - 紀錄片《今夜的轟炸目標》(Target for Tonight)逼真地呈現了英國皇家空軍的勇氣。
1943年 - 米高梅公司 - 為出品的Andy Hardy系列電影中展現了美國人的生活。
1943年 - 查爾斯·博耶(Charles Boyer) - 為他在洛杉磯成立了法國研究基金會所作的貢獻。
1943年 - 諾埃爾·科沃德(Noel Coward) - 為影片《與祖國同在》(In Which We Serve)的所付出的努力。
1944年 - 喬治·佩爾(George Pál) - 為他在電影木偶片的製作採用新穎的方法和技術。
1945年 - 鮑勃·霍普(Bob Hope) - 為他為學院所作的貢獻(美國電影藝術與科學學院終身會員)。
1946年 - 丹尼爾·J·布盧姆伯格(Daniel J. Bloomberg)、合眾錄音室(Republic Studio)、合眾音效部門(Republic Sound Department) - 為他們建立了一個出色的音樂錄音室,將各種聲音元素完美得融合在一起。
1946年 - 沃爾特·萬格(Walter Wanger) - 為他六年來作為美國電影藝術與科學學院主席所作的貢獻。
1946年 - 弗蘭克·羅斯(Frank Ross)、莫文·里羅伊(Mervyn LeRoy) - 為短片《The House I Live In》和同名歌曲。
1947年 - 恩斯特·盧比西奇(Ernst Lubitsch) - 他為電影藝術做出了獨一無二地貢獻。
1947年 - 哈羅德·拉塞爾(Harold Russell) - 他在《黃金時代》(The Best Years of Our Lives)的表演給其他退伍老兵帶來希望和勇氣。
1947年 - 勞倫斯·奧利維爾(Laurence Olivier) - 在電影《亨利五世》(Henry V)中集演員、導演和製片於一身。
1948年 - 威廉·塞利格(William Selig)、艾伯特·史密斯(Albert E. Smith)、托馬斯·阿馬特(Thomas Armat)、喬治·K·斯波(George K. Spoor) - 電影的先鋒小組之一,他們為電影的發展貢獻了畢生的心血。
1948年 - 電影《Bill and Coo》 - 將小說的藝術性和電影的娛樂性完美地結合起來。
1948年 - 義大利電影《擦鞋童》(Sciuscià) - 這部優秀的電影把我們帶入了處於飽經戰爭創傷的國家中的悲慘生活,它向世界證明了面對災難,精神的力量可以取得最後的勝利。後來衍生出奧斯卡最佳外語片獎。
1948年 - 詹姆斯·巴斯克特(James Baskett) - 他在迪士尼第一部長篇真人與動畫合演的影片《南方之歌》(Song of the South)飾演的雷姆斯大叔受到全球孩子的喜愛。
1949年 - 西德尼·格勞曼(Sid Grauman) - 劇院之王,提高了電影院的建造標准。
1949年 - 阿道夫·朱克(Adolph Zukor) - 一個四十年來致力電影事業,被稱為美國電影之父的人。
1949年 - 沃爾特·萬格(Walter Wanger) - 他製作的電影《聖女貞德》(Joan of Arc)給全球觀眾帶來道德的高度境界。
1949年 - 法國電影《文森特先生》(Monsieur Vincent) - 1948年在美國發行的最佳外語片。
1950年代
1950年 - 弗雷德·阿斯泰爾(Fred Astaire) - 為他獨一無二的藝術性和在音樂片卓越貢獻。
1950年 - 賽西爾·德米爾(Cecil B. DeMille) - 傑出的電影的先鋒者,37年來光輝的表演歷程。
1950年 - 吉恩·赫肖爾特(Jean Hersholt) - 為他對電影產業巨大的貢獻。
1950年 - 義大利電影《偷自行車的人》(Ladri di biciclette) - 1949年美國發行的最佳外語片。
1951年 - 路易·B·梅耶(Louis B. Mayer) - 為他對電影產業巨大的貢獻。
1951年 - 喬治·墨菲(George Murphy) - 他演繹的電影影響了全國。
1951年 - 意法合拍電影《馬拉帕加之牆》(Au-delà des grilles) - 1950年美國發行的最佳外語片。
1952年 - 金·凱利(Gene Kelly) - 表彰他的多才多藝,作為導演、演員、歌手和舞者對電影的巨大貢獻。
1952年 - 日本電影《羅生門》(Rashômon) - 1951年美國發行的最佳外語片。
1953年 - 梅里安· C·庫珀(Merian C. Cooper) - 為他對電影藝術的很多創新和貢獻。
1953年 - 鮑勃·霍普(Bob Hope) - 他為全球觀眾帶去笑聲。
1953年 - 哈羅德·勞埃德(Harold Lloyd) - 喜劇大師和好公民。
1953年 - 喬治·艾爾弗雷德·米契爾(George Alfred Mitchell) - 為他對攝像機的革新和發展,並在攝影領域持續的努力。
1953年 - 約瑟夫·申克(Joseph M. Schenck) - 為他長期對電影事業的服務。
1953年 - 法國影片《禁忌的游戲》(Jeux interdits) - 1951年美國發行的最佳外語片。
1954年 - 二十世紀福斯影片公司 - 表彰他們創新了西尼瑪斯柯普系統寬銀幕電影。
1954年 - 貝靈巧公司(Bell and Howell)- 為他們發明的電影基礎設備促進了電影產業發展。
1954年 - 約瑟芬·布林(Joseph Breen) - 為他對美國電影製作規范嚴謹而開放的管理。
1954年 - 佩特·史密斯(Pete Smith) - 為他創作的《Pete Smith Specialties》系列短片里幽默敏銳的風格。
1955年 - 博士倫公司 - 為他們對電影產業發展的貢獻。
1955年 - 葛麗泰·嘉寶(Greta Garbo) - 為她精湛的表演。
1955年 - 丹尼·凱(Danny Kaye) - 為他的才能和多年來對學院,電影產業和美國人民的貢獻。
1955年 - 肯普·尼弗(Kemp Niver) - 為他對美國國會圖書館恢復收藏電影資料的努力。
1955年 - 喬恩·懷特利(Jon Whiteley) - 為他在電影《小拐騙者》里出色的表演。
1955年 - 文森特·溫特(Vincent Winter) - 為他在電影《小拐騙者》里出色的表演。
1955年 - 日本電影《地獄門》(Jigokumon) - 1954年美國發行的最佳外語片。
1956年 - 日本電影《宮本武藏》(Miyamoto Musashi) – 1955年美國發行的最佳外語片。
1957年 - 埃迪·坎特(Eddie Cantor) - 為他對電影產業多年的貢獻。
1958年 - 電影和電視工程師協會 - 為他們對電影產業的推動和貢獻。
1958年 - 布朗喬·比利·安德森(Broncho Billy Anderson) - 電影的先鋒者,對電影成為大眾娛樂作出貢獻。
1959年 - 查爾斯·布拉克特(Charles Brackett) - 為他對美國電影藝術與科學學院的服務。
1959年 - B·B·卡亨(B. B. Kahane) - 為他對電影產業的貢獻。
1959年 - 莫里斯·切瓦力亞(Maurice Chevalier) - 為他半個多世紀以來對全球娛樂業的貢獻。
1960年代
1960年 - 李·德·福雷斯特(Lee De Forest) - 為他的創造性發明給電影帶來了聲音。
1960年 - 巴斯特·基頓(Buster Keaton) - 為他獨一無二的喜劇才華。
1961年 - 賈利·古柏(Gary Cooper) - 他在銀幕上留下了很多令人難以忘記的形象,受到全球觀眾的肯定。
1961年 - 斯坦·勞雷爾(Stan Laurel) - 為他在喜劇電影領域的創新精神。
1962年 - 弗雷德·L·梅茨勒(Fred L. Metzler) - 為他對美國電影藝術與科學學院的服務。
1962年 - 傑洛姆·羅賓斯(Jerome Robbins) -為他對電影編舞藝術的傑出貢獻。
1962年 - 威廉·亨德里克斯(William L. Hendricks) - 他編劇並監制的描寫海軍陸戰隊的電影《一支准備就緒的軍隊》(A Force in Readiness)給學院和電影產業帶來榮譽。
1963年 - 空缺
1964年 - 空缺
1965年 - 威廉·塔特爾(William Tuttle) - 為他在影片《勞博士的七張臉孔》(7 Faces of Dr. Lao)中展現的高超化妝技巧。
1966年 - 鮑勃·霍普(Bob Hope) - 為他對電影產業巨大的貢獻。
1967年 - 亞基馬·坎納特(Yakima Canutt) - 為表彰他作為特技演員所獲得的成就和創造了安全的設備以保護全球特技演員。
1967年 - 弗蘭克·弗里曼(Frank Freeman) - 為他在好萊塢30年來對學院的巨大貢獻。
1968年 - 阿瑟·弗里德(Arthur Freed) - 為他對學院的服務,製作了六次最受歡迎的頒獎電視節目。
1969年 - 奧納·懷特(Onna White) - 為她在《霧都孤兒》(Oliver!)里的編舞藝術。
1969年 - 約翰·錢伯斯(John Chambers) - 為他在影片《決戰猩球》(Planet of the Apes)中出神入化的化妝技術。
1970年代
1970年 - 加里·格蘭特(Cary Grant) - 為他在高超的演技贏得了同事的尊敬。
1971年 - 莉蓮·吉許(Lillian Gish) - 為她精湛的藝術性和對電影發展的貢獻。
1971年 - 奧森·威爾士(Orson Welles) - 他製作的電影藝術性強,類型多變。
1972年 - 查理·卓別林(Charlie Chaplin) - 為他整個世紀以來對電影產業無可估量的貢獻。
1973年 - 查爾斯·博倫(Charles S. Boren) - 38年來作為電影業代表,為改善勞資關系和消除種族歧視貢獻良多。
1973年 - 愛德華·羅賓遜(Edward G. Robinson) - 一個偉大的演員,一個為藝術獻身的人。
1974年 - 亨利·朗格盧瓦(Henri Langlois) - 為他多年來對電影藝術的執著和大量的貢獻。
1974年 - 格勞喬·馬克斯(Groucho Marx) - 表彰他的創造力和馬克思兄弟在喜劇電影上無與倫比的成就。
1975年 - 霍華德·霍克斯(Howard Hawks) - 一個美國電影製作大師,在全球電影史上留下他的篇章。
1975年 - 讓·雷諾阿(Jean Renoir) - 一個天才的演員,從無聲電影到有聲電影,從故事片、記錄片到電視都有他的完美的演出,得到全球影迷的愛戴。
1976年 - 瑪麗·畢克馥(Mary Pickford) - 表彰她為電影獨一無二的貢獻並發展了電影藝術的表現手法。
1977年 - 空缺
1978年 - 本·伯特(Ben Burtt) - 為影片《星球大戰》傑出的聲效。
1978年 - 瑪格麗特·布斯(Margaret Booth) - 為她對電影剪輯藝術的貢獻。
1979年 - 現代藝術博物館電影館 - 為它對公眾接受電影作為藝術形式之一的貢獻。
1979年 - 沃特·藍茲(Walter Lantz) - 他創作的動畫片為全球帶來快樂和笑聲。
1979年 - 勞倫斯·奧利維爾(Laurence Olivier) - 他的一生都獻給了電影藝術。
1979年 - 金·維多(King Vidor) - 作為電影的改革者,貢獻巨大。
1980年代
1980年 - 哈爾·埃利亞斯(Hal Elias) - 為他多年來為美國電影藝術與科學學院的辛勤工作和卓越貢獻。
1980年 - 亞歷克·吉尼斯(Alec Guinness) - 為他高超的演技,在銀幕上塑造了眾多難忘且個性鮮明的人物。
1981年 - 亨利·方達(Henry Fonda) - 一個演技精湛的演員,為電影藝術作出光輝長久的貢獻。
1982年 - 芭芭拉·斯坦威克(Barbara Stanwyck) - 她演技高超,富有創造力,為電影藝術作出獨一無二的貢獻。
1983年 - 米基·魯尼(Mickey Rooney) - 為表彰他50年來在銀幕上塑造了豐富多彩的人物。
1984年 - 哈爾·羅奇([Hal Roach) - 為表彰他為電影藝術的卓越貢獻。
1985年 - 美國國家藝術基金會(The National Endowment for the Arts)- 基金會成立20周年,一直為各個藝術領域的項目提供支持。
1985年 - 詹姆斯·史都華(James Stewart) - 為他50年來令人印象深刻的表演,為他銀幕上下都是完美的典型,影響了合作過的人,並得到了他們的敬重。
1986年 - 保羅·紐曼(Paul Newman) - 他為人正直,獻身於自己的事業,塑造眾多令人信服的銀幕形象,。
1986年 - 阿萊克斯·諾斯(Alex North)- 為表彰他在眾多不同的影片中精彩的配樂。
1987年 - 拉爾夫·貝拉米(Ralph Bellamy) - 為他卓越的藝術才能以及為表演獻身的精神。
1988年 - 空缺
1989年 - 伊士曼柯達公司 - 為100年來對電影的貢獻。
1989年 - 加拿大國家電影委員會 - 委員會成立50周年,對電影製作的各個領域提供支持。
1990年代
1990年 - 黑澤明(Akira Kurosawa) - 為他在電影上的成就鼓舞了全世界的觀眾,並影響了全球的電影人。
1991年 - 索菲亞·羅蘭(Sophia Loren) - 為她的一生演繹了眾多令人難忘的角色。
1991年 - 茂娜·羅埃(Myrna Loy) - 為她銀幕上下非凡的美德。
1992年 - 薩蒂亞吉特·雷伊(Satyajit Ray) - 為他精湛的電影表現手法和人道主義的觀,影響了全球觀眾。
1993年 - 費德里柯·費里尼(Federico Fellini) - 為他在電影上的成就鼓勵了全球觀眾。
1994年 - 狄波拉·嘉(Deborah Kerr) - 一位完美優雅的藝術家,一個獻身於表演的演員,她的作品總是完美無缺。
1995年 - 米開朗基羅·安東尼奧尼(Michelangelo Antonioni)
1996年 - 柯克·道格拉斯(Kirk Douglas) - 為他50年來對電影事業持續的創新精神。
1996年 - 查克·瓊斯(Chuck Jones) - 為他半個世紀以來創造了很多經典的卡通角色為大家帶來了歡樂。
1997年 - 邁克爾·基德(Michael Kidd) - 為他編舞的高超技術。
1998年 - 斯坦利·多南(Stanley Donen) - 感謝他終身為電影的奉獻,他的作品優雅風趣、大膽創新。
1999年 - 伊利亞·卡贊(Elia Kazan) - 感謝他長期卓越的工作,他在電影上革新影響了電影界。
2000年代
2000年 - 安傑伊·瓦依達(Andrzej Wajda) - 為他對電影的巨大貢獻。
2001年 - 傑克·卡迪夫(Jack Cardiff)
2001年 - 歐內斯特·萊曼(Ernest Lehman) - 集多種角色於一身,對電影貢獻巨大。
2002年 - 西德尼·波蒂埃(Sidney Poitier) - 為他的非凡表現力。
2002年 - 羅伯特·雷德福(Robert Redford) - 演員、導演和製片,影響了全球的電影人。
2003年 - 彼得·奧圖爾(Peter O'Toole) - 一個天才的演員,一生演繹了眾多令人記憶深刻的角色。
2004年 - 布萊克·愛德華(Blake Edwards) - 表彰他在編劇、導演和製片多方面的才能。
2005年 - 希德尼·魯邁特(Sidney Lumet) - 為他編劇和表演的才華。
2006年 - 羅伯特·奧特曼(Robert Altman) - 為表彰他一生為電影事業的貢獻。
2007年 - 埃尼奧·莫里康內(Ennio Morricone)為他在電影音樂做出傑出貢獻。
2008年 - 羅伯特-博伊(Robert Boy) - 為他傑出的美術設計 2009年 - 空缺
2010年 - 勞倫-白考爾(Lauren Bacall)羅傑-考曼(Roger Corman)高登-威利斯(Gordon Willis)
Ⅲ 有沒有什麼關於韓國電影歷史的書籍
1.《韓國電影史》(金美賢)作為工具書科普類還是可以了解和閱讀的
2.《韓國電影100年》(2000年之前的電影)同樣是工具書
3.《韓國電影:歷史、反抗與民主的想像》 韓國電影類書籍還是比較少的可以去豆瓣找找
Ⅳ 畢業論文想寫從從電影阿甘正傳解析美國文化,這個文獻綜述要怎麼寫好呢外文文獻資料怎麼找好呢
美國夢、樂觀主義——美國電影《阿甘正傳》反映的思想觀念和價值觀
【摘 要】電影反映人們的生活,思想觀念和價值觀。透過電影,觀賞者可以了解到不同國家人們的生活方式和他們對待生活的態度。美國電影《阿甘正傳》中的主人公阿甘一生的傳奇經歷,給我們留下了非常深刻的印象。通過這部電影,我們了解到了美國世代傳承的思想觀念和價值觀。本文旨在分析《阿甘正傳》這部電影所反映的這些美國思想觀念和價值觀,包括美國夢和美國人的樂觀主義。
【關鍵詞】美國電影 《阿甘正傳》 美國夢 樂觀主義
20世紀以來的100年,世界傳播事業和信息產業飛速發展。科學技術不斷進步,將人類帶入了信息社會。在信息時代,媒介扮演著越來越重要的角色。報紙、雜志、電視、電影等是較為先進的信息傳播活動形態。其中電影也許是最具影響力的傳媒。電影就像一個微觀世界,表現出不同的社會價值觀和思想觀念。
在美國電影中,「美國夢」和「樂觀主義」是常被涉及的主題。那什麼是「美國夢」呢?最具代表的關於「美國夢」的電影就是《阿甘正傳》。《阿甘正傳》 (1994)是由羅伯特•澤梅基斯導演,湯姆•漢克斯主演的一部「愚人電影」(反智電影)。該電影獲得了巨大成功——在1995年的第67屆奧斯卡金像獎角逐中,《阿甘正傳》一舉獲得13項提名,包攬最佳影片、最佳男主角、最佳導演、最佳改編劇本、最佳剪輯和最佳視覺效果六項大獎,還奪得了當年全美10大票房影片的首位,並在有史以來最賣座的影片排行榜上名列第四,4年後該片又進入美國史上最偉大的百部電影之列。因此《阿甘正傳》可以說是美國電影史上一部愚人電 影的神話。
一、《阿甘正傳》簡介
福瑞斯特•甘(阿甘)出生在上世紀中葉、美國南部阿拉巴馬州的綠茵堡鎮,由於父親早逝,他的母親獨自將他撫養長大。阿甘的智商只有75,但憑借跑步的天賦,他順利地完成大學學業並參了軍,隨後開赴越南戰場。在軍營里,他結識了「捕蝦迷」布巴和神經兮兮的丹•泰勒中尉。布巴在越戰中喪生,丹中尉失去了雙腿,阿甘則因為救人成了戰斗英雄。回國後,阿甘為了履行對布巴的承諾,買下了一艘破船開始捕蝦。一系列機緣巧合後,他不但化解了丹中尉的怨氣,還莫名其妙地累積了大量資產。不過,錢並不是阿甘所看重的東西。阿甘和女孩珍妮青梅竹馬,可珍妮有自己的夢想,不願平淡地度過一生……
二、《阿甘正傳》的主題
親情、友情和愛情一直是人類歷史上永恆的話題。圍繞著愚人文化這一背景,影片講述了發生在阿甘身上的親情、友情和愛情故事。阿甘自幼腿部殘疾而且智商低下,小鎮上的人都用異樣的目光看待阿甘,只有兩位女性關心、愛護他:母親給予了他偉大的母愛,珍妮則以純真的少女情懷溫暖著他的心。在母親心目中,阿甘不是負擔,而是上天對她的饋贈,她傾盡全力撫養阿甘,總有辦法找到最通俗易懂的語言讓他明白生活中的一些道理人生就如同一盒巧克力,你永遠無法知道你會嘗到什麼樣的味道」,「笨有笨的作為(傻人有傻福)」,並且為了能夠為他爭取於正常兒童同樣的生活學習機會,她甚至答應陪校長睡覺。
《阿甘正傳》表達了許多不同的主題,其中被導演反復強調的就是對生活永不放棄。這部電影不僅給人以情感上的教育,而且也是一部關於美國 20世紀50年代到1982年的社會史,非常值得一看。阿甘智商雖低,但他心地單純,信念堅定,做到了很多正常人想不到、做不到的事,在運動、戰場、商場都取得了非凡的成就。阿甘的人生歷程中穿插著美國戰後的一些重大事件,如貓王、披頭士樂隊、種族問題、越戰與反戰、水門事件、乒乓外交等等。阿甘的故事象一面多棱鏡一樣折射出生活的各個方面,引發觀眾對自己生活的思考。
三、《阿甘正傳》反映的美國思想觀念和價值觀——「美國夢」和「樂觀主義」
從《阿甘正傳》中我們能夠想到人們追逐已久的美國夢以及樂觀主義。美國夢是上個世紀的神話,是許多歐洲人為了追尋更好的生活而來到美國的目標。美國地廣人稀,到處都充滿著爆富的機會。今天,美國夢依然存在,大量亞洲人和拉美人把美國看成是實現夢想的搖籃。那到底什麼是美國夢呢?雖然已有些許變化,但卻有一個永不變化的主題:或成為富人,或成為體育英雄,或成為著名演員,或有參觀白宮和得到美國總統接見的機會 ,或通過勤奮刻苦成為一家跨國公司的董事。怎樣來實現這些夢想呢?人們需要做什麼呢?人們應該成為世界上跑得最快的人,或者要有最高的智商嗎?誰能回答這些問題?看過《阿甘正傳》後你就能知道,有這樣一個人,他參與了幾乎所有的美國大事,他很富有,參觀過白宮,還是一個體育英雄。他的生活是一個很好的例子,他告訴人們,在美國任何人都可以成功,即使你的智商極低。他就是阿甘。美國是一個具有「未來取向」的國家,這也決定了美國人的樂觀向上、積極進取等價值觀。但在60年代,青年一代為了表達對美國社會的種種黑暗和越南戰爭的不滿和反叛,以及對現實和未來的迷惘與困惑.選擇的是一種逃避現實、追求享樂、否定理性、強調本能的幻滅之路。性的解放、毒品帶來的幻游和遠離現實社會的流浪和群居生活是他們所選擇的生活方式。這也就是影片中珍妮和她的「嬉皮士」同伴的生活方式。但低智商的阿甘與他們完全不同。也許他的智商使他無法了解珍妮和那個時代的青年所做的事情,但他身上一直洋溢著一種美國人所特有的樂觀向上、積極進取。
雖然阿甘的智商極低,但另一方面,阿甘又是聰明的。他參觀了一所退伍兵專用醫院,用他高超的乒乓球技藝來愉悅他們。與此同時,電視里正在報道阿姆斯特朗登上月球的消息。然而沒人觀看這個人類的世紀創舉,他們都被這個低能兒的球技深深吸引。此時科學是乏味的,體育更加偉大。阿甘相信,蠢人才做蠢事,傻人有傻福。這也正是電影導演對阿甘成功生活的詮釋。他自己不認為自己是蠢人,他可以做任何他想做的事。這就是在美國成就一番事業,取得成功的砝碼。無論你是白人還是黑人,聰明還是愚蠢,你只需做到最好,然後取得成功。阿甘教給人們成功的鑰匙就是:你自己去決定你是做聰明人還是傻子吧。
美國人總是思考著未來的目標,他們說:「我們要把人類送到月球上去。」他們做到了。他們的國家在一片狹小的土地上由十三個殖民地建立起來,如今美國卻是世界上最大的國家之一。美國夢是真實的,古巴人來到美國成為棒球明星;每天數以千計的墨西哥人越過邊境線尋找工作,尋求更好的生活。只要你做出決定,擁有自己的目標,一切都能實現。
參考文獻:
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Ⅳ 關於世界電影史的發展
(1)電影的發明時期(1896年之前):此時期最豐富的期刊資料是科學雜志與攝影公報,在這些雜志、公報中,除了攝影機的說明和發明家取得的專利權之外,還可以找到有關活動形象的節目的報道,這些報道可以稱之為電影評論的最初雛形。
(2)先驅者的時期(1896—1908年):這時還沒有專門的電影雜志,但記述影片或電影放映的專欄和電影廣告卻可在專門報道演出的期刊上,特別是在報道雜耍場、音樂咖啡館和游藝戲院演出的期刊上找到。另外,在巡迴演出商主辦的同業刊物上也有關於電影的專欄,這些巡迴商人當時是影片的主要買主。
在影片出售成為通例的時期,從為影片所作的廣告中可以相當准確地斷定影片的發行日期。在影片的生產國,發行的日期一般同拍成的日期相近;而在國外,則可能相距頗遠,因為影片的出售可以因種種原因推遲到數月或數年之後。
影片發行商出版的目錄也是這個時期的另一主要原始資料。這些目錄總的說來大多標有日期,或者很容易根據各種材料的綜合來判定其具體的日期。有些發行商兼製片商,例如百代公司,還出版一些增刊,後來又變為月刊,這些刊物可作為編制影片年表的基礎。
這些目錄所列的影片普遍都有順序號,可以依此來編制影片年表,但要對編號採用的方法加以認真的研究。
以人們所熟知的最早的影片目錄,即盧米埃爾公司在1897—1905年間出版的目錄為例來說,它在1897年出版的頭五本目錄就列有標號的785部影片。這些影片起初是按類別排列,而不是依時間先後次序排列。人們可能認為,開頭的兩本目錄(共列有487部影片)是一個整體,而從第三本目錄起標號是以時間先後為序的,因為這本目錄一開頭便是《英國女王維多利亞即位五十周年紀念》的一些圖片,而這部影片是在1897年拍攝的。然而,1897年出版的第四本目錄卻在第653號上列出了那部著名的《火車到站》,該片卻是路易·盧米埃爾於1895年夏攝成的,與《出港的船》是同時期的影片,而後一影片卻列在第一本目錄上,標號為第6號。因此我們認為,在1897年的第四本目錄中列有幾部攝於1895年或1896年而在前三本目錄中被遺漏掉的影片。反之,第六本目錄倒可當作概略的年表,同1900年的目錄及作為其附錄的1901年補遺的四頁名單一樣。如果要確定發行的月份,那還須從時事雜志、官方的旅行日期以及國家葬禮、各種揭幕典禮、展覽會等方面的記錄上尋找精確的依據,當然也容易從新聞報紙和歷史著作中發現這些材料。
(3)1908—1920年之間:1908年之後,電影企業的發展引起同業刊物(周刊或月報)的出版。在法、英、德、美等國,許多同業刊物每期都按周刊登發行的影片,這樣,人們就可以依照這些影片在生產國最初發行的周次,為主要國家編制影片年表。在這些刊物上,人們也可以找到影片的故事梗概,有時還有主要演員的姓名,製片商或發行商的大名總是會有的,然而直到1915—1916年間,還幾乎從未看到導演的姓名,因此很難為無聲藝術時代的許多先驅者編出他們的影片目錄。
1908年之後,日報上廣告越登越多,有些日報還介紹一些主要電影院的上映節目,這就能使人們得以確定各國首都或大城市上映首批影片的日期。
(4)1920—1930年間:這個時期在各主要國家相繼產生了獨立的電影評論,同時,那些同業周刊也繼續發展,其讀者主要是「影迷」或電影創作者們。自此,導演的名字方被列出,他們的名字成了編制影片年表的主要關鍵,並且由此能夠輕而易舉地列出他們導演的影片目錄。
盡管這些同業刊物旨在大做廣告,招攬生意,可是它們提供的情況卻比早期專供電影愛好者們閱讀的雜志更為准確、更為詳細,後者除了對幾個大導演之外,對當時錯誤地被認為是不重要的影片漫不注意,時常不提這些影片的導演姓名,也不提共同製作者的姓名。
關於「無聲藝術」時期的情況,電影史家更應認真地查考同業的報刊及其年鑒。在這方面,特別要重視1920年以來紐約出版的《影片年鑒》,這是由《電影日報》社出版的,從中人們可以找到1918年至今美國發行的全部影片的細目和每三年編出的索引,列出這些影片的導演、攝影指導、編劇、主要演員等等的名字……
(5)1930—1945年間:這一時期出現了最早的電影史,在法國,萊昂·穆西納克和路易·德呂克是這方面的先驅者,在供專業人員、電影愛好者及「影迷」閱讀的出版物上,提供的情況也比以前更為准確。
關於有聲影片開始後的時期,可以根據當時的出版物,很容易地列出各國攝制的全部影片目錄,包括長片攝制的准確日期及其攝制合作者的全部名單。
丹麥的奧佛·勃魯森道夫在1940年後出版了一部電影創作者人名詞典和一部影片片名詞典。同樣,在大戰期間,英國電影學會的刊物《畫面與音響》也開始出版《影片索引》。
雖說關於一個導演的作品專述早在1920年就有一些先驅者從事此項工作——在法國最突出的是路易·德呂克——可是這些出版物卻給電影創作者的影片目錄規定了形式。以前,一個影迷,甚至一個電影史家要知道那些重要的日期真是困難重重。《畫面與音響》出版的第一期影片目錄是專記述查爾斯·卓別林的作品,標明他第一部影片的製作日期為1914年1月。而外國研究「夏爾洛」的專家,如法國的皮埃爾·勒普洛翁等人前此曾把卓別林開始拍片的日期定為1912年,這是因為他們未能研究美國的同業雜志所致。
(6)1945年以來:這時關於電影創作者的影片目錄大大增加,它們是由各種雜志或出版商刊印的。
五花八門的影片說明書(它們的不同樣式直到戰後才統一起來)也大大增多,尤其在近十年更是如此,電影學會、電影俱樂部以至各種文化組織都發行這種說明書。它們不是用來記述影片創作者,而是記述影片而印行的。僅以用法語印行的來說,這類說明書在1946年至1962年間就出了1500種(根據讓·朗博特收集的資料),有的說明書只是列印的一頁紙,但很多說明書卻是鉛印的,長達十頁或更多。
我們可以把義大利人首先印行的出版物(《多角叢書》)稱之為「影片分析」,這些小冊子按鏡頭號碼次序分析影片的蒙太奇,它們刊登一些從影片的拷貝翻印出來的照片,描述每一個鏡頭長多少米,合多少秒,等等……
這類出版物由於公眾的冷淡不能繼續出版。然而,自1955年以來,電影愛好者的增多又促進了影片分析的出版(法國在這方面尤為人注目的是《前台》雜志社發行的這類出版物),它依據正片拷貝在放大機下進行分鏡頭的研究。這類出版物的科學價值也許不如1946—1947年間義大利的出版物,但仍不失為一種參考材料,而且比起1920年以來專為「影迷」刊行的《影片故事》那種編輯極其草率的商業性出版物來,要嚴肅得多。
在許多國家,電影研究者、史學家、影評家、電影愛好者以及電影俱樂部的領導人等都出版了影片目錄、影片說明以及影片分析,相形之下本國影片的目錄卻為數不多,這類目錄主要是靠電影公司來出版的
Ⅵ 關於呂克貝松的參考文獻 關於他電影手法的文獻資料
呂克·貝松 (法文:Luc Besson;)1959年3月18日生於法國巴黎,法國導演,兼任製片、編劇、演員、剪輯等,因為屢創票房佳績,被譽為法國的斯皮爾伯格。這位影壇孤獨的探索者,即使是在他的商業巨片中,我們也可以感受到他對歷史和生命的終極認識,觸摸到他作為一名法蘭西戰士的心路歷程。
中文名: 呂克·貝松
外文名: LucBesson
國籍: 法國
出生地: 法國巴黎
出生日期: 1959年3月18日
職業: 導演,製片,編劇,演員,剪輯
代表作品: 《第五元素》《聖女貞德》
目錄
基本信息
人物介紹
成長經歷
人物爭議
成本遭疑
毫不動搖
電影戲路
獲得榮譽
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呂克·貝松
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基本信息
姓名:呂克·貝松
英文名:Luc Besson
出生地:法國巴黎
生日:1959年3月18日
星座:雙魚座
呂克·貝松
職業:法國導演,兼任製片、編劇、演員、剪輯等
語錄:電影,不過是一片阿司匹林
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人物介紹
呂克·貝松,法國導演,兼任製片、編劇、演員、剪輯等。因為屢創票房佳績,被譽為法國的斯皮爾伯格。作品節奏快捷、風格奢華,極具商業價值。有人稱他的電影實際上是美國片,只不過是在法國拍攝而已。呂克·貝松被認為是法國的斯皮爾伯格,事實上,這個稱號並不過份,在法國乃至歐洲大陸,呂克·貝松總是最吸引人們注意的導演。他的電影節奏明快,富於時尚感,風格詭異,幾乎每部影片都能激起人們的期待。
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成長經歷
呂克·貝松1959年3月18日生於法國巴黎,幼年的理想是做一名潛水運動員和航海家。但是17歲時的一次潛水事故打破了他的童年夢想。貝松很快調整了自己人生的目標。決心做一名電影製片人,於是19歲那年來到美國洛杉磯,學習了3個月的電影製作課程。並開始拍攝一些試驗短片。1983年,貝松的電影處
呂克·貝松
女作《最後的戰斗》問世,這部多次獲獎的黑白、寬銀幕的無聲科幻片,據說是23歲的他用3法郎六蘇拍成的。呂克·貝松似乎向世人證明了,在法國即使沒有受過專業的電影教育,找不到投資,依舊可以拍出與眾不同的電影。也正因如此,貝松曾經一度被奉為法國年輕導演的開路先鋒,不管他樂意不樂意這一稱呼。 《地鐵》和《碧海藍天》為呂克·貝松在國內和國際贏得了聲譽。雖然當年的法國凱撒獎有點吝嗇地僅僅將「最佳錄音」和「最佳音樂」獎授予《碧海藍天》.但是貝松卻公開表示這部影片是其導演生涯中最為得意的作品。畢竟,這部作品傾注了貝松少年時的激情和夢想,貝松終於可以用他的攝影機捕捉他童年時代所看到的海洋的光影和生命。影片中的潛水員傑克最後葬身大海,更確切的說,那是他真正的生存,傑克莫不就是貝松理想中的化身?
80年代的法國有所謂BBC年輕導演之說,即專指Beinex、Besson、Carax(貝內克斯、貝松、卡拉克斯)。這三位新銳導演盡管有很多相同與不同,但其最大的共同點卻是對藍色莫名其妙的偏愛。從貝內克斯1980年拍的《女歌星》開始,藍色就充滿了銀慕,卡拉卡斯則拍了《卑賤的血統》 ;而貝松的《碧海藍天》更是從片名到內容都藍色的調子。貝松苦心孤詣營造的對大海的嚮往和浪漫情懷自然是無人能比,其精彩的水下攝影恐怕令《鋼琴課》和《泰坦尼克號》的導演也受益匪淺。
《尼基塔》與《殺手萊昂》是呂克·貝松由藝術影片向商業影片的成功過渡。《尼基塔》講述了一個暴力團女成員是如何被改造為國家職業特工殺手的過程,其特工殺手的身份和她內心深處愛情和人性的萌動構成了這部影片的獨到之處,而《殺手萊昂》講述了一個渴望從善的殺手和一個渴望復仇從惡的女孩之間的故事。這部帶有藝術氣質的法國商業片至今仍是世界各國的電影學子們津津樂道的範例,其中的許多細節諸如萊昂身邊的那株綠色植物和「記住永遠不要殺婦女和孩子」等精彩對白令人難忘。單憑那株綠色的植物,就不是好萊塢的編劇所能想到的。《殺手萊昂》奪得了當年凱撒獎最佳影片獎,貝松則榮獲最佳導演獎。自90年代以來,法國藝術電影的繁榮將法國商業電影推到了一種尷尬的境地,在法國以外的地方,拍藝術電
呂克·貝松
影是需要很大勇氣的,因為你要面臨著嚴峻的生存問題,在法國則不同,如果一個電影藝術家要去拍迎合大眾口味的商業電影,則似乎要更大的勇氣。呂克·貝松就是這樣一位「不合時宜」的導演。
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人物爭議
80年代中期,貝松拍攝了《地鐵》,《碧海藍天》等藝術電影之後,被法國評論界稱為前途無限的年輕導演;90年代貝松在拍攝了《殺手萊昂》、 《第五元素》之後,卻受到了法國電影理論界的輕視。《第五元素》1997年在全球創下了2億7千萬美元的收益,名列當年世界電影的第三名,不管評論界如何評論這部電影,它向我們展示了一個法國導演眼中的未來世界,在電腦高科技與時空交錯的敘事中,帶給我們一絲不同於好萊塢大片的歷史和人文內涵。
呂克·貝松是當代法國電影影壇最受矚目且爭議最大的導演。盡管《第五元素》在商業上的成功使得法國最大的電影公司高蒙公司的營業額翻了一翻,但是貝松在國內卻常常被說成是向好萊塢電影投降的反面典型。為此,苦悶的貝松常常要飄浮過海去好萊塢尋覓知音。影片《第五元素》集科幻、驚險和打鬥於
呂克·貝松
一身,是歐洲有史以來第一部成本高達近一億美元的英語對白影片,顯示了法國電影人復興本國和歐洲電影業的決心和勇氣,影片榮獲1997年戛納國際電影節技術大獎,故事內容本是呂克·貝松在16歲時就開始構思,當時盧卡斯的《星球大戰》剛剛問世,顯然貝松的想像和構思與之相比還很不成熟。事隔20年之後,貝松依舊念念不忘少年時代的構想,經過20年的籌劃.該劇本具備了貝松前五部故事片的基本要素。雖然有評論認為《第五元素》似乎更像是一部法國未來主義的滑稽笑劇,認為不過是視覺效果做得好,但是1997年在第50屆夏納電影節開幕式上作為開幕影片放映的時候,這部表現人類未來23世紀的科幻片還是引起了轟動。影片中,布魯斯·威利斯扮演的主人公駕駛著他的那輛抗地球引力的黃色出租汽車飛越紐約城市上空的鏡頭,與盧卡斯的星際字宙飛船相比毫不遜色。當年那個看著《星球大戰》長大的貝松,20年後終於和盧卡斯站到了一起。
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成本遭疑
早在《碧海藍天》中,呂克·貝松就顯示出他對大製作和宏大場面的迷戀與追求。從《第五元素》和《聖女貞德》開始,貝松日漸游離他過去所從屬的那種電影形態,將目光瞄準了國際市場,不僅在類型方式上玩盡花招,還在製作成本上不斷升級,這也許就是貝松在本國遭到非議的主要原因。而此時的好萊塢也開始在世界各國招兵買馬,其首選就是吳宇森和呂克·貝松。貝松法國式的浪漫風情以及吳宇森東方味的英雄情結倍受好萊塢的青睬與模仿。貝松最終用《第五元素》和《聖女貞德》證明了娛樂大片不是好
呂克·貝松
萊塢的專利,法國人不僅能製造低成本、小製作的藝術電影,還能生產在全球盈利的商業巨片,一個法國人可以在美國的地盤上「與他們相抗衡」。今天的貝松似乎成了成功的榜樣,我們可以毫不猶豫地將他看作和斯皮爾伯格同一類型的商業片大導演,但殊不知貝松能夠走到今天,是付出了極大的代價的。 作為第一部高成本的歐洲影片,《第五元素》1997年夏天在影院公映的時候,開始票房並不令人樂觀,看慣了藝術影片的法國觀眾和受到好萊塢商業大片熏陶的美國觀眾並不抱有太多的興趣。影評人的反映也是貶大於褒,影片最為致命之處還在於它高達1億美元的巨額成本。但是奇跡出現了,《第五元素》居然克服了它的先天不足和不祥預兆,在不到一個月的時間里在幾個主要西方國家廣泛放映,影片是大賺了一筆
,但是評論界對貝松和這部影片依舊低調處理。
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毫不動搖
呂克·貝松並不因為這些評價動搖自己的追求和信念,他要拍一部法國人和美國人都叫好的影片。他的《聖女貞德》選取了歷史和現實,民族和國際的恰當交融,拍完之後好評如潮。聖出席活動照(20張)女貞德是法國人心目中的女神,她以自己的生命成就了一曲不朽的傳說。有關聖女貞德的影視作品不計其數,可是只有三部影片值得在電影史上留下一筆,他們分別是:德萊葉導演的為電影默片時代劃上精彩句號的《聖女貞德受難記》;布萊松導演的極度忠實於宗教情節和原審判材料的《聖女貞德受難》;呂克·貝松耗時三年拍攝的史詩性巨片《聖女貞德》。
布萊松的《聖女貞德受騅》僅僅截取了貞德受審和走向火刑架的一段史實,表現了女主人公的宗教信念和歷史的真實瞬間。而呂克·貝松的《聖女貞德》則展示了波瀾壯闊的英法百年戰爭和貞德作為一個少女和法蘭西戰士的浪漫情懷。和布萊松一樣,呂克·貝松也是法國影壇一位孤獨的探索者,也許這是這兩位不同時代的法國導演的唯一相同之處。也許正是這唯一的相同,才使得他們同樣偏愛貞德這個歷史人物,只不過他們詮釋歷史人物的方式有所不同。在呂克·貝松的導演手記里我們看到貝松對貞德的評價:貞德是我們的先祖,在她的信念和純真之間捕捉到的東西,又在她的時代失去,正像我們在自己的時代所失去的一樣。貝松在這部影片中表達了自己對於這段歷史的獨到思考:「難道人類的思想必得沿著如此曲折的道路,才能發現隱藏在邪惡背後的善良嗎?」
呂克·貝松這位影壇孤獨的探索者,即使是在他的商業巨片中,我們也可以感受到他對歷史和生命的終極認識,觸摸到他作為一名法蘭西戰士的心路歷程。無論是《碧海藍天》中的傑克,是《殺手萊昂》中的殺手,還是《聖女貞德》中貞德,我們都會感到:這就是呂克·貝松。
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電影戲路
貝松的電影戲路實際從第一部電影就已經基本定型,他電影中的人物歸納起來不出兩類:持槍
這個殺手不太冷海報
的女孩或女孩型女人,她們纖弱的外表與槍支暴力構成的強烈對比,是貝氏電影美學的重要成份;另一類人物就是與現實對抗的孤膽英雄,這又是一個人格分裂的人物。如果進行一些淺顯的心理分析的話,這其實是貝松人格中的陰陽兩面:外表堅強而內心脆弱的男人和外表脆弱而內心堅強的女人。凡由他編劇、執導的電影,故事都是圍繞著這樣的心理定式組成的。最後這部《天使安琪拉》是貝氏心理的一個總結:無依無靠的男孩躲在一個看似大膽的無賴的外殼下,等待著一個女人(天使)的救助。影片雖然是黑白的,但逃不掉貝松已經習
第五元素海報
慣的廣告美學的拍攝方法,片中呈現的巴黎是明信片式的,而男女主人公則是貝氏人物的一個延續。觀者從中可以探到貝松之為貝松的那個奇妙組合:生意人的頭腦加玩童心理加一點點多愁善感。
「貝松產品」的成功秘訣其實也很簡單,就是以文化共性取代個性,去除導演的自我中心,人物線條簡單,一切以故事為出發點,動作多、對話少、節奏快。的確,賣得最好的片子不等於拍得最好的片子,但不要以為印度的寶萊塢、美國的好萊塢、貝松的歐羅巴愚蠢到不明白這個道理,他們只是更接受市場的現實。
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獲得榮譽
【一】1985年憑借《地鐵》獲得第11屆法國電影愷撒獎十三項提名和三項獎
【二】1987年憑借《碧海情》獲得第14屆愷撒獎八項提名和兩項獎
【三】1989年憑借《尼基塔》獲得第16屆愷撒獎九項提名和一項獎
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主要作品
導演作品
阿黛拉的非凡冒險 The Extraordinary Adventures of Adèle Blanc-Sec(2010)
亞瑟和他的迷你王國2 Arthur et la vengeance de Maltazard (2009)
亞瑟和他的迷你王國 Arthur and the Invisibles(2006)
呂克·貝松
天使A Angel-A (2005)
聖女貞德 The Messenger: The Story of Joan of Arc (1999)
第五元素 The Fifth Element (1997)
這個殺手不太冷 Leon (1994)
亞特蘭蒂斯 Atlantis (1991)
尼基塔 Nikita (1990) 呂克·貝松導演的《第五元素》劇照(20張)
碧海藍天 Le Grand bleu (1988)
地下鐵 Subway (1985)
最後決戰 Le Dernier combat (1983)
編劇作品
阿黛拉的非凡冒險 The Extraordinary Adventures of Adèle Blanc-Sec(2010)
暴力街區2:終極 Banlieue 13 Ultimatum (2009)
颶風營救 Taken(2008)
亞瑟和他的迷你王國 Arthur and the Invisibles(2006)
的士速遞4 Taxi4 (2006)
天使A Angel-A (2005)
呂克·貝松
玩命快遞2 The Transporter 2 (2005)
狼犬丹尼 Danny the Dog (2005)
俠盜魅影 Bandidas (2005)
13區 Banlieue 13 (2004)
的士飈花 Taxi (2004)
暗流2:天使啟示錄 Crimson Rivers 2: Angels of the Apocalypse (2004)
鬱金香芳芳 fnfan la tulipe (2003)
車神 Michel Vaillant (2003)
的士速遞3 Taxi 3 (2003)
換命快遞 The Transporter (2002)
龍之吻 Kiss of the Dragon (2001)
企業戰士 Yamakasi - Les samouraï des temps modernes (2001)
綠芥刑警 Wasabi (2001)
光芒萬丈 Dancer, The (2000)
的士速遞2 Taxi 2 (2000)
聖女貞德 The Messenger: The Story of Joan of Arc (1999)
的士速遞 Taxi (1998)
第五元素 The Fifth Element (1997)
這個殺手不太冷 Leon (1994)
不歸路 Point of No Return (1993)
妮基塔 Nikita (1990)
碧海藍天 Le Grand bleu (1988)
地下鐵 Subway (1985)
最後決戰 Le Dernier combat (1983)
監製作品
家園 HOME (2009)
巴黎諜影《from Paris withl ove》(2010)
編輯本段
人物評價
呂克·貝松可算是法國電影界的頑童也是一個鬼才,他是最受觀眾歡迎的導演之一,但總得
呂克·貝松
不到影評的肯定,卻一而再、再而三創下票房紀錄。他固執,而且堅信自己的才氣,完全不理會他人的批評。他的父母親都是水上運動的高手,母親還是潛水教練。青少年時,他夢想成為海洋、海豚專家,但是17歲時因為一次潛水意外,讓他不得不放棄這個願望,轉向電影。盡管他再也無法潛入童年深愛的海底,但卻因此而成為90年代法國最具世界影響的導演,甚至被人稱為「歐洲的史蒂芬·斯皮爾伯格」。 呂克·貝松沒有受過任何訓練,就直接到電影廠里當雜工,從底層一步步做起。之後,他就到好萊塢去,到處走、到處看。回到法國後,他便決定開始拍片。那時,他住在一間小閣樓,和一個朋友湊了點錢就拍了一部科幻默片《最後決戰》,結果得到亞弗利亞茲科幻片的部分作品(19張)大獎,從此啟動了他的電影事業。
他的第二部影片是1985年執導的《地鐵》,獲第11屆法國電影愷撒獎十三項提名和三項獎;1987年的《碧海情》獲第14屆愷撒獎八項提名和兩項獎;1989年的《尼吉塔》獲第16屆愷撒獎九項提名和一項獎。短短的幾年取得如此的成績,這在法國中青年電影導演中堪稱鳳毛麟角。因此,呂克·貝松憑借自己的實力躋身於法國一流導演的行列。呂克.貝松作品的題材、樣式不拘一格,常常出人意外。《地鐵》
呂克·貝松
一片描寫了與地面世界相對應的巴黎地鐵這一完整的地下世界,描寫了生活於其中的人們的生活、情感與遭遇;接下來的一部《碧海情》則以廣闊無垠的大海為主角,展現了其令人難以抗拒的魅力,及人們對它的深深的眷戀;《尼吉塔》又將筆觸深入到人的內心世界,謳歌了
愛對人性復甦的巨大功能; 《大西洋島》 (1991)再次將目光投向海洋,是一部表現海洋生物的充滿詩情畫意的記錄片……每一部都有創新,每一步都不循舊路。這就是呂克·貝松的特色。呂克·貝松被認為是法國的斯皮爾伯格,事實上,這個稱號並不過份,在法國乃至歐洲大陸,呂克·貝松總是最吸引人們注意的導演。他的電影節奏明快,富於前沿時尚,風格詭異,幾乎每部影片都能激起人們的期待。
Ⅶ 英文電影發展史
這個也太有難度了吧,非得專業人士不行啊,建議你還是直接娶你老師那邊索要得了,呵呵,大不了請吃頓飯完事!